Frühe abstrakte Kunst als visuelle Verkörperung einer Idee

Eine der Ironien der frühen abstrakten Kunst ist, dass so viele Menschen sie für willkürlich, zufällig oder bedeutungslos hielten. Zuschauer, die darauf konditioniert waren, nur objektive Darstellungen der materiellen Welt zu akzeptieren, waren verwirrt von einer neuen Generation von Künstlern, die, wie Wassily Kandinsky es ausdrückte, versuchten, „Ideen auszudrücken, die den immateriellen Bestrebungen der Seele freien Raum geben.“ Wir wissen jetzt, dass die Praktizierenden der abstrakten Kunst von Anfang an alles andere als zufällige Gesten machten. Sie trafen überlegte und bewusste ästhetische Entscheidungen, um die philosophischen Grundlagen zu vermitteln, auf denen die Philosophie der Abstraktion basierte. 

Frühe abstrakte Kunst vs. Die Vergangenheit

Vor dem Aufstieg der Abstraktion erwartete jeder vernünftige Kunstliebhaber, dass ein gutes Gemälde mindestens ein erkennbares Element der realen Welt aufweist. Die Betrachter konnten akzeptieren, dass ein Künstler Schritte unternahm, um erkennbare Elemente zu abstrahieren. Manchmal konnten sie sogar ein fast völlig unkenntliches Gemälde akzeptieren, solange der Name einen Hinweis auf das Objekt gab, von dem es abstrahiert wurde. Aber die Vorstellung eines rein abstrakten Gemäldes, eines ohne erkennbare Korrelation zur visuellen Realität, wurde als absurd, wenn nicht sogar als häretisch angesehen.

Wassily Kandinsky war der erste Künstler, der die Idee der reinen Abstraktion vollständig annahm. Er glaubte, dass die grundlegenden Wahrheiten der Menschheit und universellen Ideen nicht durch die Darstellung der materiellen Welt entdeckt werden konnten. Er war der Meinung, dass Objekte für Künstler, die die inneren Tiefen der Menschheit ausdrücken wollten, von keinem Nutzen waren. 1912 veröffentlichte Kandinsky sein wegweisendes Buch „Über das Geistige in der Kunst“, in dem er die Philosophie darlegte, die seine Suche nach einer rein abstrakten Kunst leitete. Darin schrieb er:

"Formlose Emotionen wie Angst, Freude, Trauer usw. werden den Künstler nicht mehr stark anziehen. Er wird versuchen, subtilere Emotionen zu wecken, die noch unbenannt sind… erhabene Emotionen, die jenseits der Reichweite von Worten liegen."

Kasimir Malewitsch - Schwarzes Quadrat, 1915, Öl auf Leinen, 79,5 x 79,5 cm, Tretyakow-Galerie, Moskau

Die Suche nach reiner Kunstfertigkeit

Rückblickend auf die Kunstgeschichte glaubte Kandinsky, dass frühere Generationen hauptsächlich darauf fokussiert waren, mit sich selbst zu kommunizieren und die Persönlichkeit ihrer Zeit auszudrücken. Er war der Meinung, dass abstrakte Künstler danach streben sollten, die wesentlichen Ähnlichkeiten auszudrücken, die jeder Mensch mit allen anderen Menschen hat, unabhängig davon, aus welcher Epoche sie stammen. Er nannte diese Ähnlichkeiten die "innere Sympathie des Sinns" der Menschheit.

Kandinsky glaubte, dass die Quelle dieser Bedeutung die menschliche Seele war, oder was er das „Innere Bedürfnis“ nannte. Er war der Meinung, dass das innere Bedürfnis durch reine Kunstfertigkeit ausgedrückt werden konnte, solange es frei von Ego und materialistischen Sichtweisen war. Wie er es ausdrückte:

„Das ist schön… was aus der Seele kommt.“

Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Aquarell und indische Tinte und Bleistift auf Papier. 19,5 × 25,5 Zoll (49,6 × 64,8 cm) Centre Georges Pompidou, Paris

Musik als Vorbild

Kandinsky glaubte, dass Musik die Kunstform sei, die am besten in der Lage ist, "Emotionen jenseits der Reichweite von Worten" zu kommunizieren. Er schrieb:

"Ein Maler…in seinem Verlangen, sein inneres Leben auszudrücken, kann nur die Leichtigkeit beneiden, mit der die Musik, die heute die immateriellste der Künste ist, dieses Ziel erreicht."

Er erkannte, dass Komponisten es erfolgreich geschafft hatten, Musik auf ihre einfachsten Teile zu dekonstruieren, und identifizierte, wie die einzelnen Elemente einer Komposition den menschlichen Geist beeinflussen konnten. Er begann, die Elemente der Malerei auf die gleiche Weise zu entschlüsseln, indem er versuchte, die individuelle Wirkung jeder Farbe auf die Betrachter zu definieren. Kandinsky entlehnte sogar Wörter aus dem Lexikon der Musik, um seine Sichtweise auf die abstrakte Kunst zu erklären. Er nannte Gemälde Kompositionen und empfahl den Künstlern, ihre Kompositionen durch überlegte Entscheidungen sorgfältig zu konstruieren. Gleichzeitig forderte er die Künstler auf, in ihren Kompositionen Raum für Improvisation zu lassen, die er als "spontane Ausdrucksform des inneren Charakters" bezeichnete. Er glaubte, dass Maler durch bewusst konstruierte abstrakte Werke "große spirituelle Führer" werden könnten und schließlich imstande wären, das volle Potenzial des menschlichen Geistes durch Kunst auszudrücken.

Wassily Kandinsky - Skizze für Komposition II, 1910, 38,4 × 51,4 Zoll (97,5 × 130,5 cm), Das Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Abstrakte Kunst vs. die Zukunft

In seinem Vorwort zu Kandinskys „Über das Geistige in der Kunst“ schrieb der britische Historiker Michael Sadler:„Wenn (Kandinsky) jemals einen gemeinsamen Sprachraum von Farbe und Linie findet, der allein steht, wie die Sprache von Klang und Rhythmus allein steht… wird er von allen als großer Innovator, als Verteidiger der Freiheit der Kunst gefeiert werden.“ Wenn wir auf mehr als ein Jahrhundert abstrakter Kunst zurückblicken, sehen wir, dass Kandinsky sein Ziel erreicht hat. Dankbar sehen wir auch, dass er das Fundament gelegt hat, auf dem wir und unzählige zukünftige Generationen seine Philosophie aufbauen können, auf der Suche nach neuen Wegen, um auszudrücken.

Kazimir Malevich - Suprematismus: Malerischer Realismus eines Fußballspielers (Farbige Massen in der vierten Dimension), 1915, Öl auf Leinwand, 27 x 17 1/2 Zoll, Art Institute of Chicago, Chicago

Vorschaubild: Hilma af Klint - Der Schwan, Nr. 17, Gruppe IX, Serie SUW 1914-1915, © Stiftelsen Hilma af Klints Verk

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.