Konkrete Kunst: Ein Sammlerleitfaden zur Kunst der absoluten Klarheit
Im Lexikon der Kunstgeschichte gibt es nur wenige Begriffe, die so missverstanden werden wie „Konkrete Kunst“. Für Unkundige impliziert das Wort Gewicht, Solidität oder vielleicht das graue industrielle Material selbst. In der Kunstwelt hingegen steht es für etwas viel Radikaleres: die Ablehnung der Vorstellung, dass Kunst „über“ etwas anderes sein muss. Während die traditionelle Abstraktion von der Realität abstrahiert (einen Baum nimmt und ihn auf Linien reduziert), konstruiert die Konkrete Kunst eine neue Realität. Sie argumentiert, dass eine Linie, eine Farbe oder eine Fläche eine reale Sache ist, so konkret wie ein Stuhl oder ein Stein. Heute, in einer Welt, die von digitalem Lärm und endlosen Erzählungen übersättigt ist, erscheint das Streben des Konkreten Künstlers nach „absoluter Klarheit“ und autonomer Form nicht nur relevant, sondern essenziell. Sie bietet ein visuelles Refugium, einen Ort, an dem das, was man sieht, genau das ist, was es ist.
Jenseits der Abstraktion: Die besondere Natur der Konkreten Kunst
Zusammen mit Suprematismus, Konstruktivismus, De Stijl, Neo-Konkreter Kunst und Minimalismus ist Konkrete Kunst eine von etwa einem halben Dutzend geometrisch-abstrakter Kunstbewegungen, die im 20. Jahrhundert, ungefähr zwischen 1913 und 1970, entstanden sind. Sie unterscheidet sich jedoch deutlich von allen anderen auf dieser Liste. Der Unterschied ist nicht sofort offensichtlich. Visuell haben alle sechs Bewegungen ähnliche Werke hervorgebracht. Das liegt daran, dass alle auf derselben Syntax basierten – einer visuellen Sprache, die in nicht-objektiven, formalen Elementen wie Linien, Formen und Farben verwurzelt ist.
Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017
Der wesentliche Unterschied zwischen ihnen war fast ausschließlich semantisch, das heißt, die Absicht und Bedeutung hinter jeder Bewegung war einzigartig. Der Suprematismus nutzte geometrische Abstraktion, um die „Überlegenheit reinen Gefühls oder Wahrnehmung“ zu kommunizieren. Der Konstruktivismus verwendete sie, um neue nützliche Symbole für eine moderne Welt zu schaffen. De Stijl nutzte geometrische Elemente, um die intrinsische Harmonie des Universums zu erforschen. Die Konkrete Kunst war rein plastisch: Jedes visuelle Element wurde mechanisch geschaffen und war frei von jeglicher symbolischer, emotionaler, spiritueller oder naturalistischer Bedeutung. Die Neo-Konkrete Kunst verwendete dieselbe visuelle Sprache wie die Konkrete Kunst, lehnte jedoch deren reine Plastizität ab und konzentrierte sich stattdessen auf das phänomenologische Potenzial, das entsteht, wenn Menschen mit Kunst interagieren. Der Minimalismus stimmte zu, dass plastische Elemente selbstreferenziell sein sollten, trieb diesen Glauben jedoch auf die Spitze, indem er ästhetischen Komponenten autonome Kraft verlieh, bis hin zur Sublimierung des Künstlers und der Entfernung jeglicher Hinweise auf Urheberschaft, Erzählung, Biografie oder alles andere, was der totalitären Präsenz des Werks im Wege stehen könnte.
Von all diesen Bewegungen kann nur eine, die Konkrete Kunst, für sich beanspruchen, rein abstrakt zu sein. Sie allein strebte aktiv danach, jegliche äußere Bedeutung zu eliminieren und befreite Künstler davon, etwas anderes zu kommunizieren als das, was im Werk klar sichtbar ist.
Auf dem Weg zur Konkretion
Die Tendenz zu einer reinen, plastischen Kunst nahm in Europa um die Mitte des 19. Jahrhunderts ihren Anfang. Damals begannen Maler, die mit Bewegungen wie Impressionismus und Divisionismus verbunden waren, Elemente wie Licht und Farbe als eigenständige Betrachtungsobjekte zu isolieren. Doch Thema und Bedeutung waren damals für die Menschen noch wichtig, wenn auch nicht unbedingt für die Künstler selbst, so doch zumindest für ihre Auftraggeber. Es brauchte Bewegungen wie Kubismus und Futurismus, um diese Sichtweise zu verändern und den Weg für Künstler wie Wassily Kandinsky und Kazimir Malevich zu ebnen, die Anfang des 20. Jahrhunderts vollständig abstrakte Werke malten.
Doch selbst Kandinsky und Malevich schufen Werke, die auf äußere Bedeutungsquellen wie Spiritualität und Symbolik Bezug nahmen. Erst 1930 gelang es einem europäischen Künstler erfolgreich, den Wunsch zu formulieren, eine wirklich bedeutungslose, reine Form abstrakter Bildkunst zu umarmen. Dieser Künstler war der niederländische Maler und Schriftsteller Theo van Doesburg. Van Doesburg war erstmals um 1917 bekannt geworden, als er zusammen mit Piet Mondrian De Stijl mitbegründete. Doch er und Mondrian trennten sich bald, weil Mondrian, wie viele andere abstrakte Künstler, stark von utopischer Spiritualität beeinflusst war. Van Doesburg wollte all diese Einflüsse sowie alle naturalistischen oder figurativen Bezüge vermeiden. So verfasste er 1930 zusammen mit dem Schweizer Künstler Otto Gustaf Carlsund, dem französischen Maler Jean Hélion, dem armenischen Maler Léon Arthur Tutundjian und dem französischen Typografen Marcel Wantz das Manifest der Konkreten Kunst.
Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian
Das Manifest der Konkreten Kunst
Das Manifest legte sechs Grundsätze fest: „1) Kunst ist universell. 2) Ein Kunstwerk muss vollständig vom Geist konzipiert und gestaltet sein, bevor es ausgeführt wird. Es darf keine formalen Daten aus der Natur, Sinnlichkeit oder Sentimentalität erhalten. Wir wollen Lyrik, Drama, Symbolik usw. ausschließen. 3) Das Gemälde muss vollständig aus rein plastischen Elementen bestehen, nämlich Flächen und Farben. Ein bildliches Element hat keine Bedeutung über „sich selbst“ hinaus; folglich hat ein Gemälde keine andere Bedeutung als „sich selbst“. 4) Der Aufbau eines Gemäldes sowie seiner Elemente muss einfach und visuell kontrollierbar sein. 5) Die Maltechnik muss mechanisch, also exakt und anti-impressionistisch sein. 6) Ein Streben nach absoluter Klarheit ist obligatorisch.“
Van Doesburg starb ein Jahr nach der Veröffentlichung des Manifests der Konkreten Kunst, sodass er nicht lange genug lebte, um es gegen die Armee von Kritikern zu verteidigen, die es in den folgenden Jahrzehnten angriffen. Die Beschwerden dieser Kritiker konzentrierten sich hauptsächlich auf das, was sie als kalte Seelenlosigkeit und Sterilität der Konkreten Kunst wahrnahmen. Doch genau das war die Absicht der Bewegung von Anfang an. Tatsächlich ist es schwer vorstellbar, dass van Doesburg, hätte er länger gelebt, sich die Mühe gemacht hätte, mit seinen Kritikern zu streiten. Wahrscheinlich hätte er das Wort „seelenlos“ als Kompliment und die Worte „kalt“ und „steril“ als höchste Anerkennung interpretiert.
Art Concret Manifesto, Mai 1930, via wikiart.org
Um zu verstehen, warum die Konkrete Kunst viele Künstler so stark anzog, ist es wichtig zu wissen, dass van Doesburg Teil einer Generation war, die nach Jahrzehnten der Gewalt abgestumpft war. Der Massenmord und die Zerstörung, die mit der modernen Kriegsführung einhergingen, schockierten sie. Viele Intellektuelle kamen zu dem Schluss, dass die Gewalt nicht aus dem Nichts entstanden war. Im Gegenteil, sie sahen sie als unvermeidliches Ergebnis politischer, religiöser und ideologischer Konflikte. Die Konkrete Kunst war ein Appell an Künstler, sich von der Realität zu lösen, die die Welt an den Rand der Zerstörung gebracht hatte.
