Louise Bourgeois Kunst und die Reduktion der Form

Für diejenigen, die abstrakte Kunst als einen Weg zu einem introspektiveren und erfüllteren Leben sehen, war Louise Bourgeois die Verkörperung eines Ideals. Aber nicht wegen ihrer Ehrungen oder Auszeichnungen oder des Ruhms, den sie erlangte: ganz im Gegenteil. Es ist, weil Louis Bourgeois Kunst zu dem spricht, was für unser tägliches Leben relevant ist. Um Gichin Funakoshi, den Vater des modernen Karate, zu paraphrasieren: Wenn wir erkennen, wie etwas mit unserem täglichen Leben zusammenhängt, dann entdecken wir dessen Wesen. Die Kunstwelt wird zu oft durch Manifeste definiert und in Bewegungen, Epochen und Stile unterteilt. Künstler werden zu oft nach Geschlecht, Rasse, Nationalität und Bildungshintergrund kategorisiert. Wir vergessen leicht, dass der wahre Wert der Kunst über solche kleinlichen Überlegungen hinausgeht. Die Werke von Louise Bourgeois erheben sich selbstbewusst über Klassifizierungen. Ihr ästhetischer Beitrag bewohnt ernsthaft einen Raum, der sowohl figürlich als auch symbolisch ist. Es ist grotesk und doch erhaben. Sie erkundete jede vorstellbare Disziplin, ohne sich jemals an einen bestimmten Trend zu binden, und erfand dennoch auf dem Weg einige Trends. Im Laufe einer sieben Jahrzehnte währenden Karriere erreichte sie, was nur wenige andere abstrakte Künstler erreicht haben: Sie schuf persönliche Kunstwerke, die universell waren.

Widersprüchliche Kräfte

Louise Bourgeois wurde in eine Familie voller Widersprüche geboren. Ihr Vater war ein erfolgreicher Versorger, aber er war auch die größte Bedrohung für Louises Sicherheit. Ihre Eltern waren Partner im Geschäft und im Leben, doch ihr Vater engagierte sich ohne Reue in sexuellen Affären, die die Stabilität beider bedrohten. Louises Nanny und Lehrerin, angeblich eine Beschützerin und Führerin, war in Wirklichkeit die Geliebte ihres Vaters. Louises Mutter, eine Weberin für das Familien-Textilgeschäft, war eine liebevolle, schützende Kraft und ihre leidenschaftlichste Verfechterin, war aber auch körperlich schwach und starb schließlich jung.

In ihrer gesamten Jugend erlebte Louise die tägliche Brutalität eines Zuhauses, das gleichzeitig von Zuneigung geprägt und bedroht war. Sie erfuhr die rohe Wahrheit über die Zerbrechlichkeit des menschlichen Charakters. Sie fühlte Eifersucht, Wut, Angst, Einsamkeit und Verwirrung. Doch sie hatte nie Mangel an Unterkunft, Nahrung, Kleidung oder Bildung. Sie wurde geliebt und geschätzt, zumindest von einem Elternteil. Als ihre Mutter starb, war Louise 21 Jahre alt und studierte Mathematik an der Universität. Anstatt diesen Weg fortzusetzen, der der Wunsch ihres Vaters für sie war, ließ sich Louise von dem Tod ihrer Mutter inspirieren, ihr Leben dramatisch zu verändern. Sie schlug einen Weg ein, der es ihr ermöglichte, ihre Gefühle zu konfrontieren und auszudrücken. Sie gab die Mathematik auf und widmete sich stattdessen dem Leben als Künstlerin.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, Silbernitrat-Patina. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 Zoll; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 Die Easton Stiftung

Symbolik und Psychotherapie

"Sechs Jahre nach dem Tod ihrer Mutter studierte Louise Kunst und erhielt eine praktische Ausbildung, indem sie die Ateliers erfolgreicher Künstler besuchte und bei deren Ausstellungen half. Mit 27 Jahren eröffnete sie kurzzeitig einen Laden in einer Ecke des Textilgeschäfts ihres Vaters, in dem sie Kunstdrucke verkaufte. Er erlaubte ihr, den Raum zu nutzen, da es sich um ein Geschäftsvorhaben handelte. Eines Tages im Laden begann sie ein Gespräch mit einem Sammler. Dann, wie sie es ausdrückte, „zwischen Gesprächen über Surrealismus und die neuesten Trends,“ heirateten sie."

Dieser Sammler war Robert Goldwater, ein angesehener Kunsthistoriker aus Amerika. Robert und Louise zogen nach New York, wo Louise ihr Kunststudium fortsetzte und die Bandbreite ihrer ästhetischen Produktion erweiterte. Beeinflusst von Surrealismus und dem Konzept der Psychotherapie wandte sich Louise ihrer traumatischen Kindheit zu, um Stoff für ihre Kunst zu finden. Sie entwickelte eine symbolische Sprache der Formen, die auf einer Kombination ihrer Erinnerungen und ihrer Träume basierte.

Louise Bourgeois - Geben oder Nehmen (Wie fühlen Sie sich heute Morgen), 1990. Guss- und polierte Bronzeskulptur. 4 1/2 × 9 × 6 Zoll; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Auflage 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 Die Easton Stiftung

Die Symbolik von Louise Bourgeois

Louises symbolische visuelle Sprache bestand aus persönlichen Bildern, die für sie offensichtliche Bedeutung hatten. Aber für die Betrachter schien ihre Kunst wild, kühn, abstrakt und sogar schockierend. Eine von Louises häufigsten symbolischen Formen war die Spinne. Bereits in den 1940er Jahren integrierte Louise Spinnen und Netze in Zeichnungen und Drucke und produzierte sogar eine Reihe von abstrakten, von Netzen inspirierten Häkelarbeiten. Sie erklärte, dass Spinnen eine symbolische Anspielung auf ihre Mutter waren. Ihre Mutter war Weberin, und wie ihre Mutter sind Spinnen Beschützer, da sie Mücken fressen, die Krankheiten verbreiten. 

Schließlich nahmen ihre Spinnenformen monumentale Ausmaße an und erreichten ihren Höhepunkt mit einer 9 Meter hohen Skulptur mit dem Titel Maman. Neben Spinnen umfasste Bourgeois' symbolische Bildsprache Käfige, Häuser, männliche und weibliche Genitalien, Haushaltsgegenstände wie Stühle und Kleidung, und sie stellte auch oft biomorphe Formen dar, die Körperteilen ähneln. Eines ihrer bekanntesten Werke trägt den Titel The Destruction of the Father und zeigt eine Auswahl von Objekten, die Organen und Fleisch ähneln, die auf einem Tisch ausgebreitet sind, umgeben von Kugeln, die einen riesigen offenen Mund voller Zähne hervorrufen.

Louise Bourgeois - Spinne, 1997. Stahl, Wandteppich, Holz, Glas, Stoff, Gummi, Silber, Gold und Knochen. 177 × 262 × 204 in; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 Die Easton Stiftung

Gemeinsam isoliert

Der gemeinsame Faden, der sich durch all Bourgeois' Werke zieht, ist, dass alle ihre Bilder mit ihren privaten, persönlichen Erfahrungen in Verbindung stehen. Eines der stärksten Gefühle, das sie mit ihren Zuschauern teilen wollte, war das Zusammenspiel zwischen Gemeinschaft und Isolation. In den 1940er Jahren schuf sie eine Reihe von skulpturalen Formen, die verschiedene Menschen, die sie kannte, referenzierten. Sie stellte die Formen auf eine Weise aus, die zufällig zu sein scheint. Aber allmählich, wenn man sich die Anordnungen ansieht, beginnen die einzelnen Formen, ihre Eigenschaften auszudrücken, und jede nimmt eine individuelle Persönlichkeit an, bis ein Gefühl der Interaktion zwischen ihnen entsteht.

Das Gefühl von Zusammengehörigkeit und Isolation ist auch integraler Bestandteil einer Reihe von skulpturalen Objekten, die Bourgeois in den 1950er Jahren schuf, einer Zeit, in der sie sich auf die sanftere Seite des Lebens konzentrierte, inspiriert von ihrem Ehemann und ihren Kindern. Objekte wie Nachtgarten, Cumul I und Clamart Other stellen jeweils eine Ansammlung von Formen dar. Die Versammlungen wirken organisch, scheinen jedoch auch Entitäten darzustellen, die sich zum Schutz oder zur Geborgenheit zusammengefunden haben.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (Guss 1991). Bronze und Edelstahl. 67 1/2 × 12 × 12 Zoll; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Über Etiketten hinaus

Obwohl viele von Bourgeois’ Werken figurativ erscheinen, ist das Wesen ihrer Arbeit symbolisch und persönlich. Sie stellte oft Nacktheit dar und konzentrierte sich auf die weibliche Form, war jedoch entschieden darin, jegliche sozialen oder politischen Aussagen in ihrer Arbeit zu leugnen. Sie war weiblich, und Sexualität war eine kraftvolle Kraft in ihrer Erziehung; es gab wenig oder keine soziale oder politische Agenda, die in solchen Bildern beabsichtigt war. Dennoch wurde sie aufgrund der kraftvollen Bilder in so vielen ihrer Werke häufig mit feministischer und LGBTQ-Kunst identifiziert. Obwohl sie solchen Darstellungen heute möglicherweise nicht widersprechen würde, stellte sie auch klar, dass ihr Ziel nicht darin bestand, sich mit diesen Themen in ihrer Arbeit auseinanderzusetzen. Sie sagte einmal: „Meine Arbeit beschäftigt sich mit Problemen, die vor dem Geschlecht liegen. Zum Beispiel ist Eifersucht nicht männlich oder weiblich.“

Es ist sinnvoll, Bourgeois' Werk auf einer persönlichen Ebene zu betrachten. Schließlich ist ihr Symbolismus relativ zu ihren eigenen Erfahrungen. Dennoch kann jeder von uns etwas darin finden, mit dem er sich identifizieren kann. Wenn wir offen sind, können wir es aus der Perspektive einer größeren Weisheit akzeptieren. Wenn wir einen Körper sehen und nicht in männlichen oder weiblichen Begriffen denken, werden wir weniger isoliert und universeller menschlich. Wenn wir uns erlauben, sowohl aus dem Leiden als auch aus der Liebe unserer Mitmenschen zu lernen, ist das Endergebnis ein Mehrwert für sowohl ihre Erfahrung als auch unsere eigene.

Vorgestelltes Bild: Louise Bourgeois - Bogen der Hysterie, 1993. Bronze, polierte Patina. 33 × 40 × 23 Zoll; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Das Museum of Modern Art, New York. © 2018 Die Easton Foundation
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio