Minimalistische Skulptur als die reine Kontemplation des Raums

Ist Minimalistische Skulptur durch eine Reihe von Regeln definiert? Hängt der Erfolg einer minimalistischen Skulptur von ihren eigenen Eigenschaften ab, oder davon, wie sie mit ihrer Umgebung interagiert? Der Kunstkritiker Guillaume Apollinaire erklärte einst, dass Skulptur Formen aus der Natur darstellen müsse, andernfalls sei es Architektur. Der Minimalist Robert Morris beschrieb Skulptur als den mittleren Teil eines Kontinuums von „nutzlosen dreidimensionalen Dingen“, die von Denkmälern bis zu Schmuckstücken reichen. Abgesehen vom komödiantischen Wert helfen uns diese Aussagen wenig dabei, die wahre, vollständige Natur der Skulptur, insbesondere der minimalistischen Skulptur, zu verstehen. Statt uns von akademischen Definitionen verwirren zu lassen, glauben wir, dass Minimalistische Skulptur am besten verstanden wird, wenn man offen bleibt und die Künstler genau betrachtet, die ihre Wege bahnten.

Der Gründungsvater der minimalistischen Skulptur

Ronald Bladen zeigte schon früh beispielhafte Fähigkeiten im Zeichnen und Malen. Doch seine skulpturalen Werke brachten ihm Ruhm und Anerkennung. Anfang der 1960er Jahre wandte sich Bladen von den abstrakten expressionistischen Gemälden ab, die er geschaffen hatte, und begann, großformatige Holzobjekte zu fertigen. Einige Formen waren erkennbar, wie ein riesiges X, andere abstrakt. Er gab nicht genau an, was die Objekte darstellen sollten, sondern betonte lediglich, dass er versuchte, etwas mit „Präsenz“ zu schaffen.

Eines von Bladens frühesten minimalistischen Skulpturenwerken hieß White Z. Es war weder geometrisch noch gegenständlich. Es war abstrakt, einfarbig, kantig und komplex. Es reagierte auf Licht, war fühlbar und stand auf dem Boden. Es wurde nicht von einer größeren Form reduziert, sondern aus kleineren Formen zusammengesetzt. Es besaß eine eigene Gestalt: ein organisiertes Ganzes, das mehr war als die Summe seiner Teile.

Ronald Bladen - White Z, 1964, © The Ronald Bladen Estate

1966 wurde Bladens Werk in der Ausstellung Primary Structures gezeigt, zusammen mit Donald Judd, Sol LeWitt, Dan Flavin, Carl Andre und Dutzenden anderen minimalistischen Künstlern. Diese Ausstellung gilt als ein prägender Moment in der Geschichte des Minimalismus. Bladen zeigte dort ein Werk, eine dreiteilige Skulptur mit dem Titel Three Elements.

Das Werk war fast monumental in seinem Maßstab. Es veränderte die Natur des Raumes, den es einnahm. Raum ist nur ein Bereich, in dem Dinge existieren und sich bewegen. Three Elements schuf neue Räume innerhalb eines Raumes. Es wurde selbst zum Raum. Es zwang zur Betrachtung nicht nur seiner eigenen Form, sondern auch der Form seiner Umgebung und der anderen Bewohner seines Umfelds.

Ronald Bladen - Three Elements, 1965, © The Ronald Bladen Estate

Skulpturale Werte

Trotz der unbestreitbaren „Etwasheit“ von Bladens Skulpturen hielten einige Kritiker und Betrachter damals sowie einige Künstler sie nicht für Skulpturen. Die bestehenden Definitionen von Skulptur schienen auf diese Dinge nicht zuzutreffen. Genau deshalb waren diese Werke so revolutionär und so perfekt geeignet für die aufkommende Minimalismus-Theorie jener Zeit. Sie erforderten eine Reduzierung der Definitionen von Kunst selbst.

Anstatt eine Skulptur als etwas Gegenständliches, oder Geometrisches, oder etwas aus einem Material Geschnitztes oder aus einem anderen Material Gegossenes zu definieren, verlangten diese Objekte eine andere Erklärung. Sie definierten Skulptur neu als etwas, das nicht danach bestimmt wird, was es ist, sondern danach, was es nicht ist. Ein Gemälde ist ein ästhetisches Objekt, das aus einer Fläche besteht, die als Träger für Farbe dient, deren Zweck im oder durch die Farbe auf der Fläche enthalten oder vermittelt wird. Architektur ist eine zum Bewohnen bestimmte Struktur. Eine Skulptur ist weder das eine noch das andere. Sie ist ein ästhetisches Objekt, das kein Gemälde und keine Architektur ist, aber im dreidimensionalen Raum existiert.

Donald Judd - Untitled specific objects, © Donald Judd

Die Beziehung der Skulptur zur Wand

Eine der größten Herausforderungen, die der Minimalismus an die Skulptur stellte, war die Frage, ob Skulpturen auf dem Boden stehen müssen. Robert Morris erklärte einst, dass Skulpturen unbedingt auf dem Boden stehen müssten, denn nur dort könnten sie von der Schwerkraft beeinflusst werden, einer wesentlichen skulpturalen Eigenschaft. Doch einige der berühmtesten skulpturalen Objekte von Künstlern, die mit dem Minimalismus verbunden sind, hängen tatsächlich an der Wand oder nutzen die Wand anderweitig als Stütze.

Donald Judd nannte die skulpturalen Werke, die er schuf, Specific Objects. Er definierte sie weder als Gemälde noch als Skulpturen. Viele seiner bekanntesten Specific Objects hängen an der Wand. Sie sind dreidimensionale Objekte, haben eine bestimmte Form, besitzen Maßstab, interagieren mit Licht und sind fühlbar. Sie besitzen Farbe und Oberfläche, wie alle materiellen Dinge, doch ihr Zweck wird nicht durch diese Elemente bestimmt, noch wird durch sie etwas Bestimmtes vermittelt.

Sind sie Skulpturen oder nicht? Welche semantischen Spiele wir auch spielen mögen, Judds Werke sind eindeutig skulpturaler Natur. Doch durch das Aufhängen an der Wand wurden neue Fragen zu räumlichen Beziehungen aufgeworfen. Anstatt den Raum einer Galerie zu nutzen, um Kunstwerke zu kontextualisieren, kontextualisierten diese Kunstwerke die Räume, in denen sie installiert waren, neu. Sie bewohnten die Umgebung und ordneten sie neu. Sie forderten die Betrachter auf, die zusätzlichen Räume zu bedenken, die die Teile der Werke durch ihre Anwesenheit schufen. Sie stellten sogar die Rolle der Architektur in Frage, indem sie sich an sie anlehnten. Obwohl sie nicht durch die Schwerkraft auf den Boden gezwungen wurden, lenkten sie durch ihren Widerstand die Aufmerksamkeit auf die Schwerkraft.

Ellsworth Kelly - Werk, © Ellsworth Kelly

Die Form des Wandels

Die Werke anderer minimalistischer Künstler wie Ellsworth Kelly und John McCracken stellten ebenfalls bestehende Definitionen von Skulptur infrage. Kellys geformte, einfarbige Flächen hingen an der Wand und waren mit Farbe bedeckt, standen aber viel näher am Wesen der Skulptur als an dem der Malerei. McCrackens einfarbige „Bretter“ lehnten an der Wand, nutzten sie als Stütze wie ein Gemälde, stützten sich aber vor allem auf den Boden.

Obwohl jeder dieser minimalistischen Künstler sich Mühe gab, zu definieren, was er tat, und die Debatte darüber zu führen, wie seine skulpturalen Werke zu definieren seien, bleibt viel Raum für weitere Diskussionen zu diesem Thema. Der zeitgenössische Minimalist Daniel Göttin ist einer von vielen Künstlern, die diese lose definierte ästhetische Zone weiterhin erforschen. Als vielseitiger Künstler schafft Göttin Wandgemälde, Installationen und geometrische, dreidimensionale abstrakte Objekte, die an der Wand hängen.

Seine Wandobjekte besitzen Oberflächen, die entweder bemalt oder mit anderen industriellen Materialien bedeckt sind, doch sie werden nicht durch ihre bemalten Oberflächen definiert, und die Oberflächen vermitteln nichts Bestimmtes. Sie sind skulptural, hängen aber flach an der Wand. Hinter und in ihnen wird Raum geschaffen und neu definiert, und unsere Wahrnehmung des umgebenden Raumes wird durch ihre Anwesenheit neu kontextualisiert.

John McCracken - Werk, © John McCracken

Einfachheit ist nicht einfach

Eine der wichtigsten Lehren, die uns die minimalistische Skulptur erteilt, ist, dass die Semantik der Bezeichnung unwichtig ist. Die Bedeutung, die wir in diesen Werken finden, kommt weniger davon, wie wir sie nennen, als vielmehr davon, wie sie uns einladen, Raum zu betrachten. Durch sie kehren wir zur Reinheit dieser einfachen Erkenntnis zurück, dass sie, wie wir, Raum bewohnen, Raum stören, Raum enthalten, Raum definieren, Raum kontextualisieren und Raum ordnen.

Trotz ihrer Schlichtheit sind sie unendlich komplex in ihrer Fähigkeit, uns herauszufordern und zu fesseln. Wie Robert Morris feststellte, „Einfachheit der Form bedeutet nicht notwendigerweise Einfachheit der Erfahrung.“

Titelbild: Daniel Göttin - Untitled E, 2005, Aluminiumfolie auf Wellpappe, 63,5 x 63,5 cm
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio