Synthetischer Kubismus Erklärt - Ebenen, Formen und Blickwinkel

Pablo Picasso, der Vater des Kubismus, war berühmt für seine Bereitschaft zur Weiterentwicklung. Nachdem er 1907 den Analytischen Kubismus erfunden hatte, hätte er problemlos jahrzehntelang in diesem Stil weitermalen und dennoch reich und berühmt werden können. Stattdessen experimentierte er weiter und half 1911 bei der Erfindung dessen, was als Synthetischer Kubismus bekannt wurde, indem er dem Analytischen Kubismus eine erweiterte Farbpalette, neue Strukturen, einfachere Formen, neue Materialien und eine vereinfachte Nutzung von Blickwinkel und Ebene hinzufügte. Von seiner Entstehung bis etwa 1920 galt der Synthetische Kubismus als Höhepunkt der Avantgarde. Er erweiterte die Möglichkeiten, wie Maler die Wirklichkeit erforschen konnten, und trug zum Aufstieg der Dadaisten, der Surrealisten und sogar der Popkunst bei.

Synthetischer Kubismus in 200 Worten

Der Synthetische Kubismus entstand aus einer Abkehr von genau jenen Techniken, mit dem Ziel, etwas noch Wirklicheres zu schaffen. Picasso, Braque und der Maler Juan Gris brachten wieder eine lebendige Farbpalette in ihre Werke ein, führten Tiefe zurück und verringerten die Anzahl der gleichzeitig dargestellten Perspektiven und Ebenen in ihren Bildern. Am wichtigsten war, dass sie, um ihren Gemälden ein höchstes Maß an Wirklichkeit zu verleihen, begannen, Papier, Stoff, Zeitungspapier, Text und sogar Sand und Erde in ihre Werke einzufügen, um das Wesen ihres Motivs vollständig zur Geltung zu bringen.

Pablo Picasso - Stillleben mit Stuhlgeflecht, 1912, Öl auf ölgetränktem Tuch auf Leinwand, mit Seil eingefasst, 29 × 37 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Neue Materialien und Techniken

1912 schuf Picasso das Kunstwerk, das als erstes Beispiel für Collage gilt und ein prägendes Beispiel des Synthetischen Kubismus ist: Stillleben mit Stuhlgeflecht. Das Werk ist eine kubistische Darstellung eines Cafétisches mit einer Auswahl an Speisen, einer Zeitung und einem Getränk. Neben traditionellen Materialien fügte Picasso der Oberfläche des Gemäldes ein Stück des Flechtwerks eines Stuhls hinzu, wie es traditionell bei Caféstühlen verwendet wurde. Diese scheinbar triviale Ergänzung hatte enorme Folgen für die Moderne Kunst. Anstatt einen Stuhl zu malen, wurde tatsächlich ein Teil eines Stuhls auf das Gemälde aufgebracht. Anstatt etwas aus mehreren Perspektiven zu zeigen, damit es real erscheint, setzte Picasso das tatsächliche Objekt oder zumindest einen Teil davon direkt auf das Werk.

Picasso fügte diesem Werk auch Text hinzu, indem er die Buchstaben „JOU“ über einen Teil der Oberfläche schrieb. Dieses Wort „Jou“ könnte wörtlich mit „Spiel“ ins Französische übersetzt werden, was dazu beigetragen hat, dass viele Menschen glauben, Picasso habe mit dem Synthetischen Kubismus eine spielerische Leichtigkeit in die Kunst zurückbringen wollen, nach der akademischen Ernsthaftigkeit des Analytischen Kubismus. Allerdings könnte „JOU“ auch als erster Teil des französischen Begriffs für Tageszeitung oder Journal gemeint gewesen sein, ein Hinweis auf das Zeitungsschnipsel im Bild.

Obwohl Picasso mit dem Hinzufügen des Stuhlgeflechtes einen ersten Schritt machte, war er nicht der erste Kubist, der Text in ein Gemälde einfügte. 1911 hatte Georges Braque ein Werk namens Der Portugiese geschaffen, das das erste kubistische Werk mit Buchstaben war. Sowohl in Picassos erster Collage als auch in Braques erstem Textwerk zeigt sich eine Abkehr von der ernsten und übermäßig komplexen Natur einiger ihrer späteren Analytischen Kubismus-Werke. Die Bilder wirken verspielt und einfach, ähnlich den vermenschlichten Bildern in Werbeabbildungen.

Georges Braque - Der Portugiese, 1911, Öl auf Leinwand, 116,7 × 81,5 cm, Musée National Picasso, Paris, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

1912 sollte Braque noch mindestens zwei weitere Neuerungen einführen. In diesem Jahr wurde er der erste kubistische Maler, der Sand in ein Gemälde einarbeitete, um dem Werk mehr Struktur und Tiefe zu verleihen, und er war auch der erste, der die Technik des papier collé anwandte, das heißt ausgeschnittene Papierstücke auf eine Oberfläche klebte. Beide Techniken verwendete er in seinem Werk Obstschale und Glas. In diesem Gemälde brachte er ausgeschnittene Tapetenstücke direkt auf die Oberfläche auf und schattierte das Bild mit sandgefüllter Farbe, wodurch Tiefe und Struktur entstanden.

Braque fügte diesem Werk auch Text hinzu, indem er die klar erkennbaren und leicht lesbaren Worte „Ale“ und „Bar“ verwendete. Diese Worte stellen eine Herausforderung für die Grenzen zwischen Werbebildern und sogenannter Hochkunst dar. Die Kombination dieser drei Techniken sollte später einen großen Einfluss auf die Dadaisten haben, die stark auf Collage und Text setzten, um die offensichtlichen Bedeutungen ihrer Werke zu verwirren und die bürgerlichen Kunstvorstellungen herauszufordern.

Georges Braque - Obstschale und Glas, 1912, 62,9 × 45,7 cm, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York

Ebenen, Formen, Blickwinkel und Farben

Der Künstler, der am meisten dafür verantwortlich ist, lebendige Farben in den Synthetischen Kubismus einzubringen, war der spanische Kubist Juan Gris. Gris verwendete ebenfalls eine stark vereinfachte Bildsprache, die hervorragend die reduzierte Anzahl von Blickwinkeln und die vereinfachte Nutzung von Formen und Ebenen zeigt, die den Synthetischen Kubismus kennzeichnen. In Gris’ Werk Zeitung und Obstschale sehen wir all diese Elemente in Aktion. In diesem Gemälde sind auch viele Gründe zu erkennen, warum der Synthetische Kubismus oft als Vorläufer der Popkunst angesehen wird.

Es ist nicht nur so, dass die Synthetischen Kubisten mit der verschwommenen Grenze zwischen niedriger und hoher Kunst sowie zwischen Kunst und Werbung spielten. Dieses Gemälde erinnert auch erstaunlich an die Ben-Day-Punkte von Roy Lichtenstein und scheint fast identisch die Wiederholung, Bildanordnung und Farbpalette von Robert Rauschenbergs Buffalo II vorwegzunehmen.

Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, Öl und Siebdruckfarbe auf Leinwand. 243,8 x 183,8 cm. © Robert Rauschenberg Stiftung / Lizenz durch VAGA bei Artists Rights Society (ARS), New York

Die früheren Gemälde des Analytischen Kubismus hatten so viele verschiedene Blickwinkel eingebaut, dass die Komplexität der Bilder fast unentwirrbar wurde. Ihre Motive schienen so abstrahiert, dass sie kaum noch erkennbar waren: Jeder Blickwinkel wurde durch separate geometrische Formen auf einer eigenen Ebene dargestellt, und jede Ebene schien übereinander gestapelt und dann wieder abgeflacht zu sein. Die geometrischen Formen in den Gemälden des Analytischen Kubismus wirkten manchmal fast durchsichtig. Sie wurden so gemalt, dass sie Geschwindigkeit, Vibration und Bewegung zeigten. Sie stellten verschiedene Tageszeiten, unterschiedliche Beleuchtung und verschiedene Blickwinkel dar.

Juan Gris - Zeitung und Obstschale, 1916, Öl auf Leinwand. 93,5 x 61 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York

Indem Juan Gris eine lebendige Farbpalette wieder in die kubistischen Bilder einbrachte, verlieh er dem Stil eine Verspieltheit und Lebendigkeit, die den früheren kubistischen Werken fehlte. Und Gris’ vereinfachter Bildwortschatz vermittelte die Vorstellung, dass Kubismus seine Ziele auf eine klare, vereinfachte und ästhetisch ansprechende Weise erreichen kann. In Gris’ Gemälde Die Geige erreicht er die absolut minimale Anzahl von Blickwinkeln, Formen und Ebenen, um noch als kubistisches Werk zu gelten. Das Ergebnis wirkt eher wie ein Hinweis auf den Kubismus als eine strenge Definition davon.

Juan Gris - Die Geige, 1916, Öl auf dreilagigem Holzbrett, 116,5 x 73 cm, Kunstmuseum Basel

Synthetisch: Ein anderes Wort für unecht?

Indem Picasso, Braque und Gris Schriftzüge und Alltagsgegenstände in ihre Gemälde einfügten, strebten sie danach, eine erweiterte Wirklichkeit ihrer Motive darzustellen. Doch durch das Hinzufügen dieser künstlichen Elemente schufen sie auch etwas, das offensichtlich unwirklich war und sich von allen vorherigen kubistischen Werken unterschied. Manchmal malten sie sogar Formen, die wie Collagen aussahen, indem sie nachgeahmte Collage-Elemente mit echten Collage-Elementen im selben Werk vermischten. Dieser neue Stil wurde genau deshalb Synthetischer Kubismus genannt, wegen der künstlichen Natur der verwendeten Techniken im Vergleich zur Ernsthaftigkeit der vorherigen kubistischen Werke.

Der Synthetische Kubismus war symbolischer als der Analytische Kubismus. Er strebte nicht danach, eine erweiterte Sicht auf die vierdimensionale Wirklichkeit zu erreichen. Vielmehr versuchte er, eine Andeutung von Wirklichkeit auf verzerrte Weise darzustellen. Diese Wandlung trug wesentlich zu den Theorien und Untersuchungen des Surrealismus bei.

Der Synthetische Kubismus stellte auch die Unterschiede zwischen Malerei und Bildhauerei infrage. Anstatt das Bild zu zerlegen und aus verschiedenen Perspektiven wieder zusammenzusetzen, baute der Synthetische Kubismus das Bild auf, indem er es von einer flachen Oberfläche zu einem vielschichtigen Objekt formte, ähnlich einem dreidimensionalen Gegenstand auf einer zweidimensionalen Fläche. Auf all diese Weise näherten sich die Künstler ihrem Ziel durch ein klares und bewusstes Paradoxon: Indem sie immer unechtere Werke schufen, erreichten sie etwas immer Wirklicheres.

Titelbild: Pablo Picasso - Drei Musiker, 1921, © 2020 Artists Rights Society (ARS), New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio