Ernsthaft und nicht ganz so ernst: Kyong Lee in 14 Fragen

DIE SPRACHE DER FARBE

Bei IdeelArt glauben wir, dass die Geschichte eines Künstlers sowohl im Atelier als auch außerhalb erzählt wird. In dieser Serie stellen wir 14 Fragen, die die Lücke zwischen kreativem Schaffen und Alltag überbrücken und professionelle Einblicke mit persönlichen Eigenheiten verbinden, die jeden Künstler einzigartig machen.

Aus ihrem Atelier mit Blick auf koreanische Reisfelder, einem Raum, den sie mit fünf Katzen, einem Hund und dem wechselnden Licht der Jahreszeiten teilt, schafft Kyong Lee Werke, die versuchen, Emotionen in eine sichtbare Sprache zu verwandeln. Entdecken Sie, wie die Liebe zum Jazz, der Einfluss eines nachdenklichen Mentors und ein entscheidender Materialwechsel ihr halfen, die „Emotionale Farbe“ zu finden, die ihre Arbeit heute prägt.

Die nicht ganz so ernsten Fragen

8 Fragen, um unerwartete Eigenheiten und den Alltag von Kyong Lee zu enthüllen

Wenn deine Kunst ein Lied oder Musikstück wäre, was würde im Hintergrund laufen?

Miles Davis’ Kind of Blue,
Keith Jarretts The Köln Concert,
Pat Methenys Travels,
und Debussys Clair de Lune.

Ich verbringe lange Stunden im Atelier, und diese Musik hilft mir, in einem ruhigen, nachdenklichen Zustand zu bleiben, in dem Farbe und Emotion sich langsam entfalten können.

Worauf bist du besessen oder wofür hast du ein starkes Interesse, das nichts mit Kunst zu tun hat?

Ich habe einen kleinen Gemüsegarten, gehe täglich mit meinem Hund spazieren, kümmere mich um streunende Katzen in meinem Hof und liebe es, den Himmel zu beobachten.

Kaffee, Tee oder etwas Stärkeres während der Arbeit? Oder lieber Licht und Stille?

Ich beginne meinen Tag mit einer Tasse Kaffee, dann wechsle ich im Laufe des Tages zu Tee – oft Milchtee oder Yuzu-Tee. Ich arbeite immer mit Musik, meistens Jazz. Die Melodien von Künstlern wie Pat Metheny und Keith Jarrett helfen mir oft, den Rhythmus meiner Arbeit fließend zu halten.
Mein Atelier ist nahtlos mit meinem Alltag verbunden, den ich mit einem Hund und fünf Katzen teile. Ein kleiner Bach fließt in der Nähe, und im Hof stehen eine große Zelkove und ein Kirschbaum, umgeben von Reisfeldern. Es ist eine Umgebung, in der die wechselnden Jahreszeiten tief spürbar sind, und ich finde Inspiration bei meinen täglichen Spaziergängen hier mit meinem Hund.

Wenn du jemanden treffen könntest, tot oder lebendig, wer wäre das?

Der verstorbene Klaus Stümpfel, mein Professor an der HBK Braunschweig. Er hat mich durch seine Leidenschaft und Ernsthaftigkeit gegenüber der Kunst gelehrt. Er war nicht berühmt, aber der wichtigste Lehrer in meinem Leben.

Wenn du kein Künstler wärst, was würdest du dann tun?

Ich fühle mich seit der fünften Klasse zur Kunst hingezogen, als ich begann, Cézannes Aquarelle vom Mont Sainte-Victoire zu kopieren – hier nahm der Traum seinen Anfang. Als ich später erkannte, dass das Leben als Künstlerin nicht das romantische Ideal war, das ich als Kind hatte, wurde ich noch engagierter in meiner Arbeit. Ich habe nie ernsthaft einen anderen Beruf in Betracht gezogen, aber wenn ich mir einen vorstellen müsste, wäre ich vielleicht Forscherin in Biologie oder Geschichte – Fächer, die ich immer geliebt habe.

Können Sie eine kurze Geschichte oder einen Moment aus Ihrem Leben teilen, der einen starken Einfluss auf Ihr Leben als Künstlerin hatte?

Eine Person, die meine künstlerische Reise tief geprägt hat, ist Christelle Thomas von IdeelArt. Seit unserem ersten Online-Treffen 2017 unterstützt sie meine Arbeit mit beständigem Vertrauen und Fürsorge.

In Momenten, in denen ich mich emotional niedergeschlagen oder kreativ blockiert fühle, werden ihre kurzen, aber aufrichtigen Nachrichten oft zu einer stillen Kraft, die mir hilft, zu meiner Arbeit zurückzufinden. Letzten Herbst schickte sie mir ein Foto aus Paul Cézannes Atelier in Aix-en-Provence. Da sie meine Bewunderung für Cézanne kennt, berührte mich ihre durchdachte Geste tief und brachte mich dazu, erneut zu fragen: Welche Farbe hat diese Emotion, die ich fühle? Welche Worte könnten sie fassen? Und in welcher Form könnte ich diesen Emotionen Gestalt geben, während sie Schicht für Schicht wachsen?
Momente wie diese – unerwartete Begegnungen und subtile emotionale Erschütterungen – erneuern ständig meine Neugier und werden zur treibenden Kraft hinter meinem Wunsch zu schaffen.

Wie sieht für Sie ein guter Tag außerhalb des Ateliers aus?

Ein guter Tag außerhalb des Ateliers ist einer, an dem ich spüre, dass meine Sinne noch lebendig sind. Alltägliche Routinen können die Wahrnehmung abstumpfen lassen, doch innerhalb dieser Wiederholung entstehen oft unerwartete Momente des Bewusstseins.
Mit meinem Hund an einem klaren Tag spazieren gehen und meinen Blick den fernen Bergkämmen folgen lassen, frisch gebrühten Kaffee mit meinem Mann teilen oder die ersten Azaleen bemerken, die nach einem langen Winter halb den Berg hinauf blühen – diese gewöhnlichen Momente bringen mir stille Freude.
Die meisten Tage sind von Wiederholungen und einem gewissen Gefühl der Stagnation geprägt. Aber wenn meine Sinne innerhalb dieser Alltäglichkeit sanft wieder erwachen, reicht das schon, damit sich der Tag gut anfühlt.

Gibt es etwas an Ihnen, das wahrscheinlich Menschen überraschen würde, die Ihre Arbeit nur durch Ihre Kunst kennen?

Ich bin eine kleine koreanische Frau. Menschen, die meine Arbeit sehen, bevor sie mich kennenlernen, geben oft zu, dass sie sich die Künstlerin als großen Mann vorgestellt haben, der diese Werke malt.

Das (ernstere) Interview

6 Fragen, um tiefer in die Ideen, Erfahrungen und Hoffnungen einzutauchen, die Lees kreative Reise prägen.

Welche Themen oder Fragen tauchen immer wieder in Ihrer Arbeit auf?

Ich kehre immer wieder zur Frage zurück, wie Emotion zur Sprache wird und wie Sprache wiederum zur Farbe wird. Mich ziehen Zustände an, bevor Dinge klar definiert sind – wo Gefühle verweilen, sich verschieben und sich einer präzisen Benennung widersetzen. In diesem Grenzbereich finde ich den wahrhaftigsten Ausdruck menschlicher Erfahrung.
Ein weiteres wiederkehrendes Element in meiner Arbeit ist die horizontale Struktur. Die horizontalen Bänder, die in meinen früheren Werken und in der Serie „Emotional Color Change“ auftauchen, fungieren als ruhiger Rahmen, der Zeit, Emotion und Wahrnehmung gleichmäßig und nicht hierarchisch entfalten lässt. Durch diese Struktur erforsche ich Akkumulation, subtile Variation und das Gleichgewicht zwischen Ordnung und Zufall.

Können Sie einen entscheidenden Moment auf Ihrem Weg als Künstler beschreiben?

Ich ging im Sommer 1991 nach Deutschland und kehrte im Sommer 2000 nach Korea zurück. Während meines Auslandsstudiums schuf ich abstrakte Werke in Öl mit Wasser als Motiv und setzte diese Linie nach meiner Rückkehr fort.
Der Wendepunkt kam 2001. Durch ein internationales Austauschprogramm im Ssamzie Space Residency besuchte ich New York und gewann zwei entscheidende Erkenntnisse. Erstens stand die Monsunzeit in Korea im direkten Konflikt mit meiner Arbeitsweise. Die Ölmaltechnik, die ich verwendete – die auf der Trennung von Wasser und Öl basierte – führte bei hoher Luftfeuchtigkeit zu Rissen und trüben Farben. Zweitens war für die Verwirklichung der horizontalen Struktur, die ich verfolgte, ein grundlegender Materialwechsel notwendig. Ich wollte, dass jede Farbe ihr eigenes, deutlich abgegrenztes Territorium auf der Leinwand einnimmt, statt einfach in Abstufungen zu verschmelzen.
Die Zusammenarbeit mit Künstlern aus New York gab mir den Mut zu experimentieren. Ich begann, die hochwertigen Acrylfarben zu erkunden, die damals gerade in Korea verfügbar wurden. Die Methode, dickes Klebeband horizontal anzubringen und die Zwischenräume mit Farbe zu füllen – das war mit langsam trocknenden Ölfarben unmöglich, aber mit Acrylfarben machbar. Dieser technische Wandel war nicht nur ein Materialwechsel; er war der entscheidende Moment, der den Weg öffnete, die visuelle Sprache zu konkretisieren, nach der ich die ganze Zeit gesucht hatte.

Welche Materialien oder Prozesse sind in Ihrer Praxis am wichtigsten und warum?

Die Arbeit mit Acrylfarbe auf Papier und Leinwand steht im Mittelpunkt meiner Praxis. Ich wähle Acrylfarben wegen ihrer Reaktionsfähigkeit auf die Zeit – wie schnell sie trocknen, wie präzise sie geschichtet werden können und wie lebendig sie die Farbe halten. Diese Eigenschaften ermöglichen es jeder Farbe, ihr eigenes Territorium zu bewahren, anstatt in kontinuierliche Abstufungen zu zerfließen.
Ich arbeite oft mit horizontalen Strukturen, benutze Klebeband, um Grenzen zu definieren, und schaffe Rhythmus durch Wiederholung. Dieser Prozess spiegelt wider, wie ich Emotion verstehe – als etwas, das sich über die Zeit ansammelt, strukturiert, aber offen für subtile Veränderungen ist.
Materialien sind mir wichtig, weil sie es der Farbe ermöglichen, nicht nur als bloße Darstellung zu fungieren, sondern als Aufzeichnung von Wahrnehmungs- und emotionalen Zuständen.

Wie möchten Sie, dass sich Menschen fühlen, wenn sie Ihre Arbeit erleben?

Ich hoffe, die Betrachter halten inne und fühlen sich dann angezogen, näher an das Werk heranzutreten. Nicht um es zu entschlüsseln, sondern um leise die zurückkehrenden Emotionen in sich selbst zu spüren, ohne Druck.
Farbe erreicht uns vor der Sprache – sie wird gefühlt, bevor sie erklärt wird. Wenn meine Arbeit einen Moment schaffen kann, in dem Emotion vor Worten ankommt und die Betrachter in den Farben ein Gefühl benennen, das sie zuvor nicht kannten, ist das für mich genug.

Können Sie uns durch einen typischen Arbeitstag in Ihrem Atelier führen?

Ich arbeite nur bei Tageslicht. Obwohl ich drinnen tageslichtausgewogene Lampen benutze, vermeide ich es, nachts mit Farbe zu arbeiten, da ich auf subtile Veränderungen des natürlichen Lichts angewiesen bin. Abends lese ich meistens Bücher oder schaue Filme auf Netflix, anstatt zu zeichnen. Ein besonders eindrucksvoller Film, den ich kürzlich gesehen habe, war Train Dreams, basierend auf dem Roman von Dennis Johnson.
Um den Emotionen des Tages treu zu bleiben, arbeite ich mit mehreren Leinwänden oder Papierbögen, die gleichzeitig ausgelegt sind. Ich folge keinen festen Ritualen – die Arbeit des Tages reagiert auf die emotionalen und situativen Bedingungen des Moments. Morgens konzentriere ich mich auf die Arbeit im Atelier, nehme gegen 13 Uhr einen späten Brunch ein und arbeite dann bis zum Abendessen weiter.

Welche Träume oder Hoffnungen haben Sie für Ihre künstlerische Reise?

Meine Serie „Color as Adjective“, die die Beziehung zwischen Emotion, Farbe und Sprache erforscht, umfasst inzwischen über 420 Werke. Einige Farben sind bereits erschöpft und können nicht mehr geschaffen werden, während viele andere noch entdeckt und kreiert werden wollen. Ich habe diese Farben in kleinen Gruppen unter dem Singular „Schönheit“ ausgestellt.
Wovon ich jetzt träume, ist, die gesamte Serie an einem einzigen Ort zusammenzubringen. Es wäre eine Gesamtheit all der Emotionen, die ich entdeckt, erlebt und gespürt habe – eine Aufzeichnung der Zeit selbst. Ich hoffe, dass die Besucher in diesem Raum ihre eigenen Emotionen durch die Sprache der Farbe entdecken und die Welt auf eine Weise erleben, die anders oder vielleicht ähnlich wie meine ist.

Von Francis Berthomier
Alle Bilder ©Kyong Lee

ENTDECKEN SIE DAS WERK VON KYONG LEE AUF IDEELART