Abstrakte Skulptur - Die Sprache des Vollen und des Leeren

Seit den frühesten Tagen des Modernismus wurden Fragen zur Natur und zum Unterschied zwischen zweidimensionaler und dreidimensionaler abstrakter Kunst aufgeworfen. Im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts stellte Constantin Brancusi die grundlegende Frage, was abstrakte Skulptur vermitteln sollte: das Bild eines Subjekts oder dessen Essenz? Im nächsten Jahrzehnt bewies Pablo Picasso, dass eine Skulptur nicht geschnitzt, geformt oder gegossen werden musste: sie konnte zusammengesetzt werden. Im Jahrzehnt danach zeigte Alexander Calder, dass Skulpturen sich bewegen konnten. Und noch Jahrzehnte später bot Donald Judd in Bezug auf seine interdisziplinären Werke „Specific Objects“ als Alternative zu den Begriffen Malerei und Skulptur an. Obwohl das Thema mehrere Bücher füllen könnte, bieten wir Ihnen heute eine kurze, zugegebenermaßen stark gekürzte Zeitleiste einiger Höhepunkte der Geschichte der abstrakten Skulptur.

Der Vater der abstrakten Skulptur

Constantin Brâncusi wurde 1876 in Rumänien geboren, als das Universum der europäischen bildenden Kunst im Wesentlichen aus Malerei und Skulptur bestand, und beide waren fast ausschließlich figürlich. Obwohl die allmähliche Entwicklung hin zur Abstraktion begonnen hatte, waren nur wenige professionelle Künstler mutig genug, um reine Abstraktion zu versuchen oder sogar zu definieren, was das genau bedeutete. Brâncusi's erste Erfahrung mit dem Bildhauen war völlig praktisch, da er als Kindarbeiter landwirtschaftliche Werkzeuge schnitzte. Selbst als er schließlich die Kunstschule besuchte, wurde er klassisch ausgebildet. Aber als Brâncusi 1903 Rumänien verließ und schließlich in Paris ankam, wurde er in die modernistische Diskussion einbezogen. Er stimmte begeistert den Ideen zu, die über Abstraktion zirkulierten, und kam bald zu dem Schluss, dass der moderne Zweck der Skulptur darin bestand, „nicht die äußere Form, sondern die Idee, das Wesen der Dinge“ zu präsentieren.

Im Jahr 1913 wurden einige von Brâncusis frühen abstrakten Skulpturen in New York City im Rahmen der Armory Show ausgestellt, die in diesem Jahr maßgeblich dafür verantwortlich war, die moderne Kunst in den USA einzuführen. Kritiker verspotteten öffentlich seine Skulptur Portrait of Mademoiselle Pogany unter anderem dafür, dass sie wie ein Ei aussah. Dreizehn Jahre später würde Brâncusi das letzte Lachen über die Amerikaner haben, als eine seiner Skulpturen dazu führte, dass das US-Bundesrecht geändert wurde. Dies geschah, als ein Sammler eine von Brâncusis Vogelskulpturen kaufte und versuchte, sie in die USA zu verschiffen, die in keiner Weise Vögeln ähnelten, sondern vielmehr den Flug darstellten. Anstatt die abstrakte Skulptur als Kunst von der Einfuhrsteuer zu befreien, erhoben die Zollbeamten eine Einfuhrsteuer auf den Sammler. Der Sammler klagte und gewann, was zu einer offiziellen Erklärung der US-Gerichte führte, dass etwas nicht repräsentational sein musste, um als Kunst betrachtet zu werden.

Constantin Brancusi - Der Kuss, 1907 (Links) und Porträt von Mademoiselle Pogany, 1912 (Rechts), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso und die Kunst der Assemblage

Pablo Picasso war ein weiterer wichtiger früher Pionier im Bereich der abstrakten Skulptur, obwohl er möglicherweise nicht die Absicht hatte, dies zu sein. Um 1912 begann Picasso, seine Ideen über den Kubismus in den dreidimensionalen Bereich auszudehnen. Er begann mit der Herstellung von Collagen, die aufgrund ihrer geschichteten Oberfläche und der Verwendung von gefundenen Materialien und Objekten anstelle von Farbe bereits eine Art dreidimensionaler Qualität hatten. Dann übersetzte er die Idee der Collage in den voll dreidimensionalen Raum, indem er tatsächliche Objekte, insbesondere Gitarren, aus Materialien wie Pappe, Holz, Metall und Draht zusammensetzte.

Traditionell entstand Skulptur entweder aus einer Form, oder durch das Formen von Massen wie Ton, oder durch eine Art reduktiven Prozesses wie das Schnitzen. Picasso hatte diese Tradition unbeabsichtigt herausgefordert, indem er ein skulpturales Objekt durch das Zusammenfügen unterschiedlicher Teile von gefundenen Materialien in eine Form schuf. Darüber hinaus verblüffte er die Menschen, indem er dieses Assemblage an die Wand hängte, anstatt es auf ein Podest zu stellen. Kunstbetrachter waren verwirrt und sogar empört über Picassos Gitarren und forderten zu wissen, ob es sich um Malereien oder Skulpturen handelte. Picasso bestand darauf, dass sie beides nicht waren, und sagte: „Es ist nichts, es ist die Gitarre!“ Aber ob er es beabsichtigt hatte oder nicht, er hatte die grundlegende Definition von Skulptur herausgefordert und eine der am längsten andauernden Debatten über abstrakte Kunst angestoßen.

Pablo Picasso - Karton-Gitarre Konstruktion, 1913, MoMA

Fertigprodukte

So revolutionär Künstler wie Picasso und Brâncusi für Kunstbetrachter ihrer Zeit auch erscheinen mögen, ist es interessant zu bemerken, dass 1913 auch das Jahr ist, in dem der Dadaist Künstler Marcel Duchamp den Begriff „readymade“ appropriierte, um Kunstwerke zu bezeichnen, die aus gefundenen Objekten bestehen, die von einem Künstler als seine Werke signiert und ausgestellt werden. Laut Duchamp könnten gewöhnliche Objekte „durch die bloße Wahl eines Künstlers in den Rang eines Kunstwerks erhoben werden.“ 1917 stellte Duchamp Fountain aus, vielleicht sein berühmtestes Readymade, das aus einem auf die Seite gelegten Urinal besteht, das mit „R. Mutt“ signiert ist.

Duchamp hatte Fountain zur Einreichung für die erste Ausstellung der Society of Independent Artists in New York geschaffen, die als eine völlig offene Schau zeitgenössischer Kunst gefeiert wurde, ohne Jurys und ohne Preise. Das Werk wurde bizarreweise von der Ausstellung abgelehnt, was in der Kunstgemeinschaft für Aufruhr sorgte, da der ganze Sinn der Ausstellung darin bestand, das Werk nicht zu bewerten. Der Vorstand der Society gab eine Erklärung zu Fountain ab, in der es hieß: „es ist, nach keiner Definition, ein Kunstwerk.“ Dennoch inspirierte das Werk Generationen von Kreativen, die folgen sollten.

Eine Kopie, die 1964 von Duchamps originalem Brunnen von 1917 angefertigt wurde.

Faktura und Tektonika

Im Jahr 1921 entstand in Russland eine Gruppe von Künstlern, die sich Die Erste Arbeitsgruppe der Konstruktivisten nannte. Das Ziel ihrer Bewegung, die sie Konstruktivismus nannten, war es, eine reine Kunst zu schaffen, die auf formalen, geometrischen, abstrakten Prinzipien basierte und den Betrachter aktiv einbeziehen würde. Die skulpturalen Prinzipien des Konstruktivismus wurden in zwei separate Elemente unterteilt: Faktura bezog sich auf die Materialeigenschaften einer Skulptur, und Tektonika bezog sich auf die Präsenz einer Skulptur im dreidimensionalen Raum.

Die Konstruktivisten glaubten, dass Skulptur überhaupt kein Sujet benötigte und völlig abstrakte Eigenschaften annehmen konnte. Alles, was für sie zählte, war die Erkundung von Materialität und Raum. Sie waren sich insbesondere der Art und Weise bewusst, wie ein Objekt den Ausstellungsraum einnahm, sowie wie es mit dem Raum zwischen ihm und dem Betrachter interagierte. Konstruktivistische Skulptur half, die Vorstellungen zu definieren, dass eine Skulptur Raum enthalten und definieren konnte, zusätzlich dazu, dass sie einfach Raum einnahm, und dass der Raum selbst ein wichtiges Element des Werkes werden konnte.

Die erste Konstruktivistische Ausstellung, 1921

Zeichnen im Raum

Bis Ende der 1920er Jahre umfasste die modernistische abstrakte Bildhauersprache dimensionale Reliefs, Fundstücke, geometrische und figurative Abstraktion sowie das Konzept der Fülle und der Leere des physischen Raums. Die italienischen Futuristen hatten sogar versucht, Skulptur zu nutzen, um Bewegung oder Dynamik in solchen Werken wie Umberto Boccioni’s Einzigartige Formen der Kontinuität im Raum (detaillierter behandelt hier) zu demonstrieren. Aber die Ehre, tatsächliche Bewegung in die Skulptur einzuführen und ein neues Gebiet namens kinetische Skulptur zu schaffen, gebührt Alexander Calder.

Calder wurde als Maschinenbauingenieur ausgebildet und besuchte erst später die Kunstschule. Nach seinem Abschluss begann er, mechanische Spielzeuge zu bauen, und entwarf schließlich einen ganzen mechanischen Zirkus. Um 1929 begann er, zarte, verspielte Drahtskulpturen zu schaffen, die er als „Zeichnen im Raum“ beschrieb. 1930, als er bewegliche Teile zu seinen Drahtskulpturen hinzufügte, nannte Marcel Duchamp diese Kunstwerke „Mobiles“. Calders kinetische Mobiles sind mittlerweile der am schnellsten erkennbaren Teil seines Schaffens geworden und inspirierten Künstler wie Jean Tinguely, den Schöpfer der Metamechanik. Sie beeinflussten auch vielleicht den produktivsten Modernisten-Meister des „Zeichnens im Raum“, den venezolanischen Künstler Gego, der das Konzept in den 1960er Jahren bis ins Extreme ausdehnte.

Gego, räumliche Drahtkonstruktion, teilweise Installationsansicht

Kombinationen und Ansammlungen

In den 1950er Jahren griffen Konzeptkünstler die von Picasso und Duchamp vorangetriebenen Ideen auf. Das Konzept des gefundenen Objekts wurde allgegenwärtig, als große Metropolen mit Abfall überlastet wurden und die Massenproduktion und der Konsum industrieller Produkte neue Höhen erreichten. Der multidisziplinäre Künstler Robert Rauschenberg integrierte die Grundlagen von Picassos Collagen und Assemblagen mit Duchamps Konzepten über gefundene Objekte und die Entscheidungen der Künstler, um das zu schaffen, was zu seinem charakteristischen Beitrag zur abstrakten Skulptur wurde. Er nannte sie "Combines", und sie waren im Wesentlichen skulpturale Assemblagen, die aus verschiedenen Abfällen, Detritus und industriellen Produkten bestanden, die vom Künstler durchdacht zu einer einzigen Masse kombiniert wurden.

Robert Rauschenberg - Monogram, freistehende Kombination, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Zur gleichen Zeit nutzte der Konzeptkünstler Arman, eines der Gründungsmitglieder der Nouveau Realists, Duchamps Idee des Readymade als Ausgangspunkt für eine Reihe von skulpturalen Arbeiten, die er Accumulations nannte. Für diese Arbeiten sammelte Arman Mehrfache von denselben Readymade-Objekten und schweißte sie zu einer skulpturalen Masse zusammen. Durch die Nutzung von Produkten auf diese Weise kontextualisierte er die Idee eines Readymade-Produkts neu, indem er es stattdessen als abstrakte Form verwendete, seine frühere Bedeutung entfernte und es in etwas Symbolisches und Subjektives verwandelte.

Arman - Accumulation Renault Nr.106, 1967, © Arman

Materialien und Prozesse

In den 1960er Jahren konzentrierten sich Bildhauer immer mehr auf die reinen formalen Aspekte ihrer Werke. Als eine Art Ablehnung der Emotion und Dramatik ihrer Vorgänger konzentrierten sich Bildhauer wie Eva Hesse und Donald Judd auf die Rohmaterialien, die in ihre Arbeiten einflossen, und die Prozesse, durch die ihre Objekte hergestellt wurden. Eva Hesse war Pionierin im Umgang mit oft giftigen Industrie-Materialien wie Latex und Fiberglas. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglas und Polyesterharz, neunzehn Einheiten, Jede 19 bis 20 1/4" (48 bis 51 cm) x 11 bis 12 3/4" (27,8 bis 32,2 cm) im Durchmesser. MoMA Sammlung. Geschenk von Charles und Anita Blatt. © 2018 Nachlass von Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zürich

Im Gegensatz zu Hesse, deren Technik und Individualität in ihren skulpturalen Formen deutlich zur Geltung kamen, strebte Donald Judd danach, jeglichen Beweis für die Hand des Künstlers vollständig zu entfernen. Er arbeitete daran, das zu schaffen, was er spezifische Objekte nannte, Objekte, die die Definitionen von zwei- und dreidimensionaler Kunst übertrafen und industrielle Prozesse und Materialien verwendeten, die in der Regel von Maschinen oder von anderen Arbeitern als dem Künstler gefertigt wurden.

Donald Judd - Untitled, 1973, Messing und blaues Plexiglas, © Donald Judd

Zeitgenössische Omni-Disziplinäre Kunst

Dank der Fortschritte, die moderne Bildhauer in den letzten 100+ Jahren gemacht haben, ist heute eine Zeit erstaunlicher Offenheit in der abstrakten Kunst. So viel zeitgenössische Praxis ist omni-disziplinär, was zu aufregenden, polymorphen ästhetischen Phänomenen führt. Die Werke vieler zeitgenössischer abstrakter Künstler haben eine so einzigartige Präsenz, dass sie einfache Etiketten wie "Malerei", "Bildhauerei" oder "Installation" herausfordern. Die modernistischen Pioniere der abstrakten Skulptur sind zu einem großen Teil verantwortlich für die Offenheit und Freiheit, die zeitgenössische Künstler genießen, und für die unzähligen Möglichkeiten, wie wir ihre ästhetischen Interpretationen unserer Welt genießen können.

Vorschaubild: Alexander Calder - Blaue Feder, 1948, kinetische Drahtskulptur, © Calder Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio