Farbe, Fokus und Feld in den Gemälden von Kenneth Noland

Ein unbeteiligter Beobachter könnte Kenneth Noland als einen Maler von Designs verwechseln. In der Tat drücken die denkwürdigsten Gemälde von Kenneth Noland eine begrenzte Palette von Formen und Mustern aus: Kreise, Zickzacklinien, Rauten, Streifen und Karos. Aber im Gegensatz zu dieser Perspektive war Noland überhaupt nicht an Dingen wie Form und Design interessiert. Der Grund, warum er immer wieder auf dieselben Bilder zurückkam, war, weil er glaubte, dass Wiederholung die Betrachter dazu einladen würde, die Formen und Designs zu ignorieren und sich stattdessen auf sein wahres Interessengebiet zu konzentrieren: das unendliche Potenzial von Farbe und Fläche.

Eine Reise zum Stil

Neben seiner hervorragenden künstlerischen Begabung ist Kenneth Noland auch ein ausgezeichnetes Beispiel für den Wert des G.I. Bill; ein Programm der US-Regierung, das entlassenen Soldaten ermöglicht, kostenlos an einer Universität zu studieren. 1942 trat Noland im Alter von 18 Jahren der US-Luftwaffe bei. Nach seiner Rückkehr nach North Carolina am Ende des Zweiten Weltkriegs nutzte er seine G.I. Bill-Vorteile, um sich an seiner örtlichen Kunstschule einzuschreiben. Diese Schule war das berühmte Black Mountain College, wo viele einflussreiche Lehrer vom Bauhaus hingezogen waren, als ihre Akademie aufgrund von Nazi-Interferenzen geschlossen wurde.

Während seiner Zeit am Black Mountain College studierte Noland bei Ilya Bolotowsky, der ein Schützling von Piet Mondrian, dem Gründer des Neo-Plastizismus, gewesen war. In der Tradition der Neo-Plastizisten setzte sich Bolotowsky für einfache geometrische Muster und reine Farben ein. Noland studierte auch bei Josef Albers, einem führenden modernen Theoretiker und Maler sowie einem leidenschaftlichen Schüler der Farbbeziehungen. Noland nahm die Mentorschaft seiner Lehrer auf und baute auf deren Ideen auf, wobei er ein lebenslanges Interesse an den expressiven Möglichkeiten einfacher Kompositionen aus lebendigen Farben entwickelte.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acryl auf Leinwand. 60 x 60 Zoll. Sammlung von Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Post-Painterly Abstraktion

Zusammen mit Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko und Jules Olitski wurde Kenneth Noland bald mit der Color Field-Bewegung in Verbindung gebracht, einer der künstlerischen Tendenzen, die mit dem bezeichnet werden, was Post-Painterly Abstraction genannt wird. Der Begriff, der 1964 von Clement Greenberg für eine Ausstellung geprägt wurde, die er im Los Angeles County Museum of Art kuratierte, bezieht sich auf einen Trend in der Malerei, der sich von malerischen, impasto Arbeiten weg und hin zu flachen Oberflächen und einem Mangel an sichtbaren Pinselstrichen bewegt.

Obwohl der Begriff Color Field Painting unter einer etwas unklaren Definition leidet, war Kenneth Noland der archetypische Vertreter der Post-Painterly Abstraction. Seine Gemälde wiesen das persönliche Drama des Abstract Expressionism zurück. Sie vereinfachten die Mittel des Malens, lehnten Collage, Assemblage, Fundstücke und andere Komplexitäten ab und setzten stattdessen auf die einfachsten Zutaten: Farbe und Leinwand. Seine Farben waren lebhaft und rein, seine Kompositionen waren direkt und einfach, und seine Bilder wurden eins mit ihren Trägern.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acryl auf Leinwand. 75 x 141 Zoll. © Kenneth Noland

Farbe mit Feld verbinden

Noland schuf seine ersten sogenannten Color Field Paintings um 1956. Sie bestanden aus konzentrischen Ringen farbiger Kreise. Es ist verlockend zu spekulieren, dass diese Gemälde irgendwie mit seinen Erfahrungen im Krieg in Verbindung standen, da sie Zielen ähnelten. Aber in verschiedenen Interviews hat Noland gesagt, dass er das Kreis-Motiv wählte, weil es ein Non-Image war, das das Auge in ein Erlebnis von Farbe ziehen konnte. Aber Farbe war nicht das einzige, worum es in seinen Gemälden ging. Es ging auch darum, die Trennung zwischen einem Gemälde und seiner Oberfläche zu konfrontieren.

Für den Großteil der Kunstgeschichte wurden Gemälde als Bilder betrachtet, die auf vorbereiteten Oberflächen gemalt wurden. Die Fläche, auf der das Gemälde existiert, d.h. die Leinwand, war vorgefertigt, vorgespannt und grundiert. Sie wartete auf das Gemälde, unterstützte es und war vom Bild getrennt. In den Köpfen von Malern wie Noland war diese Trennung ein Nachteil. Anstatt eine freie, ungehinderte Ausdrucksweise zu genießen, war der Künstler durch eine vorbestimmte Unterstützung eingeschränkt oder geleitet, obwohl das resultierende Bild möglicherweise noch unvorstellbar war. Noland wollte das Bild mit der Unterstützung verschmelzen und Farbe mit der Fläche in einer einheitlichen ästhetischen Aussage kombinieren.

Kenneth Noland - Morgenspanne, 1963. Acryl auf Leinwand. 103,7 x 142,5 Zoll. © Kenneth Noland

Das einheitliche expressive Objekt

Noland erhielt seine Offenbarung 1953 in Form eines Studio-Besuchs bei der Malerin Helen Frankenthaler. In ihrem New Yorker Studio hatte Frankenthaler die von ihr genannte Soak-Stain-Technik entwickelt. Anstatt eine vorgefertigte Leinwand zur Vorbereitung auf ein gemaltes Bild zu grundieren, breitete sie rohe Leinwandbahnen auf dem Boden aus und goss dann Farbe direkt auf die ungrundierte Oberfläche. Die Farbe verschmolz mit der Oberfläche und breitete sich auf organische Weise über die Fläche aus, während sie mit dem Stoff verschmolz. Die Farbe und die Unterstützung wurden zu einer Einheit.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Acrylharz auf Leinwand. 98 x 208 Zoll. © Kenneth Noland

Noland übernahm sofort die Frankenthaler Soak-Stain-Technik. Sie bot ihm die Möglichkeit, ein einheitliches Objekt zu schaffen, in das die Farbe eingebettet war. Sie ermöglichte es ihm auch, das Erscheinungsbild von Pinselstrichen zu beseitigen, die als das Zeichen der Persönlichkeit des Künstlers angesehen wurden. Zusammen ermöglichten ihm diese beiden Fortschritte, mit dem Malen zu beginnen, das sich nicht auf die Darstellung von etwas Spezifischem konzentrierte, sondern auf die wesentlichen Elemente, die ihn beschäftigten, wie Farbe, Oberfläche, Textur, Symmetrie und Maßstab.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acryl auf Leinwand. © Kenneth Noland

Zuschneiden

Es ist gut dokumentiert, dass Noland, ebenso wie sein Zeitgenosse Morris Louis, die Soak-Stain-Technik von Helen Frankenthaler übernahm. Aber es gibt eine andere Technik, die Kenneth Noland später in seiner Karriere übernahm und die ebenfalls von Frankenthaler inspiriert gewesen sein könnte. Das ist die Praxis des Zuschneidens. In der Fotografie bedeutet es, ein Bild zuzuschneiden, nur den Teil einer Aufnahme auszuwählen, den man drucken möchte, und nur das zu zeigen, was man mag. Viele Fotos von Frankenthaler in ihrem Atelier zeigen sie, wie sie an riesigen ungespannten Leinwänden arbeitet. Sie schnitt und rahmte ihre Leinwände nach dem Malen, was es ihr ermöglichte, das Bild mit so wenigen Einschränkungen wie möglich zu entwickeln und dann den Bereich auszuwählen, der ihrer Meinung nach das ausdrucksstärkste Objekt ergab. Dies war eine Praxis, die Kenneth Noland ausgiebig nutzte, insbesondere als er begann, geformte Leinwände zu erstellen. Er arbeitete an einer riesigen Leinwand auf dem Boden und schuf Farbkompositionen ohne räumliche Einschränkungen. Dies erlaubte ihm, Farbbeziehungen frei zu erkunden, ohne sich um das Endergebnis zu kümmern. Sobald der Prozess der Schöpfung und Entdeckung abgeschlossen war, konnte er dann das endgültige Bild "herausstempeln", indem er den Bereich auswählte, den er aus unzähligen möglichen Optionen rahmen wollte, was im Grunde genommen ein Bearbeitungsprozess war. Noland sprach in einem Interview von 1977 mit Diane Waldman für Art in America über die Schönheit dieses Prozesses und sagte: "Eine Farbe könnte am Rand eines Bildes oder im Inneren des Raums eines Bildes sein: Die Frage nach oben, unten, links, rechts wurde völlig flexibel, ebenso wie die Frage nach parallel oder vertikal oder horizontal."

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acryl auf Leinwand. © Kenneth Noland

Die Tiefen der Einfachheit

Kenneth Noland schaute gelegentlich zu Bildhauern, um die abstrakte Natur der Farbe zu erkunden. Besonders inspiriert wurde er von dem Bildhauer David Smith, und Noland arbeitete sogar gelegentlich mit dem Bildhauer Tony Caro zusammen, indem er seine Skulpturen malte, nachdem sie gebaut waren. Er tat dies rein aus Neugier und im Geiste des Experimentierens. Er konnte nicht genau ausdrücken, was er zu finden hoffte oder was solche Experimente bedeuten sollten. Er sagte: “Wir neigen dazu, viel Bedeutung, die im Leben nicht verbal ist, abzuwerten. Farbe kann eine gesamte Palette von Stimmung und Ausdruck, von den Erfahrungen eines Menschen im Leben, vermitteln, ohne dass man ihr beschreibende oder literarische Qualitäten geben muss.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Menschen mit einer Vorliebe für das Aufwendige könnten es leicht finden, eine Karriere, die ganz auf Einfachheit und Neugier basiert, abzulehnen. Die Gemälde von Kenneth Noland scheinen in der Tat keinerlei Drama zu enthalten. Und doch sind sie ausdrucksstark. Sie sind wie das Weinen eines Kindes, das Läuten einer Glocke oder der Schrei einer Sirene. Wir erkennen sie sofort für das, was sie sind. Wir wissen, dass sie uns auffordern, zu reagieren, obwohl wir ihren genauen Zweck oder genau wissen, was unsere Reaktion sein soll, möglicherweise nicht verstehen. Aber vielleicht ist, wie bei Glocken, Schreien und Sirenen, eine Reaktion von jedem nicht notwendig.

Titelbild: Kenneth Noland - April (Detail), 1960. Acryl auf Leinwand. 16 x 16 Zoll. © Kenneth Noland
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio