Louise Bourgeois Kunst und die Reduktion der Form

Für diejenigen, die abstrakte Kunst als Weg zu einem introspektiveren und erfüllteren Leben betrachten, war Louise Bourgeois die Verkörperung eines Ideals. Aber nicht wegen ihrer Ehrungen oder Auszeichnungen oder des Ruhms, den sie erlangte: ganz im Gegenteil. Der Grund ist, dass Kunst von Louise Bourgeois das anspricht, was für unser alltägliches Leben relevant ist. Um Gichin Funakoshi, den Vater des modernen Karate, zu paraphrasieren: Wenn wir erkennen, wie etwas mit unserem Alltag zusammenhängt, entdecken wir sein Wesen. Die Kunstwelt wird allzu oft durch Manifeste definiert und in Bewegungen, Epochen und Stile unterteilt. Künstler werden allzu oft nach Geschlecht, Herkunft, Nationalität und Bildungsweg kategorisiert. Wir vergessen leicht, dass der wahre Wert der Kunst jenseits solcher kleinlichen Betrachtungen liegt. Das Werk von Louise Bourgeois erhebt sich selbstbewusst über Klassifizierungen. Ihr ästhetischer Beitrag nimmt aufrichtig einen Raum ein, der zugleich figurativ und symbolisch ist. Es ist grotesk und dennoch erhaben. Sie erforschte jede erdenkliche Disziplin, band sich nie an eine bestimmte Strömung und erfand dennoch unterwegs einige neue Strömungen. Im Laufe einer sieben Jahrzehnte umspannenden Karriere erreichte sie, was nur wenige andere abstrakte Künstler geschafft haben: Sie schuf persönliche Kunst, die universell war.

Widersprüchliche Kräfte

Louise Bourgeois wurde in eine Familie voller Widersprüche hineingeboren. Ihr Vater war ein erfolgreicher Versorger, zugleich aber die größte Bedrohung für Louises Sicherheit. Ihre Eltern waren geschäftlich und im Leben Partner, doch ihr Vater ging unverhohlen sexuelle Beziehungen ein, die die Stabilität beider gefährdeten. Louises im Haus lebende Nanny und Nachhilfelehrerin, angeblich Beschützerin und Ratgeberin, war tatsächlich die Geliebte ihres Vaters. Louises Mutter, eine Weberin im familieneigenen Textilbetrieb, war eine liebevolle, beschützende Kraft und ihre entschlossenste Fürsprecherin, zugleich aber körperlich schwach und starb schließlich jung.

Während ihrer gesamten Jugend erlebte Louise die tägliche Brutalität eines Zuhauses, das zugleich von Zuneigung geprägt und durch sie bedroht war. Sie erfuhr die unverfälschte Wahrheit über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Charakters. Sie empfand Eifersucht, Wut, Angst, Einsamkeit und Verwirrung. Dennoch fehlte es ihr nie an Unterkunft, Nahrung, Kleidung oder Schulbildung. Sie wurde geliebt und umsorgt, zumindest von einem Elternteil. Als ihre Mutter starb, war Louise 21 Jahre alt und studierte Mathematik an der Universität. Statt diesen Weg fortzusetzen, den ihr Vater für sie vorgesehen hatte, wurde Louise durch den Tod ihrer Mutter dazu bewegt, ihr Leben radikal zu verändern. Sie schlug einen Weg ein, der es ihr ermöglichen würde, sich ihren Gefühlen zu stellen und sie auszudrücken. Sie gab die Mathematik auf und widmete sich stattdessen dem Leben als Künstlerin.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, Patina aus Silbernitrat. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 Zoll; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik und Psychotherapie

Sechs Jahre lang studierte Louise nach dem Tod ihrer Mutter Kunst und erwarb eine praktische Ausbildung, indem sie die Ateliers erfolgreicher Künstler besuchte und sie bei deren Ausstellungen unterstützte. Im Alter von 27 Jahren eröffnete sie kurzzeitig ein Geschäft in einer Ecke des Textilgeschäfts ihres Vaters, in dem sie Kunstdrucke verkaufte. Er gestattete ihr, den Raum zu nutzen, da es sich um ein geschäftliches Vorhaben handelte. Eines Tages kam sie im Laden mit einem Sammler ins Gespräch. Dann, wie sie es ausdrückte, „zwischen Gesprächen über den Surrealismus und die neuesten Strömungen“, heirateten sie.

Bei diesem Sammler handelte es sich um Robert Goldwater, einen angesehenen amerikanischen Kunsthistoriker. Robert und Louise zogen nach New York, wo Louise ihr Kunststudium fortsetzte und die Bandbreite ihres ästhetischen Schaffens erweiterte. Beeinflusst vom Surrealismus und dem Konzept der Psychotherapie wandte sich Louise ihrer traumatischen Kindheit als Motiv für ihre Kunst zu. Sie entwickelte eine symbolische Formensprache, die auf einer Verbindung ihrer Erinnerungen und Träume beruhte.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Gegossene und polierte Bronzeskulptur. 4 1/2 × 9 × 6 Zoll; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Auflage 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Die Symbolik von Louise Bourgeois

Louises symbolische Bildsprache bestand aus persönlichen Bildern, die für sie eine offensichtliche Bedeutung hatten. Für die Betrachter wirkte ihre Kunst jedoch wild, kühn, abstrakt und sogar schockierend. Eine der häufigsten symbolischen Formen bei Louise war die Spinne. Bereits in den 1940er-Jahren integrierte Louise Spinnen und Netze in Zeichnungen und Drucke und schuf sogar eine Serie abstrakter, von Netzen inspirierter Häkelarbeiten. Sie erklärte, dass Spinnen symbolisch auf ihre Mutter verwiesen. Ihre Mutter war Weberin, und wie ihre Mutter sind Spinnen Beschützer, da sie Mücken fressen, die Krankheiten verbreiten. 

Schließlich nahmen ihre Spinnenformen monumentale Ausmaße an und erreichten ihren Höhepunkt mit einer neun Meter hohen Skulptur mit dem Titel Maman. Neben Spinnen umfasste Bourgeois’ symbolische Bildsprache Käfige, Häuser, männliche und weibliche Genitalien, häusliche Gegenstände wie Stühle und Kleidung; außerdem stellte sie häufig biomorphe Formen dar, die an Körperteile erinnern. Eines ihrer berühmtesten Werke trägt den Titel The Destruction of the Father und zeigt eine Auswahl von Objekten, die an Organe und Fleisch erinnern und auf einem Tisch verteilt sind, umgeben von Kugeln, die an einen riesigen, geöffneten Mund voller Zähne erinnern.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Stahl, Tapisserie, Holz, Glas, Stoff, Gummi, Silber, Gold und Knochen. 177 × 262 × 204 Zoll; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Gemeinsam isoliert

Der rote Faden, der sich durch Bourgeois’ gesamtes Werk zieht, besteht darin, dass sich all ihre Bilder auf ihre privaten, persönlichen Erfahrungen beziehen. Eines der stärksten Gefühle, die sie mit ihren Betrachtern teilen wollte, war das Wechselspiel zwischen Verbundenheit und Isolation. In den 1940er-Jahren schuf sie eine Serie skulpturaler Formen, die auf verschiedene Menschen verwiesen, die sie kannte. Sie stellte die Formen auf scheinbar zufällige Weise aus. Doch allmählich beginnen die einzelnen Formen beim Betrachten der Anordnungen, ihre jeweiligen Eigenschaften auszudrücken, und jede nimmt eine eigene Persönlichkeit an, bis sich zwischen ihnen ein Gefühl der Interaktion entwickelt.

Gefühle von Verbundenheit und Isolation sind auch zentral für eine Serie skulpturaler Objekte, die Bourgeois in den 1950er-Jahren schuf, einer Zeit, in der sie sich auf die sanftere Seite des Lebens konzentrierte, inspiriert von ihrem Ehemann und ihren Kindern. Objekte wie Night Garden, Cumul I und Clamart Other stellen jeweils eine Ansammlung von Formen dar. Die Ansammlungen wirken organisch, scheinen aber auch Wesen zu zeigen, die sich zum Schutz oder aus Trostbedürfnis zusammengedrängt haben.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (gegossen 1991). Bronze und Edelstahl. 67 1/2 × 12 × 12 Zoll; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Jenseits von Etiketten

Obwohl viele Werke von Bourgeois figurativ wirken, liegt das Wesen ihrer Arbeit darin, dass sie symbolisch und persönlich ist. Sie stellte häufig Nacktheit dar und konzentrierte sich auf die weibliche Form, bestritt jedoch entschieden, dass ihre Arbeit soziale oder politische Aussagen enthalte. Sie war eine Frau, und Sexualität war eine starke Kraft in ihrer Erziehung; eine soziale oder politische Agenda war mit solchen Bildern jedoch kaum oder gar nicht beabsichtigt. Dennoch wurde sie aufgrund der kraftvollen Bilder in so vielen ihrer Werke häufig mit feministischer und LGBTQ-Kunst in Verbindung gebracht. Auch wenn sie sich einer solchen Darstellung heute vermutlich nicht widersetzen würde, erklärte sie eindeutig, dass es nicht ihr Ziel war, in ihrer Arbeit eines dieser Themen anzusprechen. Einmal sagte sie: „Meine Arbeit beschäftigt sich mit Problemen, die dem Geschlecht vorausgehen. Eifersucht zum Beispiel ist weder männlich noch weiblich.“

Es ist sinnvoll, Bourgeois’ Werk auf einer persönlichen Ebene zu betrachten. Schließlich bezieht sich ihre gesamte Symbolik auf ihre eigenen Erfahrungen. Dennoch kann jeder von uns darin etwas finden, das ihn berührt. Wenn wir offen sind, können wir es aus der Perspektive einer umfassenderen Weisheit annehmen. Wenn wir einen Körper sehen können, ohne in Kategorien wie männlich oder weiblich zu denken, fühlen wir uns weniger isoliert und werden universeller menschlich. Wenn wir uns erlauben, sowohl aus dem Leid als auch aus der Liebe unserer Mitmenschen zu lernen, führt dies zu einem Mehrwert für deren Erfahrung und für unsere eigene.

Titelbild: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronze, polierte Patina. 33 × 40 × 23 Zoll; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alle Bilder dienen ausschließlich illustrativen Zwecken
Von Phillip Barcio 2016
Bearbeitet von IdeelArt (2026)