Wie der analytische Kubismus die reine Abstraktion vorwegnahm

Was wie gegensätzliche Kräfte in der Welt erscheint, ergänzt sich tatsächlich. So war es zu Beginn des 20. Jahrhunderts zwischen zwei großen, zeitgleichen Strömungen in der Kunstwelt: analytischem Kubismus und reiner Abstraktion. Auf der einen Seite standen die Künstler, die mit analytischem Kubismus assoziiert wurden, berühmte Namen wie Pablo Picasso und Georges Braque, Genies, die sich der Entdeckung einer konzeptionell hyperrealistischen Art des Kunstschaffens widmeten. Auf der anderen Seite standen die Künstler, die mit reiner Abstraktion assoziiert wurden; Leute wie Wassily Kandinsky, die sich der Entdeckung einer völlig nicht-repräsentationalen Kunst widmeten. Obwohl sie anscheinend diametral entgegengesetzt waren, waren diese beiden unterschiedlichen Ansätze zur Kunstproduktion untrennbar miteinander verbunden. Indem sie die objektive Realität auseinanderbrachen, um sie vollständiger darzustellen, halfen die analytischen Kubisten der reinen Abstraktion, ihre Stimme zu finden.

Was war der analytische Kubismus?

Wenn Kunstkritiker und Kunsthistoriker über analytischen Kubismus sprechen, beziehen sie sich auf eine Tendenz in der Malerei, die zwischen 1908 und 1912 entstand. Vor dieser Zeit wurden Gemälde entweder als zweidimensional (wenn es an Tiefe mangelte) oder als dreidimensional (wenn ihnen durch Techniken wie Schattierung ein Gefühl von Tiefe verliehen wurde) angesehen. In dieser Zeit engagierte sich eine kleine Gruppe von Künstlern, angeführt von Pablo Picasso und Georges Braque, in revolutionären ästhetischen Experimenten, die darauf abzielten, die Malerei in die vierte Dimension zu bringen.

Die alten Malweisen basierten auf einem Künstler, der aus einer einzigen Perspektive arbeitete. Während dies geeignet war, um ein momentanes Bild eines Motivs zu zeigen, erreichte es nicht, was Picasso als Realität betrachtete, die aus mehreren Perspektiven gleichzeitig wahrgenommen wird. Um ein Gefühl von Bewegung und dem Vergehen der Zeit (der 4. Dimension) zu erreichen, gaben Picasso und sein Kollege Braque die Verwendung der Einzelperspektive auf. Ihr Argument war, dass wir im echten Leben Objekte aus einer Vielzahl von verschiedenen Perspektiven wahrnehmen. Wir sehen etwas aus unterschiedlichen Blickwinkeln zu verschiedenen Tageszeiten bei unterschiedlichem Licht, manchmal bewegend und manchmal stillstehend. Ihre Experimente versuchten, ihr Motiv auf diese realistischere Weise zu zeigen, aus einer Vielzahl von verschiedenen Blickwinkeln gleichzeitig.

Pablo Picasso - Porträt von Ambroise Vollard, 1910, Öl auf Leinwand. 93 x 66 cm, Staatliches Pushkin-Museum für Schöne Künste, Moskau, © 2017 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Gleichzeitigkeit

Ihr Wort für diese Art von Mehrperspektivenmalerei war Simultanität. Sie malten Teile ihres Motivs aus verschiedenen Blickwinkeln und bei unterschiedlichem Licht und zu verschiedenen Tageszeiten und kombinierten diese Teile dann auf einer einzigen Fläche, wobei sie alle unterschiedlichen Perspektiven gleichzeitig zeigten und keiner von ihnen eine besondere Vorliebe gaben. Um diesen Effekt zu verstärken, hielten sie ihre Farbpalette einfach und vermieden Schattierungen oder andere Techniken, die dem Bild Tiefe verleihen würden. Das Ergebnis war ein abgeflachtes, mehransichtliches Bild, das scheinbar aus vereinfachten geometrischen Formen zusammengesetzt war.

Für einen unbeteiligten Beobachter könnte ein analytisches Kubismus-Gemälde abstrakt erscheinen. Aber wahrhaftiger analytischer Kubismus war keine Abstraktion; es war vielmehr eine Form des gesteigerten Realismus. Das Ergebnis von Picassos und Braques Experimenten war, in ihren Augen, eine realistischere Darstellung ihres Themas, zumindest aus einem konzeptionellen Standpunkt, wenn nicht aus einem wörtlichen. Eines der frühesten Beispiele für das, was wir heute analytischen Kubismus nennen, ist Picassos Portrait von Ambroise Vollard, das 1909 gemalt wurde. Darin können wir deutlich sehen, dass das Thema repräsentativ sein soll, während die verschiedenen Blickwinkel, die unterschiedliche Beleuchtung und die verschiedenen Ebenen uns ein Gefühl von Bewegung und Gleichzeitigkeit vermitteln, das unser Verständnis der Präsenz des Subjekts vertieft.

Wassily Kandinsky - Die Kuh, 1910, Öl auf Leinwand, 95,5 cm x 105 cm

Unterdessen in München

Im selben Jahr, in dem Picasso sein Portrait von Ambroise Vollard in Paris malte, befand sich Wassily Kandinsky, der Künstler, dem bald die Erfindung der reinen Abstraktion zugeschrieben werden würde, in Deutschland und führte seine eigenen ästhetischen Experimente durch. Kandinsky arbeitete ebenfalls mit der Idee der Flächigkeit und der Vereinfachung des ästhetischen Vokabulars, jedoch aus anderen Gründen als Picasso und Braque. Kandinsky hatte sich zum Ziel gesetzt, vollständig abstrakte Gemälde zu schaffen. Er glaubte, dass visuelle Kunst, ähnlich wie instrumentale Musik, die Fähigkeit haben könnte, tiefere Emotionen und vielleicht ein Gefühl von Spiritualität zu kommunizieren, indem sie auf einer rein abstrakten Ebene kommuniziert.

Kandinskys Experimente waren eine Erweiterung und Kulmination vieler verschiedener Strömungen, die seit Mitte des 19. Jahrhunderts in der Kunst stattfanden. Er zerlegte die Malerei in ihre wesentlichen Elemente, wie Farbe, Linie und Form, und lernte, was jedes dieser Elemente für sich kommunizieren könnte. Er glaubte, dass diese Elemente mit verschiedenen musikalischen Noten, Tonarten oder Tempi verglichen werden könnten, in dem Sinne, welchen Einfluss sie auf die menschliche Psyche haben könnten. Ein Beispiel für Kandinskys Werk aus dieser Zeit ist sein Gemälde Die Kuh, das, obwohl es eindeutig repräsentativ ist, eine Abflachung des Raumes und eine radikale Dekonstruktion der ästhetischen Elemente des Bildes erreicht.

Wassily Kandinsky - Untitled (Erste abstrakte Aquarell), 1910, Aquarell und indische Tinte und Bleistift auf Papier, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankreich

Welten verbinden sich

In Frankreich reduzierten Picasso und Braque ihre Bilder und verringerten ihren ästhetischen Wortschatz, um ihr Sujet auf eine vereinfachte Weise aus mehreren verschiedenen Blickwinkeln effektiv darzustellen. Und in Deutschland strebte auch Kandinsky nach Flachheit und Zweidimensionalität und vereinfachte ebenfalls seine Bildsprache, jedoch aus einem anderen Grund. Anstatt geometrische Formen zu verwenden, um das Verständnis des Betrachters für das Sujet eines Gemäldes zu verbessern, wollten Kandinsky und andere seiner Denkweise erkunden, welche Bedeutungen aus geometrischen Formen gewonnen werden können, wenn sie unabhängig von repräsentativen Themen verwendet werden.

Jemand, der sich nicht über den Zweck der verschiedenen Experimente der Künstler im Klaren war, könnte eines oder das andere ihrer Gemälde sehen und mit einem ganz anderen Konzept herauskommen, als das, was tatsächlich beabsichtigt war. Aber diese beiden unterschiedlichen Denkschulen waren dennoch in ihrer Absicht ganz gegensätzlich. Im selben Jahr, in dem er Die Kuh malte, hatte Kandinsky einen Durchbruch. Er kombinierte seine eigenen Theorien über Instinkt, Spiritualität und Farbe mit den Theorien der analytischen Kubisten über Flächigkeit und geometrische Vereinfachung und schuf das, was die meisten Historiker heute als das erste rein abstrakte Gemälde betrachten: Untitled (First Abstract Watercolor).

Jean Metzinger - Teestunde, 1911, Öl auf Karton, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, Die Louise und Walter Arensberg Sammlung, 1950, Philadelphia

Mehrere gleichzeitige Simultanitäten

Es ist heute lustig, sich die Aufregung vorzustellen, die durch Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) und die analytischen kubistischen Gemälde von Picasso und Braque verursacht wurde, und das Gefühl, das so viele Maler gehabt haben müssen, dass sie sich entscheiden mussten. In den nächsten paar Jahren nahmen eine Reihe anderer Maler den analytischen Kubismus auf und erkundeten zusammen mit Picasso und Braque weiterhin die vierte Dimension in ihren Werken. In einigen Fällen wurden ihre Gemälde immer weiter vereinfacht und zeigten eine klare Vision davon, worum es beim analytischen Kubismus wirklich ging. Zum Beispiel das Gemälde Tea Time des Malers Jean Metzinger, das als ein besonders direktes, vielleicht eher offensichtliches Beispiel für die Absicht des analytischen Kubismus gilt. Es demonstriert die Gleichzeitigkeit effektiv, während es sich auf eine begrenzte Anzahl unterschiedlicher Perspektiven stützt.

Andere analytische Kubisten schufen Werke, die in die entgegengesetzte Richtung gingen, dichter und komplexer wurden und es zunehmend schwierig machten, das Sujet zu erkennen. Ein Beispiel ist Pablo Picassos Der Akkordeonspieler, gemalt im Jahr 1911. Obwohl Picasso nicht beabsichtigte, dass dies ein abstraktes Gemälde sein sollte, missverstehen viele Betrachter bis heute dieses Werk und betrachten es als abstrakt, einfach weil es schwer zu erkennen ist, was dargestellt wird; insbesondere im Hinblick auf so viele andere Maler, die zur gleichen Zeit absichtlich versuchten, abstrakte Werke zu schaffen.

Pablo Picasso Accordionist, 1911, Öl auf Leinwand, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Nachlass von Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Zählt die Absicht wirklich?

Es wurde oft festgestellt, dass sich die Wirkung beim Lesen eines Gedichts ändert, wenn man den Dichter persönlich kennt. Dasselbe könnte leicht über ein Gemälde, ein Musikstück oder vielleicht jedes Kunstwerk gesagt werden. Obwohl die analytischen Kubisten nicht beabsichtigten, zum Aufstieg der rein abstrakten Kunst beizutragen, hatte der beiläufige Betrachter, der sie nicht persönlich kannte und der nichts von der Theorie hinter ihrem Werk wusste, zweifellos Reaktionen auf das Werk, die keine Korrelation mit den Absichten der Künstler hatten.

Ob es ihre Absicht war oder nicht, die analytischen Kubisten halfen den reinen Abstraktionisten, indem sie das Publikum, einschließlich Kritiker und Historiker, darauf vorbereiteten, Experimente mit Struktur und Perspektive zu akzeptieren. Ihre Arbeiten schienen nicht-repräsentational zu sein, enthielten jedoch dennoch ein Thema, sodass die Zuschauer neben dem, was die analytischen Kubisten für die Betrachter fühlten, auch andere Dinge auf einer unbewussten Ebene fühlten. Dieser Beitrag, den Zuschauern zu helfen, unbewusste emotionale Reaktionen auf scheinbar nicht-repräsentationales Bildmaterial zu kontextualisieren, war der wichtigste Beitrag, den der analytische Kubismus zur Evolution der reinen Abstraktion geleistet hat.

Ja, der analytische Kubismus und die reine Abstraktion waren gegensätzliche Kräfte in Bezug auf die Absicht. Aber indem sie die bildliche Ebene herausforderten und das öffentliche Gefühl für repräsentative Realität verzerrten, ergänzte der analytische Kubismus die reine Abstraktion und half ihr, im öffentlichen Bereich Akzeptanz zu gewinnen. Obwohl sie scheinbar gegensätzlich sind, trugen diese beiden radikal unterschiedlichen Ansätze zur Kunst viel zum Erfolg des jeweils anderen bei.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio