Die Psychologie hinter Form und Gestalt
Warum spricht abstrakte Kunst an? Oft als eine visuelle Sprache von Form, Farbe und Gestalt betrachtet, gibt es etwas ganz Besonderes an der Anziehungskraft eines abstrakten Kunstwerks. Es existieren mehrere Theorien, die darauf abzielen, die Psychologie hinter dem Genuss des Zuschauers und der Schöpfung des Künstlers von abstrakter Kunst zu erklären. Die Auswirkungen von Trauma bei Künstlern sind oft in einer bemerkbaren Verschiebung hin zur Abstraktion zu beobachten: Berühmt ist, dass Willem de Kooning weiterhin malte, nachdem er an Alzheimer erkrankt war, wonach sein Stil zunehmend abstrakter wurde. Das Beispiel von de Kooning und vielen anderen wie ihm zeigt, dass Kunst Einblicke in die Veränderungen des menschlichen Gehirns geben kann, die Ausdruck und Wahrnehmung verändern. Im folgenden Bericht werden wir einige der psychologischen Theorien behandeln, die mit abstrakter Kunst verbunden sind.
Neuroästhetik: Wissenschaftliche Objektivität in die Kunstforschung einführen
In den 1990er Jahren gründete der visuelle Neurowissenschaftler Semir Zeki vom University College London die Disziplin, die als Neuroästhetik bekannt ist, die aus neurologischer Sicht den relativen Erfolg verschiedener künstlerischer Techniken untersucht. Mehrere wissenschaftliche Studien, die sich mit der Begründung für die Anziehung zu abstrakter Kunst befassen, haben ergeben, dass das Studium dieses Kunstgenres sehr aktive neuronale Aktivitäten stimuliert, während der Betrachter versucht, vertraute Formen zu identifizieren, wodurch das Werk als ‚mächtig‘ empfunden wird. Wenn das Werk als Rätsel betrachtet wird, ist das Gehirn erfreut, wenn es es schafft, dieses Problem zu ‚lösen‘ (Pepperell, Ishai).
Eine besondere Studie, geleitet von Angelina Hawley-Dolan vom Boston College, Massachusetts (Psychological Science, Band 22, Seite 435), stellte die Frage, ob abstrakte Kunst, die von professionellen Künstlern geschaffen wurde, ebenso angenehm für das Auge wäre wie eine Gruppe zufälliger Linien und Farben, die von Kindern oder Tieren gemacht wurden. Hawley-Dolan bat Freiwillige, ein Gemälde eines berühmten abstrakten Künstlers und eines von einem Amateur, Kind, Schimpansen oder Elefanten anzusehen, ohne vorher zu wissen, welches welches war. Die Freiwilligen bevorzugten im Allgemeinen das Werk der professionellen Künstler, selbst als das Etikett ihnen sagte, dass es von einem Schimpansen geschaffen wurde. Die Studie kam daher zu dem Schluss, dass wir beim Betrachten eines Werkes in der Lage sind – obwohl wir nicht sagen können, warum – die Vision des Künstlers zu spüren. Hawley-Dolans Studie folgte den Erkenntnissen, dass die verschwommenen Bilder der Impressionistenkunst die Amygdala des Gehirns stimulieren, die eine zentrale Rolle bei Gefühlen und Emotionen spielt. Abstrakte Kunst, die oft versucht, jedes interpretierbare Element zu entfernen, fällt jedoch nicht in diese Kategorie.
Inspiriert von dieser Studie hinterfragt Kat Austen in New Scientist (14. Juli 2012) die Anziehungskraft abstrakter Kunst, inspiriert durch die Wirkung des Betrachtens eines Werkes von Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, das, wie sie schreibt, das erste Mal war, dass ein Werk abstrakter Kunst ihre Emotionen bewegte. Austen stellt die Hypothese auf, dass Werke abstrakter Kunst, die scheinbar kein erkennbares Objekt für das Gehirn enthalten – nämlich Rothko, Pollock und Mondrian – möglicherweise durch gut ausgewogene Kompositionen wirken, da sie das visuelle System des Gehirns ansprechen oder "entführen".
In einer Studie von Oshin Vartanian an der Universität Kanada, in der der Forscher Freiwillige bat, eine Reihe von Originalgemälden mit einem zu vergleichen, dessen Komposition verändert worden war, entdeckte Vartanian, dass wir eine gesteigerte Reaktion auf Muster und Komposition haben. Fast alle Freiwilligen bevorzugten das Originalwerk, selbst bei so unterschiedlichen Stilen wie einem Stillleben von van Gogh und Bleu I von Miró. Die Ergebnisse deuteten darauf hin, dass der Betrachter sich der räumlichen Absicht hinter den besonderen Kompositionen der Gemälde von Natur aus bewusst ist.
Um zu Austen zurückzukehren, berücksichtigt sie auch die Erkenntnisse von Alex Forsythe, einem Psychologen an der Universität Liverpool, der eine Verbindung zwischen den Formen in der abstrakten Kunst und der Fähigkeit des Gehirns, komplexe Szenen zu verarbeiten, hergestellt hat, wobei er auf die Arbeiten von Manet und Pollock verweist. Forsythe verwendete einen Kompressionsalgorithmus, um die visuelle Komplexität von Kunstwerken zu messen und komplexe Bilder zu speichern. Er kam zu dem Schluss, dass einige Künstler diese Komplexität nutzen könnten, um dem Bedürfnis des Gehirns nach Details gerecht zu werden. Forsythe untersuchte auch die Anziehungskraft des Gehirns auf fraktale Muster und die Anziehungskraft der abstrakten Kunst. Diese sich wiederholenden Muster, die aus der Natur stammen, könnten das menschliche visuelle System ansprechen, das sich im Freien entwickelt hat, und Forsythe argumentiert, dass abstrakte Künstler Farbe verwenden könnten, um "eine negative Erfahrung zu lindern, die wir normalerweise haben, wenn wir mit einem zu hohen fraktalen Inhalt konfrontiert werden". Austen weist darauf hin, dass die Neuroästhetik noch in einem frühen Stadium ist und dass es möglicherweise zu früh ist, um allgemeine Aussagen zu treffen. Dennoch geben uns die zahlreichen Theorien, die in diesem Forschungsbereich behandelt wurden, einen besseren Einblick in die visuelle Anziehungskraft der abstrakten Kunst. Nicht zuletzt haben einige Wissenschaftler argumentiert, dass das Gehirn von Arbeiten von Künstlern wie Pollock angezogen werden könnte, da wir visuelle Bewegung – wie einen handgeschriebenen Brief – so verarbeiten, als würden wir die Schöpfung wieder abspielen. Dies könnte ein Verständnis für die wahrgenommene Dynamik der Werke von Pollock sein, deren energetische Produktion vom Betrachter erneut erlebt wird.
Margaret Neill - Manifest, 2015. Kohle und Wasser auf Papier. 63,5 x 101,6 cm.
Wassily Kandinsky: Über das Geistige in der Kunst
Lassen Sie uns nun vor etwa einem Jahrhundert zurückkehren, zu einem der Führer des deutschen Expressionismus, bekannt für seine Rolle als synästhetischer Künstler: Kandinsky spielte eine zentrale Rolle in den Theorien des frühen 20. Jahrhunderts über die Psychologie hinter abstrakter Kunst. Sein Buch „Über das Geistige in der Kunst“, veröffentlicht 1911, wurde als das grundlegende Werk der abstrakten Malerei bekannt und erforschte ausführlich die emotionalen Eigenschaften von Form, Linie und Farbe. Kandinskys Synästhesie äußerte sich in seiner abnormalen Empfindlichkeit gegenüber Farben und seiner Fähigkeit, sie nicht nur zu sehen, sondern auch zu hören. Aus diesem Grund argumentierte er, dass ein Gemälde der intellektuellen Analyse entkommen sollte und stattdessen die Teile des Gehirns erreichen sollte, die mit der Verarbeitung von Musik verbunden sind. Kandinsky glaubte, dass Farbe und Form die beiden grundlegenden Mittel waren, durch die ein Künstler spirituelle Harmonie in der Komposition erreichen konnte, und er trennte somit die Schaffung und Wahrnehmung von Kunst in zwei Kategorien: innere und äußere Notwendigkeit. In Anspielung auf Cézanne schlug Kandinsky vor, dass der Künstler die Gegenüberstellung von linearen und koloristischen Formen schafft, um Harmonie zu erzeugen, ein Prinzip des Kontrasts, von dem Kandinsky wetteiferte, dass es das „wichtigste Prinzip in der Kunst zu allen Zeiten“ sei. Wir können eines von Kandinskys Prinzipien, wie in dieser akademischen Arbeit diskutiert, auf Jackson Pollocks künstlerische Praxis anwenden, bei der er Leinwände auf den Boden legte und Farbe von oben darauf tropfte. Für Kandinsky darf der Künstler sich nicht an die Regeln der Kunst halten und muss frei sein, sich auf jede erdenkliche Weise auszudrücken: ein wesentlicher Faktor für die innere Notwendigkeit. Laut Edward Lavine wird Malerei für Pollock „zu einer Erfahrung [in], in der das Werk eigene Anforderungen hat, die unabhängig von der Persönlichkeit des Malers existieren. Diese Anforderungen scheinen oft das Aufgeben persönlicher Entscheidungen zugunsten der inneren Notwendigkeit des Werkes zu erfordern.“ (Mythologische Untertöne im Werk von Jackson Pollock) In gewissem Maße widerspricht diese Theorie der von Forsythe und anderen Erwähnten, da sie impliziert, dass der Künstler bei der Schaffung des Werkes eine begrenzte Wahl hat. Dennoch zeigt sie die Kraft des Prozesses der Schaffung abstrakter Kunst.
Anya Spielman - Bury, 2010. Öl auf Papier. 28 x 25,4 cm.
Peak-Shift
Die grundlegende Idee hinter dem Prinzip des Peak-Shift ist, dass Tiere auf einen übertriebenen Reiz stärker reagieren können als auf einen normalen. Das Konzept, ursprünglich von dem Ethologen Nikolaas Tinbergen formuliert, wurde von V.S. Ramachandran und William Hirstein in dem Papier von 1999 The Science of Art angewendet, in dem sie das Möwenexperiment anwendeten – wobei Küken ebenso bereitwillig auf einen roten Punkt im Schnabel der Mutter picken wie auf einen Stock mit drei roten Streifen am Ende – um zu demonstrieren, dass Küken auf einen ‚Superreiz‘ reagieren, der hier durch die Menge des roten Konturs dargestellt wird. Für die beiden Männer wäre dieser Stock mit dem roten Ende vergleichbar mit einem Meisterwerk von Picasso in Bezug auf das Maß an Reaktion, das der Betrachter erreicht.
Ramachandran argumentierte, dass abstrakte Künstler diese Theorie manipulieren, um die positivsten Ergebnisse zu erzielen, indem sie das Wesen dessen, was sie darstellen möchten, identifizieren, es übertreiben und alles andere beseitigen. Laut Ramachandran ist unsere Reaktion auf abstrakte Kunst eine Spitzenverschiebung von einer grundlegenden Reaktion auf einen ursprünglichen Reiz, auch wenn der Betrachter sich möglicherweise nicht daran erinnert, was der ursprüngliche Reiz war.
Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Öl auf Leinwand. 60 x 54 Zoll.
Gehirnschaden und Abstraktion
Um zu de Kooning zurückzukehren, haben Studien gezeigt, dass das Gehirn kein einzelnes Kunstzentrum hat, sondern beide Hemisphären nutzt, um Kunst zu schaffen, was Auswirkungen auf die künstlerische Fähigkeit oder die Art der künstlerischen Produktion nach Hirnschäden oder neurodegenerativen Erkrankungen haben kann. Laut Anjan Chatterjee für The Scientist kann eine Schädigung der rechten Gehirnhälfte zu Beeinträchtigungen der räumlichen Verarbeitung führen, was oft zur Annahme eines expressiven Stils führt, der nicht den gleichen Grad an Realismus erfordert. Ähnlich kann eine Schädigung der linken Gehirnhälfte Künstler dazu inspirieren, lebendigere Farben in ihren Arbeiten zu verwenden und den Inhalt ihrer Bilder zu verändern. Der Stil der kalifornischen Künstlerin Katherine Sherwood wurde von Kritikern nach einem hämorrhagischen Schlaganfall in der linken Hemisphäre als „roher“ und „intuitiver“ angesehen. Nicht nur die Produktion von Kunst ist betroffen, Hirnschäden können auch die Wertschätzung von Kunst verändern, sagt Chatterjee. Genauer gesagt kann eine Schädigung des rechten Frontallappens das Urteil über Abstraktheit, Realismus und Symbolik beeinträchtigen, und eine Schädigung des rechten Parietallappens kann das Urteil über Lebendigkeit und Symbolik beeinflussen.
Gary Paller - 20 (2015) Blau, 2015. 59,1 x 45,7 Zoll
Prestige über Produktion
Es gibt erhebliche Beweise dafür, dass wir positiver auf Kunst reagieren, basierend darauf, wie wir sie erleben. Wenn Menschen mit einem Werk abstrakter Kunst konfrontiert werden, bewerten sie es als attraktiver, wenn sie erfahren, dass es aus einem Museum stammt, als wenn sie glauben, es sei computer-generiert, selbst wenn die Bilder identisch sind. Dies funktioniert auf verschiedenen psychologischen Ebenen und stimuliert den Teil des Gehirns, der episodisches Gedächtnis verarbeitet – die Vorstellung, ein Museum zu besuchen – und den orbitofrontalen Kortex, der positiver auf das Element des Status oder der Authentizität eines Werkes reagiert als auf dessen tatsächlichen sensorischen Inhalt. Dies deutet darauf hin, dass Wissen und nicht das visuelle Bild eine Schlüsselrolle bei unserer Anziehung zur abstrakten Kunst spielt. Ähnlich könnte es sein, dass wir mehr Freude daran haben, Informationen über Kunst und Kultur zu erinnern.
Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Acryl auf Leinwand. 70 x 100 cm.
Abstrakte Kunst spricht Künstler an
Weitere Studien haben gezeigt, warum abstrakte Kunst möglicherweise spezifische Gruppen von Menschen, insbesondere Künstler, stärker anspricht. Eine Studie, die die elektrischen Rhythmen im Gehirn von Nicht-Künstlern und Künstlern aufzeichnete, zeigte, dass der künstlerische Hintergrund des Probanden die Verarbeitung abstrakter Kunst erheblich beeinflusste, wobei sich herausstellte, dass Künstler eine fokussierte Aufmerksamkeit und aktive Auseinandersetzung mit den Informationen zeigten. Eine Theorie besagt, dass dies daran liegen könnte, dass das Gehirn Gedächtnis nutzt, um andere Werke abzurufen, um den visuellen Reiz zu verstehen. Es ist dieses Gefühl des Abrufs und ein mehrschichtiger Prozess der Suche nach Anerkennung, der der abstrakten Kunst viel von ihrer anhaltenden Anziehungskraft zu verleihen scheint. Von Kandinskys explorativem Werk von 1911 über das Konzept des Peak-Shift bis hin zur zeitgenössischen Studie der Neuroästhetik ist die Psychologie der abstrakten Kunst ein weites und sich ständig veränderndes Forschungsfeld, das das anhaltende Interesse bekräftigt, abstrakte Kunst zu entschlüsseln, zu erklären und zu genießen.
Vorgestelltes Bild: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 Zoll
