"Heutige Künstler inspiriert von Rothkos Farbflächenmalerei"

Schweigen ist so präzise.
Mark Rothko

Wenn wir nach den heutigen Erben von Mark Rothkos ikonischem Color-Field-Malstil suchen, dürfen wir nicht nur nach Werken suchen, die seinen ähnlich sehen. Wir müssen auch Werke verfolgen, die auf ähnlichen Ideen beruhen. Es ist eine Sache, wenn zeitgenössische Color-Field-Künstler Rothkos visuellen Stil imitieren. Etwas völlig anderes ist es, wenn sie Rothkos Intentionen teilen und erfolgreich vermitteln. Aber woher wissen wir, was Rothkos Intentionen waren? Ganz einfach. Er hat es uns gesagt.

1971 wurde die Stadt Houston, Texas, zur Empfängerin eines einzigartigen Kunstwerks: der Rothko Chapel, eines modernistischen, achteckigen Bauwerks mit 14 großformatigen Gemälden Rothkos. Im Eingangsbereich stehen den Besuchern heilige Texte aus mehreren Religionen der Welt zur Verfügung. Sie können ein Buch mit in den Raum nehmen oder nicht. Rothko betrachtete das Gebäude und die darin enthaltene Kunst als ein einziges Werk. Die Kapelle ist sein wegweisendes Werk. Sie verdeutlicht Rothkos Intention, dass seine Gemälde nicht als Selbstzweck betrachtet werden sollten, sondern als Mittel, durch die Betrachter über die Farbe Zugang zu einer umfassenderen Erfahrung erhalten können.

Mit anderen Worten: Rothko wollte, dass die Betrachter mehr tun, als nur die Anordnung der Farben zu bewundern: Er wollte, dass die Begegnung mit diesen Farben einen Raum für Gefühle, Kontemplation und ein gesteigertes Bewusstsein für die eigene innere Erfahrung eröffnet. Wie er selbst sagte: „Wenn Sie nur von Farbverhältnissen bewegt werden, verfehlen Sie den Punkt.“

Die zehn folgenden Künstler führen diese Intention weiter. Fünf von ihnen arbeiten mit IdeelArt zusammen, und wir kennen ihre Praxis aus nächster Nähe. Fünf arbeiten außerhalb unseres Künstlerprogramms. Keiner von ihnen imitiert Rothko. Jeder von ihnen behandelt Farbe oder Licht in einem anderen Medium als Übergang und nicht als Ziel.

Fünf IdeelArt-Künstler, die Rothkos Intention teilen

Paul Snell

Der australische Künstler Paul Snell, der in Launceston, Tasmanien, lebt und arbeitet, beginnt mit einer Fotografie eines Ortes oder Gegenstands und entfernt anschließend digital alles Erkennbare, bis nur noch Farbbänder, Rhythmus und Licht übrig bleiben. Die fertigen Werke sind Chromogendrucke auf Metallicpapier, auf Plexiglas montiert, und leuchten wie gemalte Oberflächen. Snell formuliert sein Ziel ganz klar: den Betrachter in Farbe, Rhythmus und Raum einzutauchen und „eine sinnliche Erfahrung innerer Kontemplation und Transzendenz“ zu schaffen. Von allen Künstlern, mit denen wir arbeiten, kommen seine Worte Rothkos eigenen am nächsten.

Entdecken Sie die Werke von Paul Snell

Anne Katrine Senstad

Die norwegische Künstlerin Anne Katrine Senstad, die zwischen New York und Oslo lebt und arbeitet, ist in den Bereichen Fotografie, Video, Neon und immersive Installation tätig. Ihre Serie Color Kinesthesia, die 2020 bei Freight + Volume in New York gezeigt wurde, entstand im Dialog mit Rothkos Farbfeldgemälden. Der Titel bezieht sich auf die Reaktion des Körpers auf Farbübergänge, die sie durch das Fotografieren von Farbfilmnegativen festhält. Senstad beschreibt ihre Arbeit als wahrnehmungsbezogene und kognitive Reaktion auf Licht, Klang und Farbe und nicht als spirituelle. Diese Unterscheidung macht sie zu einer faszinierenden Erbin: Sie erreicht Rothkos offenen inneren Raum durch Wahrnehmung statt durch Glauben. Außerdem stellte sie gemeinsam mit James Turrell in der Lichtkunstausstellung Through The Spectrum in der Athr Gallery in Dschidda aus.

Senstad wurde auch in der Fernsehserie Immersive World vorgestellt, in einer Folge über Lichtskulpturen, die ihre Arbeit neben der von Anthony McCall und Dan Flavin präsentierte. Dieser Kontext erweitert die zentrale Idee des Artikels: Farbe muss nicht auf einer gemalten Oberfläche verbleiben, um zu einem immersiven Erlebnis zu werden.

Entdecken Sie die Werke von Anne Katrine Senstad

Yari Ostovany

Der im Iran geborene amerikanische Maler Yari Ostovany, der in San Francisco lebt und arbeitet, schafft durch einen langwierigen Prozess des Auftragens, Auswaschens, Abschabens und Auflösens von Pigmenten reich geschichtete Farbfelder. Jedes Gemälde beginnt mit dem, was er einen gestischen Ausbruch nennt: kalligrafische Zeichen, die er anschließend reibt und verdünnt, bis sie mit den darunterliegenden Schichten verschmelzen. Seine Praxis ist im Abstrakten Expressionismus und in der Farbfeldmalerei sowie in mehreren mystischen Traditionen des Ostens und des Westens verwurzelt. Titel wie Numinous, Missa in Angustiis (Messe für schwierige Zeiten) oder Conference of the Birds machen die Absicht deutlich. Diese Gemälde wollen betreten und nicht bloß betrachtet werden.

Entdecken Sie die Werke von Yari Ostovany

Arvid Boecker

Der deutsche Maler Arvid Boecker arbeitet in Heidelberg. Er beginnt jedes Gemälde mit einer mit Bleistift gezeichneten Komposition und baut die Oberfläche anschließend in langsamen Farbschichten auf, die er teilweise mit Rakeln aus dem Siebdruck entfernt, sodass die Spuren dieser Erosion sichtbar bleiben. Das Ergebnis nennt er eine „Archäologie der Farbe“. Wie Rothkos verschleierte Rechtecke belohnen Boeckers Schichten ein langsames Betrachten. Je länger man bei einer Oberfläche verweilt, desto weiter wandert das Auge nach innen, durch Farbe und Licht, hin zu einem stillen Bewusstsein für das Vergehen der Zeit. Lesen Sie unser Gespräch mit ihm in Serious And Not-So-Serious: Arvid Boecker In 14 Questions.

Entdecken Sie die Werke von Arvid Boecker

Kim Uchiyama

Die New Yorker Malerin Kim Uchiyama verwendet Farbe, um Licht und Form aufzubauen und das metaphysische Potenzial des Bildraums zu erschließen. Sie studierte bei dem Maler Nicolas Carone, der seinerseits Schüler von Hans Hofmann war, und teilt mit ihnen die Betonung der Farbe als Architektur eines Gemäldes. Bevor sie mit einem Werk beginnt, wartet sie darauf, auf der leeren Fläche eine erste Farbe zu „sehen“, und baut dann ein Raster aus farbigen Formen auf, einige opak, andere transparent. Oft vom Licht eines bestimmten Ortes inspiriert, nutzt sie Farbe, um dessen emotionale Essenz statt seines Erscheinungsbilds zu vermitteln. Diese Übertragung vom Gesehenen zum Gefühlten ist genau das, wonach Rothko suchte.

Entdecken Sie die Werke von Kim Uchiyama

Fünf Künstler außerhalb unseres Künstlerverzeichnisses

Sean Scully

Der 1945 in Dublin geborene Sean Scully ist einer der einflussreichsten heute tätigen abstrakten Maler und wird am häufigsten mit Rothko verglichen. Der Vergleich ist berechtigt: 1999, ein Jahr nachdem er seine Serie Wall of Light begonnen hatte, schrieb er einen Essay mit dem Titel Rothko: Bodies of Light. Scully beschreibt seine Aufgabe als eine Wiederverbindung der Abstraktion mit der realen Welt, damit Menschen vor einem abstrakten Gemälde ein unmittelbares Gefühl erfahren können. Zugleich betont er seinen Unterschied: Anders als Rothko, so hat er gesagt, sei er nicht passiv. Seine übereinandergeschichteten Farbziegel sind aufgebaut, gewichtet und körperlich. 2026 wurde seine Ausstellung To Feel bei Thaddaeus Ropac in Salzburg eröffnet, und seine vollständige Stack-Serie wurde im Château La Coste in der Provence gezeigt.

Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - Dauerhafte Sammlung des North Carolina Museum of Art

James Turrell

James Turrell, 1943 in Los Angeles geboren, arbeitet seit sechs Jahrzehnten mit dem Licht selbst. Seine Skyspaces, zum Himmel hin offene Kammern mit einer Öffnung in der Decke, und seine immersiven Lichträume verwandeln Farbe in etwas, in dem man steht. Seine zentrale Aussage klingt wie ein Kommentar zu Rothko: „Bei meiner Arbeit geht es um Ihr Sehen.“ In einer Quäkerfamilie aufgewachsen, nahm er an Andachten in Stille teil, bei denen die Gläubigen zusammensaßen und auf das innere Licht warteten. Im Juni 2026 wurde sein größter Skyspace in einem Museum, As Seen Below, im ARoS Aarhus Art Museum in Dänemark eröffnet. Es ist sein 100. Skyspace.

James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain

Mary Corse

Mary Corse, 1945 in Berkeley geboren, ist eine der wenigen Frauen im Zentrum der kalifornischen Light-and-Space-Bewegung. 1968 entdeckte sie Glasmikrokugeln, die in Straßenmarkierungen verwendeten Kügelchen, und begann, sie in ihre Farbe zu mischen. Ihre White-Light-Gemälde verändern sich, wenn sich die Betrachter bewegen, weil sich das Licht im Gemälde befindet, statt auf ihm dargestellt zu sein. „Die Kunst befindet sich nicht an der Wand, sondern in der Wahrnehmung des Betrachters“, sagte sie. Wie Rothko verortet sie das Werk in der Begegnung. Ihre erste Museumsausstellung wurde 2018 im Whitney Museum of American Art eröffnet und reiste 2019 ins LACMA weiter.

Mary Corse in der Pace Gallery - 2025

Olafur Eliasson

Der 1967 in Kopenhagen geborene und zwischen Dänemark und Island aufgewachsene Olafur Eliasson arbeitet in einem großen Atelier in Berlin. Seine Räume aus farbigem Licht, Nebel und Spiegelungen beruhen auf einer Idee, die er „sich selbst beim Wahrnehmen sehen“ nennt: eine Erfahrung zu machen und sich dabei bewusst zu sein, dass man sie macht. Eliasson räumt ein, dass diese Formulierung stark dem Light-and-Space-Künstler Robert Irwin verpflichtet ist, der davon sprach, sich selbst beim Wahrnehmen wahrzunehmen. Rothko verlangte von den Betrachtern ein gesteigertes Bewusstsein für ihre eigene innere Erfahrung; Eliasson machte dieses Bewusstsein zu seinem Thema. In seinen Titeln verwendet er häufig das Wort „your“, als Zeichen des Vertrauens in sein Publikum.

Olafur Eliasson - Aus der Ausstellung Reality Machines in der Tanya Bonakdar Gallery - 2016

Rachel Garrard

Die 1984 in Devon geborene und zwischen New York und Mexiko lebende britische Künstlerin Rachel Garrard mahlt ihre eigenen Pigmente aus Gesteinen und Mineralien, die sie auf ihren Reisen sammelt, darunter Kristallquarz und Asche. Sie beschreibt ihre Praxis als eine Reise zwischen wissenschaftlicher Forschung und esoterischer Praxis, und ihre Kompositionen sind von Meditation geprägt. Ihre Gemälde zeigen kein Bild und haben keine festgelegte Bedeutung. Sie zielen auf eine Erfahrung jenseits der Sprache, eine Verbindung zwischen der äußeren und der inneren Welt. In ihrer Generation gehört sie zu den Künstlerinnen, die Rothkos Überzeugung am nächsten stehen, dass ein Gemälde eine Schwelle und kein Objekt ist.

Jenseits der Oberfläche

Rothkos späte Gemälde verlangen nach Zeit und Stille. Das gilt auch für diese zehn Werkgruppen, ob sie mit Öl, Aquarell, Gesteinspigmenten, Filmnegativen, Glasperlen oder dem Himmel selbst geschaffen wurden. Was sie verbindet, ist kein Rechteck und keine Palette, sondern eine gemeinsame Überzeugung: dass Farbe, wenn man ihr genügend Aufmerksamkeit schenkt, uns zu uns selbst zurückführen kann.

Entdecken Sie weitere kontemplative Abstraktion in unseren minimalistischen Kunstwerken oder lesen Sie unseren ultimativen Leitfaden zu Mark Rothko.

Francis Berthomier

Titelbild: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (Detail)Alle Bilder dienen ausschließlich zur Veranschaulichung