Wie die Aktionsmalerei die Kunst veränderte
Wenn der Ausdruck „Action Painting“ verwirrend klingt, könnte das daran liegen, dass er eine Redundanz zu enthalten scheint. Malen impliziert Aktion. Kann es Inaktivitätsmalerei geben? Aber weder die Tatsache, dass Malen eine Aktion ist, noch dass Gemälde aus Aktion resultieren, haben viel mit der Definition des Action Paintings zu tun. Tatsächlich geht es beim Action Painting überhaupt nicht um Aktion oder Malerei. Es geht um einen Geisteszustand. Der Kunstkritiker Harold Rosenberg prägte 1952 den Begriff Action Painting in einem Aufsatz mit dem Titel „Die amerikanischen Action-Maler.“ Der Aufsatz war ein Versuch, zu erklären, was Rosenberg als einen grundlegenden Wandel im Denken einer kleinen Gruppe amerikanischer abstrakter Maler betrachtete. Anstatt Malerei als Bildproduktion zu betrachten, nutzten diese Maler den Akt des Malens, um die Ergebnisse persönlicher, intuitiver, unterbewusster Dramen festzuhalten, die sie vor der Leinwand ausspielten. Sie verwendeten die Leinwand als Bühne. Sie waren Schauspieler, und die Farbe war das Mittel, um die Beweise des Geschehens festzuhalten. In seinem Aufsatz wies Rosenberg nicht nur auf die Neuheit dieser Methode hin, sondern lenkte auch die Aufmerksamkeit vollständig von Gemälden als Objekten ab und erklärte, dass für Action Painter nur der kreative Akt von Bedeutung war.
Das Ende der Objektivität
Vor Rosenbergs Beobachtung hatte kein angesehener Kunstkritiker jemals schriftlich vorgeschlagen, dass der Sinn der Arbeit eines Künstlers nicht darin bestand, etwas Greifbares zu schaffen. Es wurde als selbstverständlich angesehen, dass der Zweck, Künstler zu sein, darin bestand, Kunstwerke zu schaffen. Aber was Rosenberg über Maler wie Jackson Pollock, Franz Kline und Willem de Kooning beobachtete, war, dass sie sich nicht darauf konzentrierten, Objekte zu schaffen. Vielmehr konzentrierten sie sich auf ihren eigenen Prozess als Maler. Sie legten den größten Wert nicht auf das fertige Produkt, sondern auf den Akt, sich mit ihrem eigenen Unbewussten zu verbinden. Das Malen war einfach eine Möglichkeit für sie, die resultierenden Effekte dieser Verbindung festzuhalten.
Stell dir vor, du bist mit einer Augenbinde versehen und bekommst einen Pinsel, dann wird dir gesagt, du sollst deinen Weg durch ein Labyrinth finden, während du den Pinsel entlang der Oberfläche der Wand führst. Die resultierende Markierung an der Wand wäre nicht so sehr ein ästhetisches Werk, sondern vielmehr ein Dokument deiner Reise. So war der Kern von Rosenbergs Beobachtung: dass die Aktionsmaler keine Bilder schufen; sie machten äußere Aufzeichnungen ihrer inneren Reisen.
Jackson Pollock - Nummer 8, 1949, 1949. Öl, Emaille und Aluminiumfarbe auf Leinwand. 34 × 71 1/2 Zoll; 86,4 × 181,6 cm. American Federation of Arts. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Aktion Maltechniken
Wenn ein Maler sich daran macht, ein Bild eines bestimmten Motivs zu schaffen, müssen die verwendeten Werkzeuge und Techniken dem Maler so viel Kontrolle wie möglich bieten. Aber wenn der Sinn eines Gemäldes nicht darin besteht, ein spezifisches, vorbestimmtes Bild zu schaffen, sondern vielmehr ein abstraktes visuelles Relikt eines psycho-physischen Ereignisses zu erzeugen, kann der Maler mehr Flexibilität in Bezug auf Werkzeuge und Techniken genießen. Da es beim Action Painting um Spontaneität geht und darum, jede unterbewusste Intuition nahtlos durch eine physische Geste zu vermitteln, muss alles, was Freiheit und Instinkt behindert, aufgegeben werden.
Der Action-Painter Jackson Pollock ließ traditionelle Vorbereitungen und Unterlagen hinter sich und malte stattdessen direkt auf ungrundierte Leinwände, die auf dem Boden ausgelegt waren. Er verzichtete auf traditionelle Werkzeuge und entschied sich stattdessen, Farbe mit allem, was er zur Hand hatte, auf seine Oberflächen aufzutragen, einschließlich Malerpinseln, Stöcken oder sogar mit bloßen Händen. Oft schleuderte, goss, spritzte und tropfte er Farbe direkt von dem Behälter, in dem die Farbe war, auf seine Oberflächen. Und er verwendete jedes verfügbare Medium, einschließlich aller Arten von Flüssigfarbe, sowie zerbrochenes Glas, Zigarettenstummel, Gummibänder und alles andere, was sein Instinkt ihm befahl.
Jackson Pollock- Wandgemälde, 1943. Öl und Kasein auf Leinwand. 95 7/10 × 237 1/2 Zoll; 243,2 × 603,2 cm. Guggenheim Museum Bilbao. Bilbao
Große Gesten
Neben der Freiheit mit Medien, Werkzeugen und Techniken befreiten sich die Aktionsmaler auch von den Einschränkungen ihrer eigenen Körperlichkeit. Franz Klines Aktionsmalereien drehen sich ganz um körperliche Gesten. Jeder kräftige Strich, den Kline auf die Leinwand setzte, ist ein Zeugnis eines Moments, in dem sein Körper vollständig in Bewegung war. Während ein impressionistischer Pinselstrich so subtil ist wie ein Handgelenksschwenk, wurden Klines Pinselstriche durch einen Schwung seines ganzen Arms oder seines gesamten Körpers gemacht, geleitet von den inneren Tiefen seines Geistes.
Pollock hatte oft überhaupt keinen Kontakt mit der Leinwand. Stattdessen verließ er sich auf die Dynamik und die dynamische Nutzung seines Körpers, um Geschwindigkeit und Kraft zu erzeugen, um das Medium in den Raum und auf die Oberfläche zu projizieren. Indem er seine Bewegung nicht durch den Kontakt mit der Oberfläche behinderte, arbeitete er mit den Kräften der Natur zusammen, was zu frei fließenden, eleganten und organisch aussehenden Spuren führte. In gewissem Sinne schufen Pollocks und Klines Gesten nicht nur Spuren, sie hinterließen auch Eindrücke. Wie Meteoritenkrater können diese Eindrücke sowohl für ihr Aussehen als auch für die urtümlichen, alten, natürlichen Kräfte, die sie verursacht haben, geschätzt werden.
Franz Kline - Mahoning, 1956. Öl- und Papiercollage auf Leinwand, 80 × 100 in. (203,2 × 254 cm). Whitney Museum of American Art, New York; Kauf mit Mitteln der Freunde des Whitney Museum of American Art 57.10. © 2020 Der Franz Kline Nachlass / Artists Rights Society (ARS), New York
Das gewissenhafte Unbewusste
Der Aufstieg der Aktionsmalerei war kein Geheimnis. Er hatte logische Wurzeln im Kontext der amerikanischen Kultur nach dem Zweiten Weltkrieg. Die amerikanische Gesellschaft insgesamt erholte sich vom Krieg und passte sich einer seltsamen neuen modernen Realität an. In ihren Bemühungen, sich selbst und ihre Welt zu verstehen, wurden die Menschen zunehmend an Psychologie interessiert, insbesondere an Ideen rund um das Unterbewusste und unbewusste Gedanken. In den Köpfen der amerikanischen Aktionsmaler verbanden sich diese Ideen direkt mit der Arbeit, die die Surrealisten mit automatischem Zeichnen geleistet hatten, bei dem der Körper Striche basierend auf reflexiven Bewegungen, inspiriert von unbewussten Impulsen, erzeugte.
Ihr Denken war auch mit primitiven Traditionen verbunden, die in der totemischen Kunst der nordamerikanischen Ureinwohnerkulturen zu finden sind. Totemkunst ist mit dem Glauben verbunden, dass Menschen durch bestimmte natürliche Objekte oder durch Wesen, die spirituelle oder mystische Kräfte besitzen, miteinander, mit der Geschichte sowie mit der natürlichen und spirituellen Welt verbunden sind. Die Aktionsmaler hofften, dass sie durch ihren intuitiven, unterbewussten Malstil totemische Bilder kanalisieren könnten, mit denen die Betrachter in Anwesenheit der ästhetischen Relikte ihres Prozesses eine Verbindung herstellen könnten.
Jaanika Peerna - Kleiner Strudel (Ref 855), 2009. Pigmentstift auf Mylar. 45,8 x 45,8 cm
Das Erbe der Aktionsmalerei
Die Kostbarkeit des Geschenks, das Action Painting zukünftigen Generationen von Künstlern gegeben hat, kann nicht genug betont werden. Harold Rosenbergs durchdachte Beobachtungen inspirierten einen enormen Wandel in der modernen Kunst. Er gab den Worten Ausdruck, dass der Prozess wichtiger ist als das Produkt. Er bewies, dass die Reise wirklich wichtiger ist als das Ziel, oder wenn das zu klischeehaft klingt, bewies er, dass das Drama, das sich während des kreativen Aktes eines Malers entfaltet, wichtiger ist als das Relikt, das aus diesem Prozess resultiert.
Rosenbergs Erkenntnis befreite nachfolgende Generationen von Künstlern davon, ihre Arbeit ausschließlich in Bezug auf "Produktproduktion" zu betrachten. Sie konnten sich auf experimentelle Prozesse einlassen und sich voll und ganz auf Ideen konzentrieren. Sie hatten die Erlaubnis, zu beginnen, ohne die Endergebnisse vorhersagen zu müssen. Ohne diesen Wandel im Bewusstsein der Künstler hätten wir niemals "Happenings" oder die Arbeiten von Konzeptkünstlern oder die Fluxus-Bewegung genießen können. Wir hätten niemals die flüchtigen, vergänglichen Geheimnisse der Land Art erleben können. Wir hätten niemals die Früchte der alternativen Kunstszene genießen können. In vielerlei Hinsicht war es die Aktionsmalerei, die es den Künstlern ermöglichte, ihren Fokus von dem, wohin sie genau gingen, abzulenken und sich daran zu erinnern, dass oft das Wichtigste in der Kunst und im Leben ist, wie sie dorthin gelangen.
Vorgestelltes Bild: Jackson Pollock - Grauer Regenbogen, 1953. Öl auf Leinen. 72 × 96 1/10 Zoll; 182,9 × 244,2 cm. Art Institute of Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
