Wie man monochrome Malerei definiert

Im Jahr 1921 stellte der Konstruktivist-Künstler Alexander Rodtschenko drei monochrome Gemälde aus – mit den Titeln Reines Rot, Reines Blau und Reines Gelb – die er als die ultimative bildnerische Aussage betrachtete und erklärte, dass die Malerei tot sei. Wenn monochrome Malerei die Malerei getötet hat, dann ist die Malerei tausend Tode gestorben. Antike chinesische Künstler malten Monochrome, ebenso wie hinduistische Künstler. Rodtschenko war nicht einmal der erste moderne westliche Künstler, der ein Monochrom malte. Kazimir Malewitsch versuchte drei Jahre zuvor mit Weiß auf Weiß, die Malerei zu töten. Aber anstatt die Malerei zu töten, gelang es den Monochromen genau das Gegenteil. Sie gaben ihr neues Leben.

Die wahren Farben der monochromen Malerei

Wir lernen über Farbe durch Erfahrung. Jedes fühlende Wesen, das in der Lage ist, verschiedene Farben wahrzunehmen, ist auch potenziell in der Lage, persönliche Gedanken und Gefühle mit ihnen zu verbinden. So kann eine einzelne Farbe eine Vielzahl von unterschiedlichen Reaktionen hervorrufen, je nachdem, welche Assoziationen verschiedene Betrachter damit verbinden. Abgesehen davon, dass es sich um einen Malstil handelt, der nur eine Farbe verwendet, ist die monochrome Malerei ein transzendentes Werkzeug. Es ist eine Möglichkeit für Künstler, sich mit dem Phänomen von Farbe und Emotion, Farbe und Spiritualität, Farbe und dem Geist auseinanderzusetzen. Indem ein Künstler sich auf einen bestimmten Farbton als Motiv eines Gemäldes konzentriert, kann er die Bandbreite der Assoziationen erkunden, die die Betrachter mit diesem Farbton haben.

Viele Schriftsteller, Theoretiker und Künstler haben versucht, die bewussten, unbewussten, mystischen oder wissenschaftlichen Qualitäten der verschiedenen Farbtöne zu definieren, die die Welt der Farben ausmachen. Aber Farbe ist bedauerlicherweise subjektiv. Jeder von uns sieht sie auf subtil unterschiedliche Weise, beschreibt sie anders und erinnert sich anders daran. Wie wir über eine bestimmte Farbe empfinden, hängt von den Kontexten ab, in denen wir ihr zuvor begegnet sind. Dies ist eine Erklärung dafür, warum monochrome Gemälde manchmal solche Kontroversen hervorrufen. Unabhängig davon, was ein Künstler mit einem monochromen Gemälde beabsichtigt, ist es niemals fertig, bis die Betrachter es ansehen und ihm eine Bedeutung hinzufügen, die von den Vorurteilen und Vorannahmen geprägt ist, die sie mitgebracht haben.

Kasimir Malewitsch - Suprematistische Komposition, Weiß auf Weiß, Öl auf Leinwand, 1917-1918, 79,4 x 79,4 cm, Museum of Modern Art (MoMA), New York City, NY

Perspektive ist alles

Kazimir Malevich und Alexander Rodtschenko waren Konstruktivisten, eine Gruppe von Künstlern, die glaubten, dass die alten Wege, Kunst zu betrachten, durch Horizontlinien, Perspektiven, Themen usw. in der modernen Zeit nutzlos waren. Sie sehnten sich nach einer Kunst, die außerhalb des persönlichen Bereichs existieren und von der gesamten Gesellschaft genossen werden konnte. Sie wollten die Malerei nicht abschaffen; sie versuchten, sie zu demokratisieren.

Die Ironie ihres Versuchs, eine weniger persönliche Kunst zu schaffen, besteht darin, dass sie durch die Vereinfachung ihrer Palette und die Reduzierung oder sogar Eliminierung ihres Vokabulars an Formen mehr Introspektion als je zuvor einluden. Sie schufen Leinwände, die zu komplexen ästhetischen Bewertungen einluden. Die Tiefe und Komplexität der subtilen Farbtöne, die in White on White evident sind, bieten aufmerksamen Betrachtern unendliche Stunden kontemplativen Vergnügens. Und wenn Faktoren wie Beleuchtung und Kontext berücksichtigt werden, kommen völlig neue Ebenen der Kontemplation und Interpretation ins Spiel.

Alexander Rodtschenko - Reines Rot, 1921, Regionales Kunstmuseum Ivanovo © A. Rodtschenko & V. Stepanova Archiv / DACS 

Inhalt vs. Kontext

Bereits in den 1890er Jahren malte Claude Monet Leinwände in einer einzigen Farbe. Aber diese Leinwände enthielten darstellenden Inhalt, sodass die begrenzte Farbpalette leicht übersehen wird zugunsten der Häuser, Bäume oder des Bodens im Bild. Durch die Eliminierung aller Inhalte und die Konzentration ausschließlich auf Farbe zwingt ein monochromes Gemälde die Betrachter dazu, über etwas ganz Persönliches nachzudenken. Ein Betrachter könnte ein monochromes rotes Gemälde betrachten und es völlig abtun. Ein anderer könnte sich an etwas Persönliches über die Farbe Rot erinnern und das Werk mit dieser Erinnerung verbinden. Ein weiterer könnte das monochrome Gemälde als spirituelles Medium nutzen, um sich mit etwas Unterbewusstem oder Universellem zu verbinden. Ein anderer könnte einfach ästhetisch darauf reagieren und es als schön oder abscheulich erklären.

Im Jahr 1955 stellte der Künstler Yves Klein eine Auswahl verschiedener monochromer Gemälde in unterschiedlichen Farben aus. Das Publikum genoss sie, interpretierte sie jedoch einfach als Dekoration. Als Reaktion auf dieses Missverständnis schuf Klein seinen eigenen Blauton und stellte bei seiner nächsten Ausstellung 1957 11 identische Leinwände aus, die alle in genau diesem Blauton gemalt waren. Die Farbe wurde als IKB (International Klein Blue) bekannt, und die Wirkung, die diese Ausstellung auf das Publikum hatte, war weit tiefgreifender.

Die Leere

Klein folgte der blauen Ausstellung mit einer Ausstellung, die den Untertitel Das Nichts trug, in der er alles außer einem Schrank aus einem Ausstellungsraum entfernte und den gesamten Raum weiß malte. Er färbte einen Vorhang IKB und hängte ihn über den Eingang des Raumes. Er veränderte den Fokus des Betrachters von dem künstlerischen Inhalt der Ausstellung auf den Kontext, in dem die Kunst gezeigt wird. Dieser Perspektivwechsel vom Inhalt zum Kontext veränderte dramatisch die Art und Weise, wie Kunst betrachtet werden konnte. Und das monochrome Gemälde wurde zum perfekten Medium, um diese neue Perspektive zu erkunden.

Ein monochromes Gemälde kann leicht zu einem Element werden, durch das eine Umgebung verbessert wird. Ein Monochrom könnte auch zum Mittelpunkt einer Umgebung werden, indem es mit dem Kontext interagiert und so spezifische Aufmerksamkeit auf sich selbst und nichts anderes lenkt. Ein Monochrom kann das Nichts werden oder es kann das Nichts füllen. Es kann das Nichts im Betrachter offenbaren, oder ein Betrachter kann das scheinbare Nichts des Monochroms mit einer Übertragung von erfahrungsbezogenem Inhalt füllen.

Alexander Rodtschenko - Reine Gelbe Farbe, 1921, Regionalmuseum für Kunst Ivanovo © A. Rodtschenko & V. Stepanova Archiv / DACS 

Was ist ein Monochrom?

Einfach gesagt, die einzige definierende Eigenschaft eines Monochroms ist die Einzigartigkeit der Farbe. Aber ein monochromes Gemälde ist mehr als die Summe seiner Komponenten. Ein monochromes Gemälde wird auch durch seine Fähigkeit definiert, einen Betrachter oder eine Umgebung zu transformieren. Es kommuniziert etwas direkt, wie "rot", "blau" oder "gelb". Und doch kommuniziert es auch nichts. Es wartet auf einen Seher, einen Zuhörer, einen Übersetzer im Geist eines Betrachters, bevor es sich darauf festlegt, was es kommunizieren möchte.

In gewisser Weise ist ein Monochrom sowohl die repräsentativste Art von Malerei, die möglich ist, als auch die abstrakteste. Es ist ein universelles Totem. Es bietet uns etwas Spezifisches und akzeptiert dennoch alles, was wir zu geben haben.

Vorgestelltes Bild: Yves Klein - Untitled Monochrome Blue (IKB 92), Trockenpigment in synthetischem Harz auf Leinwand, auf Holz montiert, 92,1 x 71,8 cm, © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio