Die Berühmtesten Gemälde von Pablo Picasso (Und Einige Abstrakte Nachfolger)

Es ist keine einfache Aufgabe, die berühmtesten Pablo Picasso Gemälde zu quantifizieren. Pablo Picasso (sonst bekannt unter seinem vollständigen Taufnamen Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno de los Remedios Crispín Cipriano de la Santísima Trinidad Ruíz y Picasso!) ist im Guinness-Buch der Rekorde als der produktivste professionelle Maler der Geschichte gelistet. Er schuf zwischen 1.300 und 1.900 Gemälde zwischen dem Beginn seines Kunstunterrichts im Alter von 7 Jahren und seinem Tod mit 91. Am bemerkenswertesten ist jedoch nicht die Anzahl von Picassos Gemälden, sondern wie viele davon als Meisterwerke gelten. In dem Bewusstsein, dass keine Picasso-Top-Liste unumstritten sein kann, umfasst unser bescheidener Versuch berühmte Werke aus jeder seiner vielen Phasen und wirft Licht auf die Gesamtheit seiner beeindruckenden Karriere.

Und wir beschlossen, der Aufgabe eine Prise Komplexität hinzuzufügen: Picasso war größtenteils ein figurativer Maler. Er malte Menschen, Stiere, Gitarren und Kriege. Dennoch legten seine radikalen Innovationen den direkten Grundstein für die abstrakte Kunst, die folgte. In diesem Artikel wollen wir diese Linie erforschen, indem wir jedes seiner ikonischen Meisterwerke mit einem „Zeitgenössischen Echo“ paaren, einem abstrakten Künstler aus dem IdeelArt-Katalog, dessen Werk mit dem spezifischen Geist, der Technik, der Komposition oder dem emotionalen Gewicht von Picassos Original in Resonanz steht. Während die Verbindung eines Porträts eines Teenagers von 1905 mit einem abstrakten Gemälde von 2026 eher eine Übung in Interpretation als eine direkte Nachfolge ist, glauben wir, dass diese Paarungen einen faszinierenden Dialog zwischen der Geschichte der modernen Kunst und ihrer lebendigen, atmenden Zukunft offenbaren.

Die Blaue Periode (1901 - 1904) 

Diese Epoche ist nach den blauen Farbtönen benannt, die in so vielen von Picassos Gemälden aus dieser Zeit vorherrschen. Picasso selbst führte seine Entscheidung, nur in Blau zu malen, auf die Depression zurück, die er nach dem Tod seines Freundes Carlos Casagemas empfand, der sich in einem Pariser Café selbst in den Kopf schoss. Eines der beliebtesten Werke aus dieser Zeit ist Der alte Gitarrist (1903). Es zeigt einen alten, abgemagerten Mann in zerlumpter Kleidung, der auf den Straßen von Barcelona über seiner Gitarre gebeugt ist.

Pablo Picasso - Der alte Gitarrist, 1903. The Art Institute of Chicago. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dieses Gemälde ist mehr als ein Porträt der Armut; es ist eine tiefgründige Meditation über den Trost der Kunst. Die verlängerten Gliedmaßen und die kantige Haltung der Figur zeigen Picassos tiefgehendes Studium des spanischen Meisters El Greco und verbinden modernes Leiden mit kunsthistorischer Tradition. Die Gitarre, das einzige Element im Gemälde, das sich leicht vom allgegenwärtigen Blau abhebt, symbolisiert Kunst als Lebensader, eine Quelle von Wärme und Überleben in einer kalten Welt.

Picasso war kein abstrakter Künstler, doch seine Blaue Periode beruht auf einem Prinzip, das die Abstraktion definiert: dass Farbe selbst eine Emotion ist. Er nutzte Blau, um eine Atmosphäre der Stille und Introspektion zu schaffen.

Heute führt der schottische Künstler Eric Cruikshank diese Logik zur absoluten Konsequenz. Wo Picasso auf die Figur des Bettlers setzte, um Traurigkeit zu vermitteln, fragt Cruikshank, ob Farbe allein ausreicht, um das Gewicht des Gefühls zu tragen. Mit einem rigorosen, subtraktiven Prozess, bei dem er seine eigenen Pinselstriche entfernt, schafft Cruikshank „Schleier“ atmosphärischer Farbe, die, wie Picassos Blau, die schwer fassbare Erinnerung an ein Gefühl einfangen, statt ein wörtliches Bild der Welt zu zeigen. Er beweist, dass man keine Gitarre braucht, um ein Lied zu malen.

Eric Cruikshank - P076, 2024

Die Rosa (Pink) Periode (1904 – 1906) 

Im Jahr 1904 verliebte sich Picasso in Fernande Olivier und veränderte die Richtung seines Stils auf zwei tiefgreifende Weisen. Erstens, in einem Übergang von Trauer zu Romantik, hörte er auf, in Blautönen zu malen, und wechselte zu Schattierungen von Rosa, Orange und Erdtönen. Zweitens entfernte er sich von akribischen Darstellungen der menschlichen Form hin zu stilisierteren menschlichen Darstellungen. Das berühmteste Beispiel aus dieser Zeit ist Junge mit Pfeife.

Pablo Picasso - Garçon à la Pipe (Junge mit Pfeife), 1905. Helen Birch Bartlett Memorial Collection. 1926.253. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Das Motiv ist „P’tit Louis“, ein örtlicher jugendlicher Landstreicher, der Picassos Atelier in Montmartre häufig besuchte. Während das Gemälde eine melancholische Stimmung bewahrt, signalisieren der Rosenkranz und der florale Hintergrund eine Abkehr von der Verzweiflung der Blauen Periode. Der Blick des Jungen ist distanziert, fast mystisch, und die Pfeife, die er hält, ungewöhnlich in seiner Hand positioniert, dient als Symbol für das bohèmehafte Leben und die Introspektion. Dieses Werk markiert einen entscheidenden Moment, in dem Picasso beginnt, Stimmung und Lyrik über strikten Realismus zu stellen und ein Bild jugendlicher Zerbrechlichkeit schafft, das sowohl zeitlos als auch eindringlich ist.

In seiner Rosa Periode ging Picasso über die einfache Darstellung hinaus, um eine Stimmung einzufangen – ein Gefühl von Zerbrechlichkeit und Poesie, das zwischen dem Motiv und dem Betrachter existierte.

Heute verfolgt die in Paris ansässige Künstlerin Macha Poynder eine ähnliche poetische Ambition durch Abstraktion. Beeinflusst von der Philosophie, dass „Farben Klänge sind“, schafft sie Kompositionen, die wie visuelle Akkorde funktionieren. So wie Picasso die Farbe Rosa nutzte, um die emotionale Tonart seiner Arbeit von Verzweiflung zu zerbrechlicher Wärme zu verschieben, verwendet Poynder geschichtete Farbwäschen und lyrische, kalligraphische Linien, um „Fenster zu schaffen, in denen das Sichtbare und Unsichtbare sich berühren.“ Ihre Arbeit beweist, dass das „Poetische“ in der Kunst nicht das Thema betrifft, sondern die Resonanz der Oberfläche selbst.

Macha Poynder  - Wir sind alle Phönixe, auch wenn wir es nicht wissen - 2020

Afrikanische Periode (1907 – 1909) 

Beeinflusst von iberischen Skulpturen und afrikanischen Masken, befreite sich Picasso vollständig von der traditionellen Perspektive. Gleichzeitig ließ er sich von der Flächigkeit der späteren Werke von Paul Cézanne inspirieren, der 1906 starb. In dieser Zeit schnellen Experimentierens reduzierte Picasso die visuelle Sprache seiner Gemälde erheblich und neigte immer mehr zur Abstraktion. Das bedeutendste Gemälde aus dieser Periode ist Les Demoiselles d'Avignon, das als proto-kubistisch gilt, da es alle wesentlichen Elemente enthält, die diesen Stil schließlich definieren sollten.

Das Gemälde zeigt fünf nackte Frauen in einem Bordell, deren Körper in scharfe, gezackte Ebenen zerbrochen sind, die den Raum, den sie einnehmen, zu durchschneiden scheinen. 

Pablo Picasso - Les Demoiselles d'Avignon, 1907. Museum of Modern Art, New York. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Das war nicht nur ein neuer Stil; es war ein Akt der Aggression gegen die „höfliche“ Kunst der Vergangenheit. Die beiden Figuren rechts tragen maskenartige Gesichter, die dem westlichen Schönheitskanon erschreckend fremd sind. Indem Picasso die Figur mit dem Hintergrund verschmolz und mehrere Blickwinkel gleichzeitig zeigte, malte er nicht nur eine Szene, sondern demontierte die Art und Weise, wie wir Realität sehen. Diese radikale Dekonstruktion legte den direkten Grundstein für den Kubismus.

Die amerikanische Malerin Susan Cantrick ist eine zeitgenössische Erbin dieser intellektuellen Linie. Ihre Arbeit verwendet das, was Kritiker als „die Mittel eines Kubisten, der Raum zerlegt und neu erschafft“ bezeichnet haben. Wie Picasso verbindet sie harte architektonische Strukturen mit fließenden, gestischen Markierungen und schafft eine „hybride“ visuelle Sprache. Aber wo Picasso den menschlichen Körper zerbrach, zerlegt Cantrick den Akt der Wahrnehmung selbst, indem sie die Leinwand in „digitale und analoge“ Schichten aufteilt, um die komplexe, fragmentierte Art zu zeigen, wie wir Informationen in der modernen Welt verarbeiten.

Susan Cantrick - SBC 227 - 2019 - ©die Künstlerin

Kubismus & Collage (1908 – 1912) 

Neben der Erfindung von Kubismus, der die Renaissance-Tradition der Ein-Punkt-Perspektive zerschmetterte, Picasso und sein Zeitgenosse Georges Braque begann gleichzeitig damit, „echten“ Schutt in seine Leinwände einzufügen. Dieser Schritt stellte die Definition dessen, was ein Gemälde sein kann, infrage. Eines der berühmtesten Werke aus dieser Zeit ist Stillleben mit Stuhlgeflecht (1912). 

Pablo Picasso - Stillleben mit Stuhlgeflecht, 1912. Musée Picasso. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dieses kleine, ovalförmige Werk gilt weithin als die erste feine Kunst-Collage. Picasso klebte ein Stück Ölzeug mit einem Stuhlgeflechtmuster direkt auf die Leinwand und rahmte es mit einem Stück Seil ein. Indem er massenproduzierte, industrielle Materialien in eine „hohe Kunst“-Komposition einbezog, verwischte Picasso die Grenze zwischen Kunst und Objekt, Realität und Illusion. Es war ein konzeptueller Sprung, der die Tür für alles von Dadaismus bis Pop Art öffnete und bewies, dass die Materialien der Straße ins Museum gehörten.

Picassos Einführung von Seil und Ölzeug bewies, dass Malerei nicht flach sein muss. Sie kann eine physische Konstruktion aus der Welt selbst sein.

Der britische Künstler Anthony Frost führt dieses Erbe mit roher Energie fort. Anstatt Illusionen von Textur zu malen, baut er seine Oberflächen aus den Rohmaterialien seiner Küstenumgebung auf – Segeltuch, Obstnetze, Jute und Bimsstein. So wie Picasso Seil verwendete, um seine Komposition zu rahmen, nutzt Frost industrielles Netz und Gummi, um reliefartige Schichten zu schaffen, die aus der Leinwand herausragen. Seine Arbeit ist ein direkter Nachkomme der Collage-Revolution: eine Erinnerung daran, dass Kunst nicht nur ein Bild zum Anschauen ist, sondern ein physisches Objekt, das erlebt werden will.

Anthony Frost - Crackloud - 2018 - ©der Künstler

Neoklassizismus (1918 - 1928) 

Im Jahr 1918, kurz vor dem Ende des Ersten Weltkriegs, heiratete Picasso seine erste Frau, Olga Khokhlova, eine Ballerina der Ballets Russes. Die Nachkriegszeit brachte eine "Rückkehr zur Ordnung" in der europäischen Kunst mit sich, und Picasso folgte diesem Trend, indem er sich vorübergehend von der Fragmentierung des Kubismus entfernte und einen monumentalen, skulpturalen Stil annahm, der vom französischen Meister Ingres inspiriert war.

Ein perfektes Beispiel ist Portrait of Olga in an Armchair (1918).

Pablo Picasso - Portrait d'Olga dans un fauteuil (Porträt von Olga in einem Sessel), 1918. Musée Picasso Paris, Paris, Frankreich. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Dieses Gemälde ist eine Meisterklasse in Spannung. Picasso stellt Olgas Gesicht mit fotografischer, porzellanähnlicher Präzision dar und hält sich an strenge klassische Regeln. Den Rest der Leinwand lässt er jedoch in einem Zustand des bewussten "non-finito" (unvollendet). Der Sessel ist ein flaches grafisches Muster, und das Kleid löst sich in eine rohe, lineare Skizze vor dem leeren Hintergrund auf. Durch die Gegenüberstellung von extremem Realismus und leerer Leinwand behauptet Picasso, dass ein Gemälde kein Fenster zur Realität ist, sondern eine konstruierte Oberfläche, auf der das Fertige und das Unfertige koexistieren können.

In diesem Porträt zeigte Picasso, dass ein leerer Raum nicht „nichts“ ist: Er ist ein aktives Gestaltungselement. Er nutzte die rohe Linie, um das Volumen des Kleides zu definieren, ohne es auszufüllen.

Die französische Künstlerin Marie de Lignerolles baut ihre Praxis genau auf diesem Prinzip auf. Ihre Arbeit erforscht die Konzepte der „Gegenform“ und der „Leere“ und behandelt den leeren Raum als eine „Präsenz innerhalb der Abwesenheit“. Wie Picasso bei der Behandlung von Olgas Kleid verwendet de Lignerolles die Linie als primäres Strukturwerkzeug und lässt das Weiß des Papiers genauso viel Gewicht haben wie die Farbe. Sie beweist, dass in der Kunst das Weglassen oft genauso wichtig ist wie das Hinzufügen.

Marie de Lignerolle - Méditerranée - 2024 - ©der Künstler

Surrealismus (1928 - 1948) 

Ende der 1920er und Anfang der 30er Jahre, beeinflusst von der surrealistischen Bewegung und seiner leidenschaftlichen Affäre mit Marie-Thérèse Walter, begann Picasso, die menschliche Figur auf radikal neue Weise zu verzerren. Diese Ära brachte einige seiner sinnlichsten und psychologisch aufgeladensten Werke hervor.

Zwei Schlüsselbeispiele aus dieser Periode sind Figuren am Meer (1931) und Der Traum (1932) (siehe Header-Bild).

Pablo Picasso - Figuren am Meer, 1931. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

In Figuren am Meer werden zwei in einen Kuss versunkene Figuren auf glatte, biomorphe Formen reduziert, die eher wie verwitterte Steine oder Knochen als menschliche Anatomie aussehen. Es ist eine groteske, aber zärtliche Darstellung von Verlangen, die das Wörtliche entkleidet, um eine psychologische Wahrheit zu offenbaren. Ähnlich zeigt Der Traum Marie-Thérèse in einem Zustand erotischer Träumerei, ihr Gesicht durch ein phallisches Profil geteilt, ihr Körper in weichen, geschwungenen Linien dargestellt, die die Flüssigkeit des Unterbewusstseins widerspiegeln. Zusammen zeigen diese Werke Picassos Meisterschaft im Biomorphismus, indem sie den Körper in eine Landschaft seltsamer, weicher Formen verwandeln, um die verborgene Welt der Träume und des Verlangens auszudrücken.

Picasso nutzte diese surrealen, organischen Formen, um zu zeigen, wie das Unterbewusstsein die Realität verzerrt und die menschliche Gestalt in etwas Flüssiges und Zelluläres verwandelt.

Die zeitgenössische Künstlerin Daniela Marin erforscht diese gleiche „innere Landschaft“. Ihre Gemälde sind lebendig mit „lebendigen, protozoischen Formen“ und sich schlängelnden Figuren, die die organischen, biologischen Kurven von Picassos surrealistischen Gestalten widerspiegeln. Im Spannungsfeld zwischen Spannung und natürlicher Harmonie schlägt Marin eine Welt vor, in der mikroskopisches Leben und menschliche Emotionen sich verweben und die surrealistische Tradition fortführen, nach innen zu blicken, um die Formen der Natur zu finden. 

Daniela Marin - Bario Tropico XI - 2023 - ©der Künstler

Guernica (1937) 

Von 1936 bis 1939 befand sich Spanien in einem Bürgerkrieg zwischen nationalistischen und republikanischen Kräften. Die Nationalisten standen in Verbindung mit faschistischen Mächten in Deutschland und Italien. Im Frühjahr 1937 bombardierten deutsche und italienische Flugzeuge auf Wunsch der spanischen Nationalisten das baskische Dorf Guernica. Dies war das erste Mal, dass eine moderne Luftwaffe eine unbewaffnete Zivilbevölkerung angriff. Anfang des Jahres hatten die spanischen Republikaner Picasso beauftragt, ein Wandbild für die Weltausstellung 1937 in Paris zu malen. Das Werk, das Picasso für die Ausstellung schuf, reagierte auf die Bombardierung: es war Guernica.

Pablo Picasso - Guernica, 1937. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Weitgehend als Picassos Meisterwerk angesehen, zeigt Guernica eine albtraumhafte Szene mit verdrehten Körpern und schreienden Tieren zwischen städtischen Ruinen. Ästhetisch verbindet es die Fragmentierung des Kubismus mit der Albtraumlogik des Surrealismus. Indem Picasso seine Farbpalette auf strenges Schwarz, Weiß und Grau beschränkte, rief er die raue Unmittelbarkeit der Zeitungsfotografie hervor und verwischte die Grenze zwischen bildender Kunst und Journalismus. Es bleibt die ultimative Antikriegserklärung, der Beweis, dass Kunst eine Waffe gegen Brutalität sein kann.

Picasso malte Guernica, damit die Welt nicht wegsehen konnte vor einem Massaker. Er bewies, dass der Künstler die moralische Pflicht hat, Zeuge der Zerstörung zu sein.

Der deutsche Künstler Reiner Heidorn trägt diese Rolle des „visuellen Zeugen“ ins 21. Jahrhundert, doch sein Fokus verlagert sich von der Zerstörung des Krieges zur Zerstörung des Planeten. Mit seiner charakteristischen „Dissolutio“-Technik schafft Heidorn massive, immersive Ölgemälde, die den Klimawandel und die sich auflösende Beziehung zwischen Menschheit und Natur thematisieren. So wie Picasso das Wandbildformat nutzte, um den Betrachter mit der Gewalt seiner Zeit zu konfrontieren, verwendet Heidorn Größe und intensive, auflösende Texturen, um uns mit der „ökologischen Gewalt“ unserer Zeit zu konfrontieren und fordert uns auf, nicht wegzuschauen vor dem Verschwinden der natürlichen Welt.

Reiner Heidorn - Nightplants - 2025 - ©der Künstler

Nach dem Zweiten Weltkrieg

Bis zu seinem Tod 1973 schuf Picasso weiterhin Kunst und griff oft auf die Methoden und Stile zurück, die er früher in seinem Leben erforscht hatte. Nach dem Zweiten Weltkrieg zog Picasso in den Süden Frankreichs und trat in seine letzte, produktive Phase ein. Er war der berühmteste lebende Künstler der Welt geworden und erhielt Aufträge für alles von großflächigen öffentlichen Werken bis hin zu gewöhnlichen Haushaltsgegenständen. 1953 lernte er die Frau kennen, die seine zweite Ehefrau werden sollte, Jacqueline Roque. Picasso war damals 72; Jacqueline 27. Er malte sie mehr als jede andere Frau in seinem Leben: über 400 Mal in nur 20 Jahren. Ein eindrucksvolles Beispiel für diese Obsession ist Jacqueline mit Blumen (1954).

Pablo Picasso - Jacqueline mit Blumen, 1954. Musée Picasso, Paris, Frankreich. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

In diesem Porträt verlässt Picasso die sanften Kurven seiner früheren Geliebten zugunsten eines starren, hieratischen Stils. Jacqueline wird mit einem verlängerten Hals und weit aufgerissenen Augen (ihr Markenzeichen) dargestellt, die einer modernen Sphinx ähneln. Die Farbe wird mit einem neuen Gefühl von Dringlichkeit und Schnelligkeit aufgetragen, was den rohen, „unentwickelten“ Stil seiner letzten Jahre vorwegnimmt. Damals wurden diese späten Werke von Kritikern als Gekritzel eines senilen alten Mannes abgetan; heute werden sie als Vorläufer des Neo-Expressionismus anerkannt und für ihre Wildheit und Freiheit gefeiert.

In seinen Porträts von Jacqueline hörte Picasso auf, „perfekt“ sein zu wollen. Er malte mit roher, grafischer Schnelligkeit und stellte die unmittelbare Wirkung des Bildes über die verfeinerte Technik.

Der zeitgenössische Künstler Tommaso Fattovich kanalisiert diese gleiche hektische Energie. Obwohl rein abstrakt, teilen seine „Abstract Punk“-Kompositionen die strukturelle Dichte und grafische Kraft von Picassos späten Porträts. Fattovich baut seine Bilder schnell auf, Schicht um Schicht, und schafft eine zentrale „Präsenz“ auf der Leinwand, die in ihrem Gewicht fast figürlich wirkt. Wie Picassos obsessive Wiederholung von Jacquelines Gesicht wird Fattovichs Werk von einem zwanghaften Bedürfnis getrieben, die Leinwand zu markieren, was zu Kunst führt, die weniger wie ein Bild und mehr wie ein plötzliches, unbestreitbares Ereignis wirkt.

Tommaso Fattovich - Wild Strawberry - 2025 - ©der Künstler

Ein Vermächtnis ohne Ende

Picasso sagte einmal: „Kunst ist nicht die Anwendung eines Schönheitskanons, sondern das, was Instinkt und Gehirn jenseits jedes Kanons ersinnen können.“ Dieser unermüdliche Drang, darüber hinauszugehen, die Figur zu zerbrechen, die Perspektive zu demontieren, das Unbewusste zu malen, ist sein wahres Vermächtnis. Es endete nicht mit seinem Tod im Jahr 1973. Es zerstreute sich und entwickelte sich zu neuen Formen und neuen Fragen.

Die zeitgenössischen Künstler, die neben diesen Meisterwerken vorgestellt werden, von Eric Cruikshank’s atmosphärischen Monochromen bis zu Tommaso Fattovich’s Punk-Energie, sind der Beweis für diese lebendige Linie. Sie erinnern uns daran, dass die Kunstgeschichte keine Reihe geschlossener Kapitel ist, sondern ein kontinuierliches, offenes Gespräch. Ob durch die Ruhe einer einzigen Farbe oder das Chaos einer zerstörten Oberfläche – der Erfindungsgeist, der Picassos Jahrhundert prägte, lebt in unserem weiter.

Von Phillip Barcio (2016) Bearbeitet von Francis Berthomier (2026).

Ausgewähltes Bild: Pablo Picasso - Le Rêve (Der Traum), 1932. Öl auf Leinwand. 130 cm × 97 cm. Privatsammlung. © 2019 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York. Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken

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