Klarheit von Ton und Form in Barnett Newman Gemälden

Die ikonischen Zip-Gemälde von Barnett Newman, die aus dünnen, leuchtenden vertikalen Bändern bestehen, die von immersiven Farbflächen umgeben sind, gelten als einige der emotionalsten und kraftvollsten Werke des 20. Jahrhunderts. Doch Newman wurde zu seiner Zeit nicht geschätzt. Er war in seinen Vierzigern, als er seinen reifen Stil fand, und als er seine Zip-Gemälde zum ersten Mal ausstellte, verachteten Kritiker und Sammler sie gleichermaßen. Dennoch blieb Newman fest entschlossen, was er mit seiner Kunst kommunizieren wollte. Sein langer und schwieriger Weg zum Erfolg verschaffte ihm eine einzigartige Perspektive und die Möglichkeit, für sich selbst die Bedeutung und den Zweck von Leben und Kunst zu ergründen. Als die Geschichte Newman einholte, hatte seine einzigartige Perspektive zu einem künstlerischen Werk geführt, das mit perfekter Klarheit das Universelle, das Individuelle und das Erhabene kommuniziert.

Barnett Newman der Schriftsteller

Barnett Newman wurde mit einer Leidenschaft für Kommunikation geboren, sowohl durch Worte als auch durch Bilder. Als Kind, das im Bronx aufwuchs, gewann er einmal einen Redewettbewerb in der Schule. Als er im letzten Jahr der High School war, nahm er fast jeden Tag der Woche an Kursen an der Art Students League teil. Im College setzte er seine Leidenschaften in die Tat um, studierte Kunst, belegte Philosophie und schrieb Artikel für Schulpublikationen. Doch trotz seines immensen Talents und Antriebs fand Newman nach dem College keinen klaren Weg, wie er seine Leidenschaften in einer Karriere nutzen konnte.

Nach dem Abschluss mit einem Philosophie-Diplom im Jahr 1927 begann Newman, im Familienunternehmen zu arbeiten, um Geld zu sparen, bevor er das Leben eines Künstlers führen konnte. Doch als die Börse zwei Jahre später zusammenbrach, wurden nahezu alle Perspektiven für ihn und seine Familie zerstört. Angesichts harter Realitäten machte sich Newman ernsthaft daran, auf jede erdenkliche Weise zu überleben. Er versuchte, als Vertretungslehrer zu arbeiten, und schrieb für eine Reihe von Publikationen über Themen wie Politik und Kunstgeschichte. Während er kämpfte und suchte, malte er weiter und knüpfte Kontakte zu anderen gleichgesinnten Seelen, die ebenfalls versuchten, ihren Weg zu finden. Zu diesen Verbindungen gehörten seine Frau Annalee, die Maler Mark Rothko und Adolph Gottlieb, sowie die Galeristin Betty Parsons.

Barnett Newman - Midnight Blue, 1970. 239 x 193 cm. Museum Ludwig, Köln, Deutschland. © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman der Philosoph

In den 1930er und frühen 1940er Jahren war Newman unendlich unzufrieden mit seinen eigenen Bemühungen als Maler. Er hatte das Herz eines Dichters und Philosophen und suchte einen Weg, seine innere Natur durch seine Kunst auszudrücken. Er fand Trost im Schreiben über Kunst, während er Ausstellungskatalogessays für verschiedene andere Künstler verfasste, dank seiner Verbindung zu Betty Parsons. Diese Schriften, zusammen mit seinen vielfältigen Lebenserfahrungen und persönlichen Kämpfen, führten ihn allmählich dazu, eine tiefgreifende Theorie über die Natur der Menschheit und den Zweck der Kunst zu entwickeln.

Er erklärte diese Philosophie in zwei Essays, die er 1947 und 1948 schrieb. Der erste Essay trug den Titel Der erste Mensch war ein Künstler. Darin argumentierte Newman, dass der poetische oder künstlerische Instinkt den utilitaristischen Instinkt beim Menschen seit Anbeginn der Zeit immer vorausgegangen ist. Er argumentierte, dass Tonskulpturen von Göttern der Töpferei vorausgingen und dass poetische Grunzen und Schreie, die die primitivsten Emotionen ausdrücken, den sogenannten zivilisierten Äußerungen vorausgingen. „Töpferei ist das Produkt der Zivilisation“, schrieb Newman. „Der künstlerische Akt ist das persönliche Geburtsrecht des Menschen.“

Barnett Newman - Dionysius, 1949. Öl auf Leinwand. Gesamt: 170,2 x 124,5 cm (67 x 49 Zoll). Geschenk von Annalee Newman zur Feier des 50. Jahrestages der National Gallery of Art. 1988.57.2. Die Sammlung der National Gallery of Art. © 2019 Barnett Newman Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Barnett Newman der Maler

Der zweite wichtige Aufsatz, den Newman schrieb, trug den Titel The Sublime Is Now. In diesem Stück kritisierte er alle vergangenen Künstler dafür, dass sie einfach nur der Schönheit nachjagten. Sogar die Modernisten, argumentierte er, interpretierten nur das, was schön war, neu und schufen einen „Wertetransfer anstatt eine neue Vision zu schaffen.“ Er behauptete, dass er und seine Zeitgenossen nach etwas völlig Neuem strebten, „indem sie vollständig leugnen, dass Kunst irgendeine Beziehung zum Problem der Schönheit und wo man sie findet, hat.“ Er stellte fest, dass die Werke, die er und sie schufen, keine Verbindung zu irgendetwas Historischem, Nostalgischem oder Mythischem hatten, sondern „selbstverständlich“ waren und „aus unseren eigenen Gefühlen“ gemacht wurden.

Das Ergebnis all dieser Philosophiererei manifestierte sich für Newman künstlerisch im Jahr 1948, als er sein ikonisches Meisterwerk Onement schuf, das erste seiner zip paintings. Der Titel des Stücks ist ein Wortspiel. Er bezieht sich auf das Wort Versöhnung, das bedeuten könnte, etwas zu reparieren, aber auch eine christliche Anspielung auf die Verschmelzung von Menschlichkeit und Göttlichkeit darstellt, die durch die Christusfigur repräsentiert wird. Doch indem er die ersten beiden Buchstaben des Wortes wegließ, machte Newman auch eine Anspielung auf die Totalität des Individuums, das Eine, und seine übergreifende Idee, dass die Gesamtheit aller erhabenen Erkenntnis in einer Person oder, um es anders auszudrücken, in einem Gemälde selbst enthalten sein kann.

Barnett Newman - Onement I, 1948. Öl auf Leinwand und Öl auf Malerkrepp auf Leinwand. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Geschenk von Annalee Newman. 390.1992. MoMA Sammlung. © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Ein einzigartiger Ausdruck von Zweck

Nach der Malerei Onement zerstörte Barnett Newman all seine früheren Werke. Er hatte die ästhetische Stimme erreicht, nach der er gesucht hatte, und von diesem Moment an zerstörte er weiterhin jedes Werk, das nicht seiner spezifischen Vision entsprach. Ironischerweise war er nicht die einzige Person, die das Bedürfnis verspürte, ihre Arbeit zu zerstören. Diese unglückliche Lektion lernte er 1950, als er von seiner Freundin Betty Parsons vertreten wurde. Im Laufe der nächsten zwei Jahre hielt er zwei Einzelausstellungen in ihrer Galerie ab. Bei beiden Ausstellungen wurden seine Gemälde zerschnitten, und in den Rezensionen verspotteten die Kritiker einhellig die Arbeiten.

Von dem Hass, den er erlebte, erschüttert, zog Newman seine Arbeiten von Betty Parsons zurück und stellte die Ausstellung seiner Werke für die nächsten vier Jahre vollständig ein. Er kaufte sogar eines seiner verkauften Gemälde zurück und schrieb an den Sammler: „Die Bedingungen existieren noch nicht . . . die eine direkte, unschuldige Haltung gegenüber einem isolierten Stück meiner Arbeit möglich machen können.“ Aber er malte weiterhin seine Zip-Gemälde und glaubte zutiefst, dass sie die Reinheit und Größe des erhabenen, individuellen Geistes kommunizierten. Als er schließlich beschloss, seine Arbeiten wieder auszustellen, wurden sie jedoch immer noch verspottet, wobei ein Kritiker einer Ausstellung von 1957 des Gemäldes Vir Heroicus Sublimis so weit ging, über das Werk zu fluchen und nur auf seine Größe und die Tatsache hinzuweisen, dass es rot ist.

Barnett Newman - Vir Heroicus Sublimis, 1950. Öl auf Leinwand. 7' 11 3/8" x 17' 9 1/4" (242,2 x 541,7 cm). Geschenk von Herrn und Frau Ben Heller. 240.1969. MoMA Sammlung. © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Die nächste Generation

Trotz des öffentlichen Missverständnisses seiner Bemühungen hielt Newman durch und festigte seinen Ausdruck, indem er ihn vereinfachte. Seine erfolgreichsten Werke bestanden nur aus zwei Elementen: Ton und Form. Die Zips selbst waren nicht so sehr Formen, sondern vielmehr Gestalten. Aber die Gemälde waren in ihrer Gesamtheit Formen. Die Zips waren in Wirklichkeit nur Ausdrücke tonalischer Qualitäten, eine Farbverschiebung, die sie von ihren umgebenden Farbfeldern unterschied. Und er drückte auch Ton im musikalischen Sinne aus, wie in einem klaren, präzisen, verlängerten Ausdruck einer Stimme. Durch seinen klaren Ausdruck von Ton und Form definierte Newman seinen festen Glauben an den Wert von Empowerment, Idiosynkrasie und dem universellen Wesen des Individuums.

Trotz seiner Aufrichtigkeit und Leidenschaft unterstützte in den 1950er Jahren nur ein Kritiker Barnett Newman, und das war Clement Greenberg. Obwohl seine Unterstützung wenig dazu beitrug, das Kunstestablishment von dem Wert der Werke zu überzeugen, spiegelte sie doch das wachsende Verständnis der jüngeren Generation für das wider, was Barnett Newman repräsentierte. Für die jungen Maler hatte Newman sie, anstatt sie an die Vergangenheit zu binden, befreit, um ihre einzigartige Individualität zu umarmen. Er hatte gezeigt, dass Betrachter jedes seiner Gemälde auf die gleiche Weise begegnen konnten, wie sie einem anderen Menschen begegnen würden: einfach ein wesentliches Wesen, das einem anderen begegnet. Er bewies, dass Gemälde nicht miteinander in Beziehung stehen mussten und dass sie nicht mit der Geschichte in Beziehung stehen mussten. Er zeigte, dass jedes Kunstwerk ein Universum in sich selbst war.

Barnett Newman - Der Dritte, 1964. Öl auf Leinwand. © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Ein verzögerter, aber nachhaltiger Einfluss

Obwohl es bis zu Newmans sechziger Jahre dauerte, bis eine neue Generation mit seinen Ideen in Verbindung treten konnte, erlangte er schließlich den Respekt und die Anerkennung, die er verdiente. Heute ist der Einfluss von Barnett Newman in einer Vielzahl zeitgenössischer abstrakter Künstler zu sehen, die idiosynkratische ästhetische Visionen basierend auf Ton und Form geschaffen haben. Betrachten Sie zum Beispiel Tom McGlynn, der eine sublime und idiosynkratische Vision basierend auf Ton und Form geschaffen hat; oder die Arbeiten von Richard Caldicott, die serielle Wiederholung und Strukturen in der Schaffung einzigartig singularer ästhetischer Räume erkunden.

Trotz des anfänglichen Missverständnisses gegenüber seiner Arbeit wird Barnett Newman jetzt routinemäßig zu den besten Abstrakten Expressionisten, Color Field-Künstlern und sogar Minimalisten gezählt. Aber er betrachtete sich als nicht zu einer dieser Gruppen zugehörig. Er sah sich eher als eine Bewegung für sich selbst. Dennoch, obwohl er im Stil nicht wie die Abstrakten Expressionisten war, war er ein Fahnenträger für den Wert des persönlichen Ausdrucks. Obwohl er kein Color Field-Künstler war, zeigte er die Fähigkeit, allein durch tonale Qualitäten meditative und kontemplative ästhetische Formen zu schaffen. Und obwohl er kein Minimalist war, drückte er vorausschauend den Wert der Vereinfachung und Reduzierung der visuellen Sprache aus.

Barnett Newman - Black Fire I, 1963. Öl auf Leinwand. 114 x 84 Zoll. (289,5 x 213,3 cm). © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Titelbild: Barnett Newman - Onement I (Detail), 1948. Öl auf Leinwand und Öl auf Malerkrepp auf Leinwand. 27 1/4 x 16 1/4" (69,2 x 41,2 cm). Geschenk von Annalee Newman. 390.1992. MoMA Sammlung. © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio