Post-Painterly Abstraktion - Die Bedeutung und der Umfang

In kunsthistorischen Begriffen war der Modernismus keine Bewegung. Es war eher ein Prozess der künstlerischen Selbstwahrnehmung. Anstatt sich auf objektive Darstellung zu konzentrieren, erkundeten modernistische Maler, was sie durch Abstraktion oder durch die formalen Qualitäten der Malerei wie Farbe, Form, Gestik und Oberfläche ausdrücken konnten. Unter den modernistischen Malbewegungen war Post-Painterly Abstraction eine der letzten, die auftauchten, bevor die postmodernistischen Einstellungen im späten 20. Jahrhundert an Bedeutung gewannen. Sie konzentrierte sich auf das wesentlichste Element der Malerei – die Zweidimensionalität oder Flachheit. Sie schloss jeglichen Bezug auf narrative Themen sowie auf die Persönlichkeit des Künstlers aus. Sie erreichte, was der Kunstkritiker Clement Greenberg als den eigentlichen Punkt der modernistischen Malerei betrachtete, nämlich die Malerei auf ihre "lebensfähige Essenz" zu reduzieren.

Die Grundsätze der postmalerischen Abstraktion

Um Post-Painterly Abstraction zu verstehen, ist es hilfreich, sein Gegenteil zu betrachten: Painterly Abstraction, dessen perfektes Beispiel Abstract Expressionism ist. Stellen Sie sich eines von Jackson Pollocks Spritzgemälden vor, mit seiner urtümlichen Energie und dem inhärenten Drama. Es ist ein Ausdruck von Pollocks unterbewusstem Selbst. Farbe sammelt sich in Schichten und Haufen, wodurch Kanten und Täler entstehen. Abfälle wie Glas und Zigarettenstummel vermischen sich mit dem Medium und schaffen ein lebendiges, "painterly" Werk, in dem die Hand, die Persönlichkeit und das Ego des Künstlers in jedem Strich offensichtlich sind.

Helen Frankenthaler - Approach, 1962, Öl auf Leinwand, 82 x 78 Zoll, Anderson Collection an der Stanford University, © Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

In einem Post-Painterly Abstract-Gemälde gibt es keine sichtbaren Pinselstriche. Die Oberfläche des Gemäldes ist flach. Farbe und Oberfläche sind eins. Die Farben sind linear, nicht geschichtet, und sind auch lebhaft und hell, ausdrucksvoll in ihren eigenen wesentlichen Qualitäten, aber nichts anderem. Es gibt keine Details im Gemälde außer Farbe, Form und Raum. Anstatt dass die Komposition eine Geschichte erzählt oder unterbewusste Dramatik vermittelt, ist die Komposition offen und lässt die formalen Qualitäten von Farbe und Oberfläche zum Thema des Werkes werden. Ein perfektes Beispiel ist Bridge, gemalt 1964 von dem amerikanischen Künstler Kenneth Noland.

Kenneth Noland - Bridge, 1964, Acryl auf Leinwand, 89 x 98 Zoll, © Kenneth Noland

Modernismus vs. Postmodernismus

Es klingt potenziell verwirrend, die Post-Painterly Abstraction als eine der letzten modernistischen Kunstbewegungen zu bezeichnen. Immerhin gibt es viele, die glauben, dass der Modernismus bis heute weitergeht. Ob Sie sich als Modernist oder Post-Modernist betrachten, hängt im Grunde davon ab, was Sie glauben. Der Post-Modernismus betrachtet Geschichte als relativ und hält Konzepte von linearer "Fortschritt" für Unsinn.

Jack Bush - Schönes Pink, 1965, Acryl auf Leinwand, © Jack Bush

Der Modernismus basierte auf der Idee einer gegenseitig vereinbarten formalen künstlerischen Vergangenheit. Der Modernismus forderte eine künstlerische Evolution. Er verlangte nach Neuheit, was Erfindung erforderte, die wiederum ein Verständnis dessen erforderte, was zuvor gekommen war. Im Wesentlichen erzählt der Modernismus eine Geschichte. Er sagt: „Künstler haben dies gemacht, bis sie anfingen, dies zu machen“, und so weiter. Um die kontextuelle Wirkung eines einzelnen Werkes der modernistischen Kunst zu verstehen, müssen Sie zunächst verstehen, warum es für seine Zeit innovativ war, was ein Verständnis seines Platzes innerhalb seiner besonderen Bewegung sowie den Platz dieser Bewegung innerhalb der größeren kunsthistorischen Erzählung erfordert.

Ellsworth Kelly - Blaue Weiße, 1962, Öl auf Leinwand, © Ellsworth Kelly

Die Ausstellung zur postmalerischen Abstraktion von 1964

Der Kunstkritiker Clement Greenberg war ein wahrer Modernist, was bedeutet, dass er an die übergreifende Erzählung der Kunstgeschichte glaubte und das Bedürfnis verspürte, zeitgenössische Tendenzen im Zusammenhang mit dieser größeren Geschichte zu kontextualisieren. Greenbergs Aufrichtigkeit und Tiefe des historischen Wissens machten ihn zu einem der einflussreichsten Geschichtenerzähler des Modernismus. Im Laufe des 20. Jahrhunderts definierten seine umfangreichen Schriften die modernistische Erzählung, indem sie ihre Entwicklung ab der Mitte des 19. Jahrhunderts beschrieben, ihre Fortschritte kontextualisierten und sogar die bekanntesten Bewegungen nach dem Zweiten Weltkrieg benannten, einschließlich des Abstrakten Expressionismus.

Morris Louis - Earth Gamut, 1961, Acrylharz (Magna) auf Leinwand, 86 7/8 x 60 Zoll, Copyright © MICA / Artists Rights Society (ARS), New York

Greenberg prägte und definierte den Begriff der Post-Painterly Abstraction, indem er 1964 eine gleichnamige Ausstellung im Los Angeles County Museum of Art kuratierte. Die LACMA-Ausstellung zur Post-Painterly Abstraction zeigte die Werke von 31 Künstlern, von denen Greenberg alle als Vertreter dessen betrachtete, was er als diese neue Tendenz in der modernen Kunst ansah. Unter den in der Ausstellung vertretenen Künstlern waren mehrere, die später zu den bekanntesten Malern des 20. Jahrhunderts wurden, darunter Helen Frankenthaler, Jack Bush, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Kenneth Noland und Frank Stella.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance, 1963, Magna auf Leinwand, © Kenneth Noland

Die Sterne der postmalerischen Abstraktion

Helen Frankenthaler trug drei Werke zur LACMA Post-Painterly Abstraction Ausstellung bei. Darunter war Approach, das Frankenthalers einzigartige "Soak Stain"-Technik zeigt. Diese Technik bestand darin, verdünnte Farbe direkt auf die ungrundierte Leinwand zu gießen, um dem Medium zu ermöglichen, organische Formen anzunehmen und gleichzeitig Pinselstriche zu eliminieren, um das Erscheinungsbild der Hand des Künstlers zu minimieren. 

Jack Bush war ein kanadischer abstrakter Maler, der mit der Gruppe namens Painters Eleven assoziiert war. Die Künstler von Painters Eleven teilten keinen gemeinsamen Stil. Vielmehr waren sie einfach alle dem Schaffen abstrakter Werke und der Unterstützung der Bemühungen der anderen gewidmet. Clement Greenberg war ein einflussreicher Förderer der Gruppe und zeigte besonderes Interesse an Bushs Werk, indem er ihn ermutigte, seine Farben und Formen weiter zu verfeinern und zu vereinfachen.

Ellsworth Kellys lebendige, ultra-flache Gemälde integrieren eine ikonische visuelle Sprache, die auf der Destillation von Formen basiert, die er in der Natur beobachtet hat. Neben seinem Beitrag zur Weiterentwicklung der Post-Painterly Abstraktion hatte er auch Einfluss auf den Minimalismus und die Konzeptkunst mit seinen geformten, monochromatischen Arbeiten. In Kellys Beitrag zur Post-Painterly Abstraction-Ausstellung im LACMA war das Gemälde Blue White enthalten.

Wie seine Zeitgenossin Helen Frankenthaler goss der in Baltimore geborene Morris Louis Farbe direkt auf die ungrundierte Leinwand, um das Erscheinungsbild von Pinselstrichen zu vermeiden. Seine Ästhetik umfasste lebendige, bunte Bänder aus gegossener Farbe, dargestellt durch das Gemälde Earth Gamut, das in der LACMA-Ausstellung enthalten war.

Für Kenneth Noland bestand das Ziel seiner Arbeit darin, jegliche Ähnlichkeit mit Emotionen zu entfernen. Er schuf ein ästhetisches Vokabular, das auf flachen Oberflächen aus konzentrischen Kreisen und Farbbändern basierte. Seine Werke waren frei von Textur und zeigten nichts von Gesten oder der Hand des Künstlers. Er gilt als Pionier nicht nur der Post-Painterly Abstraktion, sondern auch von Ideen, die für den Minimalismus einflussreich sind.

Bis heute aktiv im Alter von 80 Jahren, ist Frank Stella einer der bekanntesten Namen der zeitgenössischen Abstraktion geworden. Seine Bemühungen erstrecken sich über mehrere Bewegungen und widersprechen der Kategorisierung. Stella machte seinen Namen mit seinen frühen Arbeiten in der Post-Painterly Abstraktion und hatte drei Werke in der LACMA-Ausstellung. Unter ihnen war dieses Stück, Henry Garden.

Vorgestelltes Bild: Frank Stella - Henry Garden, 1963, Öl auf Leinwand, 80 x 80 Zoll, Leo Castelli Gallery, New York, © Frank Stella
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio