Synthetischer Kubismus Erklärt - Ebenen, Formen und Blickwinkel

Pablo Picasso, der Vater des Kubismus, war berühmt für seine Bereitschaft zur Weiterentwicklung. Nachdem er 1907 den Analytischen Kubismus erfunden hatte, hätte er einfach jahrzehntelang in diesem Stil weiter malen können und wäre trotzdem reich und berühmt geworden. Aber stattdessen experimentierte er weiter und half, was als Synthetischer Kubismus bekannt wurde, im Jahr 1911 zu erfinden, indem er dem Analytischen Kubismus eine erweiterte Farbpalette, neue Texturen, einfachere Formen, neue Materialien hinzufügte und die Verwendung von Blickwinkel und Ebene vereinfachte. Von der Zeit seiner Erfindung bis etwa 1920 galt der Synthetische Kubismus als Höhepunkt der Avantgarde. Er erweiterte die Möglichkeiten, wie Maler die Realität erkunden konnten, und trug zum Aufstieg der Dadaisten, der Surrealisten und sogar der Pop Art bei.

Der synthetische Kubismus ist eine Kunstbewegung, die in den frühen 1910er Jahren entstand und eine Weiterentwicklung des analytischen Kubismus darstellt. Während der analytische Kubismus sich auf die Zerlegung von Objekten in geometrische Formen konzentrierte, kombiniert der synthetische Kubismus verschiedene Elemente, um neue Kompositionen zu schaffen. Künstler wie Pablo Picasso und Georges Braque experimentierten mit Collage-Techniken, indem sie verschiedene Materialien wie Papier, Stoff und Farbe in ihre Werke integrierten. Diese Methode ermöglichte es den Künstlern, die Realität auf eine neue Weise darzustellen, indem sie verschiedene Perspektiven und Dimensionen in einem einzigen Bild vereinten. Der synthetische Kubismus betont die Flachheit der Leinwand und die Verwendung von kräftigen Farben und Mustern. Die Werke dieser Zeit sind oft lebhaft und dynamisch, was die Energie und den Geist der modernen Welt widerspiegelt. Diese Bewegung hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Entwicklung der modernen Kunst und inspirierte viele nachfolgende Strömungen, einschließlich der abstrakten Kunst. Der synthetische Kubismus bleibt ein wichtiger Bestandteil der Kunstgeschichte und wird weiterhin von Kunstliebhabern und -kritikern geschätzt.

Der synthetische Kubismus entstand aus einem Abkehr von genau diesen Techniken, in dem Versuch, etwas noch Reales zu schaffen. Picasso, Braque und der Maler Juan Gris fügten ihren Werken eine lebendige Farbpalette hinzu, führten Tiefe wieder ein und verringerten die Anzahl der gleichzeitigen Perspektiven und Ebenen in ihren Bildern. Am wichtigsten ist, dass sie, um ihren Gemälden das ultimative Gefühl von Realität zu verleihen, begannen, Papier, Stoff, Zeitungsdruck, Text und sogar Sand und Erde in ihre Werke einzufügen, um das totale Gefühl der Essenz ihres Themas zu vermitteln.

Pablo Picasso - Stillleben mit Stuhlgeflecht, 1912, Öl auf Öltuch über Leinwand mit Seilrand, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Neue Materialien und Techniken

Im Jahr 1912 schuf Picasso das Kunstwerk, das als das erste Beispiel für Collage gilt und ein prägendes Beispiel für den synthetischen Kubismus ist: Stillleben mit Stuhlgeflecht. Das Werk ist eine kubistische Darstellung eines Café-Tisches mit einer Auswahl an Lebensmitteln, einer Zeitung und einem Getränk. Neben traditionellen Medien fügte Picasso der Oberfläche des Gemäldes einen Abschnitt des Korbstuhlgeflechts hinzu, das traditionell auf Café-Stühlen zu finden war. Diese scheinbar triviale Ergänzung hatte enorme Konsequenzen für die moderne Kunst. Anstatt einen Stuhl zu malen, wurde tatsächlich ein Teil eines Stuhls auf das Gemälde gelegt. Anstatt etwas aus mehreren Perspektiven zu zeigen, um es real erscheinen zu lassen, legte Picasso einfach das tatsächliche Objekt, oder zumindest einen Teil davon, direkt auf das Werk.

Picasso fügte diesem Werk auch Text hinzu und schrieb die Buchstaben „JOU“ über einen Teil der Oberfläche. Dieses Wort „Jou“ könnte wörtlich als „Spiel“ auf Französisch übersetzt werden, eine Tatsache, die zu dem Gefühl vieler Menschen beigetragen hat, dass Picasso beabsichtigte, dem Synthetic Cubism eine gewisse Frivolität zurück in die Kunst zu bringen, nach der akademischen Ernsthaftigkeit des Analytic Cubism. Allerdings könnte „JOU“ auch leicht als der erste Teil des französischen Begriffs für Tageszeitung oder Journal gemeint gewesen sein, ein Verweis auf das Fragment einer Zeitung, das im Bild zu sehen ist.

Obwohl er mit dem Hinzufügen dieses kleinen Stuhlschnürens zu seinem Werk einen ersten Erfolg erzielte, war Picasso nicht der erste Kubist, der Text zu einem Gemälde hinzufügte. 1911 hatte Georges Braque ein Werk mit dem Titel Der Portugiese geschaffen, das das erste kubistische Werk war, das Buchstaben einführte. Sowohl Picassos erste Collage als auch Braques erstes Textwerk zeigen einen Wandel weg von der ernsten und übermäßig komplexen Natur einiger ihrer späteren analytischen kubistischen Werke. Es gibt eine verspielte Einfachheit in den Bildern dieser Kunstwerke. Die Perspektiven sind vereinfacht und die Bilder werden fast verspielt, ähnlich den anthropomorphen Bildern in Werbeanzeigen.

Georges Braque - Der Portugiese, 1911, Öl auf Leinwand, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Im Jahr 1912 würde Braque mindestens zwei weitere Male Neuland betreten. In diesem Jahr wurde er der erste kubistische Maler, der Sand zu einem Gemälde hinzufügte, um dem Werk Ebenen von Textur und Tiefe zu verleihen, und er wurde auch der erste, der die Technik namens papier collés einführte, die sich auf das Bekleben von ausgeschnittenen Papierstücken auf eine Oberfläche bezieht. Beide Techniken wurden in seinem Werk mit dem Titel "Obstschale und Glas" verwendet. In diesem Gemälde brachte er ausgeschnittene Stücke Tapete direkt auf die Oberfläche an und schattierte das Stück dann mit Farbe, die mit Sand gefüllt war, wodurch Tiefe und Textur des Bildes hinzugefügt wurden.

Braque fügte auch Text in dieses Werk ein, indem er die klar definierten und leicht lesbaren Wörter „Ale“ und „Bar“ verwendete. Diese Wörter stellen die Grenzen zwischen Werbebildern und sogenannter Hochkunst in Frage. Die Kombination all dieser drei Techniken sollte sich schließlich als ein großer Einfluss auf die Dadaisten erweisen, die stark auf Collage und Text angewiesen waren, um die offensichtlichen Bedeutungen in ihren Werken zu verwirren und zu verschleiern und um bürgerliche Vorstellungen von Kunst herauszufordern.

Georges Braque - Obstschale und Glas, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Flugzeuge, Formen, Blickwinkel und Farben

Der Künstler, der am meisten dafür verantwortlich ist, lebendige Farben in den synthetischen Kubismus zu bringen, war der spanische kubistische Maler Juan Gris. Gris verwendete auch eine erheblich vereinfachte visuelle Sprache, die hervorragend die reduzierte Anzahl von Blickwinkeln und die vereinfachte Verwendung von Formen und Ebenen demonstriert, die den synthetischen Kubismus definieren. In Grises Werk "Zeitung und Obstschale" sehen wir all diese Elemente im Spiel. Wir können in diesem gleichen Gemälde auch viele der Gründe sehen, warum der synthetische Kubismus oft als Vorläufer der Pop-Art angesehen wird.

"Es ist nicht nur so, dass die synthetischen Kubisten mit den Vorstellungen der verschwommenen Grenze zwischen niedriger und hoher Kunst sowie Kunst und Werbung spielten. Dieses Gemälde ruft auch erstaunlicherweise die Ben-Day-Punkte von Roy Lichtenstein hervor und scheint fast identisch die Wiederholung, Bildplatzierung und Farbpalette von Robert Rauschenbergs Buffalo II vorauszusehen."

Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, Öl und Siebdruckfarbe auf Leinwand. 96 x 72 Zoll (243,8 x 183,8 cm). © Robert Rauschenberg Foundation / Lizenziert von VAGA bei Artists Right Society (ARS), New York

Die früheren analytischen kubistischen Gemälde hatten so viele verschiedene Blickwinkel integriert, dass die Komplexität der Bilder fast unmöglich zu entwirren war. Ihr Motiv schien bis zur Unkenntlichkeit abstrahiert: Jeder Blickwinkel wurde durch separate geometrische Formen auf einer separaten Ebene dargestellt, und jede Ebene schien übereinander gestapelt und dann wieder abgeflacht zu sein. Und die in analytischen kubistischen Gemälden verwendeten geometrischen Formen schienen manchmal fast transparent zu sein. Sie wurden auf eine Weise gemalt, die Geschwindigkeit, Vibration und Bewegung demonstrierte. Sie stellten verschiedene Tageszeiten, unterschiedliche Beleuchtung und verschiedene Blickwinkel dar.

Juan Gris - Zeitung und Obstschale, 1916, Öl auf Leinwand. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Durch die Rückführung einer lebendigen Farbpalette in kubistische Bilder verlieh Juan Gris dem Stil eine verspielte und aufregende Note, die in den früheren kubistischen Werken fehlte. Und Griss vereinfachter visueller Wortschatz vermittelte die Vorstellung, dass der Kubismus seine Ziele auf eine direkte, vereinfachte und ästhetisch ansprechende Weise erreichen könnte. In Griss Gemälde Die Violine erreicht er die absolut minimale Anzahl an Blickwinkeln, Formen und Ebenen, um weiterhin als kubistisches Werk betrachtet zu werden. Das resultierende Bild scheint eher ein Beispiel für die Anregung des Kubismus zu sein als die strenge Definition davon.

Juan Gris - Die Geige, 1916, Öl auf Dreischichtplatte, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum, Basel

Synthetisch: Ein anderes Wort für Fake?

Durch das Hinzufügen von Schrift und verschiedenen Alltagsgegenständen in ihre Gemälde strebten Picasso, Braque und Gris danach, eine erweiterte Vorstellung von der Realität ihrer Motive zu verbinden. Doch indem sie diese künstlichen Elemente in ihre Werke einfügten, schufen sie auch etwas, das offensichtlich unwirklich war und sich von allen vorhergehenden kubistischen Kunstwerken unterschied. Manchmal malten sie sogar Formen, die wie Collagen aussahen, und vermischten nachgeahmte Collagenelemente mit echten Collagenelementen im selben Werk. Dieser neue Stil wurde genau aus diesem Grund als synthetischer Kubismus bezeichnet, wegen der künstlichen Natur der verwendeten Techniken im Vergleich zur Ernsthaftigkeit der vorhergehenden kubistischen Werke.

Der synthetische Kubismus war symbolischer als der analytische Kubismus. Er strebte nicht danach, eine erhöhte Sicht auf die vierdimensionale Realität zu erreichen. Vielmehr versuchte er, einen Hinweis auf die Realität zu geben, jedoch auf eine verzerrte Weise. Es war eine Transformation, die immens zu den Theorien und Untersuchungen rund um den Surrealismus beitrug.

Der synthetische Kubismus stellte auch die Unterschiede zwischen Malerei und Skulptur in Frage. Anstatt das Bild auseinanderzubrechen und dann aus verschiedenen Perspektiven wieder zusammenzusetzen, stellte der synthetische Kubismus das Bild zusammen, indem er es von einer flachen Oberfläche zu einem mehrschichtigen Objekt aufbaute, ähnlich einem dreidimensionalen Objekt, das auf einer zweidimensionalen Oberfläche ruht. In all diesen Aspekten näherte sich der synthetische Kubismus seinen Errungenschaften durch ein klares und absichtliches Paradoxon: Indem sie Werke schufen, die immer falscher waren, erreichten sie etwas, das immer wahrer war.

Vorschaubild: Pablo Picasso - Drei Musiker, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio