Willem de Kooning - Der Mann der vielen Widersprüche

Willem de Kooning ist leicht zu lieben und leicht zu hassen. De Kooning ist eine epische Figur in der Geschichte der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts, teilweise wegen seiner Werke und teilweise wegen seiner Persönlichkeit. Geboren 1904 und gestorben 1997, umrahmte sein Leben das Jahrhundert. Obwohl er die meiste Zeit seines Lebens kein amerikanischer Staatsbürger war, verkörperte er dennoch den amerikanischen Mythos. Er war schick und robust, aber auch sensibel. Er arbeitete hart und feierte hart. Er war ein brillanter und neugieriger Intellektueller und auch ein produktiver Liebhaber. Er zog Menschen zu sich und belohnte sie großzügig mit seiner Ehrlichkeit und Offenheit. Er war ein Influencer, der anderen erlaubte, ihn zu beeinflussen. In den 70 Jahren, in denen er professionell malte, schuf De Kooning einen der vielfältigsten und viszeral aufregendsten Werkkomplexe seiner Generation. Aber De Kooning-Hasser behaupten, er sei ein Betrüger, ein Schurke und ein Trinker gewesen. Und dann gibt es die Tatsache, dass er das gemalt hat, was bisher eines der teuersten Kunstwerke verkauft wurde, eine abstrakte Landschaft mit dem Titel Interchange. Dieses Gemälde verwirrt einige Betrachter, die seine Bedeutung nicht verstehen, und ärgert andere, die es als abgeleitet von den Arbeiten einer seiner Liebhaberinnen, Mary Abbott, betrachten. Aber jenseits des Hasses, der Eifersucht, der Kritik, des Misstrauens und der Liebe liegt einfach ein Künstler: jemand, der sein Künstlerleben ernsthaft im Alter von zwölf Jahren begann und nie aufhörte zu schaffen, selbst als er in seinen 80ern von Alzheimer gezeichnet wurde.

Was ist ein Künstler?

Am 18. Februar 1949, im Alter von 44 Jahren, wurde Willem de Kooning von Barnett Newman (oder Barney, wie er ihn nannte) eingeladen, seine erste öffentliche Vorlesung zu halten. Das Thema war Verzweiflung. De Kooning begann mit den Worten: „Mein Interesse an Verzweiflung liegt nur darin, dass ich manchmal feststelle, dass ich verzweifelt geworden bin. Sehr selten beginne ich so.“ De Kooning beschrieb den kreativen Prozess als von Natur aus verzweifelt, da alles Denken und Handeln das Gegenteil von Harmonie und Zufriedenheit ist. Er beschrieb Künstler als von Ideen unterdrückt, von ihnen verschlungen, für immer denkend, für immer handelnd und daher für immer verzweifelt.

Viel von seiner eigenen Verzweiflung rührte daher, dass er von dem Bedürfnis, originell zu sein, heimgesucht wurde und von der Angst geplagt war, stagnieren zu werden. Am Ende der Vorlesung definierte De Kooning, was ein Künstler ist. Er sagte: „Ein Künstler ist jemand, der auch Kunst macht. Er hat sie nicht erfunden.“ Aber wie kann ein Künstler originell sein, wenn Kunst nur ein endloser Prozess der Nachahmung ist, eine leichte Variation dessen, was in der Vergangenheit getan wurde? Die Antwort, so De Kooning, ist Aufrichtigkeit und Demut. Ein Künstler innoviert durch ehrliche Selbstdarstellung und erkennt an, dass Künstler immer Teil von etwas Größerem sind: einer Gemeinschaft, einer Geschichte, einer Bewegung. Mit anderen Worten, nichts, was ein Künstler tut, geschieht allein.

