Farbe, Fokus und Feld in den Gemälden von Kenneth Noland

Ein beiläufiger Betrachter könnte Kenneth Noland fälschlicherweise für einen Maler von Mustern halten. Tatsächlich drücken die denkwürdigsten Gemälde von Kenneth Noland eine begrenzte Auswahl an Formen und Mustern aus: Kreise, Winkel, Rauten, Streifen und Karos. Doch entgegen dieser Sichtweise interessierte sich Noland überhaupt nicht für Dinge wie Form und Gestaltung. Der Grund, warum er immer wieder zu denselben Bildern zurückkehrte, war, dass er glaubte, Wiederholung würde die Betrachter dazu einladen, die Formen und Muster zu ignorieren und sich stattdessen auf sein eigentliches Interessengebiet zu konzentrieren: das unendliche Potenzial von Farbe und Fläche.

Eine Reise zum Stil

Neben seiner hervorragenden künstlerischen Begabung ist Kenneth Noland auch ein ausgezeichnetes Beispiel für den Wert des G.I. Bill; ein US-Regierungsprogramm, das entlassenen Soldaten ein kostenloses Studium an Universitäten ermöglicht. 1942 trat Noland im Alter von 18 Jahren der US-Luftwaffe bei. Nach seiner Rückkehr nach North Carolina am Ende des Zweiten Weltkriegs nutzte er seine G.I. Bill-Vorteile, um sich an seiner örtlichen Kunstschule einzuschreiben. Diese Schule war das berühmte Black Mountain College, wo viele einflussreiche Lehrer des Bauhauses Zuflucht gefunden hatten, nachdem ihre Akademie aufgrund nationalsozialistischer Einmischung geschlossen worden war.

Während seiner Zeit am Black Mountain College studierte Noland bei Ilya Bolotowsky, der ein Schützling von Piet Mondrian, dem Begründer des Neoplastizismus, gewesen war. In der Tradition der Neoplastizisten setzte sich Bolotowsky für einfache geometrische Muster und reine Farben ein. Noland studierte auch bei Josef Albers, einem führenden Modernisten-Theoretiker und Maler sowie leidenschaftlichen Forscher der Farbzusammenhänge. Noland nahm die Anleitung seiner Lehrer auf und baute auf deren Ideen auf, wobei er ein lebenslanges Interesse an den Ausdrucksmöglichkeiten einfacher Kompositionen aus lebendigen Farben entwickelte.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acryl auf Leinwand. 152 x 152 cm. Sammlung Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Postmalerische Abstraktion

Zusammen mit Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko und Jules Olitski wurde Kenneth Noland bald mit der Farbflächenbewegung in Verbindung gebracht, einer der künstlerischen Strömungen, die unter dem Begriff Postmalerische Abstraktion zusammengefasst werden. Der Begriff Postmalerische Abstraktion wurde 1964 von Clement Greenberg für eine von ihm kuratierte Ausstellung im Los Angeles County Museum of Art geprägt und bezeichnet eine Entwicklung in der Malerei weg von malerischen, pastosen Werken hin zu flachen Oberflächen und dem Fehlen sichtbarer Pinselstriche.

Obwohl der Begriff Farbflächenmalerei eine etwas unklare Definition hat, war Kenneth Noland der Inbegriff der Postmalerischen Abstraktion. Seine Gemälde lehnten das persönliche Drama des Abstrakten Expressionismus ab. Sie vereinfachten die Malweise, lehnten Collagen, Assemblagen, Fundstücke und andere Komplexitäten ab und setzten stattdessen auf die einfachsten Zutaten: Farbe und Leinwand. Seine Farben waren lebendig und rein, seine Kompositionen direkt und schlicht, und seine Bilder wurden eins mit ihrem Untergrund.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acryl auf Leinwand. 190 x 358 cm. © Kenneth Noland

Verschmelzung von Farbe und Fläche

Noland schuf seine ersten sogenannten Farbflächenbilder um 1956. Sie bestanden aus konzentrischen Ringen farbiger Kreise. Es liegt nahe zu vermuten, dass diese Gemälde in irgendeiner Weise mit seinen Kriegserfahrungen zusammenhingen, da sie Zielen ähnelten. Doch in verschiedenen Interviews sagte Noland, er habe das Kreis-Motiv gewählt, weil es ein Nicht-Bild sei, das das Auge in ein Farberlebnis ziehen könne. Doch Farbe war nicht das einzige Thema seiner Gemälde. Sie handelten auch davon, die Trennung zwischen einem Gemälde und seiner Oberfläche zu überwinden.

In der Kunstgeschichte wurden Gemälde meist als Bilder auf vorbereiteten Flächen betrachtet. Das Feld, auf dem das Gemälde existiert, also die Leinwand, war vorgestrichen, vorgedehnt und grundiert. Es wartete auf das Gemälde, unterstützte es und war vom Bild getrennt. In den Köpfen von Malern wie Noland war diese Trennung ein Nachteil. Statt freier, ungehinderter Ausdrucksfreiheit war der Künstler durch einen vorbestimmten Untergrund eingeschränkt oder gelenkt, obwohl das entstehende Bild noch gar nicht vorgestellt sein mochte. Noland wollte das Bild mit dem Untergrund verschmelzen und Farbe mit Fläche zu einer einheitlichen ästhetischen Aussage verbinden.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acryl auf Leinwand. 263,5 x 362 cm. © Kenneth Noland

Das einheitliche Ausdrucksobjekt

Noland erlebte seine Offenbarung 1953 bei einem Atelierbesuch bei der Malerin Helen Frankenthaler. In ihrem New Yorker Atelier hatte Frankenthaler die sogenannte Soak-Stain-Technik entwickelt. Anstatt eine vorgestrichene, vorgedehnte Leinwand für ein gemaltes Bild vorzubereiten, legte sie rohe Leinwandbahnen auf den Boden und goss die Farbe direkt auf die ungrundierte Oberfläche. Die Farbe verschmolz mit der Oberfläche, breitete sich organisch über den Stoff aus. Farbe und Untergrund wurden zu einer Einheit.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Acrylharz auf Leinwand. 249 x 529 cm. © Kenneth Noland

Noland übernahm sofort die Soak-Stain-Technik von Frankenthaler. Sie gab ihm die Möglichkeit, ein einheitliches Objekt zu schaffen, in das die Farbe eingebettet war. Außerdem ermöglichte sie ihm, das Auftreten von Pinselstrichen zu vermeiden, die als Zeichen der Persönlichkeit des Künstlers galten. Zusammen erlaubten ihm diese beiden Fortschritte, Gemälde zu schaffen, die sich nicht auf die Darstellung von etwas Bestimmtem konzentrierten, sondern auf die wesentlichen Elemente, die ihn beschäftigten, wie Farbe, Oberfläche, Struktur, Symmetrie und Maßstab.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acryl auf Leinwand. © Kenneth Noland

Beschneiden

Es ist gut dokumentiert, dass Noland sowie sein Zeitgenosse Morris Louis die Soak-Stain-Technik von Helen Frankenthaler übernahmen. Doch es gibt eine weitere Technik, die Kenneth Noland später in seiner Laufbahn annahm und die ebenfalls von Frankenthaler inspiriert sein könnte: das Beschneiden. In der Fotografie bedeutet das Beschneiden eines Bildes, nur den Teil einer Aufnahme auszuwählen, den man drucken möchte, und nur das zu zeigen, was einem gefällt. Viele Fotos von Frankenthaler in ihrem Atelier zeigen sie bei der Arbeit an riesigen, ungespannten Leinwänden. Sie schnitt und rahmte ihre Leinwände nach dem Malen zu, was ihr erlaubte, das Bild mit möglichst wenigen Einschränkungen zu entwickeln und dann den Bereich auszuwählen, der das ausdrucksstärkste Objekt ergab. Diese Praxis nutzte Kenneth Noland ausgiebig, besonders als er begann, geformte Leinwände herzustellen. Er arbeitete auf einer riesigen Leinwand auf dem Boden und schuf Farbkompositionen ohne räumliche Begrenzungen. So konnte er Farbzusammenhänge frei erforschen, ohne sich um das Endergebnis zu sorgen. Sobald der Schaffens- und Entdeckungsprozess abgeschlossen war, konnte er dann das endgültige Bild „ausschneiden“, indem er den Bereich auswählte, den er rahmen wollte, aus unendlich vielen möglichen Optionen – im Grunde ein Bearbeitungsprozess. Noland sprach in einem Interview von 1977 mit Diane Waldman für Art in America über die Schönheit dieses Prozesses und sagte: „Eine Farbe konnte am Rand eines Bildes oder im Inneren des Bildraums sein: die Frage von oben, unten, links, rechts wurde völlig flexibel, ebenso wie die Frage von parallel, vertikal oder horizontal.“

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acryl auf Leinwand. © Kenneth Noland

Die Tiefen der Schlichtheit

Kenneth Noland wandte sich von Zeit zu Zeit Bildhauern zu, um die abstrakte Natur der Farbe zu erforschen. Besonders inspiriert wurde er vom Bildhauer David Smith, und gelegentlich arbeitete Noland sogar mit dem Bildhauer Tony Caro zusammen, indem er dessen Skulpturen nach deren Fertigstellung bemalte. Er tat dies rein aus Neugier und im Geist des Experimentierens. Er konnte nicht genau ausdrücken, was er zu finden hoffte oder was solche Experimente bedeuten sollten. Er sagte: „Wir neigen dazu, viele Bedeutungen, die im Leben nonverbal ablaufen, zu unterschätzen. Farbe kann eine ganze Bandbreite von Stimmung und Ausdruck vermitteln, von den Erfahrungen im Leben, ohne dass sie beschreibende oder literarische Eigenschaften haben muss.“

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Menschen mit einer Vorliebe für das Ausgefeilte könnten es leicht finden, eine Laufbahn, die ganz auf Schlichtheit und Neugier beruht, abzutun. Kenneth Nolands Gemälde scheinen tatsächlich keinerlei Dramatik zu enthalten. Und doch sind sie ausdrucksstark. Sie sind wie das Weinen eines Kindes, das Läuten einer Glocke oder das Heulen einer Sirene. Wir erkennen sie sofort als das, was sie sind. Wir wissen, dass sie uns zur Reaktion auffordern, auch wenn wir ihren genauen Zweck oder die genaue Art unserer Reaktion nicht verstehen. Aber vielleicht ist, wie bei Glocken, Schreien und Sirenen, eine Reaktion von allen nicht notwendig.

Titelbild: Kenneth Noland - April (Detail), 1960. Acryl auf Leinwand. 40,6 x 40,6 cm. © Kenneth Noland
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio