Klarheit von Ton und Form in Barnett Newman Gemälden

Die ikonischen Reißverschluss-Gemälde von Barnett Newman, die dünne, leuchtende vertikale Streifen zeigen, umgeben von eindringlichen Farbfeldern, gelten als einige der gefühlvollsten und kraftvollsten Werke des 20. Jahrhunderts. Doch Newman wurde zu seinen Lebzeiten nicht gewürdigt. Er war bereits in seinen Vierzigern, bevor er seinen reifen Stil fand, und als er seine Reißverschluss-Gemälde erstmals ausstellte, verachteten Kritiker und Sammler sie gleichermaßen. Dennoch blieb Newman unerschütterlich auf das fokussiert, was er mit seiner Kunst ausdrücken wollte. Sein langer und schwieriger Weg zum Erfolg verschaffte ihm eine einzigartige Sichtweise und die Gelegenheit, für sich selbst den Sinn und Zweck von Leben und Kunst zu ergründen. Als die Geschichte schließlich mit Newman Schritt hielt, hatte seine einzigartige Perspektive ein künstlerisches Werk hervorgebracht, das mit vollkommener Klarheit das Universelle, das Individuelle und das Erhabene vermittelt.

Barnett Newman der Schriftsteller

Barnett Newman wurde mit einer Leidenschaft für Kommunikation geboren, sowohl durch Worte als auch durch Bilder. Als Kind, das im Bronx aufwuchs, gewann er einmal einen Redewettbewerb in der Schule. Als er in der Oberstufe war, besuchte er fast jeden Tag Kurse an der Art Students League. Im College setzte er seine Leidenschaften ein, indem er Kunst studierte, Philosophie als Hauptfach wählte und Artikel für Schulpublikationen schrieb. Doch trotz seines großen Talents und Antriebs fand Newman nach dem College keinen klaren Weg, wie er seine Leidenschaften beruflich nutzen sollte.

Nach seinem Abschluss in Philosophie im Jahr 1927 begann Newman im Familienbetrieb zu arbeiten, um Geld zu sparen, bevor er das Leben eines Künstlers führen wollte. Doch als zwei Jahre später die Börse zusammenbrach, wurden nahezu alle Aussichten für ihn und seine Familie zerstört. Angesichts harter Realitäten machte sich Newman ernsthaft daran, auf jede erdenkliche Weise zu überleben. Er versuchte sich als Vertretungslehrer und schrieb für verschiedene Publikationen über Themen wie Politik und Kunstgeschichte. Während er kämpfte und suchte, malte er weiter und knüpfte Verbindungen zu Gleichgesinnten, die ebenfalls ihren Weg suchten. Zu diesen Verbindungen gehörten seine Frau Annalee, die Maler Mark Rothko und Adolph Gottlieb sowie die Galeristin Betty Parsons.

 

Barnett Newman - Mitternachtsblau, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Deutschland. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman der Philosoph

Während der 1930er und frühen 1940er Jahre war Newman unaufhörlich unzufrieden mit seinen eigenen Bemühungen als Maler. Er hatte das Herz eines Dichters und Philosophen und suchte einen Weg, seine innere Natur durch seine Kunst auszudrücken. Trost fand er im Schreiben über Kunst, indem er Ausstellungskatalog-Essays für verschiedene andere Künstler verfasste, dank seiner Verbindung zu Betty Parsons. Diese Schriften, zusammen mit seinen vielfältigen Lebenserfahrungen und persönlichen Kämpfen, führten ihn allmählich dazu, eine tiefgründige Theorie über die Natur der Menschheit und den Zweck der Kunst zu entwickeln.

Diese Philosophie legte er in zwei Essays dar, die er 1947 bzw. 1948 schrieb. Der erste Essay trug den Titel The First Man Was an Artist. Darin argumentierte Newman, dass der poetische oder künstlerische Instinkt beim Menschen seit Anbeginn der Zeit dem nützlichen Instinkt vorausgegangen sei. Er führte an, dass Tonskulpturen von Göttern der Töpferei vorausgingen und dass poetische Grunzlaute und Schreie, die die ursprünglichsten Gefühle ausdrücken, sogenannten zivilisierten Äußerungen vorausgingen. „Töpferei ist das Produkt der Zivilisation“, schrieb Newman. „Der künstlerische Akt ist das persönliche Geburtsrecht des Menschen.“

 

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Öl auf Leinwand. Gesamtmaß: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 Zoll). Geschenk von Annalee Newman zum 50. Jahrestag der National Gallery of Art. 1988.57.2. Sammlung der National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Barnett Newman der Maler

Der zweite wichtige Essay, den Newman schrieb, trug den Titel The Sublime Is Now. Darin tadelte er alle früheren Künstler dafür, dass sie nur der Schönheit nachjagten. Selbst moderne Künstler, so argumentierte er, interpretierten nur das Schöne neu und schufen eine „Wertübertragung statt einer neuen Vision“. Er behauptete, er und seine Zeitgenossen suchten etwas völlig Neues, „indem sie völlig leugneten, dass Kunst sich mit dem Problem der Schönheit und deren Auffindung beschäftigt“. Er versicherte, dass die Werke, die er und sie schufen, keinerlei Verbindung zu historischen, nostalgischen oder mythischen Dingen hätten, sondern „selbsterklärend“ seien und „aus unseren eigenen Gefühlen entstanden“.

Das Ergebnis all dieser Philosophie zeigte sich für Newman künstlerisch im Jahr 1948, als er sein ikonisches Meisterwerk Onement schuf, das erste seiner zip paintings. Der Titel des Werks ist ein Wortspiel. Er bezieht sich auf das Wort „atonement“ (Sühne), das bedeuten kann, etwas zu reparieren, aber auch eine christliche Anspielung auf die Vereinigung von Menschlichkeit und Göttlichkeit durch die Christusfigur ist. Indem er jedoch die ersten beiden Buchstaben des Wortes wegließ, bezog sich Newman auch auf die Gesamtheit des Individuums, das Eine, und seine übergreifende Idee, dass das gesamte erhabene Verständnis in einer Person oder auch in einem Gemälde enthalten sein kann.

 

Barnett Newman - Onement I, 1948. Öl auf Leinwand und Öl auf Klebeband auf Leinwand. 27 1/4 x 16 1/4 Zoll (69,2 x 41,2 cm). Geschenk von Annalee Newman. 390.1992. Sammlung MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Ein einzigartiger Ausdruck des Zwecks

Nach der Malerei von Onement zerstörte Barnett Newman alle seine früheren Werke. Er hatte die ästhetische Stimme gefunden, nach der er gesucht hatte, und von diesem Moment an zerstörte er jedes Werk, das nicht seiner spezifischen Vision entsprach. Ironischerweise war er nicht der Einzige, der das Bedürfnis verspürte, seine Werke zu zerstören. Diese bittere Erfahrung machte er 1950, als er begann, von seiner Freundin Betty Parsons vertreten zu werden. In den folgenden zwei Jahren hatte er zwei Einzelausstellungen in ihrer Galerie. Bei beiden Ausstellungen wurden seine Gemälde zerschnitten, und in den Rezensionen verspotteten Kritiker die Werke einhellig.

Erschüttert von dem Hass, den er erlebte, zog Newman seine Werke von Betty Parsons zurück und stellte für die nächsten vier Jahre komplett aus. Er kaufte sogar eines seiner verkauften Gemälde zurück und schrieb an den Sammler: „Die Bedingungen existieren noch nicht ... die eine direkte, unschuldige Haltung gegenüber einem einzelnen meiner Werke ermöglichen.“ Doch er malte weiterhin seine Reißverschluss-Gemälde, im festen Glauben, dass sie die Reinheit und Größe des erhabenen, individuellen Geistes ausdrückten. Als er schließlich wieder ausstellte, wurde seine Arbeit erneut verspottet, wobei ein Kritiker einer Ausstellung 1957 des Gemäldes Vir Heroicus Sublimis sogar fluchte und nur auf die Größe und die rote Farbe des Werks hinwies.

 

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Öl auf Leinwand. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Geschenk von Herrn und Frau Ben Heller. 240.1969. Sammlung MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Die nächste Generation

Trotz des öffentlichen Missverständnisses seiner Bemühungen beharrte Newman und festigte seinen Ausdruck durch Vereinfachung. Seine erfolgreichsten Werke bestanden nur aus zwei Elementen: Ton und Form. Die Reißverschlüsse selbst waren weniger Formen als vielmehr Gestalten. Doch die Gemälde waren in ihrer Gesamtheit Formen. Die Reißverschlüsse waren eigentlich nur Ausdruck von Tonqualitäten, eine Farbverschiebung, die sie von ihren umgebenden Farbfeldern unterschied. Und er drückte Ton auch im musikalischen Sinne aus, als klare, präzise, verlängerte Ausdrucksform einer Stimme. Durch seinen klaren Ausdruck von Ton und Form definierte Newman seinen festen Glauben an den Wert von Ermächtigung, Eigenartigkeit und der universellen Essenz des Individuums.

Trotz seiner Aufrichtigkeit und Leidenschaft unterstützte in den 1950er Jahren nur ein Kritiker Barnett Newman, und das war Clement Greenberg. Obwohl seine Unterstützung wenig dazu beitrug, das Kunstestablishment vom Wert der Werke zu überzeugen, spiegelte sie doch das wachsende Verständnis der jüngeren Generation für das, wofür Barnett Newman stand. Für die jungen Maler befreite Newman sie, anstatt sie an die Vergangenheit zu binden, ihre einzigartige Individualität zu umarmen. Er zeigte, dass Betrachter jedes seiner Gemälde auf genau dieselbe Weise begegnen konnten, wie sie einem anderen Menschen begegnen würden: nur ein wesentliches Wesen trifft auf ein anderes. Er bewies, dass Gemälde nicht zueinander in Beziehung stehen müssen und auch nicht zur Geschichte. Er zeigte, dass jedes Kunstwerk ein eigenes Universum ist.

 

Barnett Newman - The Third, 1964. Öl auf Leinwand. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Ein verspäteter, aber bleibender Einfluss

Obwohl es erst bis in Newmans sechstes Lebensjahrzehnt dauerte, bis eine neue Generation seine Ideen aufnehmen konnte, erwarb er schließlich den Respekt und die Anerkennung, die ihm zustanden. Heute ist der Einfluss von Barnett Newman bei zahlreichen zeitgenössischen abstrakten Künstlern zu sehen, die eigenwillige ästhetische Visionen auf der Grundlage von Ton und Form geschaffen haben. Zum Beispiel denken Sie an Tom McGlynn, der eine erhabene und eigenwillige Vision auf Basis von Ton und Form geschaffen hat; oder an die Werke von Richard Caldicott, die serielle Wiederholungen und Strukturen bei der Schaffung einzigartig eigenständiger ästhetischer Räume erforschen.

Trotz des anfänglichen Missverständnisses gegenüber seiner Arbeit wird Barnett Newman heute routinemäßig zu den besten Vertretern des abstrakten Expressionismus, der Farbfeldmalerei und sogar des Minimalismus gezählt. Doch er sah sich selbst keiner dieser Gruppen zugehörig. Er betrachtete sich eher als eine Bewegung für sich. Dennoch, obwohl er stilistisch nicht wie die abstrakten Expressionisten war, war er ein Verfechter des Werts persönlicher Ausdruckskraft. Obwohl er kein Farbfeldmaler war, zeigte er die Fähigkeit, allein durch Tonqualitäten meditative und nachdenkliche ästhetische Formen zu schaffen. Und obwohl er kein Minimalist war, drückte er vorausschauend den Wert der Vereinfachung und Reduzierung der Bildsprache aus.

 

Barnett Newman - Schwarzes Feuer I, 1963. Öl auf Leinwand. 114 x 84 Zoll (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

 

Titelbild: Barnett Newman - Onement I (Detail), 1948. Öl auf Leinwand und Öl auf Klebeband auf Leinwand. 27 1/4 x 16 1/4 Zoll (69,2 x 41,2 cm). Geschenk von Annalee Newman. 390.1992. Sammlung MoMA. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio