Abstraktion und Natur in den Gemälden von Ellsworth Kelly
Wenn ein Künstler für eine bestimmte Art von Werk berühmt wird, neigen herausragende Beispiele dieser Werkart dazu, die wertvollsten Stücke im Gesamtwerk des Künstlers zu sein. Vielleicht ist das der Grund, warum so viele der Ellsworth Kelly Gemälde, die wir in Museumssammlungen finden, die eigenartig geformten, einfarbigen Werke zeigen, die Kelly geschaffen hat. Gelegenheitsbetrachter könnten annehmen, dass dies die einzige Art von Kunst ist, die Kelly geschaffen hat. Sie könnten auch vermuten, dass die Bedeutung dieser Stücke rein abstrakt ist. Kellys Monochrome könnten leicht als Ausdruck geometrischer Abstraktion, Hard-Edge-Malerei, Konzeptkunst, Farbflächenmalerei oder Minimalismus verstanden werden. Und obwohl einige dieser Strömungen Kelly tatsächlich irgendwann in seiner Laufbahn beeinflusst haben mögen, wäre es genauer zu sagen, dass die Künstler, die in diesen Bereichen arbeiteten, von ihm beeinflusst wurden. Kelly war ein Neuerer. Und vielen unbekannt waren seine Gemälde nicht rein abstrakt, sondern Darstellungen von Formen, die er in der Natur fand.
Ellsworth Kellys Natürliche Wurzeln
Kelly wuchs mit einer persönlichen Verbindung zur Natur auf. Er wurde 1923 in der idyllischen Stadt Newburgh am Hudson River in New York geboren, 60 Meilen nördlich von Manhattan. Umgeben von Wäldern, sanften Hügeln und dem Fluss entwickelte er früh eine Wertschätzung für die Pflanzen und Tiere der benachbarten Wildnis. Nach zwei Jahren Kunst- und Designstudium an der Pratt meldete sich Kelly zur Armee. Zusammen mit mehreren anderen Künstlern war Kelly Teil der Ghost Army im Zweiten Weltkrieg, einer Einheit, für die er besonders geeignet war, da ihre Aufgabe darin bestand, Tarnoperationen zu entwerfen und durchzuführen, um feindliche Truppen auf dem europäischen Land irrezuführen.
Ellsworth Kelly – Bleistiftzeichnung des Tuileriengartens, Paris, 1949
Nach dem Krieg verbrachte Kelly mehrere Jahre in Paris, um seine Kunstausbildung fortzusetzen. Obwohl sein frühes Interesse den figurativen Malern galt, bemerkte er bald, dass sein persönliches ästhetisches Interesse keineswegs in aufwendiger figurativer Arbeit lag, noch war es unbedingt in der Malerei. Vielmehr fühlte er sich von den einfachen Formen der Gegenstände um ihn herum angezogen. Er fertigte einfache Skizzen von Formen an, die ihn interessierten, wie Fenster, architektonische Elemente und verschiedene natürliche Elemente wie Blumen, Sträucher, Bäume, Blätter und Früchte.
Der Tuileriengarten heute
Ellsworth Kelly Zeichnungen
Welches Thema er auch skizzierte, Kelly reduzierte die Objekte seines Interesses auf ihre einfachsten Formen. Er fertigte Studien der Formen an und begann, sie in seiner Kunst auszudrücken. Im Laufe seiner Karriere inspirierten die Skizzen, die er früh in seinem Leben anfertigte, eine enorme Anzahl von Gemälden, Skulpturen, Siebdrucken und anderen ästhetischen Objekten. Obwohl die Werke, die er schuf, oft als emotionslos wahrgenommen werden, minimalistische Abstraktionen bedeutungsloser Formen, ist die Wahrheit, dass sie eine bestimmte, reale Sprache natürlicher Formen widerspiegeln, die Kelly inspirierten.
Ellsworth Kelly – Wildtraube, 1960, Bleistift auf zwei Papierbögen, 72,5 x 114 cm, MoMA Sammlung
In den 1960er Jahren fertigte er eine Reihe von Zeichnungen verschiedener wilder Früchte, Gartenfrüchte, Bäume, Zweige sowie Blätter und Blumen verschiedener anderer Pflanzen an. Seine Zeichnung von 1960 mit dem Titel Wildtraube reduziert die Blätter der wilden Weinrebe auf ihre einfachsten Formen. In seinem Gemälde von 1962 Rot Weiß nimmt Kelly genau diese Form und kehrt sie auf einer weißen Leinwand um.
Ellsworth Kelly – Rot Weiß, 1962, Öl auf Leinwand, 203,5 x 229 cm, SFMOMA Sammlung
In seiner Zeichnung von 1965 Grapefruit (unten als Lithografie gezeigt) reduziert Kelly das Bild einer reifen Grapefruit und mehrerer Blätter, die von einem Zweig hängen. Die Ansammlung von Formen und die konzeptuelle Farbpalette, die durch diese Elemente dargestellt wird, manifestiert sich im selben Jahr in seiner Lithografie Blau und Gelb und Rot-Orange.
Ellsworth Kelly – Grapefruit (Pamplemousse), 1965, Eine aus einer Serie von zwölf Lithografien, 59,5 x 50,8 cm, MoMA Sammlung
Ein weiteres Interesse Kellys galt der Beziehung des Betrachters zum Raum, in dem Kunst präsentiert wird. Auf seiner Suche, diesen Aspekt der ästhetischen Erfahrung zu erfassen, gelang Kelly der Durchbruch in seiner Arbeit, der zu dem ikonischen visuellen Stil führte, der ihn berühmt machte: geformte, einfarbige Objekte, die an der Wand hängen. Diese Objekte waren eigentlich keine Gemälde; sie waren eher skulpturaler Natur, eine Unterscheidung, die Kelly als unwesentlich betrachtete. Ein frühes Beispiel dieser Art von Werk ist Gelbes Stück. Die Form des Stücks ist ein reifer Ausdruck der Verbindung seiner natürlichen Inspirationen und des Prozesses, hergestellte ästhetische Phänomene zu schaffen.
Ellsworth Kelly – Blau und Gelb und Rot-Orange (Bleu et jaune et rouge-orange), 1965, Lithografie, 64,5 x 35 cm
Ellsworth Kelly Gemälde
Gelbes Stück und Kellys andere geformte Werke stellen einen großen konzeptuellen Sprung dar. Durch die Formung der Leinwand rückte Kelly die Wand und die umgebende Architektur in einen neuen Zusammenhang. Anstatt dass die Leinwand als Hintergrund für ein Bild fungierte, wurde die Wand selbst zur Trägerin des Werks. Anstatt eine abgekoppelte, umgebende Umgebung zu sein, in der Kunst betrachtet wird, wurde die Architektur ein integraler Bestandteil der Erfahrung des Betrachters. Auf diese Weise drückte Kelly seine Inspiration perfekt aus. Er machte die Galerie zu einer natürlichen Umgebung. Seine Kunst war Teil der Umgebung, wuchs aus ihr heraus, wurde von ihr getragen, durch sie bereichert und bereicherte sie. Die Betrachter begegneten ihr so, wie sie einem Blatt, einer Blume, einem Stängel oder einem anderen Naturelement in einem Garten oder auf einem Feld begegnen würden.
Ellsworth Kelly – Gelbes Stück, 1966, Synthetische Polymerfarbe auf Leinwand, 190,5 x 190,5 cm
Einige seiner geformten Stücke erweiterten seine Erforschung räumlicher ästhetischer Beziehungen noch weiter, indem sie eine Art geschichtetes, collageartiges Element einführten. Diese sogenannten „Relief“-Werke waren geschichtete, mehrteilige Objekte, die Dreidimensionalität mit geformten Leinwänden verbanden. Diese Stücke ragen in den Raum zwischen Objekt und Betrachter hinein und laden dazu ein, dass eine persönliche, fast menschenähnliche Beziehung zwischen Betrachter und Kunstwerk entsteht. Wesentlich für diese Beziehung ist die Frage, was die formalen Unterschiede zwischen Betrachter und Werk wirklich sind.
Ellsworth Kelly – Schwarz über Blau, 1963, Bemaltes Aluminium, 207,7 x 163,3 x 15,2 cm, SFMOMA Sammlung
Skulpturen
Kelly war auch ein produktiver Schöpfer traditioneller skulpturaler Objekte. Seine Skulpturen folgen derselben ästhetischen Sprache wie seine anderen Werke und beziehen sich auf die natürlichen Formen und Kompositionen, die in so vielen seiner Naturstudien erscheinen. In Kellys Skulptur von 2002 Weiße Kurven sehen wir das Wiederauftauchen der Form eines einzelnen Blütenblatts einer Magnolie, wie sie in seiner Lithografie von 1966 Magnolie festgehalten ist.
Ellsworth Kelly – Weiße Kurven, 2002, Weißes Aluminium, Standort: Skulpturengarten der Fondation Beyeler, Riehen, Schweiz
Wenn Sie das nächste Mal auf ein Werk von Ellsworth Kelly stoßen, betrachten Sie es aus der Perspektive der Inspiration, die er selbst ausdrückte. Statt mit seinen Werken zu interagieren, als wären sie emotionslose, rein abstrakte geometrische Objekte, sehen Sie sie als Ausdruck der visuellen Sprache der Natur, die uns überall umgibt. Wie Kelly sagte: „Das Zeichnen von Pflanzen hat mich immer in meine Gemälde und Skulpturen geführt. Meine ganze Arbeit kommt vom Wahrnehmen. Ich bin kein geometrischer Künstler.“
Titelbild: Ellsworth Kelly Magnolie, 1966, Lithografie, 61,5 x 88,3 cm Alle Bilder © Ellsworth Kelly, alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
