Abstrakte Skulptur - Die Sprache des Vollen und des Leeren

Seit den frühesten Tagen des Modernismus wurden Fragen zur Natur und zum Unterschied zwischen zweidimensionaler und dreidimensionaler abstrakter Kunst aufgeworfen. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts stellte Constantin Brancusi die grundlegende Frage, was abstrakte Bildhauerei vermitteln sollte: das Bild eines Gegenstands oder dessen Wesen? Im folgenden Jahrzehnt bewies Pablo Picasso, dass eine Skulptur nicht geschnitzt, geformt oder gegossen sein musste: Sie konnte zusammengesetzt werden. Im darauffolgenden Jahrzehnt zeigte Alexander Calder, dass Skulpturen sich bewegen können. Und noch Jahrzehnte später bot Donald Judd in Bezug auf seine fächerübergreifenden Werke „Spezifische Objekte“ als Alternative zu den Begriffen Malerei und Bildhauerei an. Obwohl das Thema mehrere Bücher füllen könnte, bieten wir Ihnen heute eine kurze, zugegebenermaßen stark gekürzte Zeitleiste einiger Höhepunkte der Geschichte der abstrakten Bildhauerei.

Der Vater der abstrakten Bildhauerei

Constantin Brâncusi wurde 1876 in Rumänien geboren, als die Welt der europäischen bildenden Kunst im Wesentlichen aus Malerei und Bildhauerei bestand, und beide waren fast ausschließlich gegenständlich. Obwohl die allmähliche Entwicklung zur Abstraktion begonnen hatte, hatten nur wenige professionelle Künstler den Mut, reine Abstraktion zu versuchen oder überhaupt zu definieren, was das genau bedeutete. Brâncusis erste Erfahrung mit Bildhauerei war rein praktisch: Er schnitzte landwirtschaftliche Geräte, um als Kind zu arbeiten. Selbst als er schließlich zur Kunstschule kam, wurde er klassisch ausgebildet. Doch als Brâncusi 1903 Rumänien verließ und schließlich in Paris ankam, wurde er Teil der modernistischen Diskussion. Er stimmte den zirkulierenden Ideen zur Abstraktion begeistert zu und kam bald zu dem Schluss, dass der moderne Zweck der Bildhauerei darin bestand, „nicht die äußere Form, sondern die Idee, das Wesen der Dinge“ darzustellen.

1913 wurden einige von Brâncusis frühen abstrakten Skulpturen in New York City im Rahmen der Armory Show ausgestellt, der Ausstellung, die maßgeblich dazu beitrug, die modernistische Kunst in den USA bekannt zu machen. Kritiker verspotteten seine Skulptur Porträt von Mademoiselle Pogany unter anderem dafür, dass sie wie ein Ei aussah. Dreizehn Jahre später hatte Brâncusi das letzte Lachen über die Amerikaner, als eine seiner Skulpturen dazu führte, dass das US-Bundesgesetz geändert wurde. Dies geschah, als ein Sammler eine von Brâncusis Vogelskulpturen kaufte und versuchte, sie in die USA zu verschiffen. Diese Skulptur ähnelte in keiner Weise Vögeln, sondern stellte den Flug dar. Anstatt die abstrakte Skulptur als Kunstwerk zu befreien, verlangten Zollbeamte vom Sammler eine Einfuhrsteuer. Der Sammler klagte und gewann, was zu einer offiziellen Erklärung der US-Gerichte führte, dass etwas nicht gegenständlich sein muss, um als Kunst angesehen zu werden.

Constantin Brancusi - Der Kuss, 1907 (links) und Porträt von Mademoiselle Pogany, 1912 (rechts), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso und die Kunst des Assemblierens

Pablo Picasso war ein weiterer wichtiger früher Pionier im Bereich der abstrakten Bildhauerei, auch wenn er das vielleicht nicht beabsichtigte. Um 1912 begann Picasso, seine Ideen zum Kubismus in den dreidimensionalen Bereich auszudehnen. Er begann mit Collagen, die durch ihre geschichtete Oberfläche und die Verwendung gefundener Materialien und Gegenstände anstelle von Farbe bereits eine Art dreidimensionale Qualität hatten. Dann übertrug er die Idee der Collage in den vollen dreidimensionalen Raum, indem er tatsächliche Gegenstände, vor allem Gitarren, aus Materialien wie Pappe, Holz, Metall und Draht zusammensetzte.

Traditionell entstand Bildhauerei entweder durch eine Form, durch das Formen von Masse wie Ton oder durch einen reduktiven Prozess wie Schnitzen. Picasso hatte diese Tradition unbeabsichtigt herausgefordert, indem er ein skulpturales Objekt durch das Zusammenfügen verschiedener gefundener Materialien zu einer Form schuf. Außerdem verblüffte er die Menschen, indem er diese Assemblage an die Wand hängte, anstatt sie auf einen Sockel zu stellen. Kunstbetrachter waren verwirrt und sogar empört über Picassos Gitarren und wollten wissen, ob es sich um Gemälde oder Skulpturen handelte. Picasso bestand darauf, dass sie weder das eine noch das andere seien, und sagte: „Es ist nichts, es ist die Gitarre!“ Ob er es beabsichtigte oder nicht, er hatte die grundlegende Definition von Bildhauerei infrage gestellt und eine der langlebigsten Debatten über abstrakte Kunst begonnen.

Pablo Picasso - Konstruktion einer Pappgitarre, 1913, MoMA

Readymades

So revolutionär Künstler wie Picasso und Brâncusi für Kunstbetrachter ihrer Zeit auch erschienen, ist es interessant zu bemerken, dass 1913 auch das Jahr war, in dem der Dadaist Marcel Duchamp den Begriff „Readymade“ prägte, um Kunstwerke zu bezeichnen, die aus gefundenen Gegenständen bestehen, vom Künstler signiert und ausgestellt wurden. Laut Duchamp konnten gewöhnliche Gegenstände „durch die bloße Wahl eines Künstlers zur Würde eines Kunstwerks erhoben werden.“ 1917 stellte Duchamp Fountain aus, vielleicht sein berühmtestes Readymade, bestehend aus einem auf die Seite gelegten Urinal, das mit „R. Mutt“ signiert war.

Duchamp hatte Fountain für die erste Ausstellung der Society of Independent Artists in New York geschaffen, die als völlig offene Schau zeitgenössischer Kunst ohne Jurys und Preise angekündigt wurde. Das Werk wurde auf bizarre Weise von der Ausstellung abgelehnt, was in der Kunstgemeinschaft für Aufruhr sorgte, da der Sinn der Ausstellung gerade darin bestand, keine Wertung vorzunehmen. Der Vorstand der Gesellschaft gab eine Erklärung zu Fountain ab, in der es hieß: „Es ist nach keiner Definition ein Kunstwerk.“ Dennoch inspirierte das Werk Generationen von Kreativen.

Eine Kopie von Duchamps originalem Fountain von 1917 aus dem Jahr 1964

Faktura und Tektonik

1921 entstand in Russland eine Künstlergruppe namens Die Erste Arbeitsgruppe der Konstruktivisten. Das Ziel ihrer Bewegung, die sie Konstruktivismus nannten, war es, eine reine Kunst zu schaffen, die auf formalen, geometrischen, abstrakten Grundsätzen basierte und den Betrachter aktiv einbezog. Die bildhauerischen Grundsätze des Konstruktivismus wurden in zwei separate Elemente unterteilt: Faktura bezog sich auf die materiellen Eigenschaften einer Skulptur, und Tektonik auf die Präsenz einer Skulptur im dreidimensionalen Raum.

Die Konstruktivisten glaubten, dass eine Skulptur kein Thema brauchte und völlig abstrakte Eigenschaften annehmen konnte. Für sie zählte nur die Erforschung von Materialität und Raum. Sie waren sich besonders bewusst, wie ein Objekt den Ausstellungsraum einnahm und wie es mit dem Raum zwischen ihm und dem Betrachter interagierte. Die konstruktivistische Bildhauerei half dabei, die Vorstellung zu prägen, dass eine Skulptur Raum enthalten und definieren kann, zusätzlich zum bloßen Einnehmen von Raum, und dass der Raum selbst zu einem wichtigen Element des Werks werden kann.

Die erste konstruktivistische Ausstellung, 1921

Zeichnen im Raum

Ende der 1920er Jahre umfasste die modernistische abstrakte Bildhauersprache Reliefs, gefundene Gegenstände, geometrische und gegenständliche Abstraktion sowie die Vorstellung von Fülle und Leere des physischen Raums. Die italienischen Futuristen hatten sogar versucht, Bewegung oder Dynamik in Skulpturen darzustellen, wie in Umberto Boccionis Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (detaillierter beschrieben hier). Doch die Ehre, tatsächliche Bewegung in die Bildhauerei einzuführen und ein neues Feld namens kinetische Bildhauerei zu schaffen, gebührt Alexander Calder.

Calder wurde als Maschinenbauingenieur ausgebildet und besuchte erst später die Kunstschule. Nach seinem Abschluss begann er, mechanische Spielzeuge herzustellen und entwarf schließlich einen ganzen mechanischen Zirkus. Um 1929 begann er, filigrane, verspielte Drahtskulpturen zu schaffen, die er als „Zeichnen im Raum“ beschrieb. 1930, als er bewegliche Teile zu seinen Drahtskulpturen hinzufügte, nannte Marcel Duchamp diese Werke „Mobiles“. Calders kinetische Mobiles sind heute der bekannteste Teil seines Schaffens und inspirierten Künstler wie Jean Tinguely, den Schöpfer der Metamechanik. Sie beeinflussten auch vielleicht die produktivste modernistische Meisterin des „Zeichnens im Raum“, die venezolanische Künstlerin Gego, die das Konzept in den 1960er Jahren zu aufwendigen Extremen führte.

Gego, räumliche Drahtkonstruktion, Teilansicht der Installation

Combines und Akkumulationen

In den 1950er Jahren griffen Konzeptkünstler die von Picasso und Duchamp eingeführten Ideen auf. Das Konzept des gefundenen Gegenstands wurde allgegenwärtig, da große Metropolen mit Abfall überlastet waren und die Massenproduktion und der Konsum industrieller Produkte neue Höhen erreichten. Der vielseitige Künstler Robert Rauschenberg verband die Grundlagen von Picassos Collagen und Assemblagen mit Duchamps Konzepten über gefundene Gegenstände und die Wahl des Künstlers, um das zu schaffen, was zu seinem Markenzeichen in der abstrakten Bildhauerei wurde. Er nannte sie „Combines“; es waren im Wesentlichen skulpturale Assemblagen aus verschiedenem Müll, Abfall und Industrieprodukten, die vom Künstler zu einer einzigen Masse zusammengefügt wurden.

Robert Rauschenberg - Monogramm, freistehendes Combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Stiftung

Zur gleichen Zeit nutzte der Konzeptkünstler Arman, eines der Gründungsmitglieder der Neuen Realisten, Duchamps Idee des Readymades als Ausgangspunkt für eine Reihe von skulpturalen Werken, die er Akkumulationen nannte. Für diese Werke sammelte Arman mehrere Exemplare desselben Readymade-Gegenstands und schweißte sie zu einer skulpturalen Masse zusammen. Indem er Produkte auf diese Weise verwendete, rückte er die Idee eines Readymade-Produkts in einen neuen Kontext, nutzte es stattdessen als abstrakte Form, entfernte seine frühere Bedeutung und verwandelte es in etwas Symbolisches und Subjektives.

Arman - Akkumulation Renault Nr. 106, 1967, © Arman

Materialien und Verfahren

In den 1960er Jahren konzentrierten sich Bildhauer immer mehr auf die reinen formalen Aspekte ihrer Werke. Als eine Art Ablehnung der Emotion und Dramatik ihrer Vorgänger legten Bildhauer wie Eva Hesse und Donald Judd den Fokus auf die rohen Materialien, aus denen ihre Werke bestanden, und auf die Verfahren, mit denen ihre Objekte hergestellt wurden. Eva Hesse war eine Pionierin im Umgang mit oft giftigen Industrie-Materialien wie Latex und Glasfaser.

Eva Hesse - Wiederholung Neunzehn III, 1968. Glasfaser und Polyesterharz, neunzehn Einheiten, jeweils 48 bis 51 cm x 27,8 bis 32,2 cm im Durchmesser. MoMA Sammlung. Geschenk von Charles und Anita Blatt. © 2018 Nachlass Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zürich

Im Gegensatz zu Hesse, deren Technik und Individualität in ihren skulpturalen Formen deutlich sichtbar waren, bemühte sich Donald Judd, jegliche Spuren der Künstlerhand vollständig zu entfernen. Er arbeitete daran, das zu schaffen, was er „Spezifische Objekte“ nannte, Objekte, die die Definitionen von zwei- und dreidimensionaler Kunst überschreiten, industrielle Verfahren und Materialien verwenden und meist von Maschinen oder anderen Arbeitern als dem Künstler gefertigt wurden.

Donald Judd - Ohne Titel, 1973, Messing und blaues Plexiglas, © Donald Judd

Zeitgenössische allumfassende Kunst

Dank der Fortschritte, die modernistische Bildhauer in den letzten über 100 Jahren gemacht haben, erleben wir heute eine Zeit erstaunlicher Offenheit in der abstrakten Kunst. So vieles zeitgenössisches Schaffen ist allumfassend, was zu spannenden, vielgestaltigen ästhetischen Erscheinungen führt. Die Werke vieler zeitgenössischer abstrakter Künstler besitzen eine so einzigartige Präsenz, dass sie einfachen Bezeichnungen wie „Malerei“, „Bildhauerei“ oder „Installation“ trotzen. Die modernistischen Pioniere der abstrakten Bildhauerei sind in hohem Maße verantwortlich für die Offenheit und Freiheit, die zeitgenössische Künstler genießen, und für die unzähligen Arten, wie wir ihre ästhetischen Deutungen unserer Welt erleben können.

Titelbild: Alexander Calder - Blaue Feder, 1948, kinetische Drahtskulptur, © Calder Stiftung
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio