Die leidenschaftliche Abstraktion von Olivier Debré

Eine der faszinierendsten Ausstellungen, die diesen Sommer nach London kommt, ist Olivier Debré: Fervente Abstraktion, die Ende Juni in der Estorick Collection eröffnet wird. Mein Interesse an der Ausstellung liegt zum Teil am Künstler und zum Teil an dem Ort, an dem sie stattfindet: Das Boutique-Museum ist bekannt für seine Sammlung von Kunst des frühen 20. Jahrhunderts, insbesondere der modernen italienischen—insbesondere futuristischen—Kunst. Olivier Debré (1920-1999) war kein Italiener, sondern Franzose. Er war auch philosophisch ganz anders als die Futuristen, insbesondere in Bezug auf ihre Ideen, dass Krieg eine positive, reinigende Kraft in der Gesellschaft sei. Mehrere Unterzeichner des Futuristischen Manifests kämpften enthusiastisch auf der Seite der Faschisten im Ersten Weltkrieg. Debré hingegen wurde in der Nachkriegszeit groß und trat selbst der französischen Resistance bei, die gegen die Faschisten im Zweiten Weltkrieg kämpfte. Dennoch gibt es einige faszinierende Überschneidungen zwischen Debré und den frühen italienischen Modernisten, wenn es um ihr Interesse geht, das Metaphysische in der Kunst auszudrücken. Die Futuristen machten bahnbrechende Entdeckungen in ihren Versuchen, Empfindungen wie Geschwindigkeit und das Erlebnis der Synästhesie zu malen. Debré machte ebenso tiefgreifende Entdeckungen in seinem Streben, Malerei als Mittel zur Ausdruck von Emotionen ohne Beschreibung zu nutzen. Debré interessierte sich für das tiefgreifende Gefühl der Gemeinschaft, das entsteht, wenn wir das Gefühl haben, dass jemand anderes unsere genauen Emotionen teilt. Er erkannte auch die Unzulänglichkeit von Worten, wenn es darum geht, jemandem zu erklären, wie wir uns fühlen. Seine Gemälde können sowohl als Versuche verstanden werden, einen emotionalen Zustand auszudrücken, als auch als Versuche, Räume zu schaffen, in denen emotionale Verbindungen hergestellt und gefördert werden können. Er wies die Anmaßungen der hohen Kunst zugunsten menschlicher Gesten zurück und malte auf dem Boden statt auf einer Staffelei. Er fügte auch bescheidene Materialien wie Sand zu seiner Farbe hinzu und verwendete alltägliche Werkzeuge wie Besen, um seine Medien aufzutragen. Der vielfältige Werkbestand, den er geschaffen hat, ist zum Synonym für den Begriff Lyrische Abstraktion geworden. Es ist die materielle Manifestation von Sinnlichkeit und Subjektivität—das malerische Äquivalent von Poesie und Musik.

Zeichen und Symbole

Eine der am häufigsten erzählten Geschichten über Debré ist, dass Pablo Picasso zu seiner ersten großen Einzelausstellung in Paris kam. Nach der Betrachtung der Werke sagte Picasso zu Debré, der damals Anfang 30 war: „Du malst schon wie ein alter Mann.“ Dieser rätselhafte Kommentar ist offensichtlich das, was Debré auf den Weg brachte, seine charakteristische abstrakte Stimme zu entwickeln. Anstatt die populären Stile der Zeit zu kopieren, begann er einen umfassenden Prozess, um genau herauszufinden, wie ein Künstler Gedanken und Gefühle durch abstrakte Kunst vermitteln kann. Er begann damit, zu analysieren, wie Menschen am häufigsten ihre Gefühle miteinander austauschen: durch Worte. Die geschriebene Sprache, so erkannte er, ist die Verkörperung symbolischer Kommunikation, da Ideen als Linien auf Oberflächen übersetzt werden, die durch physische menschliche Gesten geschaffen werden. Diese Erleuchtung brachte ihn auf den Weg, seine eigene gestische, lineare Symbolik zu schaffen, die er nutzen konnte, um seine Gefühle zu vermitteln und emotionale Verbindungen zwischen den Betrachtern zu erleichtern.

Olivier Debré - Monochrom rosa rot, roter rosa Strich, 1984. Öl auf Leinwand, 180 x 180 cm. Sammlung Galerie, Louis Carré & Cie, Paris

Bis zu diesem Zeitpunkt waren die häufigsten Emotionen, die Debré erlebt hatte, Einsamkeit und Trauer. Tatsächlich kam seine erste Verbindung zur Kunst, als er gerade neun Jahre alt war und seine Mutter starb, und sein Vater und Onkel ihn ermutigten, zu zeichnen und zu malen, um mit dem Verlust umzugehen. Die unsagbaren Schrecken, die er später im Kampf gegen die Nazis erlebte, erinnerten ihn immer wieder an die Isolation und das Leiden, die so oft die menschliche Existenz prägen. Sein Durchbruch, diese schrecklichen Gefühle auszudrücken, kam in den frühen 1950er Jahren mit einer Reihe von abstrakten Gemälden, die er Signes-Personnages (Charakterzeichen) nannte. Diese bestehen hauptsächlich aus vertikalen, linearen, schwarzen Formen auf weißen Hintergründen und ähneln einer Hybridform aus menschlichen Figuren und Schriftzeichen. Es waren nicht einsame Menschen, die Debré in diesen Werken zeigen wollte – es sind Bilder des Wesens der Einsamkeit selbst.

Olivier Debré - Ohne Titel, ca. 1990. Öl auf Leinwand, 100 x 100 cm. Privatbesitz

Die Realität malt uns

Neben der langjährigen Signes-Personnages-Serie widmete Debré viele Jahrzehnte seiner Serie abstrakter Landschaftsmalerei, die er Signes-Paysages (Landschaftszeichen) nannte. Diese Gemälde, die durch breite Streifen lebendiger Farben definiert sind, teilen ein visuelles Erbe mit den Arbeiten von Color Field-Künstlern wie Helen Frankenthaler und Mark Rothko. Debré schuf diese Gemälde, um die Empfindungen auszudrücken, die er beim Umgang mit der natürlichen Umgebung fühlte. Er sprach jedoch nicht über dieses Werk in Bezug darauf, dass er Gemälde der natürlichen Welt schuf, da er die Realität nicht als etwas wahrnahm, das die Menschen erschaffen. Stattdessen betrachtete er die menschliche Erfahrung als etwas, das ständig von einer natürlichen Realität jenseits unseres Verständnisses geformt und umgeformt wird. „Es gibt eine Art Überlappung zwischen der mentalen Atmosphäre und der realen Atmosphäre“, sagte er. „Wir sind immer sowohl in uns selbst als auch außerhalb von uns selbst. Ich male in der Emotion einer Realität, die mich hervorbringt.“

Olivier Debré - Ohne Titel, ca. 1958. Öl auf Leinwand, 27 x 35 cm. Privatbesitz

Neben dem enormen Werk an Gemälden, das Debré geschaffen hat, machte er sich auch einen Namen in der Welt der monumentalen öffentlichen Arbeiten, indem er zahlreiche öffentliche Skulpturen sowie eine Sammlung beliebter Theatervorhänge schuf, darunter Vorhänge für Opernhäuser in London und Hongkong. Wann immer er über sein umfangreiches und vielfältiges Werk nachdachte, nannte er das Wesen dessen, wonach er suchte, le signe du réel, oder das Zeichen des Realen. Fervente Abstraktion ist der Begriff, den er erfand, um die Leidenschaft und Unmittelbarkeit einer Geste, eines Symbols und eines Gefühls, die gleichzeitig entstehen, zu vermitteln.
Wie Picasso in den frühen Tagen des Kubismus war Debré auf der Suche nach einem tieferen Realismus, der über die Welt der künstlerischen Nachahmung hinausging; ein Realismus, der das Geheimnis und die Schönheit sowohl der sichtbaren als auch der unsichtbaren Teile des Lebens einfing.

Olivier Debré: Fervente Abstraktion wird vom 30. Juni bis 12. September 2021 in der Estorick Collection of Modern Italian Art in London zu sehen sein.

Vorschaubild: Olivier Debré - Ohne Titel, ca. 1946. Tusche auf Papier. 20,2 x 30,9 cm. Privatbesitz
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio