Brillante Beispiele für Minimal Art

Minimal Art ist leicht misszuverstehen. Teilweise liegt das daran, dass Künstler, Kritiker, Kunsthistoriker und Kunsttheoretiker oft über die Ziele und definierenden Merkmale des Minimalismus uneinig sind. Einige der größten Namen des Minimalismus weigern sich sogar, sich mit dem Label zu identifizieren. Wieder andere behaupten, minimalistische Kunst zu schaffen, obwohl ihre Arbeiten scheinbar dem Ethos des Minimalismus widersprechen. Anstatt Zeit mit einem Kampf um Semantik zu verschwenden, halten wir einen offenen Geist. Wir haben Minimalismus zuvor als eine Perspektive beschrieben, die „weniger mehr ist“. Wir meinen damit nicht, dass in der minimalistischen Kunst weniger passiert oder dass es weniger zu genießen gibt, sondern dass minimalistische Kunst mit weniger mehr erreicht. Ein großartiges Werk minimalistischer Kunst hebt sich als etwas Spezifisches ab, das von jedem zu jeder Zeit in jedem Kontext einfach für das geschätzt werden kann, was es ist.

Form und Farbe

Als Ellsworth Kelly im Dezember 2015 im Alter von 92 Jahren starb, war er einer der einflussreichsten Maler des Minimalismus. Es mag nicht so erscheinen, wenn man sich seine Gemälde ansieht, aber Kelly war selbst unter anderen Künstlern umstritten. Kellys Gemälde enthielten kein Gefühl für Komposition, kein Thema und keine identifizierbare Bedeutung (symbolisch oder anders). Vielleicht rührte die Kontroverse von ihrer Einfachheit her. Oder vielleicht entstand sie, weil die Betrachter Schwierigkeiten hatten, Werke zu verstehen, die nur sich selbst referenzierten.

Ellsworth Kelly - Gelbes Stück, 1966, Synthetische Polymerfarbe auf Leinwand, 75 x 75 Zoll, © 2020 Ellsworth Kelly

Von Anfang an in seiner Karriere lag Kellys Fokus auf geometrischen Formen und Mustern sowie einer monochromen Farbpalette. Um Inhalte und Themen zu vermeiden, experimentierte er manchmal mit dem Zufall, indem er zufällige Farbauswahlen verwendete, um die Richtung seiner Gemälde zu bestimmen. Dann hatte er 1966 einen Durchbruch. Er begann, seine Leinwände zu formen, beginnend mit einem Gemälde namens Yellow Piece. Anstatt beispielsweise eine geometrische Form auf eine rechteckige Leinwand zu malen, schuf er eine Leinwand, die bereits die Form des Objekts hatte, das er malen wollte, und malte dann die gesamte Leinwand monochromatisch. Dies war ein entscheidender theoretischer Sprung. Anstatt dass eine Form durch eine Form (ein Rechteck) kontextualisiert und enthalten wird, wurde die Form selbst zum Objekt.

Frank Stella - Harran II, 1967, Polymer- und fluoreszierende Polymerfarbe auf Leinwand, 120 × 240 Zoll, de Young Museum, San Francisco, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York

Neuanfänge

Der Maler Frank Stella ist ein weiterer Minimalist, der die Praxis der geformten Leinwände erkundet hat. Stellas Harran II ist ein geformtes Werk, das eine Reihe von hellen Bögen darstellt, die in einer Reihe von Quadraten und gewölbten Dreiecken enthalten sind. Heute ist dieses Werk ikonisch in Stellas Oeuvre. Es zeigt perfekt, was als seine charakteristische visuelle Sprache angesehen wird: ausgeschnittene, hellfarbige Formen, die mit anderen Formen verbunden sind.

Aber bevor er mit geformten Leinwänden arbeitete, leistete Stella einen noch tiefgreifenderen Beitrag zum Minimalismus mit seinen sogenannten schwarzen Gemälden, die schwarze Linien in einem geometrischen Muster darstellten. Im Wesentlichen enthalten diese Gemälde nichts weiter als Farbe auf einer flachen Oberfläche. Das mag offensichtlich erscheinen, aber was sie theoretisch repräsentierten, ist die Geburt des Minimalismus: die Idee von Gemälden als Objekten und nicht als Darstellungen von etwas anderem.

Vor der Offenbarung, dass ein Gemälde kein Gemälde sein musste, sondern ein selbstassoziierendes, unabhängiges Objekt sein konnte, bezog sich die dreidimensionale Kunst auf Gemälde, Skulpturen, Assemblagen und möglicherweise Installationen. Diese neue Kategorie, das "Objekt", war keines dieser Dinge. Es war eine neue theoretische Kategorie ästhetischer Phänomene.

Donald Judd - Galvanisiertes Eisen 17, 1973, © Donald Judd

Bestimmte Objekte

Ein Essay des Künstlers Donald Judd mit dem Titel Specific Objects drückte diese neue Kategorie ästhetischer Phänomene am besten aus. Darin erklärte Judd, dass diese neuen Kunstobjekte in keiner Weise auf Zeit, Gesellschaft, Spiritualität oder irgendetwas anderes verwiesen. Sie waren ästhetische Objekte ohne utilitaristischen Zweck. Wir haben bereits zuvor über diesen Moment in der Kunstgeschichte geschrieben, da er das Ende des Anfangs der Abstraktion markierte. Judds spezifische Objekte nutzen eine abstrakte ästhetische Sprache, aber da sie rein objektiv sind, sind sie tatsächlich wörtlich. Als Kazimir Malevich ein schwarzes Quadrat malte, wurde es als Abstraktion betrachtet, weil es Ideen referenzierte. Es hatte eine Bedeutung über das Quadrat hinaus. Judds quadratische Objekte beziehen sich nur auf das, was sie sind. Sie haben keine Bedeutung außer ihrer eigenen Existenz. Sie werden nach ihren eigenen Eigenschaften bewertet. Sie sind ihrer eigenen Wichtigkeit wert, genau wie jedes andere Objekt in der Existenz.

Richard Caldicott - Untitled (14), 2013, Chromogener Druck (C Druck), 20 x 24 Zoll

Harte Kanten

Abgesehen von dem, was die Kunstreferenzen betrifft, ist ein wichtiges ästhetisches Element, das der Minimal Art zugeordnet wurde, das, was als "harte Kante" bezeichnet wird. Dies ist die Idee, dass Farben auf einer Fläche nahtlos nebeneinander Platz einnehmen. Die perfekte harte Kante verleiht einem minimalen Kunstwerk das Gefühl, dass es hergestellt wurde, anstatt handgefertigt zu sein, was die Referenzen an die Persönlichkeit des Künstlers aus der Gleichung herausnimmt.

Brent Hallard - Knot (Pink), 2015, Acryl auf eloxiertem Aluminium, 13,8 x 13,8 Zoll

Ein ausgezeichnetes Beispiel für den harten Stil findet sich in der Arbeit des zeitgenössischen amerikanischen Künstlers Brent Hallard. Hallards Werk setzt das Minimalismus-Gespräch fort, indem es Geometrie durch monochromatische Farben, Genauigkeit und Präzision erkundet. Aber Hallards Technik ist nicht industriell. Er verwendet traditionelle Kunstmedien wie Marker und Aquarelle, um seine Arbeiten auf Papier und Aluminium zu schaffen. Und es gibt eine persönliche Sprache in seinem Werk, die sich nicht nur auf die Arbeit, sondern auch auf den Künstler bezieht und ein Gefühl der Präsenz des Künstlers wieder einführt.

Ein weiterer zeitgenössischer Hard-Edge-Künstler ist der britische Künstler Richard Caldicott. Wie Hallard aktualisiert Caldicott die Traditionen von Künstlern wie Frank Stella und Donald Judd. Als multidisziplinärer Künstler integriert Caldicott Elemente des Zeichnens, der Fotografie und der Skulptur in seine Arbeiten. Er kombiniert handwerkliche Techniken mit mechanischen/industriellen Prozessen wie dem Tintenstrahldruck. Die Objekte, die Caldicott schafft, existieren unabhängig von jeglichen äußeren Referenzen. Sie sind Produkte von Prozessen. Sie sind weder Objekt noch Malerei und besitzen dennoch die Fähigkeit, mit dem Raum zu interagieren, wie es eine Malerei tun würde.

Agnes Martin - Freundschaft, 1963, Blattgold und Öl auf Leinwand, 6' 3" x 6' 3", © 2020 Nachlass von Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

Linien sind dazu da, überschritten zu werden.

Was diese zeitgenössischen Minimalisten ausarbeiten, ist die Vorstellung, dass Minimalismus kein starrer Gesetzeskatalog ist. Ein Gemälde kann als minimal betrachtet werden, selbst wenn es auch emotional, allegorisch oder handgefertigt ist oder nicht per Definition ein „spezifisches Objekt“ ist. Obwohl Stella und Judd große Anstrengungen unternahmen, um ihre Arbeiten von jeglichem Sinn für Symbolik, Emotion oder Persönlichkeit zu trennen, verfolgten nicht alle Künstler, die mit dem klassischen Minimalismus assoziiert werden, denselben Ansatz.

Agnes Martin umarmte den Symbolismus in ihrer Arbeit. Der persönliche Ausdruck war ein wesentlicher Bestandteil ihrer Praxis, und das Gefühl der Transzendenz, das sie beim Arbeiten empfand, war etwas, von dem sie offen hoffte, dass die Betrachter es spüren würden. Ein wegweisender Moment in Martins Werk wird in ihrem Gemälde Freundschaft festgehalten. Sein stark emotionaler Aspekt verbindet es mit Abstract Expressionism. Aber seine Ästhetik etabliert es als ein Werk der minimalen Kunst. Wir haben bereits darüber geschrieben, wie Martin die Linie als Symbol für Unschuld betrachtete und wie sie hoffte, dass ihre Gefühle auf die Betrachter ihrer Werke übertragen würden. Während Freundschaft ein Gefühl von Objektivität hat, verweist es auch eindeutig auf etwas Allegorisches. Wie Martin selbst fungiert es als eine Art Brücke zwischen Abstract Expressionism und Minimalismus.

Vorgestelltes Bild: Frank Stella - Jill, 1959, Emaille auf Leinwand, 90 3/8 x 78 3/4 Zoll, © 2020 Frank Stella / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio