Josef Albers und Die Interaktion von Farbe

Im Verlauf der Geschichte des Modernismus hat ein fortwährender Dialog zwischen Künstlern versucht zu klären, welches das wichtigste Element der Malerei ist. Manche sagen die Form. Manche sagen die Linie. Manche sagen die Oberfläche. Manche sagen das Thema. Durch seine Kunst, seine Schriften und seine einflussreichen Lehrtätigkeiten widmete Josef Albers fast seine gesamte Laufbahn der Erforschung der These, dass die Farbe das wichtigste Element der Malerei ist. Seine Forschungen beeinflussten den Minimalismus, die Farbfeldmalerei, den abstrakten Expressionismus, die Op-Art und inspirieren weiterhin eine neue Generation abstrakter Künstler. Obwohl Albers 1976 verstarb, gilt sein grundlegendes Buch zu diesem Thema, Die Wechselwirkung der Farbe, noch immer als der wichtigste Text für junge Künstler, die die komplexen Wege verstehen wollen, auf denen das menschliche Auge Farbe wahrnimmt.

Josef Albers und das Bauhaus

Albers wurde 1888 geboren und war zunächst Lehrer, bevor er professioneller Künstler wurde. Er begann seine Laufbahn damit, eine allgemeine Unterrichtsklasse für Grundschüler in der Nähe der kleinen deutschen Stadt, in der er aufwuchs, zu unterrichten. 1919 eröffnete das Bauhaus in Weimar, Deutschland, und bot eine Ausbildung an, wie sie zuvor nie angeboten worden war. Die Gründer des Bauhauses wollten einen Ort schaffen, an dem Künstler und Gestalter gemeinsam ausgebildet werden, um eine Perspektive auf eine Gesamtkunst zu entwickeln. Albers schrieb sich im folgenden Jahr, 1920, im Bauhaus ein, als er 32 Jahre alt war. Fünf Jahre später wurde er der erste Schüler, der eingeladen wurde, als Meisterlehrer am Bauhaus zu unterrichten.

Josef Albers - Studie für Tenayuca, 1940, Bleistift auf Papier, 15 × 29 cm, Sammlung SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Während seiner Zeit am Bauhaus entwickelte Albers nicht nur seine Sicht auf die Kunstschaffung, sondern auch auf die Kunstlehre. Obwohl er selbst sehr auf Technik fokussiert war, erkannte er, dass er seine Unterrichtszeit nicht mit der Vermittlung von Technik verbringen würde. Stattdessen entschied er sich, eine Denkweise über Kunst zu lehren. Er verfolgte einen durchdachten, wissenschaftlichen Ansatz in seiner Kunst und glaubte, dass das Wichtigste, was er den Schülern geben konnte, eine neue Sichtweise auf die Welt war. Sein erklärtes Ziel als Lehrer war es, „Augen zu öffnen“.

Als das Bauhaus 1933 unter dem Druck der Nationalsozialisten geschlossen wurde, kam Albers nach Amerika und unterrichtete am neu eröffneten Black Mountain College in North Carolina. 1950 verließ er diese Stelle und übernahm die Leitung der Designabteilung an der Yale-Universität. Unter seinen Schülern waren mehrere, die zu den einflussreichsten Künstlern des 20. Jahrhunderts wurden, darunter Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Eva Hesse und Cy Twombly.

Josef Albers - Tenayuca, 1943, Öl auf Masonit, 57 × 110 cm, Sammlung SFMOMA. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Die Wechselwirkung der Farbe

Eine der häufigsten Kritiken, die viele Künstler, Kritiker und Betrachter an Albers richteten, war, dass seine Werke unpersönlich wirken. Der Grund dafür liegt zweifellos in Albers’ wissenschaftlichem Zugang zu seiner Kunst. So schreibt er beispielsweise auf der Rückseite vieler seiner Werke genau die Farben auf, die das Werk verwendet. Doch in Albers’ Arbeiten steckt auch große emotionale Tiefe und eine Menge Psychologie. Albers interessierte sich für die Art und Weise, wie Farben miteinander wechselwirken und welche Wirkung diese Wechselwirkung auf die menschliche Wahrnehmung hat. Eine seiner wichtigsten Entdeckungen war, dass Menschen leicht anfällig für Täuschungen sind, was er durch seine Kunst leicht nachweisbar fand.

1963 schrieb Albers während seiner Zeit an der Yale-Universität ein Buch mit dem Titel Die Wechselwirkung der Farbe, das all seine Entdeckungen über die Wechselwirkung von Farben in genauester Ausführung darlegt. Das Buch enthält detaillierte Lektionen, Experimente und Grafiken, die erklären, wie bestimmte Farben andere neutralisieren oder verändern, wie Licht den Farbton beeinflusst und wie das, was er das „normale menschliche Auge“ nannte, bestimmte Farbphänomene aufgrund seiner Wahrnehmungsgrenzen nicht erfassen kann. Betrachtet man dieses Buch auf einer gedanklichen Ebene, so geht es, wie bei seinen Gemälden, weniger um Farbe als vielmehr darum, dass Menschen in ihrer Wahrnehmung begrenzt sind und Künstler, die diese Grenzen verstehen, möglicherweise den Wahrnehmungsbereich derjenigen erweitern können, die ihre Werke betrachten.

Hommage an das Quadrat

Neben seinen Schriften über Farbe widmete Albers 27 Jahre seines Lebens der Schaffung einer Gemäldereihe namens Hommage an das Quadrat. Diese Reihe veranschaulichte seine Farbtheorie durch die Erforschung verschiedenfarbiger Quadrate. Indem er eine einzige geometrische Form immer wieder verwendete, konnte er die große Bandbreite an Wahrnehmungsphänomenen untersuchen, die allein durch das Nebeneinanderstellen verschiedener Farben innerhalb eines begrenzten räumlichen Rahmens erzielt werden konnten.

Als Albers 1949 mit seinen Hommage an das Quadrat-Gemälden begann, wurden diese von Künstlern weitgehend ignoriert. Die Kunstwelt wurde damals von monumentalen, gestischen Action-Gemälden beherrscht. Albers’ Gemälde waren im Vergleich dazu sehr klein und so kontrolliert. Sie waren gestaltet. Albers definierte Gestaltung einmal als „planen und ordnen, ordnen, in Beziehung setzen und kontrollieren. Kurz gesagt, es umfasst alle Mittel, die Unordnung und Zufall entgegenwirken.“ In einer Zeit, in der der abstrakte Expressionismus vorherrschte, galten gestaltete, scheinbar emotionslose Gemälde als Ketzerei.

In den 1960er Jahren holte die Kunstwelt Albers ein, und er wurde als Künstler ebenso respektiert wie bereits als Lehrer, Schriftsteller und Philosoph. Ein Teil dieses Respekts kam durch eine Reihe von Aufträgen für großflächige öffentliche Arbeiten, teils als architektonische Elemente, teils als Wandgemälde. Eines der frühesten architektonischen Werke Albers’ war eine Wand, die er für das Harkness Commons Graduate Center der Harvard-Universität schuf. Seine Wandgemälde umfassten Arbeiten für das Time and Life Building im Rockefeller Center in New York, das Pan Am Center und das Corning Glass Building. 1971, im Alter von 83 Jahren, wurde Albers der erste lebende Künstler, der mit einer Einzelausstellung im Metropolitan Museum of Art in New York geehrt wurde.

Josef Albers - Brick, 1950, 2,3 × 2,5 m, Harkness Commons Graduate Center, Harvard University. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Ein bleibender Eindruck

Früh in seiner Ausbildung wurde Albers tief bewegt von den Impressionisten, besonders den Pointillisten, die den „Eindruck“ von Farbe erforschten, der entsteht, wenn Komplementärfarben nebeneinander in kleinen Punkten gesetzt werden, anstatt die Farben vorher zu mischen. In einem Gedicht, das er an einen Freund über die Gewohnheit der Menschen schrieb, der Masse zu folgen statt selbst zu denken, schrieb Albers einmal: „Jeder spürt seinen Platz durch seinen Nachbarn.“ Wie ein impressionistisches Gemälde aus der Ferne betrachtet, sah Albers die Gesellschaft als viele Einzelne, die sich zu einem gemeinsamen Bild vermischen.

Er widmete sein Leben einem einzigartigen Weg, isolierte seine eigene Sicht und blieb ihr treu. Indem wir studieren, was er über die Wirkung einzelner Farben aufeinander und über die Fähigkeit der Menschen, durch Täuschung getäuscht zu werden, gelernt hat, können wir nicht nur seine Kunstwerke und seine Lehren über das Malen schätzen, sondern auch etwas Grundlegendes über uns selbst.

Abgebildetes Bild: Josef Albers - Portale, Time Life Building, 1961. © The Josef and Anni Albers Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio