Die Den Mutter des abstrakten Expressionismus - Betty Parsons

Betty Parsons starb vor 35 Jahren, als ich 13 Jahre alt war. Ich habe sie nie kennengelernt. Theoretisch hätte ich sie treffen können, wenn ich gewusst hätte, dass ich es versuchen sollte. Aber ich hatte keine Ahnung, dass sie existierte, bis es viel zu spät war. Ich stelle mir vor, viele Menschen bedauern es, Parsons nicht kennengelernt zu haben. Sie war eine Revolutionärin der modernen Kunst. Obwohl ich vermute, dass sie keine Ahnung hatte, dass es so sein würde, inspirierte ihr Beispiel mich und, wie ich glaube, viele meiner Generation, nach neuen Modellen von Echtheit und Außergewöhnlichkeit in der Kunst zu streben. Von gemeinnützigen Kunstkollektiven über von Künstlern geführte Projekträume bis hin zu experimentellen Museen wimmelt die Kunstwelt heute von Menschen und Orten, die große Kunst über großen Gewinn stellen. Parsons danke ich für dieses Erbe. Aber über sie wurde ausführlich geschrieben, in den angesehensten Kunstzeitschriften, von weit erfahreneren Autoren als ich. Es gibt nichts Neues, was ich über sie berichten könnte. Doch da sie auf eine Weise einzigartig war, die meine Seele schätzt, fühle ich mich dennoch geneigt, es zu versuchen. Ihr Spitzname, „die Mutter der abstrakten Expressionisten“, erschien in einem Artikel in ARTnews von 1979, geschrieben von Grace Lichtenstein. Der Beiname bezog sich darauf, wie Parsons an die Werke von Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still und Barnett Newman glaubte, sie förderte und zeigte, als sonst niemand in Amerika es tat. Dieser Artikel zeigt auch die Komplexität und Tiefe, die Parsons als Künstlerin, Kunstliebhaberin und Geschäftsfrau besaß. Unterdessen geht ein Interview, das 1977 von der Künstlerin Helène Aylon mit Parsons aufgenommen und 2013 von Judith Stein vollständig im Art in America Magazine veröffentlicht wurde, weit darüber hinaus, was an Parsons als Mensch außergewöhnlich war. Die beste Art, wie ich Parsons Respekt zollen kann, ist, mich auf diese beiden Porträts zu konzentrieren, die von denen geschaffen wurden, die sie im Leben tatsächlich kannten. Hier, aus ihnen entnommen, sind zehn Zitate, die Parsons für mich zu einer persönlichen Heldin gemacht haben, weil sie mich daran erinnern, was bei der Schaffung und Wertschätzung von Kunst wichtig ist.

„Gott sei Dank gibt es heute scheinbar keine ‚-ismen‘ mehr. Ich hasse Moden.“

Oft versuchen wir, die Bewegungen von heute zu benennen. Warum tun wir das? Weil Etiketten Produkte leichter verkäuflich machen, besonders für Menschen ohne viel Bildung oder echtes Verständnis. Anstatt an Trends zu glauben, legte Parsons Wert auf das Gute und fand Freude an dem, was anders war.

„Ich war schon immer fasziniert von dem, was ich ‚die unsichtbare Gegenwart‘ nenne. Das Beständigste auf dieser Welt ist das Unsichtbare; man entkommt ihm nie.“

Manche Künstler glauben, sie können nur Erfolg haben, wenn sie eine verkäufliche Identität besitzen oder Kunst speziell zu einem Thema machen, das bei zeitgenössischem Publikum beliebt ist. Parsons konzentrierte sich auf das Unbekannte. Anstatt die Kunst des Offensichtlichen zu fördern, fühlte sie sich zu Kunst hingezogen, die das Verborgene offenbart.

„Ich glaube an Spannung. Wenn du ein Bild malst und es keine Spannung hat, hat es keine Aufregung.“

Spannung in einem Kunstwerk kann von etwas in ihm ausgehen, das für den Betrachter unerkennbar ist. Oder sie kann von etwas herrühren, das als vulgär oder grob gilt. Manchmal entsteht Spannung durch etwas, das wir einfach nicht schön finden. Anstatt vor diesen Dingen wegzuschauen, nahm Parsons sie an und sah in ihnen Chancen, sich selbst herauszufordern und zu wachsen.

Betty Parsons - Grün #1, 1971, Acryl auf Leinwand, © 2018 Das Nachlass von Betty Parsons, mit freundlicher Genehmigung von Alexander Gray Associates, New York

„Ich interessiere mich für bedeutende Gemälde, nicht für das Zuhause.“

Parsons zeigte Werke in Räumen mit kahlen weißen Wänden und nackten Böden. Sie unternahm keine besonderen Anstrengungen, Sammler zum Kauf zu bewegen. Sie sah ihre Aufgabe in zwei Teilen: die Integrität des Künstlers zu fördern und das Publikum davon zu überzeugen, dass das Werk aus Gründen gültig ist, die nichts damit zu tun haben, wie gut es über ihrem Sofa aussehen könnte.

„Ich möchte nicht mit all diesen Reichtümern beladen sein – sie würden mich zu Tode langweilen.“

Parsons wurde in der Oberschicht geboren, lehnte aber die Zeichen des Reichtums ab. Nachdem sie in der Großen Depression alles verloren hatte, begann sie von vorne. In den folgenden fünfzig Jahren hatte sie oft Schwierigkeiten, die Rechnungen zu bezahlen. Sie verkaufte genug Werke (von sich selbst und von den Künstlern, die sie vertrat), um die Lichter an zu lassen, und betrachtete das als Definition von finanziellem Erfolg.

„Die abstrakte Welt galt als kalt, weil sie keine Figuren hatte. Aber sie hatte Feuer, Energie, Natur, Licht, Raum – sie konzentrierte sich auf all diese Werte.“

Parsons hatte das Selbstvertrauen, an ihren eigenen Geschmack zu glauben. Sie verstand Abstraktion lange vor den meisten Amerikanern. Sie vertraute ihrer eigenen Sicht, unabhängig davon, was der Rest der Kunstwelt sagte oder tat.

„Ich war immer zehn Jahre meiner Zeit voraus. Das ist die Geschichte meines Lebens.“

Wenn man finanziell keinen Erfolg hat, ist es verlockend zu denken, es liege daran, dass das, was man tut, keinen Wert hat. Parsons erkannte, dass manchmal der Grund, warum niemand deine Werke kauft, darin liegt, dass sie sie nicht erkennen, weil sie der Zukunft angehören.

Betty Parsons - Herausforderung, 1976, Acryl auf Leinwand (links) / Sputnik, 1961, Acryl auf Leinwand (rechts), © 2018 Das Nachlass von Betty Parsons, mit freundlicher Genehmigung von Alexander Gray Associates, New York

„Identifiziere dich immer mit der Kunst; niemals mit dem Künstler.“

Parsons verachtete manche Künstler, liebte aber ihre Werke. Sie verstand, dass Künstler nicht sympathisch, gesellig oder charmant sein müssen. Künstler sind keine Verkäufer oder Politiker. Ihre Werke sprechen für sich selbst.

„[Die Künstler, die ich vertrete], werden mit der Zeit freier und kreativer. Das habe ich immer gefördert.“

Manche Galeristen ermutigen Künstler, einen Stil zu finden, der sich verkauft, und dabei zu bleiben. Parsons forderte die Künstler heraus, die sie zeigte. Sie glaubte, dass Dynamik und Wachstum der Schlüssel zur Verbesserung sind und dass Verkäufe der unwichtigste Aspekt einer Künstlerlaufbahn sind.

„Wir sind alle Teil von allem.“

Parsons wurde oft nach ihren Ansichten zu gesellschaftlichen Fragen gefragt. Dieses Zitat war ihre Antwort auf eine solche Frage. Sie wusste, dass Kunst die Fähigkeit hat, die Wirklichkeit zu offenbaren, dass unsere Gemeinsamkeiten weit größer sind als die Dinge, die uns trennen. Dieses Zitat hat mich am meisten beeinflusst. Es sollte ständig wiederholt werden, weil es so leicht zu vergessen ist.

Betty Parsons - Requiem, 1963, Acryl auf Leinwand, © 2018 Das Nachlass von Betty Parsons, mit freundlicher Genehmigung von Alexander Gray Associates, New York

Titelbild: Betty Parsons - Orange, 1956, Acryl auf Leinwand, © 2018 Das Nachlass von Betty Parsons, mit freundlicher Genehmigung von Alexander Gray Associates, New York
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio