Brillante Beispiele für Minimal Art

Minimalismus ist leicht misszuverstehen. Zum Teil liegt das daran, dass Künstler, Kritiker, Kunsthistoriker und Kunsttheoretiker oft uneinig über die Ziele und bestimmenden Merkmale des Minimalismus sind. Einige der bekanntesten Minimalisten weigern sich sogar, mit diesem Begriff in Verbindung gebracht zu werden. Wieder andere behaupten, minimalistische Kunst zu schaffen, obwohl ihre Werke dem Geist des Minimalismus zu widersprechen scheinen. Anstatt Zeit in einem semantischen Streit zu vergeuden, bewahren wir eine offene Haltung. Wir haben Minimalismus zuvor als eine Sichtweise beschrieben, bei der „weniger mehr ist“. Damit meinen wir nicht, dass in minimalistischer Kunst weniger passiert oder weniger zu genießen ist, sondern dass minimalistische Kunst mit weniger mehr erreicht. Ein großartiges Werk minimalistischer Kunst hebt sich als etwas Besonderes hervor, das von jedem zu jeder Zeit und in jedem Kontext einfach für das, was es ist, geschätzt werden kann.

Form und Farbe

Als Ellsworth Kelly im Dezember 2015 im Alter von 92 Jahren starb, war er einer der einflussreichsten Maler des Minimalismus. Das mag beim Betrachten seiner Gemälde nicht so erscheinen, doch Kelly war selbst unter anderen Künstlern umstritten. Kellys Gemälde enthielten kein Gefühl für Komposition, kein Thema und keine erkennbare Bedeutung (weder symbolisch noch anderweitig). Vielleicht rührte die Kontroverse von ihrer Schlichtheit her. Oder vielleicht entstand sie, weil Betrachter Schwierigkeiten hatten, Werke zu verstehen, die nur auf sich selbst Bezug nahmen.

Ellsworth Kelly - Yellow Piece, 1966, Synthetische Polymerfarbe auf Leinwand, 75 x 75 Zoll, © 2020 Ellsworth Kelly

Schon früh in seiner Laufbahn konzentrierte sich Kelly auf geometrische Formen und Muster sowie eine monochrome Farbpalette. Um Inhalte und Themen zu vermeiden, experimentierte er manchmal mit Zufall, indem er zufällige Farbauswahlen nutzte, um die Richtung seiner Gemälde zu bestimmen. 1966 gelang ihm dann ein Durchbruch. Er begann, seine Leinwände zu formen, angefangen mit einem Gemälde namens Yellow Piece. Anstatt beispielsweise eine geometrische Form auf eine rechteckige Leinwand zu malen, schuf er eine Leinwand, die bereits die Form des zu malenden Objekts hatte, und bemalte dann die gesamte Leinwand monochromatisch. Dies war ein entscheidender theoretischer Schritt. Anstatt dass eine Form durch eine Form (ein Rechteck) kontextualisiert und eingeschlossen wird, wurde die Form selbst zum Objekt.

Frank Stella - Harran II, 1967, Polymer- und fluoreszierende Polymerfarbe auf Leinwand, 120 × 240 Zoll, de Young Museum, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Neuanfänge

Der Maler Frank Stella ist ein weiterer minimalistischer Künstler, der die Praxis der geformten Leinwände erforschte. Stellas Harran II ist ein geformtes Werk, das eine Reihe von leuchtend farbigen Bögen zeigt, die in einer Reihe von Quadraten und gewölbten Dreiecken eingeschlossen sind. Heute gilt dieses Werk als ikonisch in Stellas Gesamtwerk. Es zeigt perfekt, was als seine charakteristische Bildsprache gilt: ausgeschnittene, leuchtend farbige Formen, die mit anderen Formen verbunden sind.

Doch bevor er mit geformten Leinwänden arbeitete, leistete Stella einen noch tiefgreifenderen Beitrag zum Minimalismus mit seinen sogenannten schwarzen Gemälden, die schwarze Linien in einem geometrischen Muster zeigten. Im Grunde enthalten diese Gemälde nichts weiter als Farbe auf einer flachen Oberfläche. Das mag offensichtlich klingen, doch theoretisch bedeuteten sie die Geburt des Minimalismus: die Idee von Gemälden als Objekte und nicht als Darstellungen von etwas anderem.

Vor der Erkenntnis, dass ein Gemälde nicht unbedingt ein Gemälde sein muss, sondern ein selbstbezügliches, eigenständiges Objekt sein kann, bezog sich dreidimensionale Kunst auf Gemälde, Skulpturen, Assemblagen und möglicherweise Installationen. Diese neue Kategorie, das „Objekt“, war keines von diesen. Es war eine neue theoretische Kategorie ästhetischer Erscheinungen.

Donald Judd - Galvanized Iron 17, 1973, © Donald Judd

Spezifische Objekte

Ein Aufsatz des Künstlers Donald Judd mit dem Titel Spezifische Objekte brachte diese neue Kategorie ästhetischer Erscheinungen am besten zum Ausdruck. Darin erklärte Judd, dass diese neuen Kunstobjekte in keiner Weise auf Zeit, Gesellschaft, Spiritualität oder irgendetwas anderes Bezug nehmen. Sie waren ästhetische Objekte ohne einen nützlichen Zweck. Wir haben bereits über diesen Moment in der Kunstgeschichte geschrieben, da er das Ende des Anfangs der Abstraktion markierte. Judds spezifische Objekte verwenden eine abstrakte ästhetische Sprache, sind aber, da sie rein objektiv sind, tatsächlich wörtlich zu nehmen. Als Kazimir Malevich ein schwarzes Quadrat malte, galt es als Abstraktion, weil es Ideen referenzierte. Es hatte eine Bedeutung über das Quadrat hinaus. Judds quadratische Objekte beziehen sich nur auf das, was sie sind. Sie haben keine andere Bedeutung als ihre eigene Existenz. Sie werden nach ihren eigenen Eigenschaften beurteilt. Sie sind ebenso bedeutungsvoll wie jedes andere existierende Objekt.

Richard Caldicott - Untitled (14), 2013, Chromogener Abzug (C-Print), 20 x 24 Zoll

Klare Kanten

Brent Hallard - Knot (Pink), 2015, Acryl auf eloxiertem Aluminium, 13,8 x 13,8 Zoll

Ein hervorragendes Beispiel für die klare Kante findet sich in den Werken des zeitgenössischen amerikanischen Künstlers Brent Hallard. Hallards Arbeiten führen das Gespräch des Minimalismus fort, indem sie Geometrie durch monochrome Farben, Genauigkeit und Präzision erforschen. Hallards Technik ist jedoch nicht industriell. Er verwendet traditionelle Kunstmittel wie Marker und Aquarellfarben, um seine Werke auf Papier und Aluminium zu schaffen. Und in seinem Werk gibt es eine persönliche Sprache, die sich nicht nur auf das Werk, sondern auch auf den Künstler bezieht und so ein Gefühl der Anwesenheit des Künstlers wieder einführt.

Ein weiterer zeitgenössischer Künstler der klaren Kante ist der britische Künstler Richard Caldicott. Wie Hallard aktualisiert Caldicott die Traditionen von Künstlern wie Frank Stella und Donald Judd. Als multidisziplinärer Künstler integriert Caldicott Elemente von Zeichnung, Fotografie und Skulptur in seine Arbeiten. Er mischt handwerkliche Techniken mit mechanisch-industriellen Verfahren wie dem Tintenstrahldruck. Die von Caldicott geschaffenen Objekte existieren unabhängig von jeglichem äußeren Bezug. Sie sind Produkte von Prozessen. Sie sind weder Objekt noch Gemälde, besitzen aber dennoch die Fähigkeit, mit dem Raum zu interagieren, wie es ein Gemälde tun würde.

Agnes Martin - Friendship, 1963, Blattgold und Öl auf Leinwand, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Nachlass Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Linien sind zum Überschreiten da

Was diese zeitgenössischen Minimalisten ausarbeiten, ist die Vorstellung, dass Minimalismus kein starres Regelwerk ist. Ein Gemälde kann als minimalistisch gelten, auch wenn es emotional, allegorisch oder handgefertigt ist oder nicht per Definition ein „spezifisches Objekt“ ist. Obwohl Stella und Judd große Anstrengungen unternahmen, ihre Werke von jeglichem Symbolismus, Emotion oder Persönlichkeit zu trennen, verfolgten nicht alle Künstler, die mit klassischem Minimalismus in Verbindung gebracht werden, denselben Ansatz.

Agnes Martin nahm Symbolik in ihre Werke auf. Persönlicher Ausdruck war ein wesentlicher Teil ihrer Arbeit, und das Gefühl der Transzendenz, das sie beim Arbeiten empfand, hoffte sie offen, dass es die Betrachter spüren würden. Ein prägender Moment in Martins Werk ist in ihrem Gemälde Friendship festgehalten. Sein starker emotionaler Anteil verbindet es mit dem Abstrakten Expressionismus. Doch seine Ästhetik macht es zu einem Werk minimalistischer Kunst. Wir haben bereits darüber geschrieben, wie Martin die Linie als Symbol für Unschuld betrachtete und wie sie hoffte, dass ihre Gefühle auf die Betrachter ihrer Werke übergehen würden. Während Friendship ein Gefühl von Objektsein vermittelt, verweist es auch deutlich auf etwas Allegorisches. Wie Martin selbst wirkt es als eine Art Brücke zwischen abstraktem Expressionismus und Minimalismus.

Titelbild: Frank Stella - Jill, 1959, Emaille auf Leinwand, 90 3/8 x 78 3/4 Zoll, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio