Der abstrakte Charakter der Typografie-Kunst
Bestimmte Illusionen müssen aufrechterhalten werden, damit die Zivilisation fortbestehen kann. Zum Beispiel hat modernes Geld keinen inneren Wert. Wir bewahren die Illusion des Geldwertes, um die Gesellschaft auf verlässliche Weise zu strukturieren. Sprache ist ebenfalls abstrakt. Laute und Zeichen bedeuten das, worauf wir uns einigen. Typografiekunst ist eine Möglichkeit, wie Künstler diese Abstraktionen erforschen, die unserer Kultur innewohnen. Sie stellt unsere anerkannten Vorstellungen davon, was bedeutungsvoll und was bedeutungslos ist, infrage, indem sie geschriebene Sprache aus ihrem üblichen Zusammenhang heraus präsentiert, auf unheimliche Weise oder in ungewöhnlicher oder unerwarteter ästhetischer Gegenüberstellung. Von Kubismus über Dada bis hin zu Konzeptkunst, Popkunst und darüber hinaus hat die Typografiekunst seit über 100 Jahren unsere Verwendung geschriebener Zeichen untersucht. Sie hat die Grenzen und Möglichkeiten dessen erweitert, was wir unter Sprache verstehen und was wir glauben, dass sie erreichen kann.
Kubistische Typografiekunst
Eines der ersten Beispiele moderner Typografiekunst ist Pablo Picassos Stillleben mit Stuhlgeflecht, geschaffen 1912. Dieses ikonische Werk gilt auch als Picassos erste Collage und markiert den Beginn des synthetischen Kubismus. Das Werk erinnert an die Oberfläche eines Café-Tisches und enthält Elemente eines Trinkglases, einer Pfeife, einer Zeitung und eines Café-Stuhls, unter anderem. Neben seiner Bedeutung für die Entwicklung des Kubismus ist es auch ein Schlüssel zum Verständnis typografischer Abstraktion. Das Werk enthält drei gemalte Buchstaben, die scheinbar das Wort „JOU“ bilden, was auf Französisch „Spiel“ bedeuten kann. Oder JOU könnte Teil des Ausdrucks „Le Journal“ sein, dem Namen der damals meistgelesenen Zeitung in Paris.
Da die Bildsprache in Stillleben mit Stuhlgeflecht auf eine Zeitung anspielt, könnte Picasso leicht beabsichtigt haben, auf Le Journal zu verweisen. Andererseits könnte der Text auch ein spielerischer Hinweis auf visuelle oder gedankliche Spiele sein. Eine weitere Möglichkeit ist, dass die Verwirrung zwischen diesen Deutungen eine bewusste Aussage Picassos über die Nachrichtenmedien und deren Neigung war, Bedeutung und Absicht in ihren Berichten zu vermischen. In jedem Fall geht es nicht darum, Picassos Absicht zu identifizieren. Es geht darum, die Unklarheit anzuerkennen. Die ganze Frage nach der Bedeutung der typografischen Elemente des Werks kennzeichnet es als Symbol für die Geburt der modernen typografischen Abstraktion.
Francis Picabia - Dame! Illustration für das Titelblatt der Zeitschrift Dadaphone Nr. 7, Paris, März 1920
Dada-Kunst und Typografie
Betrachten wir ein Titelbild, das Picabia 1920 für die dadaistische Zeitschrift Dadaphone gestaltete. Das Bild trägt den Titel „Dame!“ Es zeigt ein abstrahiertes Bild einer Spirale und mehrere Textbereiche. Die vollständige Übersetzung des Textes lautet: „Fleisch, das zu viel getrunken hat, ist ein neapolitanisches Rindfleisch“, „die Hände im kanonischen Mist“, „flickt ihr Bett“ und „die Zugbrücke der Dame“. Die Bedeutung der Worte ist ebenso unklar wie die der Spirale. Soll das Bild eine Schraube darstellen? Ist es etwas Verspieltes, wie Konfetti? Ist es ein Bild des technischen Fortschritts? Ist es eine Botschaft der Verzweiflung oder des Fortschritts? Der Text trägt nichts zur Klärung der Bedeutung bei, sondern fügt Ebenen der Abstraktion hinzu, die das Gegenteil dessen bewirken, was Picabia als Zweck der Sprache als Medium verstand, nämlich Klarheit.
Jasper Johns und Typografie
In den 1950er Jahren wurde der Maler Jasper Johns bekannt für seine abstrakte Verwendung ikonischer kultureller Symbole, oft einschließlich typografischer Zeichen. Johns eignete sich symbolische Formen wie die amerikanische Flagge und ein Zielscheibe an und erforschte sie so, dass sie als abstrakte Formen neu kontextualisiert wurden, statt als bedeutungsvolle Symbole, losgelöst von ihrer kulturellen Bedeutung. Johns vermied es, die Bedeutung oder den Zweck seiner Werke zu erklären, und deutete an, dass er sie vom Betrachter „vollendet“, also interpretiert sehen wollte.
Joseph Kosuth - Eins und Drei Stühle, 1965, © 2017 Joseph Kosuth / Artists Rights Society (ARS), New York City
Johns verwendete bekanntlich das englische Alphabet sowie arabische Ziffern in einer großen Anzahl seiner Werke. Er nutzte diese typografischen Elemente als scheinbar bedeutungsloses Sujet für Gemälde, die eher formale Qualitäten wie Oberfläche, Struktur, Dreidimensionalität und Malweise betonten als etwas Darstellendes. Er bezog auch Wörter ein, wie Farbnamen, malte sie ein und stellte sie neben andere Farben, wodurch die Bedeutung der Wörter verwirrt wurde. Diese typografischen Werke stellten die Frage, ob Typografie ein Werkzeug zur Kommunikation ist oder einfach eine Sammlung von Formen, die abstrakt verwendet werden können, so wie geometrische Abstrakte Kreise, Quadrate, Kreuze und Dreiecke malten.
Andy Warhol - Campbell’s Suppendosen, 1962, synthetische Polymerfarbe, cm x 41 cm, Museum für Moderne Kunst, New York City, © 2017 Andy Warhol Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York City
Konzeptkunst, Popkunst und Typografie
Johns’ Werk beeinflusste Andy Warhol, der bekanntlich symbolische und typografische Elemente in seinen Werken kombinierte. Warhols Campbell’s Suppendosen, geschaffen 1962, bestanden aus 32 einzelnen Drucken, die jeweils eine der 32 Suppensorten darstellten, die die Campbell Company damals anbot. Diese Werke waren flach, maschinell hergestellt und verwendeten scheinbar irrelevantes Sujet. Der Text vermittelte nichts außer kommerzieller Markenkennzeichnung. Durch diese abstrahierte Verwendung typografischer Bilder stellte Warhol Fragen nach der Bedeutung oder Bedeutungslosigkeit sowohl der Konsumkultur als auch der Kunst.
Jasper Johns beeinflusste auch Konzeptkünstler wie Joseph Kosuth. Kosuth verwendete Typografie als ein Drittel seines berühmten Werks Eins und Drei Stühle, geschaffen 1965. In diesem Werk präsentierte Kosuth zusammen ein Foto eines Stuhls, einen echten Holzstuhl und eine schriftliche Beschreibung eines Stuhls. Das Werk deutete an, dass alle drei Elemente nicht einen Stuhl, sondern die Idee eines Stuhls repräsentieren. Nur eines der Objekte war als Stuhl funktional. Das Foto und die typografische Beschreibung waren beide Abstraktionen.
Guerrilla Girls - Müssen Frauen nackt sein, um ins Met Museum zu kommen? 1989, Siebdruck auf Papier, 280x710mm, © Guerrilla Girls
Form und das gemalte Wort
Heutige Künstler verwenden oft Text, häufig mit der Absicht, dass er wörtlich genommen, gelesen und verstanden wird. Zum Beispiel die Guerrilla Girls, ein Kollektiv weiblicher Künstlerinnen, die nicht-abstrakte typografische Botschaften als integralen Bestandteil ihrer Kunst für soziale Gerechtigkeit nutzen.
Die abstrakte Verwendung von Typografie in der Kunst verfolgt eine andere Mission der sozialen Gerechtigkeit, eine ohne klares Ziel. Durch typografische Abstraktion stellen Künstler nicht ein bestimmtes kulturelles Ideal in Frage. Sie hinterfragen das gesamte Konzept der Kommunikation. Während unsere Gesellschaften komplexer werden, verkompliziert unsere Verwendung von Typografie oft nur die Dinge für die breite Masse, während Betrachter, die gelernt haben, die verborgenen Botschaften zu entschlüsseln, Geheimnisse im offenen Blick teilen. Abstrakte Typografiekunst hinterfragt den Wert und die Objektivität geschriebener Sprache und fragt, ob etwas Wesentlicheres, das wir auf intuitivere Weise kommunizieren könnten, verloren geht.
Titelbild: Pablo Picasso - Stillleben mit Stuhlgeflecht, 1912, Öl und Mischtechnik auf Ölzeug, 11 2/5 × 14 3/5 Zoll, Musée National Picasso, Paris, Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY Foto: R.G. Ojeda / Picasso, Pablo (1881-1973) © Artists Rights Society (ARS), New York City
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
