Die Fülle und die Leere in den Skulpturen von Henry Moore

Ein menschlicher Körper ist mehr als eine einzelne Masse; er ist eine Ansammlung kleinerer Massen. Und jeder Körper ist auch Teil einer größeren Masse: der der Menschheit. Und die Menschheit ist Teil einer noch größeren Masse: der der Welt. Der Bildhauer Henry Moore brachte es am besten auf den Punkt, als er sagte: „Die gesamte Natur ist eine endlose Demonstration von Form und Gestalt.“ Moore widmete seine Karriere der Erforschung von Form und Gestalt. So akademisch das auch klingt, Henry Moore Skulpturen sind nicht einfach intellektuelle Objekte. Sie sind auch nicht nur Objekte der Schönheit. Sie transcenden sowohl den Intellektualismus als auch die Ästhetik, um die Betrachter mit etwas Tieferem zu verbinden. Als figurativer Künstler zuerst und dann als Abstraktionist schuf Moore Werke, die auf der Beziehung basieren, die der menschliche Körper mit der größeren natürlichen Welt teilt. Seine Skulpturen drücken die Ideen aus, dass die Menschheit Teil der Natur ist und dass wir durch unsere Sinne mit etwas Zeitlosem und Universellem verbunden werden können.

Henry Moore Skulpturen - Materielle Wahrheiten

Wenn ein Bildhauer von materieller Wahrheit spricht, bezieht sich das darauf, wie gut ein Objekt die Eigenschaften des Materials, aus dem es hergestellt ist, repräsentiert. Walnuss hat eine andere materielle Wahrheit als Marmor, der eine andere materielle Wahrheit als Alabaster hat, und so weiter. Henry Moore war ein Gläubiger an die Kraft der materiellen Wahrheit. Er wies die Idee zurück, dass Bildhauer ihre Werke aus Formen oder Abgüssen herstellen sollten. Er plädierte für das direkte Schnitzen, da es Spuren hinterließ, die die physische Natur des Objekts offenbarten. Direktes Schnitzen war zu Moores Zeiten nicht weit verbreitet, obwohl einige andere einflussreiche Bildhauer die Idee ebenfalls aufgriffen. Aber für Moore war es nicht nur eine Theorie; es war seine Natur.

Henry Moore - Liegende Figur Relief im Underground Building in St. James’s, 1928. © Die Henry Moore Stiftung.

Moore war eines von neun Kindern, die in einer Arbeiterfamilie in Castleford, einer Kohlenstadt in Yorkshire, England, geboren wurden. Seine Eltern kämpften und opferten sich, um ihre Kinder zur Schule zu schicken, damit sie nicht mit ihren Händen arbeiten mussten. Mit 11 Jahren, nachdem er die Arbeiten von Michelangelo kennengelernt hatte, enttäuschte Henry sie, indem er beschloss, Bildhauer zu werden. Da er sich ein direktes Studium an der Universität nicht leisten konnte, kämpfte Henry im Ersten Weltkrieg in einem Regiment der Civil Service Rifles und wurde bei einem Gasangriff verletzt. Als er sich nach dem Krieg Kunstschule leisten konnte, war er durch seine eigenen materiellen Wahrheiten geprägt: Er war zum harten Arbeiten und zum Handwerken geboren. Das direkte Schnitzen brachte nicht nur den Charakter seiner Materialien zum Vorschein, sondern auch seinen eigenen Charakter.

Henry Moore - Die UNESCO Liegende Figur, 1958. © Die Henry Moore Stiftung.

Die Ehe von Chac-mool und Cézanne

In seinen späten 20ern, in Paris, begegnete Moore einem ästhetischen Objekt, das ihn auf tiefgreifende und bedeutungsvolle Weise veränderte. Es war ein Chac-mool, eine präkolumbianische aztekische Skulptur einer liegenden menschlichen Figur. Die Haltung der Skulptur erinnert an menschliche Figuren, die von klassischen Bildhauern wie Michelangelo geschaffen wurden, entstand jedoch unabhängig von solchen Einflüssen und in einer anderen Welt. Die Haltung und Menschlichkeit der Figur inspirierten Moore, und er nahm die Form als etwas Universelles an, mit dem er arbeiten konnte.

Henry Moore - Vier-Teile-Komposition: Liegende Figur. © Die Henry Moore Stiftung.

Moore verband die Essenz des Chac-mool mit einer Figuration, die von einem seiner geliebtesten Gemälde, Cézannes Die Badenden, inspiriert war. Das Ergebnis war eine ikonische, modernistische Skulpturform, die er "liegende Figur" nannte. Er erforschte liegende Figuren während seiner gesamten Karriere und kehrte immer wieder zu ihnen zurück, um Entdeckungen über Volumen und Raum zu machen. Heute sind Moores liegende Figuren auf der ganzen Welt zu finden, in Skulpturenparks, Naturgebieten und Museen auf sechs Kontinenten. Sein erster öffentlicher Auftrag war eine liegende Figur, die reliefartig am Underground Building in St James’s in London geschnitzt wurde. Seine berühmteste ziert den UNESCO-Hauptsitz in Paris.

Cézanne - Die Badenden, 1898-1905, Öl auf Leinwand, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Vereinigte Staaten

Reduktion der Form

Die Mehrheit von Moores liegenden Figuren war abstrakt. Er reduzierte ständig die Form der menschlichen Figur auf ihre wesentlichen Elemente und abstrahierte sie dann, um Formen zu ähneln, die in der Natur zu finden sind. Seine biomorphen, abstrahierten liegenden Figuren schienen analog zur natürlichen Landschaft zu sein, was viele dazu inspirierte, humanistische Botschaften in ihnen zu finden. Obwohl er es bevorzugte, so wenig wie möglich über die Bedeutung seiner Werke zu sprechen, passt diese Interpretation gut zu Moores Philosophie der Verbundenheit von Kunst, Menschheit und Natur.

Henry Moore - Liegende Figur. © Die Henry Moore Stiftung.

Neben der Abstraktion der liegenden Figur zerteilte Moore sie auch. Er durchbohrte die Figuren und bemerkte: „Das erste Loch, das durch ein Stück Stein gemacht wird, ist eine Offenbarung.“ Er stellte auch die Wahrnehmungen von Volumen und Raum in Frage, indem er die Figuren in Sammlungen von lose verbundenen Formen auseinanderzog, die für sich genommen abstrahiert waren, aber zusammengefügt auf eine menschliche Form hindeuteten.

Henry Moore - Mutter und Kind, 1959. © Die Henry Moore Stiftung.

Schütze die innere Form

In der Blütezeit von Moores Produktivität brach der Zweite Weltkrieg aus und er wurde als Kriegszeichner eingezogen. Er schuf eine Reihe von Zeichnungen, die Bürger dokumentieren, die sich während Bombenangriffen in Massen in den Untergrund drängten. Die Zeichnungen fangen die Angst ein, während menschliche Formen sich in einem Schutzraum einkapseln und dann einander in Haufen von zusammengekauerten Körpern einkapseln. Nach dem Krieg manifestierte sich diese Idee, dass eine Form innerhalb einer anderen geschützt wird, überall in seinen Skulpturen. Er produzierte mehrere Werke mit dem Titel Mother and Child, von denen einige ein Kind innerhalb der Form der Mutter hervorrufen und andere zwei Formen zeigen, die getrennt, aber zusammengekauert sind.

Henry Moore - Helmkopf Nr. 5, 1966. © Die Henry Moore Stiftung.

Er erkundete diese Idee auch mit einer Serie namens Helmet Head, in der er Helmformen schuf, die manchmal nichts als leeren Raum hielten und manchmal sekundäre Formen enthielten, die in ihnen geschützt waren. Diese schützenden Skulpturen nutzen die Masse und den Raum um sie herum als ihr Thema. Formal betrachtet untersuchen sie die Fülle und die Leere des Raums. In einem humanistischen Sinne demonstrieren sie unsere grundlegendste Realität: das Bedürfnis nach Sicherheit.

Henry Moore - Drei Formen Wirbel, 1978-79, vor dem Rathaus, Dallas, TX. © Die Henry Moore Stiftung.

Formübungen

Im Jahr 1947 schrieb ein Zeitgenosse von Moore, der französische Autor Raymond Queneau, ein Buch mit dem Titel „Übungen im Stil,“ in dem er dieselbe kurze Anekdote in 99 verschiedenen literarischen Stilen erzählte. Man könnte sagen, dass Henry Moore einen ähnlichen Ansatz in seiner Karriere verfolgte. Er behandelte einige Themen auf eine Vielzahl von unterschiedlichen Weisen und konzentrierte sich auf eine kleine Bandbreite von Anliegen, wie Form, Gestalt und die Art und Weise, wie sie mit Raum interagieren. Aber wenn das alles gewesen wäre, hätte er nicht einen so legendären Eindruck in der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts hinterlassen.

Moores große Idee war immer die Menschheit; ein Punkt, der besonders evident wird, wenn man seine öffentlichen Skulpturen betrachtet, die heute in 38 Ländern existieren. Moore beabsichtigte, dass sie berührt, erklommen, erkundet und bewohnt werden. Sie existieren für all unsere Sinne. Moore sagte einmal: „Unser Wissen über Form und Gestalt bleibt im Allgemeinen eine Mischung aus visuellen und taktilen Erfahrungen... Ein Kind lernt über Rundheit, indem es einen Ball handhabt, viel mehr, als indem es ihn ansieht.“ Aus Moores Werk lernen wir über Rundheit und über Materialität, Form, Raum und viele andere formale, taktile Dinge. Aber wir lernen auch etwas Wichtigeres: etwas über unsere Verbundenheit mit der Landschaft, miteinander, mit der Natur und mit uns selbst.

Vorschaubild: Der Chac-mool, eine skulpturale Figur, die in ganz prähistorischem Mexiko zu finden ist.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio