Willem de Kooning - Der Mann der vielen Widersprüche

Willem de Kooning ist leicht zu lieben und leicht zu hassen. De Kooning ist eine epische Gestalt in der Geschichte der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts, teils wegen seiner Werke und teils wegen seiner Persönlichkeit. Geboren 1904 und gestorben 1997, umspannt sein Leben das Jahrhundert. Obwohl er die meiste Zeit seines Lebens kein amerikanischer Staatsbürger war, verkörperte er dennoch den amerikanischen Mythos. Er war kühn und robust, zugleich sensibel. Er arbeitete hart und feierte ausgelassen. Er war ein brillanter und neugieriger Geist und zugleich ein produktiver Liebhaber. Er zog Menschen an sich und belohnte sie großzügig mit seiner Ehrlichkeit und Offenheit. Er war ein Beeinflusser, der andere auch Einfluss auf sich nehmen ließ. In den 70 Jahren, in denen er professionell malte, schuf De Kooning eines der vielfältigsten und emotional aufregendsten Werkkomplexe seiner Generation. Doch De Kooning-Gegner behaupten, er sei ein Betrüger, ein Schurke und ein Trinker gewesen. Und dann gibt es die Tatsache, dass er eines der bisher teuersten Kunstwerke malte, eine abstrakte Landschaft namens Interchange. Dieses Gemälde verwirrt manche Betrachter, die seine Bedeutung nicht verstehen, und ärgert andere, die es als abgeleitet von der Arbeit einer seiner Liebhaberinnen, Mary Abbott, ansehen. Doch jenseits von Hass, Neid, Kritik, Verdacht und Liebe steht einfach ein Künstler: jemand, der sein künstlerisches Leben ernsthaft mit zwölf Jahren begann und nie aufhörte zu schaffen, selbst als er in seinen 80ern von Alzheimer gezeichnet war.

Was ist ein Künstler?

Am 18. Februar 1949, im Alter von 44 Jahren, wurde Willem de Kooning von Barnett Newman (oder Barney, wie er ihn nannte) eingeladen, seinen ersten öffentlichen Vortrag zu halten. Das Thema war Verzweiflung. De Kooning begann mit dem Satz: „Mein Interesse an Verzweiflung liegt nur darin, dass ich mich manchmal selbst als verzweifelt empfinde. Sehr selten beginne ich so.“ De Kooning beschrieb den kreativen Prozess als von Natur aus verzweifelt, da alles Denken und Handeln das Gegenteil von Harmonie und Zufriedenheit ist. Er beschrieb Künstler als von Ideen bedrängt, von ihnen verschlungen, ewig denkend, ewig handelnd und daher ewig verzweifelt.

Ein großer Teil seiner eigenen Verzweiflung rührte daher, dass er vom Drang, Neues zu schaffen, verfolgt wurde und von der Angst, stillzustehen, geplagt war. Am Ende des Vortrags definierte De Kooning, was ein Künstler ist. Er sagte: „Ein Künstler ist jemand, der auch Kunst macht. Er hat sie nicht erfunden.“ Aber wie kann ein Künstler originell sein, wenn Kunst nur ein endloser Prozess des Nachahmens ist, eine leichte Abwandlung dessen, was zuvor getan wurde? Die Antwort, so De Kooning, liegt in Aufrichtigkeit und Demut. Ein Künstler schafft Neues durch ehrlichen Selbstausdruck und erkennt an, dass Künstler immer Teil von etwas Größerem sind: einer Gemeinschaft, einer Geschichte, einer Bewegung. Mit anderen Worten: Nichts, was ein Künstler tut, geschieht allein.

Willem de Kooning - Fire Island, ca. 1946, Öl auf Papier, 48,3 x 67,3 cm, Margulies Familienkollektion © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Amerikaner werden

Willem de Kooning widmete sich schon in jungen Jahren der Kunst. Geboren in Rotterdam, Niederlande, verließ er mit zwölf Jahren die Schule und begann eine Lehre bei einer Designfirma namens Gidding & Zonen. Im folgenden Jahr begann er, tagsüber bei der Designfirma zu arbeiten und abends Kurse an der Rotterdamer Akademie für Bildende Künste und Techniken zu besuchen. Mit 16 Jahren hatte De Kooning eine bezahlte Anstellung als Künstler für ein Kaufhaus. Mit 20 zog er nach Brüssel, um bei einer Dekorationsfirma zu arbeiten.

Doch trotz dieses frühen Erfolgs betrachtete De Kooning sich noch nicht als Künstler. Er war sich nicht einmal sicher, ob er überhaupt bildende Kunst machen wollte. Er hatte den Wunsch, einfach gut zu verdienen und ein aufregendes Leben zu führen. Mit diesen Vorstellungen im Kopf schmuggelte er sich mit 22 Jahren auf einem britischen Frachtschiff an Bord, das an der Ostküste Amerikas einen Zwischenstopp einlegte. Als das Schiff anlegte, betrat er das Land illegal und ging nach Hoboken, New Jersey. Dort nahm ihn das Seamen’s Church Institute, eine Organisation zur Unterstützung von Niederländern, auf. Sie gaben ihm eine Unterkunft und halfen ihm, Arbeit als Hausmaler zu finden.

Willem de Kooning - Ohne Titel (Frau im Wald), ca. 1963, Öl auf Papier, auf Masonit montiert, © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Den Lebensunterhalt verdienen

Nach nur einem Jahr in Amerika fand De Kooning Arbeit bei einer Designfirma in New York City und konnte nach Manhattan ziehen. Er hatte die enorme Leistung vollbracht, nach Amerika zu kommen und sich in einer der wettbewerbsintensivsten Städte der Welt zu etablieren. Doch in der Stadt begann er, Freundschaften mit echten Künstlern wie Stuart Davis, John Graham und Arshile Gorky zu schließen. Die Arbeiten dieser Künstler erschienen De Kooning von großer Bedeutung und Sinn, und im Laufe der nächsten Jahre wurde er überzeugt, dass er zwar gut verdiente, aber noch nicht das richtige Leben für sich geschaffen hatte.

1935, im Alter von 31 Jahren, gab De Kooning seine professionelle Designkarriere auf und meldete sich als Künstler bei der Works Progress Administration an. Dort arbeitete er als Wandmaler. Dort traf er den Künstler Fernand Léger und begann, sich als Künstler mit einem einzigartig modernen Stil zu etablieren. Diese Entscheidung, sich ganz der Kunst zu widmen, veränderte alles für De Kooning. In den folgenden fünf Jahren lernte er die junge Malerin Elaine Fried kennen, die später seine erste Frau werden sollte, und den Maler Franz Kline, der sein engster Freund wurde.

Willem de Kooning - Ohne Titel, 1972, aus der Serie 15-75, Farbiger Siebdruck auf Arches Gewebe-Papier, 61,3 × 91,8 Zoll, Foto: Galerie d'Orsay, Boston

Der reife De Kooning

Obwohl er sich schnell als Intellektueller in der Gemeinschaft ernsthafter Künstler im Nachkriegs-New York etablierte, erreichte Willem de Kooning erst in seinen 40ern einen als reif geltenden abstrakten Malstil. Diesen Stil zeigte er erstmals 1948 in seiner ersten Einzelausstellung in der Charles Egan Galerie. Dort waren seine berühmten schwarzen Gemälde zu sehen, die er der Legende nach malte, weil er zu arm war, um andere Farbpigmente zu kaufen. Die Ausstellung wurde in der Presse positiv aufgenommen, und das New Yorker MoMA erwarb eines dieser schwarzen Gemälde.

Doch leider war 1948 auch das Jahr, in dem Arshile Gorky Selbstmord beging. Gorky war ein wichtiger Mentor und lieber Freund für De Kooning geworden. Beide teilten eine gemeinsame Angst vor dem Malen – jene Verzweiflung, die De Kooning so eindringlich in seinem ersten öffentlichen Vortrag ausdrückte. Dennoch blühte De Kooning in den folgenden Jahren auf. Er gründete mit anderen den The Club, auch bekannt als 8th Street Artists Club, einen legendären Treffpunkt für die klügsten Köpfe der New Yorker Kunstszene. 1950 vollendete er seine monumentale Leinwand Excavation, die ihm die Logan-Medaille und den Ankaufspreis des Art Institute of Chicago einbrachte, was seinen Ruf als Schlüsselmitglied der New Yorker Schule festigte und ihm landesweite Anerkennung verschaffte.

Willem de Kooning - Gemälde, 1948, Emaille und Öl auf Leinwand, 108,3 x 142,6 cm, Digitales Bild © The Museum of Modern Art, New York

Die Frauen von De Kooning

Ende der 1940er Jahre, als er gerade als abstrakter Maler Erfolg hatte, wurde De Kooning auch wieder zu seinen figürlichen Wurzeln hingezogen. 1950 schockierte er viele seiner Bewunderer und Freunde, als er eine Reihe von quasi-figürlichen Werken ausstellte, die heute als seine Frau-Gemälde bekannt sind. Die Frau-Gemälde verbanden die Gesten und stilistischen Elemente seiner früheren Arbeiten, fügten jedoch urtümliche figürliche Darstellungen dessen hinzu, was De Kooning als ikonische weibliche Bilder ansah.

Die Energie und Gewalt seiner Markierungen zusammen mit den grotesk wirkenden Bildern ließen viele Betrachter annehmen, die Frau-Gemälde drückten Wut und Gewalt gegenüber Frauen aus. Doch De Kooning sah sich selbst als Verfechter der Frauen. Er hatte viele Liebhaberinnen und empfand sein Verhalten oder seine Gemälde nicht als frauenfeindlich. Er betrachtete seine Frau-Gemälde als mythisch und voller Ehrfurcht und Laune. Heute sind diese Gemälde vielleicht seine bekanntesten Werke. Damals jedoch galt es als ketzerisch, dass ein avantgardistisches Mitglied der abstrakten New Yorker Schule den Kurs umkehrte und zur figürlichen Kunst zurückkehrte.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (links) und Willem Woman, 1949 (rechts), © The Willem de Kooning Foundation, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Die einzige Konstante

Etwa fünf Jahre nach Beginn seiner Frau-Serie änderte De Kooning erneut seinen Stil, diesmal zurück zur Abstraktion. Vielleicht inspiriert von Ideen, die er mit der Malerin Mary Abbott austauschte, begann er, das zu malen, was er abstrakte Landschaften nannte. Diese Landschaften entstanden in drei unterschiedlichen Phasen, die jeweils Urban, Parkway und Pastoral genannt werden. Doch gab es kaum oder gar keine figürlichen Elemente in diesen Gemälden, die darauf hindeuteten, dass De Kooning tatsächlich versuchte, Landschaften zu malen.

Vielmehr vermitteln seine Landschaften ein abstrahiertes Gefühl seiner eigenen Beziehung zu natürlichen und gebauten Umgebungen. Sie drücken eine gewisse Distanz und vielleicht Ruhe aus. De Kooning begann um 1952, die Sommer in den Hamptons zu verbringen, und zog schließlich in den 1960er Jahren dauerhaft in einen abgelegenen Teil von Long Island. Diese Landschaftsgemälde entstanden mitten in diesem Übergang und scheinen eine Anziehungskraft zu etwas außerhalb des hektischen Hamsterrads von New York City auszudrücken. Sie verkörpern das am häufigsten zitierte Motto, für das De Kooning erinnert wird: „Man muss sich verändern, um gleich zu bleiben.“

Willem de Kooning - Japanese Village, 1971, Lithographie, 71,8 × 101,6 cm, Foto: Sragow Galerie, New York

De Kooning gegen Alzheimer

In den 1960er und 70er Jahren entwickelte De Kooning seine künstlerischen Tätigkeiten ständig weiter. Er experimentierte mit Lithografie und Bildhauerei und schuf eine große Anzahl von Papierarbeiten. Er wechselte frei zwischen Abstraktion und Figuration und erforschte jede Herangehensweise und jedes Thema, das seine Leidenschaften verlangten. Er blieb der Überzeugung treu, dass nur er selbst bestimmen könne, welche Art von Kunst er mache, und sagte: „Es ist wirklich absurd, heute ein Bild, wie ein menschliches Bild, mit Farbe zu machen, wenn man darüber nachdenkt... Aber dann war es plötzlich noch absurder, es nicht zu tun. Also fürchte ich, dass ich meinen Wünschen folgen muss.“

De Kooning folgte seinen Wünschen bis zum Ende. Anfang der 1980er Jahre hörte er mit Alkohol und Antidepressiva auf, und sein Malstil änderte sich daraufhin, wurde sparsamer und schneller. Die ihm Nahestehenden glaubten, er zeige Anzeichen von Demenz, doch er ignorierte die Kritik und malte eifrig lebendige, farbenfrohe Werke, die im Geiste von Meistern wie Matisse die einfachsten und reduziertesten waren, die er je geschaffen hatte. Selbst nachdem er Anzeichen von Alzheimer zeigte, malte er noch zwei Jahre weiter.

Eines der letzten Gemälde von Willem de Kooning, ein unbetiteltes Werk von 1989, Öl auf Leinwand, 72,4 x 55,9 cm, Bild mit freundlicher Genehmigung von Keno Auctions

Die Legende De Kooning

Auf den ersten Blick hatte Willem de Kooning ein außergewöhnliches Leben: als blinder Passagier nach Amerika gekommen, jahrzehntelang als illegaler Einwanderer gelebt und dann in eine Künstlergruppe eingetaucht, die die Welt verändern sollte. Doch er war nur ein Mensch. Er erlebte Höhen und Tiefen, ging Risiken ein und folgte seinem Herzen. Er kämpfte mit Sucht, brach Liebenden das Herz und erfüllte seine eigenen Erwartungen nicht. Er war ernsthaft, aufrichtig und von Selbstzweifeln geplagt. Er war sowohl außergewöhnlich als auch ganz gewöhnlich.

Was ihn vielleicht auszeichnet, ist seine Standhaftigkeit. Er hörte nie auf, sich selbst anzutreiben. Der Geist jenes zwölfjährigen Jungen, der die Schule verließ, um eine kreative Laufbahn einzuschlagen, begleitete De Kooning sein ganzes Leben lang, und er diente diesem Geist gut. Es ist passend, dass die Rotterdamer Akademie für Bildende Künste und Techniken, die De Kooning als Jugendlicher abends besuchte, nach seinem Tod in Willem de Kooning Academie umbenannt wurde. Was könnte ein besseres Zeugnis für einen Künstler sein, der seiner Kunst, seinem Verstand, seiner Leidenschaft und dem unerschrockenen Geist der Jugend stets treu blieb.

Titelbild: Willem de Kooning - Excavation, 1950, Öl und Emaille auf Leinwand, 206 x 254,8 cm, The Art Institute of Chicago, © The Art Institute of Chicago
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio