Die Rolle biomorpher Formen in der abstrakten Kunst

Biomorphismus stammt von den griechischen Wörtern bio, was Leben bedeutet, und morphe, was Form bedeutet. Es bedeutet jedoch nicht Lebensform. Vielmehr beschreibt es die Tendenz, das Aussehen oder die Eigenschaften eines lebenden Wesens zu zeigen. Obwohl es wissenschaftlich klingt, wurde der Begriff erstmals verwendet, um biomorphe Kunst in der Cubism- und Abstract Art-Ausstellung von 1936 im MoMA zu beschreiben. Der Katalog für diese Ausstellung, verfasst von Alfred H. Barr, definierte Biomorphismus als: „Kurvilinear statt rectilinear, dekorativ statt strukturell und romantisch statt klassisch in seiner Erhebung des Mystischen, des Spontanen und des Irrationalen.“ Barr prägte den Begriff, um den Zuschauern die Natur einer bestimmten Art von Abstraktion zu erklären, die seit den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts in der modernen Kunst auftauchte. Biomorphe Abstraktion integriert eine visuelle Sprache, die auf biomorphen Formen basiert – bulböse, üppige, prächtige Formen –, die weder repräsentativ noch geometrisch sind, sondern unheimlich vertraut; die Menschen erkennen sie und verbinden sich auf einer primären Ebene mit ihnen, obwohl sie sie noch nie zuvor gesehen haben.

Die Wurzeln der Biomorphie

Ein französischer Philosoph namens Henri Bergson äußerte erstmals in den frühen 1900er Jahren die Konzepte, die dem Biomorphismus zugrunde liegen. Zu dieser Zeit war die vorherrschende Einstellung der intellektuellen Klasse, dass Vernunft und Wissenschaft die besten, wenn nicht sogar die einzigen Wege waren, die reale Welt zu verstehen. Eine besonders beliebte Sichtweise auf die Welt war die teleologische Perspektive. Die Teleologie besagt, dass alles zwei Arten von Zwecken hat: natürliche, angeborene oder intrinsische Zwecke und unnatürliche, auferlegte oder extrinsische Zwecke. Zum Beispiel wäre der intrinsische Zweck einer Blumenzwiebel, zu einer Blume zu wachsen. Der extrinsische Zweck einer Blumenzwiebel wäre, Einnahmen für den Besitzer eines Blumenzwiebelgeschäfts zu generieren.

Henri Bergson glaubte, dass Zweck weder intrinsisch noch extrinsisch war, sondern formbar, unknowable und vielleicht nicht existent im Sinne, dass er nicht objektiv definiert werden konnte. Er glaubte, dass Intuition, basierend auf Erfahrung und Instinkt, ebenso wichtig, wenn nicht sogar wichtiger war als Wissenschaft und Logik. Er erklärte, dass Kreativität sich auf die gleiche Weise wie die Natur entwickelt, durch Prozesse der Fruchtbarkeit, Mutation und das, was er als unvorhersehbare Neuheit beschrieb. Er fühlte, dass es eine Grenze für die Vernunft und das, was geplant werden konnte, gab, und dass Zufälligkeit sowohl in der natürlichen Welt als auch in der kreativen Arbeit von Künstlern von entscheidender Bedeutung war. Vital für seine Philosophie war Automatismus; die Idee, dass natürliche Systeme und kreative Individuen unabhängig und unvorhersehbar handeln können, ohne Präzedenzfall oder Erklärung.

Wassily Kandinsky - Studie für Komposition II, 1910. 97,5 x 130,5 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, NY, USA

Biomorphe Kunst

Die Ideen, die Bergson vorschlug, standen im krassen Gegensatz zu der analytischen Herangehensweise, die viele Künstler an ihre Arbeit hatten. Eine der frühesten ästhetischen Manifestationen der natürlichen Prozesse, die Bergson beschrieb, war das Gemälde Le Bonheur de Vivre von Henri Matisse. Das Gemälde ist figürlich, aber abstrakt. Es zeigt Menschen, die nackt in einem paradiesischen Eden entspannen. Biomorphe Formen bilden die natürliche Umgebung, und die menschlichen Formen sind korpulent und organisch aussehend. Die natürliche Umgebung scheint sich in einem Zustand des Wandels zu befinden, und die visuelle Sprache, die sie mit den menschlichen Figuren teilen, impliziert, dass die Menschheit ebenfalls mit dem sich ständig weiterentwickelnden Zustand der Natur verbunden ist. Die Ästhetik dieses Gemäldes bildete die Grundlage für das, was als biomorphe Abstraktion angesehen werden sollte.

Biomorphe Abstraktion war für viele Maler eine Alternative zum intentionalen Formalismus, der die präzisen, geometrischen abstrakten Tendenzen von Stilen wie Konstruktivismus und Konkreter Kunst dominierte. Wassily Kandinsky war besonders an den spirituellen und musikalischen Aspekten der abstrakten Kunst interessiert. Er kombinierte biomorphe Formen mit den geometrischen Linien und Formen in seinen frühesten, rein abstrakten Gemälden. Obwohl der Maler Joan Miró darauf bestand, dass seine Gemälde nicht abstrakt, sondern repräsentativ für die Traumbilder waren, die er in seinem Kopf sah, integrierte er auch berühmt biomorphe Formen in seinen ikonischen, idiosynkratischen Stil.

Henri Matisse - Le Bonheur de Vivre (Das Leben der Freude), 1905-1906. Öl auf Leinwand. 175 x 241 cm. Barnes Foundation, Lower Merion, PA, USA

Biomorphe Skulptur

Kurz nach seinem Auftreten in abstrakten Gemälden fand der Biomorphismus seine Stimme in den dreidimensionalen Künsten. Der erste biomorphe abstrakte Bildhauer war Jean Arp. Er integrierte zunächst biomorphe Formen in seine Wandreliefs, die eierähnlichen Objekten ähnelten, mit Formen, die in Formen nisteten. Dann erweiterte er sich, indem er biomorphe Skulpturobjekte in einer riesigen Bandbreite von Formen und Größen schuf und im Laufe seiner Karriere allmählich eine immense Sprache organischer, natürlicher Formen entwickelte.

Die Sprache der bulbösen Formen, die Arp geschaffen hat, wurde zu einer tiefgreifenden Inspiration für die beiden britischen Bildhauer der Mitte des 20. Jahrhunderts, die die Sprache der modernistischen biomorphen abstrakten Skulptur wirklich definierten. Der erste war Henry Moore, der Biomorphismus nutzte, um die wesentliche Verbindung zwischen Natur und Menschheit auszudrücken, und am besten für seine monumentalen biomorphen Abstraktionen von liegenden menschlichen Figuren bekannt ist. Die andere war Barbara Hepworth, die eine riesige Palette von Materialien und Techniken verwendete und die Sprache des Biomorphismus in ihrem monumentalen Werk erheblich erweiterte.

Joan Miró - Gemälde, 1933. Öl auf Leinwand. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Surrealismus und die andere Morph

Einer der einflussreichsten Stile, auf den der Biomorphismus Einfluss genommen hat, war der Surrealismus. Yves Tanguy malte unheimliche, seltsam lebensechte, aber entfremdete Formen in seinen trostlosen surrealistischen Landschaften. Ihr grelles Licht und die unnatürlichen Umgebungen rufen apokalyptische Vorstellungen hervor, und die Formen selbst wirken mehr wie Knochen und Überreste als wie das Leben selbst. In der Zwischenzeit bewohnen die schmelzenden, tropfenden, sich ständig verändernden Formen in den Gemälden von Salvador Dali einen Raum irgendwo zwischen Leben und Tod. Selbst das, was aus Stein zu bestehen scheint, droht in seinen traumhaften Bildern zum Leben zu erwachen.

Die surrealistische Verwendung biomorpher Formen fügt der Studie der biomorphen abstrakten Kunst eine zusätzliche interpretative Ebene hinzu. Diese Maler hatten eine besondere Verbindung zum Wurzelwort morphe. In der griechischen Mythologie ist Hypnos der Gott des Schlafes. Sein Sohn heißt Morpheus und ist der Gott der Träume. Der Surrealismus basierte auf dem Studium des Unterbewusstseins und wurde stark von der Traumwelt beeinflusst. In diesem Sinne war er die ultimative Manifestation der Biomorphie, da er auf wahrem Automatismus beruhte, dem perfekten Ausdruck von Freiheit und unvorhersehbarer Neuheit, und er bewohnte auch das Reich des Morpheus, des Gottes der Träume. 

Die zeitgenössische biomorphe Tradition

Heute haben biomorphe Formen einen Platz im allgemeinen ästhetischen Lexikon der abstrakten Kunst gefunden, und viele zeitgenössische Künstler integrieren die Traditionen des Biomorphismus in ihre Arbeiten. Der in Los Angeles ansässige abstrakte Maler Gary Paller erforscht diese Traditionen direkt, indem er intuitive, geschichtete Kompositionen organischer Formen schafft, die zusammen zu nisten scheinen, umhüllt von den Rhythmen von Prozess und Evolution. Und der in Boston geborene New Yorker Künstler Dana Gordon integriert biomorphe Muster in seine Erkundungen formellerer abstrakter Anliegen, wie Farbe, Struktur und Linie.

Obwohl das grundlegende Denken hinter der Biomorphie als Reaktion auf Rationalität und Wissenschaft entstand, hat die Entwicklung der Biomorphie in der Kunst uns geholfen zu erkennen, dass die Menschen sich nicht mehr zwischen Vernunft und Instinkt entscheiden müssen. Sie hat uns geholfen, die rationale, analytische Seite unserer Natur mit der unheimlichen, natürlichen Schönheit der biomorphen Welt zu verbinden, die Alfred H. Barr als das „mystische, das Spontane und das Irrationale“ bezeichnete.

Vorschaubild: Yves Tanguy - Ich erwarte dich, 1934. Öl auf Leinwand. 28 1/2 x 45 Zoll. (72,39 x 114,3 cm) Rahmen: 35 × 50 × 1 Zoll. (88,9 × 127 × 2,54 cm). LACMA Sammlung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio