Die Fülle und die Leere in den Skulpturen von Henry Moore

Ein menschlicher Körper ist mehr als eine einzelne Masse; er ist eine Ansammlung kleinerer Massen. Und jeder Körper ist auch Teil einer größeren Masse: der Menschheit. Und die Menschheit ist wiederum Teil einer noch größeren Masse: der Welt. Der Bildhauer Henry Moore brachte es am besten auf den Punkt, als er sagte: „Die ganze Natur ist eine endlose Demonstration von Form und Gestalt.“ Moore widmete seine Karriere der Erforschung von Form und Gestalt. So akademisch das auch klingen mag, Henry Moore Skulpturen sind nicht einfach intellektuelle Gegenstände. Sie sind auch nicht nur Objekte der Schönheit. Sie übersteigen sowohl den Intellekt als auch die Ästhetik, um die Betrachter mit etwas Tieferem zu verbinden. Als figurativer Künstler zuerst und dann als Abstrakter schuf Moore Werke, die auf der Beziehung basieren, die der menschliche Körper mit der größeren natürlichen Welt teilt. Seine Skulpturen drücken die Idee aus, dass die Menschheit Teil der Natur ist und dass wir durch unsere Sinne mit etwas Zeitlosem und Universellem verbunden werden können.

Henry Moore Skulpturen – Wahrheiten des Materials

Wenn ein Bildhauer von Materialwahrheit spricht, meint er, wie gut ein Objekt die Eigenschaften des Materials widerspiegelt, aus dem es gefertigt ist. Walnuss hat eine andere Materialwahrheit als Marmor, der wiederum eine andere Materialwahrheit als Alabaster besitzt, und so weiter. Henry Moore glaubte an die Kraft der Materialwahrheit. Er lehnte die Vorstellung ab, dass Bildhauer ihre Werke aus Formen oder Abgüssen herstellen sollten. Er setzte sich für das direkte Schnitzen ein, da es Spuren hinterließ, die die physische Natur des Objekts offenbarten. Direktes Schnitzen war zu Moores Zeiten nicht weit verbreitet, obwohl einige andere einflussreiche Bildhauer die Idee ebenfalls annahmen. Für Moore war es jedoch nicht nur eine Theorie; es war seine Natur.

Henry Moore – Relief der Liegenden Figur am Underground Building in St James’s, 1928. © The Henry Moore Foundation.

Moore war eines von neun Kindern einer Arbeiterfamilie in Castleford, einer Bergbaustadt in Yorkshire, England. Seine Eltern kämpften und opferten viel, um ihre Kinder zur Schule zu schicken, damit sie nicht mit den Händen arbeiten mussten. Mit 11 Jahren, nachdem er die Werke Michelangelos gesehen hatte, enttäuschte Henry sie, indem er beschloss, Bildhauer zu werden. Da er sich ein direktes Studium nicht leisten konnte, kämpfte Henry im Ersten Weltkrieg in einem Regiment der Zivilen Schützen und wurde bei einem Gasangriff verletzt. Als er nach dem Krieg Kunstschule besuchen konnte, war er durch seine eigenen Materialwahrheiten geprägt: Er war für harte Arbeit und Handarbeit geboren. Das direkte Schnitzen brachte nicht nur den Charakter seiner Materialien zum Vorschein, sondern auch seinen eigenen Charakter.

Henry Moore – Die UNESCO Liegende Figur, 1958. © The Henry Moore Foundation.

Die Verbindung von Chac-mool und Cézanne

Ende zwanzig, in Paris, begegnete Moore einem ästhetischen Objekt, das ihn tief und bedeutungsvoll veränderte. Es war ein Chac-mool, eine präkolumbianische aztekische Skulptur einer liegenden menschlichen Figur. Die Haltung der Skulptur erinnert an menschliche Figuren, die von klassischen Bildhauern wie Michelangelo geschaffen wurden, entstand jedoch unabhängig von solchen Einflüssen und in einer ganz anderen Welt. Die Haltung und Menschlichkeit der Figur inspirierten Moore, und er nahm die Form als etwas Universelles an, mit dem er arbeiten konnte.

Henry Moore – Vierteilige Komposition: Liegende Figur. © The Henry Moore Foundation.

Moore verband die Essenz des Chac-mool mit der Figuration, die von einem seiner liebsten Gemälde inspiriert war, Cézannes Die Badenden. Das Ergebnis war eine ikonische, modernistische Skulpturform, die er „liegende Figur“ nannte. Er erforschte liegende Figuren während seiner gesamten Karriere und kehrte immer wieder zu ihnen zurück, um Entdeckungen über Volumen und Raum zu machen. Heute sind Moores liegende Figuren weltweit zu finden, in Skulpturenparks, Naturräumen und Museen auf sechs Kontinenten. Sein erster öffentlicher Auftrag war eine liegende Figur als Relief am Underground Building in St James’s in London. Die bekannteste schmückt den UNESCO-Hauptsitz in Paris.

Cézanne – Die Badenden, 1898-1905, Öl auf Leinwand, 210,5 cm × 250,8 cm, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Vereinigte Staaten

Reduktion der Form

Die Mehrheit von Moores Liegenden Figuren war abstrakt. Er reduzierte die Form der menschlichen Figur immer wieder auf ihre wesentlichen Elemente und abstrahierte sie dann so, dass sie Formen ähnelten, die in der Natur vorkommen. Seine biomorphen, abstrahierten liegenden Figuren wirkten analog zum natürlichen Landschaftsbild und inspirierten viele dazu, humanistische Botschaften in ihnen zu sehen. Obwohl er es vorzog, so wenig wie möglich über die Bedeutung seiner Werke zu sprechen, passt diese Deutung gut zu Moores Philosophie der Verbundenheit von Kunst, Menschheit und Natur.

Henry Moore – Liegende Figur. © The Henry Moore Foundation.

Neben der Abstraktion der liegenden Figur zerschnitt Moore sie auch. Er durchbohrte die Figuren mit Löchern und bemerkte: „Das erste Loch, das durch ein Stück Stein gemacht wird, ist eine Offenbarung.“ Er stellte auch die Wahrnehmung von Volumen und Raum in Frage, indem er die Figuren in Sammlungen locker verbundener Formen auseinanderzog, die einzeln abstrahiert waren, aber zusammengesetzt auf eine menschliche Form hindeuteten.

Henry Moore – Mutter und Kind, 1959. © The Henry Moore Foundation.

Schütze die innere Form

Auf dem Höhepunkt von Moores Schaffenskraft brach der Zweite Weltkrieg aus, und er wurde als Kriegskünstler eingezogen. Er schuf eine Reihe von Zeichnungen, die Bürger zeigen, die sich während Bombenangriffen in Massen in unterirdischen Schutzräumen zusammenkauerten. Die Zeichnungen fangen die Angst ein, während sich menschliche Formen in einem Schutzraum einhüllen und dann einander in Haufen zusammengedrängter Körper umschließen. Nach dem Krieg manifestierte sich diese Idee, dass eine Form innerhalb einer anderen geschützt wird, überall in seinen Skulpturen. Er schuf mehrere Werke mit dem Titel Mutter und Kind, einige, die ein Kind in der Form der Mutter zeigen, andere, die zwei getrennte Formen zeigen, die sich zusammenkuscheln.

Henry Moore – Helmkopf Nr. 5, 1966. © The Henry Moore Foundation.

Er erforschte diese Idee auch mit einer Reihe namens Helmkopf, wobei er Helmformen schuf, die manchmal nur leeren Raum enthielten und manchmal sekundäre Formen, die darin geschützt waren. Diese schützenden Skulpturen verwenden Masse und den Raum darum herum als ihr Thema. Formal untersuchen sie die Fülle und Leere des Raumes. Humanistisch zeigen sie unsere grundlegendste Realität: das Bedürfnis nach Sicherheit.

Henry Moore – Drei Formen Wirbelsäule, 1978-79, vor dem Rathaus, Dallas, TX. © The Henry Moore Foundation.

Übungen in Form

1947 schrieb ein Zeitgenosse Moores, der französische Schriftsteller Raymond Queneau, ein Buch mit dem Titel „Übungen im Stil“, in dem er dieselbe kurze Anekdote in 99 verschiedenen literarischen Stilen erzählte. Man könnte sagen, dass Henry Moore einen ähnlichen Ansatz in seiner Karriere verfolgte. Er widmete sich einigen wenigen Themen auf vielfältige Weise und konzentrierte sich auf ein kleines Spektrum von Anliegen wie Form, Gestalt und deren Wechselwirkung mit dem Raum. Aber wenn er nur das getan hätte, hätte er keinen so legendären Einfluss auf die abstrakte Kunst des 20. Jahrhunderts gehabt.

Moores große Idee war immer die Menschheit; ein Punkt, der besonders deutlich wird, wenn man seine öffentlichen Skulpturen betrachtet, die heute in 38 Ländern zu finden sind. Moore wollte, dass sie berührt, bestiegen, erforscht und bewohnt werden. Sie existieren für alle unsere Sinne. Moore sagte einmal: „Unser Wissen über Form und Gestalt bleibt im Allgemeinen eine Mischung aus visuellen und taktilen Erfahrungen... Ein Kind lernt Rundheit viel mehr durch das Anfassen eines Balls als durch das Betrachten.“ Aus Moores Werken lernen wir über Rundheit, Materialität, Form, Raum und viele andere formale, tastbare Dinge. Aber wir lernen auch etwas Wichtigeres: etwas über unsere Verbundenheit mit der Landschaft, miteinander, mit der Natur und mit uns selbst.

Titelbild: Der Chac-mool, eine skulpturale Figur, die im prähistorischen Mexiko verbreitet ist
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio