Warum die Gittergemälde von Stanley Whitney wichtig sind

Die jüngsten Gemälde des amerikanischen abstrakten Malers Stanley Whitney weisen eine deutliche rasterartige Qualität auf. Sie sind architektonische Farbstapel, die an neo-plastizistische Farbfernseh-Balken erinnern. Und seine jüngsten Zeichnungen legen seine Anziehung zum Raster noch offener dar, bestehend aus einfachen Kompositionen dicker schwarzer Linien, die einem rudimentären Schachbrett oder Fischernetz ähneln. Doch Whitney war nicht immer ein Rastermaler. Das Raster war etwas, zu dem er erst über Jahrzehnte hin fand. Tatsächlich kann man beim Betrachten seiner Gemälde der letzten fünf Jahrzehnte nicht umhin, eine Art fortschreitende Erzählung in der Arbeit zu erkennen, die weit über ihre Ursprünge hinausgeht und auf dem Weg sowohl einfacher als auch tiefgründiger geworden ist. Das ist ironisch, denn Whitney sagte einst im Modern Art News Podcast, dass der Grund, warum er eine abstrakte Bildsprache annahm, war, „ich eigentlich kein Geschichtenerzähler sein wollte.“ Doch seine ästhetische Entwicklung erzählt eine Geschichte. Es ist keine typische, heldenhafte Geschichte mit Anfang, Mitte und Ende. Vielmehr gleicht sie einer Chronologie oder einer Reihe von Nachrichtenberichten von der Front eines andauernden Kampfes. Dieser Kampf, den Stanley Whitney schon vor seiner Hinwendung zur Abstraktion Ende der 1960er Jahre führt, ist ein Ringen mit den Mitteln der Malerei und Zeichnung und deren Rolle im Ausdruck von Farbe und Raum.

Eine farbenfrohe Jugend

Es überrascht nicht, dass Stanley Whitney für seine Untersuchung der Farbe bekannt geworden ist. Nun in seinen 70ern erzählt er eine schöne Geschichte davon, wie er als zehnjähriges Kind seinen ersten Malkurs an einer Nachbarschaftsschule in seiner Heimatstadt Bryn Mawr, Pennsylvania, besuchte. Die Lehrerin gab den Kindern die Aufgabe, Selbstporträts zu malen. Während die anderen Schüler versuchten, ihre verschiedenen realistischen Gesichter einzufangen, fühlte sich Whitney mehr von der Farbe als vom gegenständlichen Motiv angezogen.

Anstatt eine Farbpalette zu mischen, die seinem tatsächlichen Aussehen entsprach, malte er ein Selbstporträt, das jede Farbe enthielt, die ihm einfiel. Whitney sagt, die Lehrerin mochte das Bild, aber seine Eltern verstanden es nicht. Sie schickten ihn nie wieder in den Kurs. Doch das hielt Whitney nicht davon ab, sich von den Möglichkeiten der Malerei und der Farbe angezogen zu fühlen. Tatsächlich ist es nicht übertrieben zu sagen, dass Stanley Whitney seit jenem Tag als Zehnjähriger in seinem ersten Malkurs bestrebt ist, den idealen Weg zu finden, Farbe zu seinem Thema zu machen.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, Foto: Galerie Nordenhake

Raum finden

Neben seiner Anziehung zur Farbe fühlte sich Stanley Whitney als Jugendlicher auch zum Zeichnen hingezogen. Seine Schwarz-Weiß-Zeichnungen schienen zunächst nichts mit seiner Farbverliebtheit zu tun zu haben, doch es gab eine feine Verbindung zwischen beiden, die er erst nach vielen Jahren erkannte. Die Verbindung hat mit Raum zu tun. Beim Anfertigen seiner Schwarz-Weiß-Zeichnungen stellte er fest, dass die Verteilung des Raumes auf unzählige Arten erfolgen konnte, während die Linien ihre Beziehung zum weißen Raum in der Komposition aushandelten. Als er im Malen geübter wurde, war er jedoch ratlos, wie er diese gleiche Aushandlung des Raumes mit Farbe erreichen konnte.

In seinen frühen figürlichen Werken wirken die Farben beengend und eng. In seinen ersten Ausflügen in die Abstraktion, die Anklänge an Farbflächenmalerei mit hinzugefügten gestischen Markierungen waren, wirken die Farben zu locker. Er sagte: „Ich will viel Luft im Werk. Ich will viel Raum im Werk.“ Doch er schien damit zu kämpfen, wie er Leichtigkeit über den Raum der Leinwand legen konnte. Seine Erkenntnis kam in den 1970er Jahren auf einer Reise ins Mittelmeergebiet. Beim Besuch von Ägypten und Rom sah er die Antwort in Architektur und Licht. Die antike Architektur drückte Struktur, Kontrolle und das demokratische Potenzial gestapelter Elemente aus. Die mediterranen Schatten und das Licht zeigten ihm, dass Farbe und Licht dasselbe sind und dass kühle und warme Farben, wie kühles und warmes Licht, Raum ausdrücken. Das löste ein Rätsel der Malerei, denn, wie er sagt, „Die Luft und der Raum konnten in der Farbe sein, nicht, dass die Farbe auf dem Raum war.“

Stanley Whitney - Ohne Titel, 2013, Graphit auf Papier, Foto: Galerie Nordenhake

Ein methodischer Prozess

„Das war der Anfang, dass sich die Dinge zusammenfügten,“ sagt Whitney. Von diesem Zeitpunkt an entwickelte er sich langsam zu den Rastergemälden, die er heute schafft. Er erforschte den Einsatz von graffitiähnlichen Gesten, um zu bestimmen, wie Farbe durch Linie ausgedrückt werden kann, ähnlich wie bei Mondrian. Er untersuchte verschiedene Herangehensweisen an das Raster, von gestapelten Formen über Reihen von Punkten bis hin zu Farbbändern. Er wusste, dass er ein skelettartiges Gerüst wollte, um seine Farben gerecht zu fassen, aber er wollte auch nicht, dass die Herrschaft des Rasters seine Werke in eine bestimmte Richtung zwang. Er wollte die perfekte Mischung aus Struktur und Freiheit finden, wie im Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, Öl auf Leinen, Foto: Galerie Nordenhake

Die reifen Rasterwerke, die Stanley Whitney heute schafft, sind rein und stabil. Sie scheinen auf den ersten Blick sogar etwas von der Rauheit und dem Aufruhr zu vermissen, die seine früheren Arbeiten so lebendig machten. Doch bei näherer Betrachtung sind die malerischen Spuren der menschlichen Hand deutlich zu erkennen, und die Komplexität der Kompositionen offenbart die Tiefe, mit der Whitney noch immer mit seinem Rätsel ringt. Er hat einen Weg gefunden, Farbe zu seinem Thema zu machen. Er hat das Geheimnis entdeckt, dass Farbe und Licht dasselbe sind und beide Manifestationen von Raum. Und durch diese Entdeckungen hat er ein Werk geschaffen, das reich und unbestreitbar voller Bedeutung ist. Doch trotz seiner Erkenntnisse bleibt er am Rand des Rasiermessers, ohne je genau zu offenbaren oder vielleicht zu wissen oder wissen zu wollen, was diese Bedeutung genau ist.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, Öl auf Leinwand, Foto: Galerie Nordenhake

Titelbild: Stanley Whitney - Ohne Titel, 2016, Öl auf Leinen, Foto: Galerie Nordenhake
Alle Bilder © der Künstler und Galerie Nordenhake;
Alle Bilder dienen nur zu Anschauungszwecken
Von Phillip Barcio