Fünf bemerkenswerte Skulpturen von Anthony Caro

Als er 2013 starb, galt Anthony Caro als der einflussreichste britische Bildhauer seiner Generation. Sein Einfluss beruhte sowohl auf seiner Arbeit als auch auf seiner Lehrtätigkeit. Von 1953 bis 1981 unterrichtete er zweimal pro Woche an der St Martin's School of Art in London. Dort war eine seiner wichtigsten Neuerungen, Bildhauerei- und Zeichenunterricht zu verbinden und den Schwerpunkt der Lektionen vom bloßen Abzeichnen von Motiven hin zum „Verstehen“ zu verlagern. Dieselbe Sichtweise prägte auch seine Arbeit als Künstler. Anfangs kopierte er seine Skulpturen nach der Natur. Er formte seine frühen Werke oder schnitzte sie aus Stein und stellte sie auf traditionelle Weise auf Sockel. Doch 1960 änderte er abrupt seinen Stil und fertigte nicht-figurative, abstrakte Skulpturen aus Metall an, die er direkt auf den Boden stellte. Anstatt diese Werke als von ihrer Umgebung getrennt wahrzunehmen, fühlten sich die Betrachter mit dem Werk verbunden und konnten sogar darum herumgehen und die Veränderungen seines Aussehens aus verschiedenen Blickwinkeln erleben. Sein Ziel, das abstrakte Wesen seiner Motive zu verstehen und auszudrücken, führte ihn auch zu der Erkenntnis, dass er gefundene Gegenstände und Materialien in seine Arbeit einbeziehen sollte. Diese, so empfand er, sind die Dinge des modernen Alltagslebens. Die darin enthaltene innere Bedeutung spricht moderne Betrachter eindrucksvoll an. Caros Entwicklung als Künstler machte ihn zu einer perfekten Brücke zwischen Künstlern wie Marcel Duchamp, der erstmals Alltagsgegenstände zu Skulpturen zusammensetzte, und zeitgenössischen Künstlern wie Jessica Stockholder, die dieses Konzept zu groß angelegten Wahrnehmungserlebnissen erweitern, die das Verhältnis des Menschen zum Raum neu definieren. Das Vermächtnis, das Caro hinterließ, ist eines unermüdlicher Erfindungskraft, und hier sind fünf seiner bemerkenswertesten Werke:

Frau beim Erwachen (1955)

Caro lernte das Bildhauen nach der Natur während seines Studiums an der Royal Academy in London. Er wurde darin unterwiesen, die Skulpturen griechischer, römischer und etruskischer Künstler direkt zu kopieren. Nach seinem Abschluss zog er von London nach Hertfordshire, wo er berüchtigt den großen Modernisten und biomorphen Bildhauer Henry Moore telefonisch kontaktierte und um eine Stelle als dessen Atelierassistent bat. Moore lehnte ab, sagte ihm aber, er solle in sechs Monaten wiederkommen. Caro tat dies und erhielt eine Anstellung. Trotz seines Respekts vor Moore hatte Caro Schwierigkeiten mit seiner akademischen Ausbildung und dem Einfluss, den Moore auf ihn ausübte. Als Caro 1956 seine erste Einzelausstellung erhielt, sind diese beiden Einflüsse deutlich erkennbar, besonders in der meistbeachteten Skulptur der Ausstellung: „Frau beim Erwachen“ (1955). Die Haltung der Frau ähnelt unbestreitbar den liegenden weiblichen Formen, die Moore schuf, während die heroischen körperlichen und emotionalen Eigenschaften des Werks viele klassische Bezüge hervorrufen.

Vierundzwanzig Stunden (1960)

Trotz seines inneren Kampfes, eine eigene Stimme zu finden, wurden die figurativen Skulpturen, die Caro schuf, vom Publikum gut aufgenommen. Eine wurde auf der Biennale von Venedig 1958 ausgestellt, eine andere gewann den Skulpturenpreis auf der Biennale von Paris 1959. Der Ruhm brachte ihn jedoch auch mit einflussreichen abstrakten Künstlern aus den Vereinigten Staaten in Kontakt, wie Helen Frankenthaler, Kenneth Noland und Robert Motherwell. Der Austausch mit ihnen nährte seinen eigenen instinktiven Drang zur Abstraktion und gab ihm das Selbstvertrauen, einen dramatischen Stilwechsel vorzunehmen. Sein neuer Ansatz zeigte sich erstmals 1960 mit „Vierundzwanzig Stunden“. Der Erfolg dieses Werks veranlasste ihn, seinen Lehrplan radikal zu überarbeiten und brachte ihn an die Spitze der britischen akademischen Avantgarde.

Frühmorgens (1962)

1963 veranstaltete die Whitechapel Gallery in London eine Einzelausstellung mit fünfzehn abstrakten Skulpturen von Caro, die ihn zu internationalem Ruhm katapultierte. Für viele Betrachter wirkte der Innenraum der Galerie, als ob dort gerade gebaut würde – Metallformen schienen verstreut und warteten auf eine äußere Hülle. Auffällig unter den anderen Formen saß eine große, leuchtend rote Assemblage aus Stahl und Aluminium mit dem Titel „Frühmorgens“ (1962). Formen, Linien und Winkel trafen sich zu dieser undefinierbaren Gestalt: eindeutig das Ergebnis geistiger Entscheidungen; bewusste Wahl, kein Zufall. Jede Perspektive, aus der das Werk betrachtet wird, eröffnet neue Möglichkeiten. Es ist keine Stütze für eine andere Struktur, sondern eine Stütze für eine esoterische Reise, deren Zweck einfach darin besteht, zu schauen und zu träumen.

Gelbe Schaukel (1965)

Als Caro 1959 erstmals nach Amerika reiste, war eine der einflussreichsten Begegnungen die mit dem Bildhauer David Smith, einem abstrakten Expressionisten, der bereits mit geschweißtem Metall arbeitete. Smith und Caro wurden sowohl Freunde als auch Konkurrenten. Caro schuf die Skulptur „Gelbe Schaukel“ (1965) im Jahr von Smiths tödlichem Autounfall. Die vielschichtigen Eigenschaften des Werks erlauben scheinbar endlose visuelle Interpretationen, wenn der Betrachter sich darum bewegt. Leerraum wird in die Komposition einbezogen und übt mitunter eine wahrnehmungsbestimmende Wirkung auf die festen Materialien aus. Die lebhafte Farbgebung drückt den Wunsch aus, von dem Caro einst sprach, dass er und seine Zeitgenossen irgendwie als Erben des Geistes des Impressionismus gesehen werden könnten – als Bewahrer einer revolutionären experimentellen Haltung.

Emma Dipper (1977)

1977 geriet Caro in eine Zwangslage, als er feststellte, dass er von dem abgelegenen Atelier in Saskatchewan, Kanada, wo er vorübergehend arbeitete, nicht auf seine üblichen Materialien zugreifen konnte. Er passte seine Arbeitsweise an und verwendete das dort lokal für landwirtschaftliche Zwecke genutzte dünne Metall. „Emma Dipper“ (1977), oben abgebildet, war die erste Skulptur, die er aus diesem Material fertigte. Sie ist nach dem Emma Lake benannt, an dessen Ufer sich sein Atelier befand. Das Werk wurde als bescheiden beschrieben, da es die Skulptur selbst in den Hintergrund rückt. Die dünnen Metalllinien treten hinter die Formen zurück, die sie aus den Leerstellen innerhalb und um das Werk herum bilden. Die Skulptur ist wie die Verkörperung des taoistischen Rätsels, dass ein Gefäß nur eine leere Form ist, doch gerade die Leere darin nützlich ist.

Titelbild: Sir Anthony Caro – Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Bemalter Stahl Sammlung. Mit freundlicher Genehmigung von Barford Sculptures Ltd

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio