Was haben wir von den Pionieren des Farbflächenmalerei gelernt?

Wenn Sie an den Abstrakten Expressionismus denken, was fällt Ihnen dann ein? Stellen Sie sich Maler vor, die Farbe in emotional aufgeladenen Gesten auf die Leinwände schleudern, tropfen, spritzen und verschmieren? Während das Action Painting ein großer Teil des Abstrakten Expressionismus war, gab es auch eine zurückhaltendere Seite dieser Bewegung. Color Field Malerei, wie sie genannt wurde, bestand aus flachen, nicht-malerischen Flächen, die aus farbigem Raum zusammengesetzt waren. In Color Field Gemälden ist die Persönlichkeit des Künstlers weniger sichtbar als bei Action Paintings. Während Action Painter ihre eigenen unterbewussten Beweggründe durch ihre Werke ausdrückten, schufen Color Field Maler Werke, die den Betrachtern eine Bühne boten, um ihre eigenen Offenbarungen zu erleben.

Post-Malerische Abstraktion

Der Begriff „malerisch“ bezieht sich auf Eigenschaften, die die Oberfläche eines Gemäldes haben kann, wie Pinselstrich und Struktur, Eigenschaften, die die Hand des Künstlers im Werk deutlich machen. Zum Beispiel könnte man ein Gemälde, das dick aufgetragene Farbschichten zeigt, in denen die Pinselstriche deutlich sichtbar sind und die individuelle Technik des Malers offensichtlich ist, als malerisch bezeichnen. Post-Malerische Abstraktion war eine Bewegung, die in den 1960er Jahren entstand und Maler hervorbrachte, die malerische Werke vermieden.

Der Ausdruck Post-Malerische Abstraktion wurde vom Kunstkritiker Clement Greenberg geprägt, der ihn als Titel einer Ausstellung verwendete, die 1964 im Los Angeles County Museum of Art Premiere hatte. Diese Ausstellung zeigte 31 Künstler, von denen viele mit dem Abstrakten Expressionismus verbunden waren. Während frühere Abstrakte Expressionisten wie Jackson Pollock und Willem de Kooning malerische Bilder schufen, in denen ihre individuelle Technik in den Oberflächeneigenschaften der Werke deutlich sichtbar war, schufen die Post-Malerischen Abstraktionisten abstrakte Werke mit flachen Oberflächen, bei denen die Hand des Künstlers nicht erkennbar war.

Robert Motherwell - Elegie an die Spanische Republik Nr. 110, 1971, Acryl mit Graphit und Kohle auf Leinwand, Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Lizenziert von VAGA, New York, NY

Color Field Künstler

Unter den Post-Malerischen Abstraktionisten gab es eine Gruppe von Malern, die als Color Field Maler bekannt wurden. Ihr Name bezog sich auf die Neigung dieser Künstler, große Farbflächen in ihre Werke einzubeziehen. Ihre Farbflächen konnten den Betrachter bei genauer Betrachtung eines Kunstwerks vollständig umhüllen. Sie waren nicht nur bemalte Flächen; sie waren auch Bereiche, in denen Introspektion stattfinden konnte.

Die Color Field Maler waren revolutionär, weil sie die Oberfläche nicht als Hintergrund für ein Motiv nutzten, sondern die Oberfläche selbst zum Motiv machten. Sie vermieden Formen in ihren Gemälden. Es war kein Bild von etwas vorhanden. Hintergrund und Vordergrund waren eins. Die Farbflächen hatten keinen eigenen Zusammenhang, sondern waren vielmehr ein Ort, an dem der Betrachter eine persönliche Verbindung herstellen konnte, vielleicht etwas Mythisches, und die Grenzen der Bildlichkeit überwinden konnte.

Frank Stella - Harran II, 1967, Polymer- und fluoreszierende Polymerfarbe auf Leinwand, 120 × 240 Zoll, de Young Museum, San Francisco, © 2019 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Eine Arena auf der Leinwand

Der Abstrakte Expressionismus betrachtet die Leinwand als eine Arena, in der etwas geschehen kann. Drama und Emotion treten in den Werken der Action Painter auf. Während Color Field Maler die Leinwand ebenfalls als Arena nutzen, spielt dort nicht ihr eigenes Drama, sondern es ist ein Ort, an dem die eigene Introspektion des Betrachters zum Drama beitragen oder es sogar ganz erschaffen kann. Color Field Gemälde ziehen den Betrachter in das Werk hinein und laden ihn ein, viel mehr als nur die Farbe, den Farbton und die Oberfläche zu betrachten. Sie sind eingeladen, sich selbst zu betrachten und die Arena des Gemäldes als eine Art Talisman auf dieser persönlichen Reise zu nutzen.

Beim Betrachten eines Color Field Gemäldes ist anhaltende Reflexion erforderlich. Anstatt eine unmittelbare Erregung durch ein Action Painting zu erleben, oder Harmonie durch ein geometrisch abstraktes Werk zu spüren, oder Nostalgie, Romantik oder Freude durch ein gegenständliches Werk zu empfinden, müssen Betrachter von Color Field Gemälden nach innen blicken, um neue Offenbarungen zu finden. Doch Freiheit kann auch eine Last sein. Die Angst der Action Painter rührt oft von ihrer völligen Freiheit her, ihr Inneres auszudrücken. Bei Color Field Gemälden wird dieses gefürchtete Gefühl der Freiheit auf den Betrachter übertragen.

Felder der nicht-gegenständlichen Emotion

Obwohl er das Etikett ablehnte, gilt Mark Rothko für viele als der einflussreichste Color Field Maler. Rothkos ikonische Gemälde bestehen aus horizontalen Farbbändern, die sich amorph berühren und an ihren Rändern ineinander übergehen. Seine Gemälde zeigen manchmal helle Farbtöne wie Orange, Gelb oder Rot. Andere Male dominieren Blau-, Braun- und Schwarztöne. Betrachter dieser Gemälde werden oft von Emotionen überwältigt, die von Aufregung und Freude bis zu Schwermut und sogar Verzweiflung reichen. Rothko sagte über seine Arbeit: „Die Menschen, die vor meinen Bildern weinen, erleben dieselbe religiöse Erfahrung, die ich hatte, als ich sie malte.“

Mark Rothko - Orange und Gelb, 1956, Öl auf Leinwand, 180,3 x 231,1 cm, Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, NY, USA

Reißverschlüsse

Barnett Newman schuf Werke in einer ähnlichen Richtung wie Rothko, doch sie hatten eine ganz andere Wirkung auf die Betrachter. Newmans Color Field Gemälde zeigen vertikale Farbstreifen, die durch viel schmalere Farbbänder getrennt sind, die manchmal als „Reißverschlüsse“ bezeichnet werden. Newmans Reißverschluss-Gemälde zeigen manchmal einen einzelnen Reißverschluss, manchmal mehrere. Manchmal sind die Kanten der Reißverschlüsse scharf, andere Male gehen sie in die umgebenden Farbflächen über. Die Vertikalität von Newmans Bildern und die Präsenz der Reißverschlüsse erzeugen eine ganz andere emotionale Reaktion als Rothkos Werke.

Irgendetwas an den Reißverschlüssen verhindert, dass das Auge zu lange auf einem Punkt verweilt. Die vertikale Linie kann eine menschenähnliche Qualität annehmen, als ob sie eine Gestalt oder eine Bahn darstellt. Sie zieht das Auge an und lenkt es dann wieder in die Farbflächen. Newmans Werke vermitteln ein Gefühl von Kühnheit und wirken dadurch etwas nervöser als Rothkos, weil sie eine nervöse, hochmoderne Art der Betrachtung einladen.

Barnett Newman - Onement I, 1948, Öl auf Leinwand und Öl auf Klebeband auf Leinwand, 27 1/4 x 16 1/4 Zoll (69,2 x 41,2 cm), © 2019 Barnett Newman Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Vereinigung und Offenbarung

Die Color Field Gemälde von Clyfford Still besitzen eine ganz andere Ausstrahlung als die von Rothko oder Newman. Die farbigen Flächen scheinen sich in einem Zustand des Wandels oder der Entwicklung zu befinden. Sie haben eine organische Qualität. Obwohl keine bestimmte Form vorhanden ist, scheinen die Bereiche sich zu verschieben, zu interagieren und die Möglichkeit zukünftiger Formen anzudeuten. Während Rothkos und Newmans Bilder ein Gefühl von Stabilität vermitteln, strahlen Stills Gemälde eher Veränderung aus. Unterschiedliche Kräfte kommen in ihnen zusammen und deuten darauf hin, dass die Zeit für Introspektion begrenzt ist, da alles im Fluss ist. Still sagte über seine Gemälde: „Dies sind keine Gemälde im üblichen Sinn; sie sind Leben und Tod, die sich in furchtbarer Vereinigung verschmelzen. Für mich entfachen sie ein Feuer; durch sie atme ich wieder, halte einen goldenen Faden, finde meine eigene Offenbarung.“

Clyfford Still - PH-971, 1957, Öl auf Leinwand, 113 1/4 x 148 x 2 1/4 Zoll, SFMoMA Sammlung, © Stadt & Landkreis Denver, mit freundlicher Genehmigung des Clyfford Still Museums / Artists Rights Society (ARS), New York

Ausbrüche von Emotionen

Helen Frankenthaler war eine der innovativsten Color Field Malerinnen. Sie entwickelte eine neuartige Technik, bei der sie ihre ungrundierten Leinwände durch das Eingießen verdünnter Farbe direkt auf die Oberfläche färbte. Indem sie die Farbe goss, anstatt sie mit einem Werkzeug zu verstreichen, vermied sie jeglichen Hinweis auf die Hand des Künstlers und schuf eine noch flachere Flächigkeit. Sie ließ die Farbe auch auf unerwartete Weise mit der Leinwand interagieren. Die gefärbten Bereiche durften ineinander übergehen, sich gegenseitig verändern und miteinander verschmelzen. Das Ergebnis von Frankenthalers Färbetechnik waren Bilder, die ein Gefühl tiefgründiger organischer Naturprozesse vermittelten.

Helen Frankenthaler - Canyon, 1965, Acryl auf Leinwand, 44 x 52 Zoll, © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

Der gefärbte Look

Morris Louis wurde stark von Frankenthalers Färbetechnik beeinflusst und veränderte sie, um seinen eigenen charakteristischen ästhetischen Ansatz zu entwickeln. Wie Frankenthaler goss Louis ebenfalls verdünnte Farbe auf seine Leinwände, um den gefärbten Look zu erzielen, doch er tat dies mit einer streng gehüteten Technik, die angeblich etwas Ähnliches wie das Falten der Leinwand wie ein Trichter beinhaltete. Die von Louis geschaffenen Farbflächen besitzen eine unheimliche Qualität, die den Betrachter in einen mystischen, introspektiven Gedankenraum zieht.

Morris Louis - Salient, 1954, Acrylharz (Magna) auf Leinwand, 74 1/2 x 99 1/4 Zoll (189,2 x 252,1 cm), © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York

Ein wenig mehr Atmosphäre

Aufbauend auf den Ideen von Frankenthaler und Louis entwickelte Jules Olitski seine eigene einzigartige Technik für seine Color Field Gemälde. Er trug Farbe mit einer Spritzpistole auf seine Leinwände auf und sprühte leicht Farbschichten übereinander, um leuchtende, atmosphärische Farbflächen zu schaffen, die selbst heute noch futuristisch wirken. Olitskis charakteristischer Stil war auch durch harte Linien an den äußeren Rändern der Leinwand gekennzeichnet. Diese Randgeste deutete vielleicht das Ende der Color Field Malerei an, da sie fast die Vorstellung von einem Motiv innerhalb eines Rahmens wieder einführte.

Jules Olitski - Patutsky in Paradise, 1966, © Jules Olitski Nachlass/Lizenziert von VAGA, New York

Betrachtung als bleibendes Vermächtnis

Diese Pioniere der Color Field Malerei schafften es, Gemälde zu erschaffen, die nicht nur als Kunstobjekte, sondern auch als Vermittler zu transzendentalen ästhetischen Erfahrungen des Betrachters dienen konnten. Indem sie Werke schufen, die kein anderes Thema als die Farbe selbst hatten, veränderten sie die Wahrnehmung von Gemälden und führten die Malerei in neue mythische und geistliche Bereiche. Die Betrachtung ist das bleibende Vermächtnis der Color Field Pioniere. Für viele von uns sind ihre Gemälde Talismane, die uns auf Pfade zu einem introspektiveren Geisteszustand führen.

Titelbild: Helen Frankenthaler - Mountains and Sea, 1952, Öl und Kohle auf ungegrundeter, ungrundierter Leinwand, 86 3/8 × 117 1/4 Zoll (219,4 × 297,8 cm), © 2019 Helen Frankenthaler Stiftung, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio