Die Psychologie hinter Form und Gestalt
Warum spricht abstrakte Kunst an? Oft als eine visuelle Sprache aus Form, Farbe und Gestalt betrachtet, gibt es etwas ganz Besonderes an der Anziehungskraft eines abstrakten Kunstwerks. Es existieren verschiedene Theorien, die versuchen, die Psychologie hinter der Freude des Betrachters und der Schöpfung des Künstlers an abstrakter Kunst zu erklären. Die Auswirkungen von Traumata bei Künstlern lassen sich häufig in einer auffälligen Hinwendung zur Abstraktion beobachten: Berühmt ist, dass Willem de Kooning nach der Entwicklung der Alzheimer-Krankheit weiter malte, woraufhin sein Stil zunehmend abstrakter wurde. Das Beispiel von de Kooning und vieler anderer zeigt, dass Kunst Einblicke in die Veränderungen des menschlichen Gehirns geben kann, die Ausdruck und Wahrnehmung verändern. Im folgenden Bericht werden wir einige der psychologischen Theorien zur abstrakten Kunst behandeln.
Neuroästhetik: Einführung wissenschaftlicher Objektivität in die Kunstbetrachtung
In den 1990er Jahren gründete der Neurowissenschaftler für Sehen Semir Zeki vom University College London die Disziplin der Neuroästhetik, die auf neurologischer Basis den relativen Erfolg verschiedener künstlerischer Techniken untersucht. Mehrere wissenschaftliche Studien, die sich mit der Begründung der Anziehungskraft abstrakter Werke befassen, kamen zu dem Schluss, dass das Betrachten dieses Kunstgenres sehr aktive neuronale Aktivitäten anregt, da der Betrachter versucht, vertraute Formen zu erkennen, wodurch das Werk als „kraftvoll“ empfunden wird. Das Werk als Rätsel betrachtend, freut sich das Gehirn, wenn es dieses Problem „löst“ (Pepperell, Ishai).
Eine besondere Studie, geleitet von Angelina Hawley-Dolan vom Boston College, Massachusetts (Psychological Science, Band 22, Seite 435), stellte die Frage, ob abstrakte Kunst, geschaffen von professionellen Künstlern, ebenso ansprechend für das Auge sei wie eine Gruppe zufälliger Linien und Farben, die von Kindern oder Tieren gemacht wurden. Hawley-Dolan bat Freiwillige, jeweils ein Gemälde eines berühmten abstrakten Künstlers und eines Amateurs, Kindes, Schimpansen oder Elefanten anzusehen, ohne vorher zu wissen, welches welches war. Die Freiwilligen bevorzugten im Allgemeinen die Werke der professionellen Künstler, selbst wenn das Etikett ihnen sagte, dass es von einem Schimpansen geschaffen wurde. Die Studie kam daher zu dem Schluss, dass wir beim Betrachten eines Werkes in der Lage sind – auch wenn wir nicht sagen können warum – die Vision des Künstlers zu erfassen. Hawley-Dolans Studie folgte den Erkenntnissen, dass die verschwommenen Bilder impressionistischer Kunst die Amygdala des Gehirns anregen, die eine zentrale Rolle bei Gefühlen und Emotionen spielt. Abstrakte Kunst, die oft versucht, jegliches interpretierbares Element zu entfernen, fällt jedoch nicht in diese Kategorie.
Ausgehend von dieser Studie hinterfragt Kat Austen im New Scientist (14. Juli 2012) die Anziehungskraft abstrakter Kunst, inspiriert durch die Wirkung eines Werks von Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, das, so schreibt sie, zum ersten Mal ihre Gefühle berührte. Austen stellt die Hypothese auf, dass Werke abstrakter Kunst, die scheinbar kein erkennbares Objekt für das Gehirn enthalten – namentlich Rothko, Pollock und Mondrian – durch ausgewogene Kompositionen wirken, da sie das visuelle System des Gehirns ansprechen oder „kapern“.
In einer Studie von Oshin Vartanian an der Universität von Kanada, bei der Freiwillige gebeten wurden, eine Reihe von Originalgemälden mit einer veränderten Komposition zu vergleichen, entdeckte Vartanian, dass wir eine verstärkte Reaktion auf Muster und Komposition zeigen. Fast alle Freiwilligen bevorzugten das Originalwerk, selbst bei so unterschiedlichen Stilen wie einem Stillleben von van Gogh und Bleu I von Miró. Die Ergebnisse legen nahe, dass der Betrachter sich der räumlichen Absicht hinter der besonderen Komposition der Gemälde bewusst ist.
Zurück zu Austen: Sie betrachtet auch die Ergebnisse von Alex Forsythe, Psychologe an der Universität Liverpool, der eine Verbindung zwischen den in der abstrakten Kunst verwendeten Formen und der Fähigkeit des Gehirns zur Verarbeitung komplexer Szenen herstellt, mit Bezug auf die Werke von Manet und Pollock. Mithilfe eines Kompressionsalgorithmus zur Messung der visuellen Komplexität von Kunstwerken und zur Speicherung komplexer Bilder kam Forsythe zu dem Schluss, dass einige Künstler diese Komplexität nutzen, um das Bedürfnis des Gehirns nach Details anzusprechen. Forsythe erforschte auch die Anziehungskraft des Gehirns zu fraktalen Mustern und die Anziehungskraft abstrakter Kunst. Diese sich wiederholenden Muster, die aus der Natur stammen, könnten das menschliche visuelle System ansprechen, das sich im Freien entwickelt hat, und Forsythe vermutet, dass abstrakte Künstler Farbe verwenden, um „eine negative Erfahrung zu mildern, die wir normalerweise hätten, wenn wir auf zu hohen Fraktalgehalt stoßen“. Austen weist darauf hin, dass die Neuroästhetik noch in den Anfängen steckt und es zu früh sein könnte, allgemeine Aussagen zu treffen. Dennoch geben die zahlreichen Theorien, die in diesem Forschungsbereich behandelt wurden, uns tiefere Einblicke in die visuelle Anziehungskraft abstrakter Kunst. Nicht zuletzt haben einige Wissenschaftler vermutet, dass das Gehirn von Künstlern wie Pollock angezogen wird, weil wir visuelle Bewegung – wie einen handgeschriebenen Brief – so verarbeiten, als würden wir die Entstehung erneut erleben. Dies könnte eine Erklärung für die wahrgenommene Dynamik von Pollocks Werken sein, deren energiegeladene Entstehung vom Betrachter miterlebt wird.
Margaret Neill - Manifest, 2015. Kohle und Wasser auf Papier. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Über das Geistige in der Kunst
Kehren wir nun etwa ein Jahrhundert zurück zu einem der führenden Köpfe des deutschen Expressionismus, bekannt für seine Rolle als synästhetischer Künstler: Kandinsky spielte eine zentrale Rolle in den frühen Theorien des 20. Jahrhunderts über die Psychologie hinter abstrakter Kunst. Sein Buch „Über das Geistige in der Kunst“, veröffentlicht 1911, gilt als grundlegender Text der abstrakten Malerei und erforscht ausführlich die emotionalen Eigenschaften von Form, Linie und Farbe. Kandinskys Synästhesie zeigte sich in seiner ungewöhnlichen Empfindlichkeit für Farbe und seiner Fähigkeit, sie nicht nur zu sehen, sondern auch zu hören. Deshalb argumentierte er, dass ein Gemälde der intellektuellen Analyse entgehen und stattdessen die Gehirnregionen erreichen sollte, die mit der Verarbeitung von Musik verbunden sind. Kandinsky glaubte, dass Farbe und Form die beiden grundlegenden Mittel sind, mit denen ein Künstler spirituelle Harmonie in der Komposition erreichen kann, und teilte die Schöpfung und Wahrnehmung von Kunst daher in zwei Kategorien: innere und äußere Notwendigkeit. Mit Bezug auf Cézanne schlug Kandinsky vor, dass der Künstler die Gegenüberstellung von linearen und farblichen Formen schafft, um Harmonie zu erzeugen, ein Prinzip des Kontrasts, das Kandinsky als „wichtigstes Prinzip in der Kunst zu allen Zeiten“ ansah. Wir können eines von Kandinskys Prinzipien, wie in dieser wissenschaftlichen Arbeit diskutiert, auf Jackson Pollocks künstlerische Praxis anwenden, bei der er Leinwände auf den Boden legte und Farbe von oben darauf tropfen ließ. Für Kandinsky darf sich der Künstler nicht an die Regeln der Kunst halten, sondern muss frei sein, sich mit allen möglichen Mitteln auszudrücken: ein wesentlicher Faktor für die innere Notwendigkeit. Laut Edward Lavine wird das Malen für Pollock „zu einer Erfahrung, in der das Werk eigene Anforderungen stellt, die unabhängig von der Persönlichkeit des Malers existieren. Diese Anforderungen scheinen oft zu verlangen, dass persönliche Wahl zugunsten der inneren Notwendigkeit des Werkes aufgegeben wird.“ (Mythische Anklänge in Jackson Pollocks Werk) Bis zu einem gewissen Grad widerspricht diese Theorie der von Forsythe und anderen genannten, da sie impliziert, dass der Künstler bei der Schöpfung des Werkes nur begrenzte Wahlmöglichkeiten hat. Dennoch zeigt sie die Kraft des Prozesses der Schaffung abstrakter Kunst.
Anya Spielman - Bury, 2010. Öl auf Papier. 28 x 25,4 cm.
Peak-Shift
Die Grundidee des Prinzips der Spitzenverschiebung (Peak-Shift) ist, dass Tiere stärker auf einen übertriebenen Reiz reagieren können als auf einen normalen. Das Konzept, ursprünglich vom Verhaltensforscher Nikolaas Tinbergen formuliert, wurde von V.S. Ramachandran und William Hirstein in der Arbeit The Science of Art von 1999 angewandt, die das Möwenexperiment – bei dem Küken ebenso bereitwillig auf einen roten Punkt am Schnabel der Mutter picken wie auf einen Stock mit drei roten Streifen am Ende – nutzten, um zu zeigen, dass Küken auf einen „Superreiz“ reagieren, hier dargestellt durch die Menge der roten Kontur. Für die beiden Männer wäre dieser Stock mit rotem Ende vergleichbar mit einem Meisterwerk von Picasso in Bezug auf die Reaktion des Betrachters.
Ramachandran argumentierte, dass abstrakte Künstler diese Theorie nutzen, um die besten Ergebnisse zu erzielen, indem sie das Wesentliche dessen, was sie darstellen wollen, erkennen, es übertreiben und alles andere entfernen. Nach Ramachandran ist unsere Reaktion auf abstrakte Kunst eine Spitzenverschiebung von einer Grundreaktion auf einen ursprünglichen Reiz, auch wenn der Betrachter sich nicht mehr an den ursprünglichen Reiz erinnert.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Öl auf Leinwand. 60 x 54 in.
Gehirnschäden und Abstraktion
Zurück zu de Kooning: Studien haben gezeigt, dass das Gehirn kein einzelnes Kunstzentrum besitzt, sondern beide Hemisphären zur Kunstschaffung nutzt, was sich auf die künstlerische Fähigkeit oder die Art der künstlerischen Produktion nach Hirnschäden oder neurodegenerativen Erkrankungen auswirken kann. Laut Anjan Chatterjee für The Scientist kann eine Schädigung der rechten Gehirnhälfte zu Beeinträchtigungen der räumlichen Verarbeitung führen, was oft zur Annahme eines expressiven Stils führt, der nicht denselben Realismus erfordert. Ebenso kann eine Schädigung der linken Gehirnhälfte Künstler dazu anregen, lebhaftere Farben zu verwenden und den Inhalt ihrer Bilder zu verändern. Der Stil der kalifornischen Künstlerin Katherine Sherwood wurde von Kritikern nach einem hämorrhagischen Schlaganfall in der linken Hemisphäre als „roher“ und „intuitiver“ bezeichnet. Hirnschäden beschränken sich nicht nur auf die Kunstproduktion, sondern können auch die Kunstwahrnehmung verändern, sagt Chatterjee. Genauer gesagt kann eine Schädigung des rechten Stirnlappens das Urteil über Abstraktheit, Realismus und Symbolik beeinträchtigen, und eine Schädigung des rechten Scheitellappens kann das Urteil über Lebendigkeit und Symbolik beeinflussen.
Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 in
Prestige vor Produktion
Es gibt deutliche Hinweise darauf, dass wir Kunst positiver bewerten, basierend darauf, wie wir sie erleben. Wenn Menschen ein abstraktes Kunstwerk gezeigt wird, bewerten sie es als ansprechender, wenn ihnen gesagt wird, dass es aus einem Museum stammt, als wenn sie glauben, es sei computergeneriert, selbst wenn die Bilder identisch sind. Dies wirkt auf verschiedenen psychologischen Ebenen, indem es den Teil des Gehirns stimuliert, der episodisches Gedächtnis verarbeitet – die Vorstellung, ein Museum zu besuchen – und den orbitofrontalen Kortex, der positiver auf Status oder Echtheit eines Werkes reagiert als auf dessen tatsächlichen Sinneseindruck, was darauf hindeutet, dass Wissen und nicht das visuelle Bild eine Schlüsselrolle bei unserer Anziehung zu abstrakter Kunst spielt. Ebenso könnte es sein, dass wir mehr Freude daran haben, Informationen über Kunst und Kultur zu erinnern.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acryl auf Leinwand. 70 x 100 cm.
Abstrakte Kunst spricht Künstler an
Weitere Studien haben gezeigt, warum abstrakte Kunst für bestimmte Gruppen von Menschen, nämlich Künstler, besonders ansprechend sein kann. Bei der Aufzeichnung der elektrischen Rhythmen im Gehirn von Nicht-Künstlern und Künstlern zeigte eine Studie, dass der künstlerische Hintergrund der Versuchspersonen die Verarbeitung abstrakter Kunst stark beeinflusst, wobei Künstler fokussierte Aufmerksamkeit und aktive Auseinandersetzung mit der Information zeigten. Eine Theorie besagt, dass dies daran liegen könnte, dass das Gehirn das Gedächtnis nutzt, um andere Werke abzurufen, um den visuellen Reiz zu verstehen. Es ist dieses Gefühl des Erinnerns und ein vielschichtiger Prozess der Suche nach Wiedererkennung, der der abstrakten Kunst einen Großteil ihrer dauerhaften Anziehungskraft verleiht. Von Kandinskys erforschendem Werk von 1911 über das Konzept der Spitzenverschiebung bis hin zur zeitgenössischen Studie der Neuroästhetik ist die Psychologie der abstrakten Kunst ein weites und sich ständig wandelndes Forschungsfeld, das das anhaltende Interesse bestätigt, abstrakte Kunst zu entschlüsseln, zu erklären und zu genießen.
Abgebildetes Bild: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 in
