Die Den Mutter des abstrakten Expressionismus - Betty Parsons

Betty Parsons starb vor 35 Jahren, als ich 13 Jahre alt war. Ich habe sie nie gekannt. Theoretisch hätte ich sie treffen können, wenn ich gewusst hätte, dass ich es versuchen sollte. Aber ich hatte keine Ahnung, dass sie existierte, bis es viel zu spät war. Ich stelle mir vor, dass viele Menschen bedauern, Parsons nicht kennengelernt zu haben. Sie war eine Revolutionärin der modernen Kunst. Obwohl ich vermute, dass sie keine Ahnung hatte, dass es so sein würde, inspirierte ihr Beispiel mich und ich glaube, viele Mitglieder meiner Generation, nach neuen Modellen von Authentizität und Exzeptionalisierung in der Kunst zu streben. Von gemeinnützigen Kunstkollektiven über von Künstlern geführte Projekträume bis hin zu experimentellen Museen wimmelt die Kunstwelt heute von Menschen und Orten, die große Kunst über großen Profit stellen. Parsons ist es, der ich für dieses Erbe danke. Aber sie wurde ausführlich beschrieben, in den angesehensten Kunstmagazinen, von weit kompetenteren Schriftstellern als ich. Es gibt nichts Neues, das ich über sie berichten kann. Aber da sie auf eine Weise einzigartig war, die meine Seele schätzt, bin ich dennoch geneigt, es zu versuchen. Ihr Spitzname, "die Den-Mutter des Abstrakten Expressionismus", erschien in einem Artikel in ARTnews aus dem Jahr 1979, geschrieben von Grace Lichtenstein. Der Titel bezog sich darauf, wie Parsons an die Arbeiten von Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still und Barnett Newman glaubte, sie förderte und zeigte, als sonst niemand in Amerika es tat. Dieser Artikel zeigt auch die Komplexität und Tiefe, die Parsons als Künstlerin, Kennerin und Geschäftsfrau hatte. In der Zwischenzeit geht ein Interview, das 1977 mit Parsons von der Künstlerin Helène Aylon aufgezeichnet und 2013 in voller Länge von Judith Stein in Art in America Magazine veröffentlicht wurde, weitgehend darauf ein, was an Parsons als Mensch außergewöhnlich war. Der beste Weg, wie ich meinen Respekt gegenüber Parsons zollen kann, ist, mich auf diese beiden Profile zu konzentrieren, die von denen erstellt wurden, die sie tatsächlich im Leben gekannt haben. Hier sind, aus ihnen entnommen, zehn Zitate, die Parsons zu einem persönlichen Helden von mir gemacht haben, weil sie mich daran erinnern, was wichtig ist, wenn es um die Schaffung und Wertschätzung von Kunst geht.

"Gott sei Dank scheint es heute keine 'Ismen' zu geben. Ich hasse Moden."

Oft versuchen wir, die Bewegungen von heute zu benennen. Warum tun wir das? Weil Etiketten Produkte leichter verkäuflich machen, insbesondere für Menschen ohne viel Bildung oder echtes Verständnis. Anstatt an Trends zu glauben, stellte Parsons das Gute in den Vordergrund und fand Freude an dem, was anders war.

"Ich war schon immer fasziniert von dem, was ich ‚die unsichtbare Präsenz‘ nenne. Das dauerhafteste in dieser Welt ist das Unsichtbare; man kommt nie von ihm weg."

Einige Künstler glauben, dass sie nur dann Erfolg haben können, wenn sie eine vermarktbare Identität besitzen oder wenn sie Kunst speziell über ein bestimmtes Thema schaffen, das bei zeitgenössischen Zuschauern beliebt ist. Parsons konzentrierte sich auf das Unbekannte. Anstatt die Kunst des Offensichtlichen zu fördern, fühlte sie sich zu Kunst hingezogen, die das verbirgt, was verborgen ist.

"Ich glaube an Spannung. Wenn du ein Bild malst und es hat keine Spannung, hat es keine Aufregung."

Spannung in einem Kunstwerk kann von etwas innerhalb des Werkes stammen, das für den Betrachter unrecognizable ist. Oder sie kann von etwas stammen, das als vulgär oder grob angesehen wird. Manchmal entsteht Spannung aus etwas, das wir einfach nicht schön finden. Anstatt sich von diesen Dingen abzuwenden, umarmte Parsons sie und sah in ihnen die Möglichkeit, sich selbst herauszufordern und zu wachsen.

Betty Parsons - Grün #1, 1971, Acryl auf Leinwand, © 2018 Der Nachlass von Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Ich interessiere mich für wichtige Gemälde, nicht für das Zuhause."

Parsons zeigte Arbeiten in Räumen mit kahlen weißen Wänden und kahlen Böden. Sie unternahm keine zusätzlichen Anstrengungen, um Sammler zum Kauf zu bewegen. Sie sah ihre Aufgabe als zwei Teile: die Integrität des Künstlers zu fördern und die Öffentlichkeit davon zu überzeugen, dass die Arbeit aus Gründen, die nichts damit zu tun hatten, wie gut sie über ihren Sofas aussehen könnte, gültig war.

"Ich möchte nicht mit all diesen Reichtümern beladen sein – sie würden mich zu Tode langweilen."

Parsons wurde in die High Society geboren, lehnte jedoch die Fesseln des Reichtums ab. Nachdem sie während der Großen Depression alles verloren hatte, begann sie von vorne. In den nächsten fünfzig Jahren hatte sie häufig Schwierigkeiten, die Rechnungen zu bezahlen. Sie verkaufte genug Arbeiten (von ihr selbst und von den Künstlern, die sie vertrat), um die Lichter brennen zu halten, und betrachtete das als die Definition von finanziellem Erfolg.

"Die abstrakte Welt wurde als kalt angesehen, weil sie keine Figuren hatte. Aber sie hatte Feuer, Energie, Natur, Licht, Raum – sie konzentrierte sich auf all diese Werte."

Parsons hatte das Vertrauen, an ihren eigenen Geschmack zu glauben. Sie verstand Abstraktion lange bevor die meisten Amerikaner. Sie vertraute ihrer eigenen Vision, unabhängig davon, was der Rest der Kunstwelt sagte oder tat.

"Ich war immer zehn Jahre meiner Zeit voraus. Das ist die Geschichte meines Lebens."

"Wenn Sie finanziell nicht erfolgreich sind, ist es verlockend zu denken, dass es daran liegt, dass das, was Sie tun, keinen Wert hat. Parsons erkannte, dass manchmal der Grund, warum niemand Ihre Arbeit kauft, darin liegt, dass sie sie nicht erkennen, weil sie von der Zukunft ist."

Betty Parsons - Challenge, 1976, Acryl auf Leinwand (Links) / Sputnik, 1961, Acryl auf Leinwand (Rechts), © 2018 Der Nachlass von Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identifiziere dich immer mit der Kunst; identifiziere dich niemals mit dem Künstler."

Parsons verachtet einige Künstler, aber bewunderte ihre Arbeit. Sie verstand, dass Künstler nicht sympathisch, gesellig oder charmant sein müssen. Künstler sind keine Verkäufer oder Politiker. Ihre Arbeit spricht für sich selbst.

"[Die Künstler, die ich vertrete] werden freier und kreativer, je weiter sie kommen. Ich habe das immer gefördert."

Einige Galeristen ermutigen Künstler, einen Stil zu finden, der verkauft, und dann dabei zu bleiben. Parsons stellte die Künstler, die sie zeigte, in Frage. Sie glaubte, dass Dynamik und Wachstum der Schlüssel zur Verbesserung sind und dass Verkäufe der am wenigsten wichtige Aspekt einer Kunstkarriere sind.

"Wir sind alle Teil von allem."

Parsons wurde häufig nach ihren Überzeugungen zu sozialen Themen gefragt. Dieses Zitat war ihre Antwort auf eine solche Frage. Sie wusste, dass Kunst die Fähigkeit hat, die Realität zu offenbaren, dass unsere Gemeinsamkeiten bei weitem über die Dinge hinausgehen, die uns trennen. Dieses Zitat hat mich am meisten beeinflusst. Es ist wichtig, es ständig zu wiederholen, denn es ist so leicht, es zu vergessen.

Betty Parsons - Requiem, 1963, Acryl auf Leinwand, © 2018 Der Nachlass von Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Vorschaubild: Betty Parsons - Orange, 1956, Acryl auf Leinwand, © 2018 Der Nachlass von Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio