Die Neo Supports/Surfaces: Ein Manifest für materiellen Realismus im 21. Jahrhundert
In der Kartographie der Kunstgeschichte haben Bewegungen normalerweise einen klaren Anfang und ein Ende. Sie brennen hell, verblassen und wandern schließlich in die stillen Archive der Museen. Supports/Surfaces, geboren im theoretischen Feuer von 1966, ist die seltene Ausnahme, die sich weigerte, zu erlöschen.
Während die Bewegung ursprünglich vom politischen Radikalismus des Mai 1968 angetrieben wurde und letztlich von gewaltsamen Auseinandersetzungen zwischen ihren maoistischen und marxistischen Fraktionen zerrieben wurde, hat sich ihr wahres Erbe als weitaus dauerhafter erwiesen als ihre ideologischen Ursprünge. Die Kernentdeckung von Supports/Surfaces war nicht politisch, sondern ontologisch: Indem sie den Support (den Keilrahmen) vom Surface (der Leinwand) trennten, enthüllten diese Künstler die physische Wahrheit der Malerei. Sie bewiesen, dass ein Gemälde kein Fenster in eine Illusion ist, sondern ein materielles Objekt in der realen Welt.
Während wir uns in der Kunstwelt des Januar 2026 bewegen, hat sich dieses Konzept zu dem entwickelt, was Kritiker als "Neo-Supports/Surfaces"-Bewegung bezeichnen könnten: mit einigen der Gründungsväter, die jetzt alle in ihren 80ern oder 90ern sind, die weiterhin ihre vitalsten Werke produzieren, neben einer aufstrebenden Generation von Erben, die die alte Politik abgelegt haben, um sich ganz auf die künstlerische Kraft des Mediums zu konzentrieren.
Für den Kenner ist dies keine Geschichtsstunde; es ist eine lebendige Zeitleiste, die den radikalen Umbruch der 1960er Jahre mit der materiellen "Wahrheit" verbindet, die Sammler heute suchen.
I. Die lebenden Säulen: Die Gründer sind noch aktiv
Es ist ein seltenes Privileg, die Urheber einer historischen Avantgarde noch auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte tätig zu sehen. Dies sind die Männer, die vor fünfzig Jahren die Grammatik der Bewegung festlegten.
Claude Viallat - Einzelausstellung in der Galerie Ceysson Bénétière, 2023 - Installationsaufnahme
Die Erzählung beginnt mit Claude Viallat (geb. 1936), dem unermüdlichen Patriarchen der Bewegung. 1966 traf Viallat die radikale Entscheidung, die Leinwand vom Holzrahmen zu befreien und leitete damit die Ära der toile libre ein. Heute, mit 89 Jahren, bleibt er die sichtbarste Figur der Gruppe, angetrieben von einer legendären Arbeitsmoral, die ihn täglich produzieren lässt. Er wiederholt nicht einfach die Vergangenheit; er vertieft eine lebenslange Spur und beweist, dass unendliche Variation innerhalb der einzigen Beschränkung seiner charakteristischen "Bohnen"-Form existieren kann.
Daniel Dezeuze, "Oeuvres Récentes 2020-2015" im Musee Paul Valery (Sète, Frankreich), 2026
Wenn Viallat die Leinwand beanspruchte, beanspruchte Daniel Dezeuze (geb. 1942) den Raum. Berühmt dafür, leere Holzrahmen und flexible Leitern, die an Wände lehnen, auszustellen, verbrachte Dezeuze Jahrzehnte damit, das „Skelett“ der westlichen Malerei zu enthüllen. Im Jahr 2026 baut sein Werk weiterhin die Illusion des „Fensters“ ab und besteht auf der kompromisslosen „Objekthaftigkeit“ der Kunst. Seine intellektuelle Strenge bleibt ein Maßstab für die Bewegung.
Noël Dolla – Einzelausstellung in der Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne, 2025 – Installationsaufnahme
Noël Dolla (geb. 1945) gehört zu den letzten der ursprünglichen Architekten der Bewegung. Bekannt für seinen kühnen Einsatz von Farbe und unorthodoxen Materialien, hat Dolla die Sprache der Abstraktion konsequent über die Leinwand hinaus erweitert. Seine frühen Werke – gefärbte Spültücher, gespannten Fäden und Land-Art-Interventionen – stellten konventionelle Hierarchien infrage und brachten die materialistische Ethik von Supports/Surfaces sowohl in private als auch öffentliche Bereiche. In den letzten Jahren blieb Dollas Praxis ebenso erfinderisch wie eh und je, schwankend zwischen monumentalen Außeninstallationen und zarten, prozessorientierten Werken, die sich mit Raum, Architektur und der Bewegung des Betrachters auseinandersetzen. Seine Fähigkeit, seinen Ansatz neu zu erfinden und dabei einen rigorosen konzeptuellen Kern zu bewahren, macht ihn zu einer wichtigen Kraft in der zeitgenössischen Abstraktion und zu einer lebendigen Verbindung zu den Ursprüngen der Bewegung.
Bernard Pagès – Einzelausstellung in der Galerie Ceysson Bénétière Lyon, 2013 – Installationsaufnahme
Bernard Pagès (geb. 1940) repräsentiert die skulpturale Avantgarde von Supports/Surfaces. Von Anfang an zeichnete sich Pagès dadurch aus, die Grenzen zwischen Malerei und Skulptur zu dekonstruieren, indem er bescheidene Materialien – Holz, Stein, Metall, Beton – zu Werken zusammenfügte, die Prozess, Gegenüberstellung und die inhärenten Qualitäten der Materie in den Vordergrund stellen. Seine Praxis ist geprägt von einer tiefen Aufmerksamkeit für die Beziehung zwischen Objekt, Raum und Betrachter sowie einer beständigen Hinterfragung von künstlerischer Autorschaft und Wert. Pagès’ jüngste Ausstellungen haben seine Position als wichtiger Innovator bestätigt und gezeigt, wie die Prinzipien der Bewegung durch neue Formen und Materialien kontinuierlich reaktiviert werden können. Seine fortwährende Erforschung von Struktur, Rhythmus und physischer Präsenz stellt sicher, dass der experimentelle Geist von Supports/Surfaces lebendig und im Wandel bleibt.
II. Der Motor der Galerie: Die entscheidende Rolle von Ceysson & Bénétière
Alle vier Gründungskünstler sind weiterhin aktiv ausgestellt und werden insbesondere auf dem Primärmarkt von Ceysson & Bénétière vertreten. Das anhaltende Engagement der Galerie war entscheidend, um die dauerhafte Sichtbarkeit und Zugänglichkeit der Supports/Surfaces-Künstler zu gewährleisten.
Tatsächlich hebt sich unter den vielen Akteuren, die das Schicksal von Supports/Surfaces prägen, die Rolle von Ceysson & Bénétière hervor. Die 2006 gegründete Galerie hat sich von einem regionalen Raum in Saint-Étienne zu einer multinationalen Kraft entwickelt, mit neun Ausstellungsorten in Europa, Nordamerika und Asien, einschließlich der bedeutenden Eröffnung ihrer Galerie in Tokio im Jahr 2025. Diese zentrifugale Expansion, verwurzelt in einer tiefen intellektuellen und logistischen Basis außerhalb der traditionellen Hauptstädte, hat es Ceysson & Bénétière ermöglicht, die Regeln des zeitgenössischen Kunstmarktes neu zu schreiben.
"Supports/Surfaces"-Ausstellung, Galerie Ceysson Bénétière, Tokio 2025 - Installationsaufnahme
Von Anfang an hat die Galerie eine mutige Wette auf den historischen und künstlerischen Wert von Supports/Surfaces abgeschlossen. Indem sie Künstler förderte, die vom Markt lange unterschätzt wurden: Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour und viele andere, spielte Ceysson & Bénétière eine entscheidende Rolle bei der Neubewertung und Sicherung des Erbes der Bewegung. Ihre kuratorische Strenge, ihr wissenschaftliches Verlagsprogramm und ihre internationale Ausstellungsstrategie haben dafür gesorgt, dass die Werke dieser Künstler auf höchstem Niveau sichtbar, gesammelt und diskutiert bleiben.
Das Engagement der Galerie ist nicht nur patrimonial. Mit Ausstellungen wie der Eröffnung 2025 in Tokio (siehe Installationsaufnahme oben), angeführt von einer großen Supports/Surfaces-Übersicht, hat Ceysson & Bénétière die Bewegung als lebendige, global relevante Kraft positioniert. Ihre Fähigkeit, historische Tiefe mit zeitgenössischem Dynamismus zu verbinden, zeigt sich in ihrer Unterstützung aufstrebender Künstler, die die materialistische und prozessorientierte Ethik von Supports/Surfaces in neue Territorien erweitern.
III. Die "Reinen" Erben: Strenge und Autonomie
Die Bewegung "Neo Supports/Surfaces" wird von der "Zwischengeneration" weitergeführt, Künstlern, die direkt von den Meistern ausgebildet wurden, welche die rohe Dekonstruktion der 60er Jahre zu einer präzisen, kontemplativen Wissenschaft verfeinert haben.
Frédéric Prat - Einzelausstellung bei Galerie Richard, 2025 - Installationsaufnahme
Frédéric Prat (geb. 1966) repräsentiert die "klassische" Wendung der Bewegung. Als Schüler von Claude Viallat und Toni Grand an der Pariser Beaux-Arts hat Prat seine Karriere der Reinigung der Grammatik der Bewegung gewidmet. Er lehnt naturalistische Assoziationen rigoros ab und widmet sich stattdessen einer extremen Suche nach "Non-Formen." Seine großformatigen quadratischen Leinwände zeigen monochrome Hintergründe, unterbrochen von autonomen "bildlichen Ereignissen", Schleifen und Linien, die sich weigern, etwas außerhalb ihrer selbst darzustellen. Wo Viallat Wiederholung nutzte, um Komposition zu zerstören, verwendet Prat das "Nicht-Bild", um ein Objekt reinen Denkens zu konstruieren. Vertreten durch Galerie Richard in Frankreich, wird sein rigoroser Formalismus im globalen digitalen Kontext von IdeelArt repräsentiert.
Stéphane Bordarier - Einzelausstellung in der Galerie ETC, 2023 - Installationsaufnahme
In Nîmes agiert Stéphane Bordarier (geb. 1953) als Theologe der Gruppe. Seine Praxis ist durch eine kompromisslose Einschränkung definiert: die Verwendung von colle de peau (Tierhautleim). Da dieses Medium schnell trocknet, ist Bordarier gezwungen, seine "falschen Monochrome" im Wettlauf gegen die Zeit zu malen, wodurch jede Möglichkeit subjektiver Zögerlichkeit ausgeschlossen wird. Dieser Prozess passt perfekt zum Fokus der Bewegung auf Verfahren statt Ego.
Guillaume Moschini - Einzelausstellung in der Galerie Oniris, 2023 - Installationsaufnahme
Guillaume Moschini (geb. 1970), betreut vom Triumvirat Viallat, Saytour und Bioulès, hat die aggressive Dekonstruktion seiner Lehrer gemildert. Er arbeitet mit ungeprimter Leinwand und der "Imbibitions"-Technik, bei der verdünnte Acrylfarben direkt in die Faser eindringen. Das Ergebnis ist ein "Tugendkreis" aus Licht und Transparenz, eine "weiche Geometrie", die mit Farbe vibriert, anstatt den Betrachter zu konfrontieren. Ein fester Bestandteil der französischen abstrakten Szene durch die Galerie Oniris, erreicht Moschinis Werk internationale Sammler über IdeelArt.
IV. Die Innovatoren
Die Bewegung überlebt auch, weil sie herausgefordert wird. Die jüngste Generation nutzt die Werkzeuge von Supports/Surfaces, um deren Logik zu kritisieren oder in neue Medien zu erweitern.
Nr. 1113 von Jean-Daniel Salvat, 2020
Jean-Daniel Salvat (geb. 1969), ein Schüler der Klasse von Viallat aus dem Jahr '92, kehrte die Bewegung im Wesentlichen um, um "Post-Supports/Surfaces" zu schaffen. Während sein Mentor das rustikale Gewebe der Leinwand feierte, malt Salvat auf der Rückseite von transparentem Vinyl. Der Betrachter sieht das Werk durch den Kunststoff, was zu einer glatten, industriellen "Faksimile" eines Gemäldes führt, das die Glätte eines digitalen Bildschirms widerspiegelt. Er bewahrt die Besessenheit der Bewegung vom Objekt, tauscht jedoch das Rustikale gegen das Synthetische aus. Seine Arbeit ist auch über IdeelArt.com erhältlich.
Nicolas Chardon - Einzelausstellung in der Galerie Jean Broly, 2014 - Installationsaufnahme
Nicolas Chardon (geb. 1974) führt einen konzeptuellen Dialog mit den häuslichen Stoffen von Patrick Saytour. Chardon malt auf "Vichy"-(Karo-)Stoffen, aber mit einem Twist: Wenn er sie spannt, verzerren sich die Gitterlinien durch die Spannung natürlich. Er malt seine geometrischen Quadrate entlang dieser verzerrten Linien und beweist, dass die "ideale" Geometrie des Geistes sich immer der physischen Realität des Supports beugen muss.
Adrien Vescovi - Einzelausstellung bei Ceysson & Bénétiere St Etienne, 2017 - Installationsaufnahme
Schließlich hat das Erbe sogar den Außenbereich erreicht mit Adrien Vescovi (geb. 1981), Erbe der "Intérieur/Extérieur"-Ausstellungen von 1970. Vescovi bringt die toile libre vollständig aus dem Atelier heraus. Mit natürlichen Farbstoffen setzt er seine Leinwände monatelang Sonne, Wind und Regen aus und verlagert den Fokus der Bewegung vom "marxistischen Materialismus" zum "ökologischen Materialismus". Mit großen institutionellen Projekten im Jahr 2026 hat er auch bei Ceysson & Bénétière ausgestellt, derselben Kraft, die die Gründer der Bewegung verteidigt.
V. Parallele Geschichten und die universelle Sprache in der westlichen Kultur
Wenn Supports/Surfaces als speziell französische Rebellion begann, waren die gestellten Fragen universell. Es stellt sich heraus, dass der Drang, das Gemälde zu demontieren, nicht auf Nîmes beschränkt war; es war ein globaler Zeitgeist.
Für den Sammler bildet dieser Abschnitt keine Linie von "Erben" ab, sondern vielmehr eine Konstellation verwandter Geister. Es sind westliche Künstler, die aus verschiedenen Hauptstädten und Jahrzehnten stammen und zu denselben "Supports/Surfaces"-Schlüssen gelangten, was beweist, dass die Suche nach materieller Wahrheit eine kulturübergreifende Notwendigkeit ist.
"La Couleur en Fugue" in der Fondation Louis Vuitton, 2022. Sam Gilliam - Drape Paintings Serie
Der amerikanische Gegenpart: Sam Gilliam (1933–2022).
Es handelt sich um eine historische Synchronizität: Genau in dem Moment, als Claude Viallat seine Leinwände im Süden Frankreichs entfaltete, entfernte Sam Gilliam in Washington, D.C. die Keilrahmen. Seine berühmten "Drape Paintings" – riesige, farbgesättigte Leinwände, die im Raum schweben – sind keine Nachkommen der französischen Schule, sondern ihr geistiges Zwilling. Wie die französischen Gründer verstand Gilliam, dass die Befreiung der Farbe von der starren Architektur des Rahmens ihr erlaubt, den realen Raum zu bewohnen. Ob lose, skulpturale Falten hängend oder mit intensivem Pigment befleckt, behandelt sein Werk die Leinwand als physische Haut statt als Fenster und bestätigt die materialistische Suche über den Atlantik hinweg.
„La couleur en fugue“ in der Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino
Die Punk-Parallele: Steven Parrino (1958–2005).
Steven Parrino ist international anerkannt für das Überschreiten der Grenzen der Malerei hin zur radikalen Dekonstruktion. Seine ikonischen Werke, große, runde Leinwände, verdreht, gefaltet oder zerknittert, oft in kräftigen Streifen oder metallischem Monochrom gemalt, behandeln die Leinwand als skulpturales Objekt und betonen die Körperlichkeit und Widerstandsfähigkeit des Materials. Zerknitterte metallische Formen auf dem Boden spiegeln diese Gesten wider und lösen die Grenze zwischen Malerei und Skulptur auf.
Parrinos Eingriffe handeln nicht einfach von Zerstörung, sondern von der Energie und Spannung, die entstehen, wenn die Konventionen der Malerei auf den Kopf gestellt werden. Während er seinen Ansatz unabhängig entwickelte, resoniert Parrinos Werk stark mit dem Supports/Surfaces-Ethos: Beide stellen Prozess, Materialität und die Autonomie des gemalten Objekts in den Vordergrund. Seine Praxis steht als kraftvolle Parallele zu, nicht als direkte Erweiterung der Bewegung und zeigt, wie die radikale Neuinterpretation der Grenzen der Malerei auf beiden Seiten des Atlantiks stattgefunden hat.
Sergej Jensen bei PS1 MOMA, 2011. Installationsaufnahme.
Der zeitgenössische Dialog: Sergej Jensen (geb. 1973) & Wyatt Kahn (geb. 1983).
Heute erweitern Künstler von Berlin bis New York diese Logik weiterhin. Jensens „Gemälde ohne Farbe“ (aus Leinen und Jute genäht) spiegeln Patrick Saytours Verwendung von heimischen Textilien wider. Unterdessen konstruiert Wyatt Kahn puzzelartige Assemblagen aus rohem Canvas und geformten Rahmen und schafft damit eine architektonische Antwort auf Daniel Dezeuzes leere Leitern. Sie kopieren nicht die Franzosen; sie sprechen dieselbe materielle Sprache.
Wyatt Kahn - Untitled (Grayscale City-Paintings) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VI: Globale Resonanzen: Supports/Surfaces und Asien
Während Supports/Surfaces in Frankreich entstanden ist, findet seine radikale Neuinterpretation der Materialien und Konventionen der Malerei auffällige Parallelen in der asiatischen Kunst der Nachkriegszeit. Obwohl es kein direktes asiatisches Äquivalent oder eine formale Verbindung gibt, haben Künstler und Bewegungen wie Dansaekhwa in Südkorea und Gutai in Japan viele der gleichen Anliegen unabhängig voneinander erforscht, die Supports/Surfaces antreiben.
Dansaekhwa-Künstler wie Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (geb. 1935) und Lee Ufan (geb. 1936) stellen die Materialität der Leinwand, die repetitive Geste und die Autonomie des Supports in den Vordergrund. Ihre prozessorientierten, meditativen Werke beinhalten oft das Manipulieren, Schaben oder Weben der Leinwand und spiegeln die Materialexperimente und Dekonstruktionen wider, die in Supports/Surfaces zu finden sind.
"Lee Ufan und Claude Viallat, Begegnung" bei Pace London, 2023. Installationsaufnahme.
Ähnlich ist die Gutai-Gruppe in Japan war in den 1950er und 60er Jahren Vorreiter eines experimentellen Ansatzes zur Malerei, der unkonventionelle Träger, performative Gesten und die Integration von Körper und Zufall in den kreativen Akt umfasste. Künstler wie Kazuo Shiraga (1924–2008), mit seinen dynamischen, mit den Füßen bemalten Leinwänden, und Shozo Shimamoto (1928–2013), bekannt für seine radikalen Materialexperimente und performativen „Flaschenwerf“-Gemälde, verkörpern eine Materialität und Prozessorientierung, die eng mit dem Supports/Surfaces-Ethos übereinstimmt, die Hierarchie der Malerei als Illusion herausfordert und auf die Objekthaftigkeit und physische Präsenz des Kunstwerks besteht.
Heute werden diese Affinitäten zunehmend von Kuratoren und Kritikern anerkannt, die Supports/Surfaces, Dansaekhwa und Gutai in Ausstellungen zusammenbringen, um eine breitere, globale Bewegung hin zu Materialität, Prozess und der Auflösung der traditionellen Grenzen der Malerei hervorzuheben. Diese Konvergenz unterstreicht, dass die Suche nach materieller Wahrheit in der Kunst nicht durch Geografie begrenzt ist, sondern über Kontinente und Kulturen hinweg resoniert.
"Action" – Shozo Shimamoto und Kazuo Shiraga in der Whitestone Gallery, 2023. Installationsaufnahme
VI. Die IdeelArt-Konstellation: Materialrealismus in der Praxis
Die Bewegung "Neo Supports/Surfaces" ist nicht nur eine historische Randnotiz; sie ist eine lebendige Frequenz, die weiterhin durch die zeitgenössische Praxis schwingt. Bei IdeelArt wird diese Linie von den direkten Erben getragen, die wir bereits besprochen haben, Frédéric Prat, mit seiner rigorosen Reinigung der "Nicht-Form"; Jean-Daniel Salvat, der durch seine Arbeit mit Vinyl die Haut des Gemäldes selbst hinterfragt; und Guillaume Moschini, dessen prozedurale Farbauftrag das Ego eliminiert, um die Schwingung des Supports zu offenbaren.
Doch die Suche nach der "materiellen Wahrheit" geht über diese direkten Nachkommen hinaus. Sie zeigt sich in einer vielfältigen Konstellation internationaler Künstler, die bewusst oder intuitiv zu derselben Schlussfolgerung gelangt sind: dass ein Kunstwerk zuerst ein Objekt in der realen Welt sein muss, bevor es ein Bild sein kann.
Jean Feinberg - "Minimal/Maximal" Ausstellung im Ed Rothfarb Studio, 2025 - Installationsaufnahme
Jean Feinberg (USA) verkörpert die Forderung der Bewegung nach "Malerei als Objekt". Ihre Arbeit lehnt das rechteckige Fenster der traditionellen Malerei zugunsten von "Konstruktionen" ab, die aus geborgenem Holz, Leinwand und Farbe gebaut sind. Wie die frühen Experimente von Bernard Pagès sind Feinbergs Werke keine Bilder von etwas; sie sind autonome Einheiten, die in den Raum des Betrachters hineinragen. Durch die Integration von gefundenen Trümmern und Bauholz bestätigt sie die These, dass die physische Spannung des Objekts das wahre Thema der Kunst ist.
Louise Blyton - "Mulooning" - Einzelausstellung in der Five Walls Galerie, Melbourne, 2025 - Installationsaufnahme
Louise Blyton (Australien) führt einen tiefgründigen Dialog mit der "Wahrheit des Supports". Im Geiste von Claude Viallats Befreiung der Leinwand erhebt Blyton rohen Leinenstoff von einem passiven Hintergrund zu einem aktiven, sichtbaren Material. Ihre reduktive Technik – das Umwickeln von Leinen über geformte Balsaholzformen und das Auftragen endloser, ego-loser Pigmentschichten – schafft Werke, die weder Malerei noch Skulptur sind, sondern hybride Objekte. Sie verbergen ihre Entstehung nicht; sie feiern die gewebte Realität ihrer Oberfläche.
Anthony Frost in seinem Atelier (2023)
Anthony Frost (UK) kanalisiert die Ablehnung der "feinen Kunst" durch die Bewegung durch seine radikale Hinwendung zu bescheidenen Materialien. So wie Noël Dolla zu Geschirrtüchern und Tarlatan griff, konstruiert Frost seine viszeralen Abstraktionen mit Segeltuch, Obstnetzen und Jute. Dies sind keine neutralen Flächen für Illusionen; sie sind raue, industrielle Realitäten, die ihre eigene Geschichte behaupten. Seine Arbeit beweist, dass der Geist der "Neo Supports/Surfaces" überall dort gedeiht, wo ein Künstler die rohe Ehrlichkeit des Materials über die Täuschung der Darstellung stellt.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, Victoria & Albert Museum, 2025
Richard Caldicott (UK) wendet die dekonstruierende Logik der Bewegung auf das Medium der Fotografie an. So wie Daniel Dezeuze die Malerei auf den Keilrahmen reduzierte, um ihr Skelett zu offenbaren, reduziert Caldicott die Fotografie auf ihre elementaren Mechanismen: Licht und Papier. Durch seine Photogramme und Papiernegative umgeht er die dokumentarische Funktion der Kamera, um Bilder zu schaffen, die physische Abdrücke der Welt sind. Er offenbart die "ontologische Wahrheit" der Fotografie und verwandelt sie von einem Spiegel der Realität in einen Generator konkreter Form.
Wir glauben, dass die "Neo Supports/Surfaces"-Bewegung weit größer ist als ihre französischen Ursprünge; sie ist eine globale Suche nach materieller Wahrheit. Ob als "Provisional Painting," "Casualism," "New Materialism," bezeichnet oder in Dansaekhwa und Gutai gesehen, Künstler von Brooklyn bis Seoul sind aktiv an dieser gleichen Suche beteiligt.
Dies ist keine Nostalgie, sondern eine gültige, universelle Methodik für das 21. Jahrhundert. Was in den Ateliers von Nîmes begann, findet sein Echo in den Vorhängen von Washington D.C., der Textilkunst Dänemarks, dem Minimalismus New Yorks und den meditativen Leinwänden Asiens.
Die Gründer zerlegten die Malerei, um ihre Wahrheit zu finden; die institutionelle Brücke bewahrte diese Wahrheit; und eine globale Künstlergeneration nutzt sie, um neue Architekturen zu schaffen. Die politischen Flugblätter von 1968 mögen verblasst sein, aber die ästhetische Entdeckung bleibt gültig: das Objekt der Malerei ist die Malerei selbst.
Von Francis Berthomier
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". Hôtel des Arts de Toulon. Dez 2025.
Dieser Artikel wurde inspiriert durch einen kürzlichen Besuch der Viallat-Ausstellung im Hôtel des Arts in Toulon (Frankreich), wo ein Gespräch mit Claude Viallat selbst bestätigte, dass er immer noch drei Werke pro Tag produziert, ein dauerhaftes Zeugnis seiner anhaltenden Vitalität und der lebendigen Energie der Bewegung.
Ausgewähltes Bild: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" im Carré d'Art (Nîmes, Frankreich) 2018. Installationsaufnahme.
