Frühe abstrakte Kunst als visuelle Verkörperung einer Idee

Eine der Ironien der frühen abstrakten Kunst ist, dass viele Menschen sie für willkürlich, zufällig oder bedeutungslos hielten. Betrachter, die nur objektive Darstellungen der materiellen Welt gewohnt waren, waren verwirrt von einer neuen Künstlergeneration, die, wie Wassily Kandinsky es ausdrückte, versuchte, „Ideen auszudrücken, die den immateriellen Bestrebungen der Seele freien Lauf lassen.“ Wir wissen heute, dass die Praktizierenden der abstrakten Kunst von Anfang an alles andere als zufällige Gesten ausführten. Sie trafen wohlüberlegte und bewusste ästhetische Entscheidungen, um die philosophischen Grundlagen zu vermitteln, auf denen die Philosophie der Abstraktion beruhte.

Frühe abstrakte Kunst im Vergleich zur Vergangenheit

Vor dem Aufstieg der Abstraktion erwartete jeder vernünftige Kunstliebhaber, dass ein gutes Gemälde zumindest einige erkennbare Elemente der realen Welt enthielt. Die Betrachter konnten akzeptieren, dass ein Künstler erkennbare Elemente abstrahierte. Sie konnten sogar manchmal ein fast völlig unkenntliches Gemälde akzeptieren, solange sein Name einen Hinweis auf das Objekt gab, von dem es abstrahiert wurde. Aber die Vorstellung eines rein abstrakten Gemäldes, eines ohne erkennbare Verbindung zur sichtbaren Wirklichkeit, galt als absurd, wenn nicht gar als ketzerisch.

Wassily Kandinsky war der erste Künstler, der die Idee der reinen Abstraktion vollständig annahm. Er glaubte, dass die grundlegenden Wahrheiten der Menschheit und universelle Ideen nicht durch die Darstellung der materiellen Welt entdeckt werden könnten. Er war der Ansicht, dass Gegenstände für Künstler, die die inneren Tiefen der Menschheit ausdrücken wollen, nutzlos seien. 1912 veröffentlichte Kandinsky sein wegweisendes Buch „Über das Geistige in der Kunst“, das die Philosophie darlegte, die seine Suche nach einer rein abstrakten Kunst leitete. Darin schrieb er:

„Formlose Gefühle wie Angst, Freude, Trauer usw. werden den Künstler nicht mehr stark anziehen. Er wird bestreben, subtilere Gefühle zu wecken, noch unbenannte… erhabene Gefühle, die jenseits der Reichweite der Worte liegen.“

Kasimir Malewitsch - Schwarzes Quadrat, 1915, Öl auf Leinen, 79,5 x 79,5 cm, Tretjakow-Galerie, Moskau

Die Suche nach reiner Kunstfertigkeit

Rückblickend auf die Kunstgeschichte glaubte Kandinsky, dass frühere Generationen sich hauptsächlich darauf konzentriert hatten, mit sich selbst zu kommunizieren und die Persönlichkeit ihrer Zeit auszudrücken. Er war der Ansicht, dass abstrakte Künstler die wesentlichen Gemeinsamkeiten aller Menschen untereinander ausdrücken sollten, unabhängig davon, welcher Epoche sie angehören. Er nannte diese Gemeinsamkeiten die „innere Sympathie der Bedeutung“ der Menschheit.

Kandinsky glaubte, dass die Quelle dieser Bedeutung die menschliche Seele sei, oder das, was er das „Innere Bedürfnis“ nannte. Er war der Meinung, dass das innere Bedürfnis durch reine Kunstfertigkeit ausgedrückt werden könne, solange sie frei von Ego und materialistischen Sichtweisen sei. Wie er es ausdrückte:

„Das ist schön… was aus der Seele entspringt.“

Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Aquarell, Indische Tusche und Bleistift auf Papier. 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris

Musik als Vorbild

Kandinsky war der Ansicht, dass die Musik die Kunstform sei, die am besten „Gefühle jenseits der Reichweite der Worte“ vermitteln könne. Er schrieb:

„Ein Maler… in seinem Verlangen, sein inneres Leben auszudrücken, kann die Leichtigkeit, mit der die Musik, die heute immateriellste aller Künste, dieses Ziel erreicht, nur beneiden.“

Er erkannte, dass Komponisten die Musik erfolgreich auf ihre einfachsten Bestandteile zerlegt hatten und herausfanden, wie die einzelnen Elemente einer Komposition den menschlichen Geist beeinflussen können. Er begann, die Elemente der Malerei auf dieselbe Weise zu entschlüsseln, indem er beispielsweise versuchte, die Wirkung jeder Farbe auf die Betrachter zu bestimmen. Kandinsky entlehnte sogar Begriffe aus dem Musiklexikon, um seine Sicht auf die abstrakte Kunst zu erklären. Er nannte Gemälde Kompositionen und empfahl Künstlern, ihre Kompositionen durch wohlüberlegte Entscheidungen sorgfältig zu gestalten. Gleichzeitig forderte er die Künstler auf, in ihren Kompositionen Raum für Improvisation zu lassen, die er als „spontanen Ausdruck des inneren Charakters“ bezeichnete. Er glaubte, dass Maler durch bewusst gestaltete abstrakte Werke „große geistige Führer“ werden könnten und schließlich das volle Potenzial des menschlichen Geistes durch Kunst ausdrücken könnten.

Wassily Kandinsky - Skizze für Komposition II, 1910, 97,5 × 130,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Abstrakte Kunst und die Zukunft

In seinem Vorwort zu Kandinskys „Über das Geistige in der Kunst“ schrieb der britische Historiker Michael Sadler: „Wenn (Kandinsky) jemals eine gemeinsame Sprache von Farbe und Linie findet, die für sich allein steht, wie die Sprache von Klang und Takt für sich allein steht… wird er von allen Seiten als großer Neuerer und als Verfechter der Freiheit der Kunst gefeiert werden.“ Rückblickend auf mehr als ein Jahrhundert abstrakter Kunst sehen wir, dass Kandinsky sein Ziel erreicht hat. Dankbar sehen wir auch, dass er die Grundlage für uns und unzählige zukünftige Generationen gelegt hat, auf der sie seine Philosophie weiterentwickeln und nach neuen Wegen suchen, „erhabene Gefühle jenseits der Reichweite der Worte“ auszudrücken.

Kasimir Malewitsch - Suprematismus: Malerischer Realismus eines Fußballspielers (Farbmassen in der vierten Dimension), 1915, Öl auf Leinwand, 68,6 x 44,5 cm, Art Institute of Chicago, Chicago

Titelbild: Hilma af Klint - Der Schwan, Nr. 17, Gruppe IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Werk

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken