Ernsthaft und nicht ganz so ernst: Kyong Lee in 14 Fragen

Bei IdeelArt glauben wir, dass jeder Künstler eine Geschichte zu erzählen hat, sowohl im Atelier als auch außerhalb. In dieser Serie stellen wir 14 Fragen, die das Ernste mit dem Nicht-so-ernsten vermischen und unsere Künstler einladen, sowohl ihre kreative Vision als auch ihre alltäglichen Eigenheiten zu offenbaren.

Von lebensverändernden Momenten bis zu Lieblingsritualen, von großen Träumen bis zu kleinen Überraschungen – entdecken Sie eine persönlichere Seite von Kyong Lee.

Die nicht ganz so ernsten Fragen

8 Fragen, um unerwartete Eigenheiten und den Alltag von Kyong Lee zu enthüllen

Wenn Ihre Kunst ein Lied oder ein Musikstück wäre, was würde im Hintergrund gespielt werden?

Miles Davis’ Kind of Blue,
Keith Jarretts The Köln Concert,
Pat Methenys Travels,
und Debussys Clair de Lune.

Ich verbringe lange Stunden im Studio, und diese Musik hilft mir, in einem ruhigen, reflektierenden Zustand zu bleiben, in dem Farbe und Emotion sich langsam entfalten können.

Worauf bist du besessen oder hast ein starkes Interesse, das nichts mit Kunst zu tun hat?

Ich habe einen kleinen Gemüsegarten, mache täglich Spaziergänge mit meinem Hund, kümmere mich um streunende Katzen in meinem Hof und liebe es, den Himmel zu beobachten.

Kaffee, Tee oder etwas Stärkeres während der Arbeit? Oder lieber nur Licht und Stille?

Ich beginne meinen Tag mit einer Tasse Kaffee, dann wechsle ich im Laufe des Tages zu Tee – oft Milchtee oder Yuzu-Tee. Ich arbeite immer mit Musik, meistens Jazz. Die Melodien von Künstlern wie Pat Metheny und Keith Jarrett helfen oft, den Rhythmus meiner Arbeit fließend zu halten.
Mein Studio ist nahtlos mit meinem täglichen Leben verbunden, das ich mit einem Hund und fünf Katzen teile. Ein kleiner Bach fließt in der Nähe, und im Hof stehen eine große Zelkove und ein Kirschbaum, umgeben von Reisfeldern. Es ist eine Umgebung, in der die wechselnden Jahreszeiten tief gespürt werden, und ich finde Inspiration bei meinen täglichen Spaziergängen hier mit meinem Hund.

Wenn du jemanden treffen könntest, tot oder lebendig, wer wäre das?

Der verstorbene Klaus Stümpfel, mein Professor an der HBK Braunschweig. Er lehrte mich durch seine Leidenschaft und Ernsthaftigkeit gegenüber der Kunst. Er war nicht berühmt, aber der wichtigste Lehrer in meinem Leben.

Wenn du kein Künstler wärst, was würdest du tun?

Ich fühle mich seit der fünften Klasse zur Kunst hingezogen, als ich begann, Cézannes Aquarelle von Mont Sainte-Victoire zu kopieren – hier nahm der Traum seinen Anfang. Als ich später erkannte, dass das Leben eines Künstlers nicht das romantische Ideal war, das ich als Kind mir vorgestellt hatte, wurde ich noch engagierter in meiner Arbeit. Ich habe nie ernsthaft einen anderen Beruf in Betracht gezogen, aber wenn ich mir einen vorstellen müsste, wäre ich vielleicht Forscher in Biologie oder Geschichte – Fächer, die ich immer geliebt habe.

Kannst du eine kurze Geschichte oder einen Moment aus deinem Leben teilen, der einen starken Einfluss auf dein Leben als Künstler hatte?

Eine Person, die meinen künstlerischen Weg tief beeinflusst hat, ist Christelle Thomas von IdeelArt. Seit unserem ersten Online-Treffen im Jahr 2017 unterstützt sie meine Arbeit mit beständigem Vertrauen und Fürsorge.

In Momenten, in denen ich mich emotional niedergeschlagen oder kreativ blockiert fühle, werden ihre kurzen, aber aufrichtigen Nachrichten oft zu einer stillen Stärke, die mir hilft, zu meiner Arbeit zurückzukehren. Letzten Herbst schickte sie mir ein Foto aus Paul Cézannes Atelier in Aix-en-Provence. Da sie meine Bewunderung für Cézanne kennt, berührte mich ihre durchdachte Geste tief und brachte mich dazu, erneut zu fragen: Welche Farbe hat diese Emotion, die ich fühle? Welche Worte könnten sie fassen? Und in welcher Form könnte ich diesen Emotionen Gestalt geben, während sie Schicht für Schicht wachsen?
Momente wie dieser – unerwartete Begegnungen und subtile emotionale Erschütterungen – erneuern ständig meine Neugier und werden zur treibenden Kraft hinter meinem Wunsch zu schaffen.

Wie sieht für dich ein guter Tag außerhalb des Studios aus?

Ein guter Tag außerhalb des Studios ist einer, an dem ich das Gefühl habe, dass meine Sinne noch lebendig sind. Tägliche Routinen können die Wahrnehmung abstumpfen, doch in dieser Wiederholung tauchen oft unerwartete Momente des Bewusstseins auf.
Mit meinem Hund an einem klaren Tag spazieren gehen und meinen Blick den fernen Bergkämmen folgen lassen, frisch gebrühten Kaffee mit meinem Mann teilen oder die ersten Azaleen bemerken, die nach einem langen Winter halb den Berg hinauf blühen – diese gewöhnlichen Momente bringen mir stille Freude.
Die meisten Tage sind von Wiederholung und einem gewissen Gefühl der Stagnation geprägt. Aber wenn innerhalb dieser Alltäglichkeit meine Sinne sanft wieder erwachen, reicht das, damit es sich wie ein guter Tag anfühlt.

Gibt es etwas an Ihnen, das Menschen wahrscheinlich überraschen würde, die Ihre Arbeit nur durch Ihre Kunst kennen?

Ich bin eine kleine koreanische Frau. Menschen, die meine Arbeit sehen, bevor sie mich kennenlernen, geben oft zu, dass sie sich den Künstler als großen Mann vorgestellt haben, der diese Werke malt.

Das (ernstere) Interview

6 Fragen, um tiefer in die Ideen, Erfahrungen und Hoffnungen einzutauchen, die Lees kreativen Weg prägen.

Welche Themen oder Fragen kehren immer wieder in Ihrer Arbeit zurück?

Ich kehre immer wieder zur Frage zurück, wie Emotion zur Sprache wird und wie Sprache wiederum zur Farbe wird. Mich ziehen Zustände an, bevor Dinge klar definiert sind – wo Gefühle verweilen, sich verschieben und sich einer genauen Benennung widersetzen. In diesem Grenzraum finde ich den wahrhaftigsten Ausdruck menschlicher Erfahrung.
Ein weiteres wiederkehrendes Element in meiner Arbeit ist die horizontale Struktur. Die horizontalen Bänder, die in meinen früheren Werken und in der Serie „Emotional Color Change“ auftauchen, fungieren als ruhiger Rahmen, der Zeit, Emotion und Wahrnehmung gleichmäßig und nicht hierarchisch entfalten lässt. Durch diese Struktur erforsche ich Akkumulation, subtile Variation und das Gleichgewicht zwischen Ordnung und Zufall.

Können Sie einen entscheidenden Moment auf Ihrem künstlerischen Weg beschreiben?

Ich ging im Sommer 1991 nach Deutschland und kehrte im Sommer 2000 nach Korea zurück. Während meines Auslandsstudiums schuf ich abstrakte Werke in Öl mit Wasser als Motiv und setzte diese Linie nach meiner Rückkehr fort.
Der Wendepunkt kam im Jahr 2001. Durch ein internationales Austauschprogramm im Ssamzie Space Residency besuchte ich New York und gewann zwei entscheidende Erkenntnisse. Erstens stand die Monsunzeit in Korea in direktem Konflikt mit meiner Arbeitsweise. Die von mir verwendete Ölmaltechnik – die auf der Trennung von Wasser und Öl basierte – führte bei hoher Luftfeuchtigkeit zu Rissen und trüben Farben. Zweitens war für die Verwirklichung der von mir angestrebten horizontalen Struktur ein grundlegender Materialwechsel notwendig. Ich wollte, dass jede Farbe ihr eigenes, deutlich abgegrenztes Territorium auf der Leinwand einnimmt, nicht einfach in Farbverläufen verschmilzt.
Die Zusammenarbeit mit Künstlern aus New York gab mir den Mut zu experimentieren. Ich begann, die hochwertigen Acrylfarben zu erkunden, die damals gerade in Korea verfügbar wurden. Die Methode, dickes Klebeband horizontal anzubringen und die Zwischenräume mit Farbe zu füllen – das war mit langsam trocknenden Ölfarben unmöglich, aber mit Acrylfarben machbar. Dieser technische Wandel war nicht nur ein Materialwechsel; es war der entscheidende Moment, der den Weg öffnete, die visuelle Sprache zu konkretisieren, nach der ich die ganze Zeit gesucht hatte.

Welche Materialien oder Prozesse sind in Ihrer Praxis am wichtigsten und warum?

Die Arbeit mit Acrylfarbe auf Papier und Leinwand ist zentral für meine Praxis. Ich wähle Acrylfarben wegen ihrer Reaktionsfähigkeit auf die Zeit – wie schnell sie trocknen, wie präzise sie geschichtet werden können und wie lebendig sie die Farbe halten. Diese Eigenschaften erlauben jeder Farbe, ihr eigenes Territorium zu bewahren, anstatt in kontinuierliche Abstufungen zu zerfließen.
Ich arbeite oft mit horizontalen Strukturen, verwende Klebeband, um Grenzen zu definieren, und schaffe Rhythmus durch Wiederholung. Dieser Prozess spiegelt wider, wie ich Emotion verstehe – als etwas, das sich über die Zeit ansammelt, strukturiert, aber offen für subtile Veränderungen ist.
Materialien sind mir wichtig, weil sie es der Farbe ermöglichen, nicht nur als bloße Darstellung zu fungieren, sondern als Aufzeichnung von Wahrnehmungs- und emotionalen Zuständen.

Wie möchten Sie, dass sich Menschen fühlen, wenn sie Ihre Arbeit erleben?

Ich hoffe, die Betrachter halten inne und fühlen sich dann angezogen, näher an das Werk heranzutreten. Nicht um es zu entschlüsseln, sondern um leise die zurückkehrenden Emotionen in sich selbst zu spüren, ohne Druck.
Farbe erreicht uns vor der Sprache – sie wird gefühlt, bevor sie erklärt wird. Wenn meine Arbeit einen Moment schaffen kann, in dem die Emotion vor den Worten ankommt und die Betrachter einen Namen für ein Gefühl entdecken, das sie in den Farben noch nicht kannten, ist das für mich genug.

Können Sie uns durch einen typischen Arbeitstag in Ihrem Atelier führen?

Ich arbeite nur bei Tageslicht. Obwohl ich drinnen tageslichtausgewogene Lampen benutze, vermeide ich es, nachts mit Farbe zu arbeiten, da ich auf subtile Veränderungen des natürlichen Lichts angewiesen bin. Abends lese ich meist Bücher oder schaue Filme auf Netflix, anstatt zu zeichnen. Ein besonders eindrucksvoller Film, den ich kürzlich gesehen habe, war Train Dreams, basierend auf dem Roman von Dennis Johnson.
Um den Emotionen des Tages treu zu bleiben, arbeite ich mit mehreren Leinwänden oder Papierbögen, die gleichzeitig ausgelegt sind. Ich folge keinen festen Ritualen – die Arbeit des jeweiligen Tages reagiert auf die emotionalen und situativen Bedingungen dieses Moments. Morgens konzentriere ich mich auf die Arbeit im Atelier, nehme gegen 13 Uhr einen späten Brunch ein und arbeite am Nachmittag bis zum Abendessen weiter.

Welche Träume oder Hoffnungen haben Sie für Ihre künstlerische Reise?

Meine Serie „Color as Adjective“, die die Beziehung zwischen Emotion, Farbe und Sprache erforscht, umfasst inzwischen über 420 Werke. Einige Farben sind bereits erschöpft und können nicht mehr geschaffen werden, während viele andere noch entdeckt und kreiert werden wollen. Ich habe diese Farben in kleinen Gruppen unter dem Singular „beauty“ ausgestellt.
Wovon ich jetzt träume, ist, die gesamte Serie in einem einzigen Raum zusammenzubringen. Es wäre eine Gesamtheit all der Emotionen, die ich entdeckt, erlebt und gespürt habe – ein Zeugnis der Zeit selbst. Ich hoffe, dass die Besucher in diesem Raum ihre eigenen Emotionen durch die Sprache der Farbe entdecken und die Welt auf eine Weise erleben, die anders oder vielleicht gleich wie meine ist.

Von Francis Berthomier
Alle Bilder ©Kyong Lee

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