Der Markt für Klarheit: Konkrete Kunst heute sammeln
In den mittleren 2020er Jahren hat der Kunstmarkt eine stille, aber entscheidende Verschiebung erlebt. Nach einem Jahrzehnt, das von hypernarrativen und politisch aufgeladenen figurativen Werken dominiert wurde, wenden sich Sammler und Innenarchitekten zunehmend der Geometrischen Abstraktion und dem Minimalismus zu. Dieser Trend ist nicht nur ästhetisch, sondern auch psychologisch. In einer Zeit, die von globaler Volatilität und digitalem Lärm geprägt ist, erlebt die Kunstwelt eine „Flucht zur Struktur“, ein kollektives Verlangen nach einem visuellen Zufluchtsort.
Die Konkrete Kunst steht an der Spitze dieser Bewegung. Weil sie sich weigert, auf die chaotische Außenwelt Bezug zu nehmen, Politik, Tragödie und Repräsentation zugunsten reiner Form ablehnt, bietet sie eine zeitlose Stabilität, die sie vor den Launen trendgetriebener Kunst schützt. Sie ist per Definition eine Kunst der Gewissheit.
Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (links) und Cut Up Paper 1.27 (rechts), 2016
Die „Blue Chip“-Bestätigung
Der Markt für die ursprünglichen Meister dieser Bewegung verzeichnet ein stetiges, robustes Wachstum, das ihren Status als „sichere“ Anlageklasse bestätigt. Während Josef Albers oft mit seinem verlässlichen Auktionsvolumen Schlagzeilen macht (sein Druckmarkt hat sich Berichten zufolge seit 2015 verdreifacht), ist er kein Einzelfall. Rekordergebnisse für Max Bill und Theo van Doesburg (dessen Contra-Composition VII einen Rekordpreis von 4,1 Millionen Dollar erzielte) beweisen den Blue-Chip-Status des Genres. Gleichzeitig deutet ein jüngster Anstieg institutioneller Aufmerksamkeit für Persönlichkeiten wie Verena Loewensberg und Richard Paul Lohse darauf hin, dass der Markt die wichtigsten europäischen Vertreter der Bewegung aktiv neu bewertet und aufwertet.
Darüber hinaus hat der „Neo-Konkrete“ Flügel der Bewegung ein explosives Wachstum erlebt, wobei brasilianische Meister wie Lygia Pape und Hélio Oiticica Rekordverkäufe erzielen, die die globale, kulturübergreifende Anziehungskraft der Bewegung bestätigen.
Die zeitgenössische Chance
Für den klugen Sammler dient diese historische Bestätigung als Marktsignal. Wenn die „Ahnen“ einer Bewegung den Blue-Chip-Status festigen, erweitert sich der Markt natürlich, um ihre lebenden Erben zu finden. Zeitgenössische Konkrete Kunst zu sammeln ist nicht nur ein zugänglicher Einstieg, sondern eine strategische Investition in die Fortführung einer prestigeträchtigen Linie.
Indem sie Werke lebender Künstler erwerben, wie sie auf IdeelArt präsentiert werden, beteiligen sich Sammler am aktuellen Kapitel eines jahrzehntelangen historischen Dialogs. Im Gegensatz zu expressiven Stilen, die untrennbar mit einem bestimmten Moment in der Zeit verbunden zu sein scheinen, erlaubt die mathematische Reinheit der Konkreten Kunst, als permanenter „visueller Anker“ in einer Sammlung zu fungieren – ein zeitloser Favorit für diejenigen, die sowohl intellektuelle Strenge als auch ästhetischen Frieden suchen.
Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris
Das Erbe der Konkreten Kunst in der zeitgenössischen Praxis
Die strengen Regeln, die Van Doesburg 1930 in seinem Manifest aufstellte und die mechanische Präzision sowie den Verzicht auf Sentimentalität forderten, mögen heute starr erscheinen. Doch der Kerngeist der Bewegung lebt in der zeitgenössischen Praxis weiter. Künstler setzen sich weiterhin für die „konkrete“ Realität ihrer Materialien ein und verwenden Struktur, Geometrie und Farbe nicht, um Emotionen zu symbolisieren, sondern um autonome Objekte zu schaffen, die direkt mit der Wahrnehmung des Betrachters interagieren.
Bei IdeelArt tragen mehrere Künstler diese Fackel weiter und entwickeln die Tradition für das 21. Jahrhundert:
Tilman: Ein direkter Erbe der Konkreten Tradition, der Tilman nennt die Bewegung ausdrücklich als Hauptinspiration. Seine „gebauten Umgebungen“ und gestapelten Objekte repräsentieren nicht die Welt; sie sind neue Objekte, die in sie eintreten. Indem er gefundene visuelle Elemente durch einen reduktiven Prozess in „gemachte konkrete Objekte“ übersetzt, erfüllt er die Forderung des Manifests nach Werken, die konstruiert und nicht impressionistisch sind.
Arvid Boecker: Die Gründer von Abstraction-Création forderten bekanntlich Kunst, die „vom Geist konzipiert“ und mit mechanischer Präzision ausgeführt wird, wobei das romantische Ego des Künstlers entfernt wird. Der deutsche Maler Arvid Boecker verkörpert diesen „wissenschaftlichen“ Ansatz der Schöpfung. Er verwendet Siebdruckrakel statt traditioneller Pinsel und entfernt die expressive Geste der Hand, behandelt die Leinwand als Ort rigoroser Konstruktion. Schicht für Schicht trägt er Ölfarbe in einem systematischen Prozess von Addition und Subtraktion auf und schafft Werke, in denen Farbe keine Emotion, sondern ein physisches Gewicht und eine Tiefe ist. Seine Praxis erfüllt den Traum der Bewegung von einer Kunst, die so objektiv und substanziell ist wie eine Maschine oder ein Gebäude.
Daniel Göttin: Göttins Werk erweitert das „plastische“ Element der Konkreten Kunst in den dreidimensionalen Raum. Er arbeitet mit industriellen Materialien wie Klebeband, Holz und Metall und schafft ortsspezifische Interventionen, die auf die Architektur eines Raumes reagieren. Seine Kunst ist kein Fenster in eine Illusion, sondern eine physische Veränderung der Realität, die das konkrete Zusammenspiel von Licht, Schatten und Material hervorhebt.
Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptychon, 2024)
Ulla Pedersen: Die dänische Künstlerin beschreibt ihre eigene Praxis als „konkrete Erforschung von Farbe, Materialität, Form und Balance“. Ihre Werke erfüllen die Kriterien der Bewegung für visuelle Kontrollierbarkeit und verwenden oft einen „reduktiven“ Prozess, um positive und negative Elemente zu neuen Konfigurationen zu kombinieren. Durch die Gegenüberstellung von „Form und Nicht-Form“ bewahrt sie die Faszination der Bewegung für mathematische Präzision und die Autonomie der Form.
Brent Hallard: Hallards Arbeiten auf Aluminium und Papier verkörpern die „absolute Klarheit“, die Van Doesburg suchte. Seine monochromen und semi-monochromen Bilder geometrischer Formen lehnen Erzählungen zugunsten von Präzision und Genauigkeit ab. Sein Fokus auf minimalistische Ikonographie schafft ein direktes, unvermitteltes visuelles Erlebnis, das nur auf sich selbst verweist.
Arvid Boecker, von links nach rechts: #1744 (2025), #1691 (2024) und #1740 (2025)
Pierre Muckensturm: Ursprünglich ein figurativer Maler, wandte sich Muckensturm der Abstraktion zu, um ein Gefühl von „Ruhe und Beständigkeit“ einzufangen. Seine großformatigen Ölgemälde und Drucke isolieren gestische Elemente, doch anstatt sie für expressionistisches Erzählen zu verwenden, behandelt er sie als strukturelle Komponenten. Er erforscht methodisch die Transformation der Leinwand und schafft Werke, in denen die „Harmonie mit der Zeit“ ein Gefühl objektiver, zeitloser Realität erzeugt, das dem Konkreten Ideal ähnelt.
Fazit: Das menschliche Element
Zeitgenössische Betrachter können in der Konkreten Kunst nicht anders, als Bedeutung zu finden. Die Absicht des Künstlers ist für uns oft wenig relevant, weil wir das Werk im Kontext der Kunstgeschichte und unserer persönlichen Geschichte sehen. Das erkannten auch brasilianische Künstler wie Lygia Pape, Hélio Oiticica und Lygia Clark, die die Neo-Konkrete Bewegung begründeten. Sie wussten, dass selbst wenn eine Farbe, eine Form oder eine Linie nur auf sich selbst verweist, sie eine neue Bedeutung annimmt, wenn wir sie selbst erleben. Trotz der besten Bemühungen der Konkreten Künstler, objektive Reinheit zu erreichen, ist absolute Klarheit in der abstrakten Kunst schwer fassbar, weil der menschliche Geist immer bereit ist, das Wasser mit seiner eigenen Vorstellungskraft zu trüben.
Von Phillip Barcio (2017) - Bearbeitet von Francis Berthomier (2025).
Beitragsbild: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).