Willem de Kooning - Fire Island, ca. 1946, Öl auf Papier, 48,3 x 67,3 cm, Margulies Family Collection © Die Willem de Kooning Stiftung, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Amerikaner werden

Willem de Kooning widmete sich in jungen Jahren der Kunst. Geboren in Rotterdam, Niederlande, brach er mit zwölf Jahren die Schule ab und begann eine Lehre bei einer Designfirma namens Gidding & Zonen. Im nächsten Jahr begann er, tagsüber in der Designfirma zu arbeiten und abends Kurse an der Akademie für Bildende Kunst und Techniken in Rotterdam zu besuchen. Mit 16 Jahren hatte De Kooning einen bezahlten Job als Künstler für ein Kaufhaus. Und mit 20 Jahren zog er nach Brüssel, um einen Job bei einer Dekorationsfirma anzunehmen.

Aber trotz eines so frühen Erfolgs betrachtete De Kooning sich noch nicht als Künstler. Er war sich nicht einmal sicher, ob er überhaupt bildende Kunst machen wollte. Er hatte Ambitionen, einfach gut zu leben und ein aufregendes Leben zu führen. Und mit diesen Gedanken fest im Kopf, schlich er sich im Alter von 22 Jahren auf ein britisches Frachtschiff, das zu einem Zwischenstopp an der Ostküste Amerikas unterwegs war. Als das Boot anlegte, trat er illegal in das Land ein und machte sich auf den Weg nach Hoboken, New Jersey. Dort nahm ihn das Seamen’s Church Institute, eine Organisation, die sich der Hilfe für Niederländer widmet, auf. Sie gaben ihm einen Platz zum Wohnen und halfen ihm, Arbeit als Hausmaler zu finden.

Willem de Kooning - Untitled (Frau im Wald), ca. 1963, Öl auf Papier, auf Masonit montiert, © Die Willem de Kooning Stiftung, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Ein Leben verdienen

Nach nur einem Jahr in Amerika fand De Kooning eine Anstellung in einem Designbüro in New York City und konnte nach Manhattan ziehen. Er hatte die enorme Leistung erfolgreich vollbracht, nach Amerika zu kommen und sich in einer der wettbewerbsfähigsten Städte der Welt zu etablieren. Doch als er in der Stadt war, begann er, Freundschaften mit echten Künstlern zu schließen, wie Stuart Davis, John Graham und Arshile Gorky. Die Arbeiten, die diese Künstler leisteten, schienen für De Kooning von entscheidender Bedeutung und Sinn zu sein, der im Laufe der nächsten Jahre allmählich überzeugt wurde, dass er, obwohl er gut lebte, sich noch nicht das richtige Leben geschaffen hatte.

Im Jahr 1935, im Alter von 31 Jahren, gab De Kooning seine berufliche Designkarriere auf und meldete sich als Künstler bei der Works Progress Administration an. Er nahm einen Job als Wandmaler in der Gruppe an. Dort traf er den Künstler Fernand Léger und begann, sich als Künstler mit einem einzigartig modernen Stil zu etablieren. Diese Entscheidung, sich ausschließlich der Kunst zu widmen, veränderte alles für De Kooning. In den nächsten fünf Jahren traf er die junge Malerin Elaine Fried, die schließlich seine erste Frau werden sollte, und den Maler Franz Kline, der sein engster Freund werden sollte.

Willem de Kooning - Untitled, 1972, Aus der Serie 15-75, Siebdruck in Farbe auf Arches Wove-Papier, 24 1/8 × 36 1/8 Zoll, Foto Credits von Galerie d'Orsay, Boston

Reifer De Kooning

Obwohl er sich schnell als Intellektueller innerhalb der Gemeinschaft ernsthafter Künstler, die im Nachkriegs-New York arbeiteten, etablierte, war es erst in seinen 40ern, dass Willem de Kooning zu einem, was man als reifen abstrakten Malstil betrachten könnte, gelangte. Er offenbarte diesen Stil erstmals 1948 in seiner ersten Solo-Galerieausstellung in der Charles Egan Gallery. In der Ausstellung waren seine berühmten schwarzen Gemälde, die der Legende nach entstanden, weil er zu arm war, um andere Pigmente zu kaufen. Die Ausstellung wurde positiv in der Presse behandelt, und das New Yorker MoMA erwarb eines dieser schwarzen Gemälde.

Aber leider war 1948 auch das Jahr, in dem Arshile Gorky Selbstmord beging. Gorky war zu einem wichtigen Mentor und lieben Freund von De Kooning geworden. Die beiden teilten eine gemeinsame Angst vor der Malerei – diese Verzweiflung wurde so eindringlich in dem ersten öffentlichen Vortrag ausgedrückt, den De Kooning hielt. Dennoch, trotz seiner Angst und dem Verlust seines Freundes, blühte De Kooning in den kommenden Jahren auf. Er war Mitbegründer des Clubs, auch bekannt als der 8th Street Artists Club, einem legendären Treffpunkt für die hellsten Köpfe der New Yorker Kunstszene. Und 1950 vollendete er seine monumentale Leinwand Excavation, die ihm die Logan Medal und den Purchase Prize einbrachte, die vom Art Institute of Chicago verliehen wurden, und festigte seinen Ruf als Schlüsselmitglied der New York School und brachte ihm nationale Anerkennung.

Willem de Kooning - Malerei, 1948, Emaille und Öl auf Leinwand, 42 5/8 x 56 1/8 Zoll, Digitalbild © The Museum of Modern Art, New York

Die Frauen von De Kooning

In den späten 1940er Jahren, gerade als er als abstrakter Maler Erfolg hatte, wurde De Kooning auch wieder zu seinen figurativen Wurzeln hingezogen. Und 1950 schockierte er viele seiner Bewunderer und Freunde, indem er eine Reihe von quasi-figurativen Arbeiten ausstellte, die heute als seine Woman-Gemälde bezeichnet werden. Die Woman-Gemälde kombinierten die Gesten und stilistischen Elemente seiner vorherigen Arbeiten, fügten jedoch primale figurative Darstellungen dessen hinzu, was De Kooning als ikonische weibliche Bilder betrachtete.

Die Energie und Gewalt seiner Markierungen, kombiniert mit den grotesk aussehenden Bildern, führten dazu, dass viele Betrachter annahmen, die Woman-Gemälde drückten Wut und Gewalt gegenüber Frauen aus. Doch De Kooning betrachtete sich als Verfechter der Frauen. Er hatte viele Liebhaberinnen und fühlte nicht, dass sein Verhalten oder seine Gemälde frauenfeindlich waren. Er betrachtete seine Woman-Gemälde als mythologisch und voller Ehrfurcht und Laune. Heute sind diese Gemälde vielleicht seine bekanntesten Werke. Doch zu jener Zeit wurde es von vielen Künstlern und Kritikern als häretisch angesehen, dass ein avantgardistisches Mitglied der abstrakten New Yorker Schule den Kurs umkehrte und zur figürlichen Kunst zurückkehrte.

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2 (Links) und Willem Woman, 1949 (Rechts), © Die Willem de Kooning Stiftung, New York / VEGAP, Bilbao, 2016

Die einzige Konstante

Etwa fünf Jahre nach Beginn seiner Woman-Serie änderte De Kooning erneut seinen Stil, diesmal zurück zur Abstraktion. Vielleicht inspiriert von Ideen, die er mit der Malerin Mary Abbott ausgetauscht hatte, begann er, das zu malen, was er abstrakte Landschaften nannte. Diese Landschaften manifestierten sich über drei verschiedene Perioden, die jeweils Urban, Parkway und Pastoral genannt wurden. Aber es gab wenig bis gar nichts Figürliches in diesen Gemälden, das darauf hindeuten würde, dass De Kooning tatsächlich versuchte, Landschaften zu malen.

Vielmehr vermitteln seine Landschaften ein abstrahiertes Gefühl seiner eigenen Interaktion mit natürlichen und gebauten Umgebungen. Sie drücken eine gewisse Distanz und vielleicht Ruhe aus. De Kooning hatte um 1952 begonnen, seine Sommer in den Hamptons zu verbringen, und würde schließlich in den 1960er Jahren dauerhaft in einen abgelegenen Teil von Long Island ziehen. Diese Landschaftsgemälde wurden inmitten dieses Übergangs begonnen und scheinen eine Anziehung zu etwas außerhalb des hektischen Hamsterrads von New York City auszudrücken. Und sie verkörpern das am häufigsten zitierte Gefühl, für das De Kooning in Erinnerung bleibt: “Man muss sich ändern, um gleich zu bleiben.”

Willem de Kooning - Japanisches Dorf, 1971, Lithografie, 28 1/4 × 40 Zoll, Foto Credits von Sragow Gallery, New York

De Kooning vs. Alzheimer-Krankheit

In den 1960er und 70er Jahren entwickelte De Kooning kontinuierlich seine künstlerischen Aktivitäten weiter. Er experimentierte mit Lithografie und Skulptur und schuf eine große Anzahl von Arbeiten auf Papier. Er bewegte sich frei zwischen Abstraktion und Figuration und erkundete jeden Ansatz und jedes Thema, das seine Leidenschaften verlangten. Er blieb der Überzeugung treu, dass nur er bestimmen konnte, welche Art von Kunst er machte, und sagte: „Es ist wirklich absurd, heute ein Bild, wie ein menschliches Bild, mit Farbe zu machen, wenn man darüber nachdenkt... Aber dann war es plötzlich noch absurder, es nicht zu tun. Also fürchte ich, dass ich meinen Wünschen folgen muss.”

De Kooning folgte bis zum Ende seinen Wünschen. In den frühen 1980er Jahren hörte er mit Alkohol und Antidepressiva auf, und sein Malstil änderte sich daraufhin, wurde sparsamer und schneller. Die Menschen in seiner Nähe glaubten, er zeige Anzeichen von Demenz, aber er ignorierte die Kritik und malte eifrig lebendige, farbenfrohe Werke, die im Geiste von Meistern wie Matisse die einfachsten und reduziertesten waren, die er je geschaffen hatte. Selbst nachdem er Anzeichen von Alzheimer gezeigt hatte, malte er noch zwei Jahre weiter.

Eines der letzten Gemälde von Willem de Kooning, ein unbetiteltes Werk aus 1989, Öl auf Leinwand, 28 ½ x 22 Zoll, Bild mit freundlicher Genehmigung von Keno Auctions.

Die De Kooning Legende

Auf den ersten Blick hatte Willem de Kooning ein außergewöhnliches Leben: Er kam als blinder Passagier nach Amerika, lebte jahrzehntelang als illegaler Einwanderer und wurde dann Teil einer Gruppe von Künstlern, die die Welt verändern würden. Doch er war nur ein Mensch. Er erlebte Höhen und Tiefen, ging Risiken ein und folgte seinem Herzen. Er kämpfte mit Sucht, brach die Herzen von Geliebten und konnte seinen eigenen Erwartungen nicht gerecht werden. Er war ernsthaft, aufrichtig und für immer von Selbstzweifeln geplagt. Er war sowohl außergewöhnlich als auch völlig gewöhnlich.

Was ihn vielleicht auszeichnet, ist sein Durchhaltevermögen. Er hörte nie auf, sich selbst zu pushen. Der Geist des 12-jährigen Jungen, der die Schule verließ, um eine kreative Karriere zu verfolgen, blieb De Kooning sein ganzes Leben lang erhalten, und er diente diesem Geist gut. Es ist passend, dass die Rotterdam Academy of Fine Arts and Techniques, an der De Kooning als Teenager die Abendschule besuchte, nach De Koonings Tod in Willem de Kooning Academie umbenannt wurde. Welches bessere Zeugnis für einen Künstler, der seiner Kunst, seinem Intellekt, seiner Leidenschaft und dem unerschrockenen Geist der Jugend stets treu blieb.

Vorschaubild: Willem de Kooning - Excavation, 1950, Öl und Emaille auf Leinwand, 81 x 100 1/4 Zoll, Das Kunstinstitut von Chicago, © Das Kunstinstitut von Chicago
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio