Freiheitsfragen - Ein Rückblick auf die konkrete Kunst

Zusammen mit Suprematismus, Konstruktivismus, De Stijl, Neo-Konkreter Kunst und Minimalismus ist Konkrete Kunst eine von einem halben Dutzend geometrischer abstrakter Kunstbewegungen, die im 20. Jahrhundert entstanden sind, grob zwischen 1913 und 1970. Aber sie unterscheidet sich deutlich von all den anderen auf dieser Liste. Der Unterschied ist möglicherweise nicht sofort erkennbar. Visuell produzierten all sechs dieser Bewegungen ähnliche Werke. Das liegt daran, dass alle auf derselben Syntax basierten – einer visuellen Sprache, die in nicht-objektiven, formalen Elementen wie Linien, Formen und Farben verwurzelt ist. Der wesentliche Unterschied zwischen ihnen war fast ausschließlich semantisch, was bedeutet, dass die Absicht und die Bedeutung, die jeder zugrunde lag, einzigartig waren. Suprematismus verwendete geometrische Abstraktion, um die „Überlegenheit reiner Empfindung oder Wahrnehmung“ zu kommunizieren. Konstruktivismus nutzte sie, um neue nützliche Symbole für eine moderne Welt zu schaffen. De Stijl verwendete geometrische Elemente, um die intrinsische Harmonie des Universums zu erkunden. Konkrete Kunst war rein plastisch – jedes visuelle Element, das sie einsetzte, wurde auf mechanische Weise geschaffen und war frei von jeglicher symbolischen, emotionalen, spirituellen oder naturalistischen Bedeutung. Neo-Konkrete Kunst verwendete dieselbe visuelle Sprache wie Konkrete Kunst, wies jedoch ihre reine Plastizität zurück und konzentrierte sich stattdessen auf das phänomenologische Potenzial, das entsteht, wenn Menschen mit Kunst interagieren. Minimalismus stimmte zu, dass plastische Elemente selbstreferenziell sein sollten, trieb diesen Glauben jedoch auf die Spitze, indem er ästhetischen Komponenten autonome Kraft verlieh, bis hin zur Sublimierung des Künstlers, indem er alle Beweise für Autorschaft, Erzählung, Biografie oder alles andere, was die totalitäre Präsenz des Werkes stören könnte, entfernte. Von all diesen Bewegungen kann nur eine – die konkrete Kunst – behaupten, rein abstrakt zu sein. Nur sie strebte aktiv danach, jegliche äußere Bedeutung zu eliminieren und befreite die Künstler von der Notwendigkeit, etwas zu kommunizieren, das über das hinausgeht, was im Werk klar sichtbar war.

Auf dem Weg zur Konkretion

Die Tendenz zu einer reinen, plastischen Kunst nahm in Europa um die Mitte des 19. Jahrhunderts ihren Anfang. Damals begannen Maler, die mit Bewegungen wie dem Impressionismus und dem Divisionismus assoziiert wurden, Elemente wie Licht und Farbe als Dinge zu isolieren, die eine individuelle Betrachtung wert waren. Aber das Sujet und die Bedeutung waren zu dieser Zeit für die Menschen wichtig, wenn nicht für die Künstler selbst, so doch für ihre Mäzene. Es bedurfte Bewegungen wie dem Kubismus und dem Futurismus, um diese Sichtweise zu verändern und den Weg für Künstler wie Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich zu ebnen, die in den frühen 1900er Jahren völlig abstrakte Werke malten.

Aber selbst Kandinsky und Malevich schufen Werke, die auf externe Bedeutungsquellen verwiesen, wie Spiritualität und Symbolik. Erst 1930 gelang es dem ersten Europäer, den Wunsch zu verbalisieren, eine wirklich bedeutungslose, reine Form der abstrakten visuellen Kunst zu umarmen. Dieser Künstler war der niederländische Maler und Schriftsteller Theo van Doesburg. Van Doesburg wurde erstmals um 1917 bekannt, als er De Stijl zusammen mit Piet Mondrian mitbegründete. Doch er und Mondrian trennten sich bald, da Mondrian, wie viele andere abstrakte Künstler, stark von utopischer Spiritualität beeinflusst war. Van Doesburg wollte all diese Einflüsse sowie alle naturalistischen oder figürlichen Referenzen hinter sich lassen. So verfasste er 1930 zusammen mit dem Schweizer Künstler Otto Gustaf Carlsund, dem französischen Maler Jean Hélion, dem armenischen Maler Léon Arthur Tutundjian und dem französischen Typografen Marcel Wantz das Manifest der Konkreten Kunst.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Das Manifest der Konkreten Kunst

Das Manifest legte sechs Prinzipien fest: „1) Kunst ist universell. 2) Ein Kunstwerk muss vollständig im Geist konzipiert und geformt werden, bevor es ausgeführt wird. Es darf nichts von der Natur, der Sinnlichkeit oder der Sentimentalität an formalen Daten erhalten. Wir wollen Lyrik, Drama, Symbolik und so weiter ausschließen. 3) Das Gemälde muss vollständig aus rein plastischen Elementen aufgebaut sein, nämlich Flächen und Farben. Ein bildnerisches Element hat keine Bedeutung über „es selbst“ hinaus; folglich hat ein Gemälde keine Bedeutung außer „es selbst“. 4) Der Aufbau eines Gemäldes sowie der seiner Elemente muss einfach und visuell kontrollierbar sein. 5) Die Maltechnik muss mechanisch sein, d.h. genau, anti-impressionistisch. 6) Ein Streben nach absoluter Klarheit ist zwingend erforderlich.”

Van Doesburg starb ein Jahr, nachdem das Manifest der Konkreten Kunst veröffentlicht wurde, sodass er nicht lange genug da war, um es vor der Armee von Kritikern zu verteidigen, die es in den folgenden Jahrzehnten angriffen. Die Beschwerden dieser Kritiker konzentrierten sich hauptsächlich auf das, was sie als die kalte Seelenlosigkeit und Sterilität der Konkreten Kunst wahrnahmen. Aber natürlich war das von Anfang an die Absicht der Bewegung. Tatsächlich ist es schwer vorstellbar, dass, hätte van Doesburg länger gelebt, er sich die Mühe gemacht hätte, mit seinen Kritikern zu streiten. Wahrscheinlich hätte er das Wort seelenlos als Kompliment interpretiert und die Worte kalt und steril als großes Lob.

Art Concret Manifesto, Mai 1930, über wikiart.org

Klarheit ist schwer zu erreichen

Um zu verstehen, warum die Konkrete Kunst viele Künstler so stark ansprach, ist es wichtig zu begreifen, dass van Doesburg Teil einer Generation war, die nach Jahrzehnten der Gewalt abgestumpft war. Der Massensterben und die Zerstörung, die mit modernen Kriegen einhergingen, schockierten sie. Und viele Intellektuelle kamen zu dem Schluss, dass die Gewalt nicht aus einem Vakuum entstanden war. Im Gegenteil, sie sahen sie als das unvermeidliche Ergebnis politischer, religiöser und ideologischer Konflikte. Die Konkrete Kunst war ein Appell an die Künstler, sich von der Realität zu trennen, die die Welt an den Rand der Zerstörung gebracht hatte.

Selbst heute umarmen viele Künstler, wie Daniel Göttin und Tilman, die Prinzipien der Konkreten Kunst und streben nach absoluter Klarheit. Aber es bleibt ein komplexes Ziel. Zeitgenössische Zuschauer können nicht anders, als Bedeutung in der Konkreten Kunst zu finden. Die Absicht des Künstlers bedeutet uns wenig, denn wir sehen das Werk im Kontext der Kunstgeschichte und unserer persönlichen Geschichten. Das ist es, was brasilianische Künstler wie Lygia Pape, Hélio Oiticica und Lygia Clark, die die Neo-Konkrete Bewegung begründeten, ebenfalls erkannten. Sie wussten, dass selbst wenn eine Farbe, eine Form oder eine Linie auf nichts anderes als sich selbst verweist, sie eine neue Bedeutung annimmt, wenn wir sie selbst erleben. Trotz der besten Bemühungen der Konkreten Künstler ist absolute Klarheit in der abstrakten Kunst schwer fassbar, denn der menschliche Verstand steht immer bereit, um das Wasser zu trüben.

Vorschaubild: Tilman -Unbetitelt (257.11), 2011, 25,6 x 19,7 Zoll.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio