Warum die Gittergemälde von Stanley Whitney wichtig sind

Die jüngsten Gemälde des amerikanischen abstrakten Malers Stanley Whitney haben eine ausgeprägte gitterartige Qualität. Sie sind architektonische Stapel von Farben, die an die Neo-Plastizismus-Fernsehfarbbalken erinnern. Und seine jüngsten Zeichnungen legen noch deutlicher seine Anziehungskraft zum Gitter offen, bestehend aus einfachen Kompositionen dicker schwarzer Linien, die einem rudimentären Schachbrett oder Fischernetz ähneln. Aber Whitney war nicht immer ein Gittermaler. Das Gitter war etwas, zu dem er Jahrzehnte brauchte, um sich hinzuziehen zu lassen. Tatsächlich kann man beim Blick auf die letzten fünf Jahrzehnte seiner Gemälde nicht anders, als eine Art progressive Erzählung an die Werke zu knüpfen, eine, die weit über ihre Ursprünge hinausgeht und auf dem Weg sowohl einfacher als auch tiefgründiger geworden ist. Das ist ironisch, denn Whitney sagte einmal im Modern Art News Podcast, dass der Grund, warum er eine abstrakte visuelle Sprache annahm, war, weil, “ich wirklich kein Geschichtenerzähler sein wollte.” Aber seine ästhetische Evolution erzählt tatsächlich eine Geschichte. Es ist keine typische, heroische Geschichte mit Anfang, Mitte und Ende. Es ist eher wie eine Chronologie oder eine Reihe von Nachrichtenberichten von der Frontlinie eines andauernden Kampfes. Dieser Kampf, den Stanley Whitney seit noch vor seiner Hinwendung zur Abstraktion in den späten 1960er Jahren führt, ist mit den Medien Malerei und Zeichnung und deren Rolle im Ausdruck von Farbe und Raum.

Eine bunte Jugend

Es ist keine Überraschung, dass Stanley Whitney für seine Auseinandersetzung mit Farbe bekannt geworden ist. Jetzt in seinen 70ern erzählt er eine schöne Geschichte darüber, wie er als zehnjähriges Kind seinen ersten Malunterricht an einer Nachbarschule in seiner Heimatstadt Bryn Mawr, Pennsylvania, besuchte. Der Lehrer wies die Kinder in der Klasse an, Selbstporträts zu malen. Während die anderen Schüler versuchten, ihre verschiedenen realistischen Gesichter festzuhalten, fühlte sich Whitney mehr zur Farbe hingezogen als zu darstellenden Motiven.

"Anstatt zu versuchen, eine Farbpalette zu mischen, die mit seinem tatsächlichen Aussehen in Verbindung stand, machte er ein Selbstporträt, das jede Farbe enthielt, die ihm einfiel. Whitney sagt, dass der Lehrer das Gemälde mochte, aber seine Eltern es nicht verstanden. Sie schickten ihn nie wieder in die Klasse. Aber das hielt Whitney nicht davon ab, sich von den Möglichkeiten des Malens und der Farben angezogen zu fühlen. Tatsächlich ist es nicht übertrieben zu sagen, dass Stanley Whitney seit diesem Tag als Zehnjähriger in seinem ersten Malkurs entschlossen geblieben ist, nach der idealen Möglichkeit zu suchen, Farbe zu seinem Thema zu machen."

Stanley Whitney - Champagne und Löwe, 2010, Foto Credits von Galerie Nordenhake

Platz finden

Neben seiner Anziehung zur Farbe fühlte sich Stanley Whitney auch als Jugendlicher zum Zeichnen hingezogen. Seine Schwarz-Weiß-Zeichnungen schienen zunächst nichts mit seiner Liebe zur Farbe zu tun zu haben, aber es gab eine subtile Verbindung zwischen den beiden, die er viele Jahre lang nicht erkannte. Die Verbindung hat etwas mit Raum zu tun. Bei der Anfertigung seiner Schwarz-Weiß-Zeichnungen stellte er fest, dass die Verteilung des Raums auf unzählige Arten erfolgen konnte, während die Linien ihre Beziehung zum weißen Raum in der Komposition verhandeln. Als er jedoch besser im Malen wurde, war er ratlos, wie er diese gleiche Verhandlung des Raums mit Farbe erreichen konnte.

In seinen frühen figurativen Arbeiten wirken die Farben klaustrophobisch und eng. In seinen ersten Versuchen mit Abstraktion, die Variationen des Color Field Painting mit zusätzlichen gestischen Markierungen waren, wirken die Farben zu locker. Er sagte: „Ich möchte viel Luft in der Arbeit. Ich möchte viel Raum in der Arbeit.“ Aber er schien genau darüber, wie man Luftigkeit über den Raum der Leinwand schaffen kann, festgefahren zu sein. Seine Offenbarung kam in den 1970er Jahren auf einer Reise ins Mittelmeer. Während er Ägypten und Rom besuchte, sah er die Antwort in der Architektur und dem Licht. Die antike Architektur drückte Struktur, Kontrolle und das demokratische Potenzial gestapelter Elemente aus. Die mediterranen Schatten und das Licht zeigten ihm, dass Farbe und Licht dasselbe sind und dass kühle und warme Farben, wie kühles und warmes Licht, Raum ausdrücken. Das entschlüsselte ein Geheimnis der Malerei, das, wie er sagt, „Die Luft und der Raum könnten in der Farbe sein, nicht dass die Farbe im Raum war."

Stanley Whitney - Untitled, 2013, Graphit auf Papier, Foto Credits von Galerie Nordenhake

Ein methodischer Prozess

„Das war der Anfang, dass alles zusammenkam,“ sagt Whitney. Von diesem Zeitpunkt an hat er sich langsam in Richtung der Rastergemälde entwickelt, die er heute macht. Er hat erforscht, wie graffitiartige Gesten verwendet werden können, um auszudrücken, wie Farbe durch Linie dargestellt werden kann, ähnlich wie in den Arbeiten von Mondrian. Er hat verschiedene Ansätze für das Raster untersucht, von gestapelten Formen bis hin zu Reihen von Punkten und Farbbändern. Er wusste, dass er ein skelettartiges Gerüst wollte, um seine Farben auf gerechte Weise zu halten, aber er wollte auch nicht, dass die Regel des Rasters seine Werke in eine bestimmte Richtung zwingt. Er wollte die perfekte Mischung aus Struktur und Freiheit finden, wie im Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, Öl auf Leinen, Foto Credits von Galerie Nordenhake

Die reifen Gitterarbeiten, die Stanley Whitney jetzt schafft, sind rein und stabil. Sie scheinen sogar zunächst etwas von dem Grit und der Angst zu vermissen, die seine früheren Arbeiten so lebendig erscheinen ließen. Doch bei näherer Betrachtung sind die malerischen Spuren der menschlichen Hand offensichtlich, und die Komplexität der Kompositionen offenbart die Tiefe, mit der Whitney weiterhin mit seinem Dilemma ringt. Er hat einen Weg gefunden, Farbe zu seinem Thema zu machen. Er hat das Geheimnis entdeckt, dass Farbe und Licht dasselbe sind und beide Manifestationen des Raumes darstellen. Und durch diese Entdeckungen hat er ein Werk geschaffen, das reich und unbestreitbar voller Bedeutung ist. Doch trotz seiner Entdeckungen ist er auf der Klinge des Messers geblieben, ohne jemals genau zu offenbaren oder vielleicht nie zu wissen oder sich darum zu kümmern, was diese Bedeutung genau ist.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, Öl auf Leinwand, Foto Credits von Galerie Nordenhake

Vorschaubild: Stanley Whitney - Untitled, 2016, Öl auf Leinen, Foto Credits von Galerie Nordenhake
Alle Bilder © der Künstler und Galerie Nordenhake;
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio