Die MoMA-Sammlung ehrt die Revolutionen ihrer Künstler in "The Long Run"

Eine Herausforderung wurde ausgesprochen, die uns dazu auffordert, unsere Denkweise über die Karrieren von Künstlern zu ändern. Die Herausforderung kommt durch einen Aufsatz von Ann Temkin für The Long Run, eine kürzlich eröffnete Ausstellung, die einen tiefen Einblick in die MoMA-Sammlung bietet. Betitelt Künstlerische Innovation im langen Lauf, kritisiert der Aufsatz die Tatsache, dass MoMA, wie die meisten Museen, dazu neigt, nur Werke zu zeigen, die die revolutionärsten Errungenschaften wichtiger Künstler offenbaren. Diese Strategie hebt entscheidende Momente in der Kunstgeschichte hervor und bietet einen kurzen Leitfaden zur Entwicklung der Avantgarde. Sie erfreut die Zuschauer und erhöht somit die Besucherzahlen im Museum, impliziert jedoch auch, dass Kunst auf irgendeine Weise spektakulär sein muss, um geschätzt zu werden. Sie ignoriert die langen, experimentellen Prozesse, die zu bahnbrechenden Meisterwerken führen, und versäumt es, die Entwicklungen zu untersuchen, die diese Durchbrüche in den späteren reifen Arbeiten der Künstler inspirieren. Am schlimmsten ist, wie Temkin in ihrem Aufsatz erwähnt, dass sie eine Kunstweltkultur produziert, die die Jugend überbewertet. Temkin sagt: “Wir haben kürzlich das Alter der Künstler bei der Entstehung jedes Gemäldes und jeder Skulptur in unseren Galerien im fünften Stock (die die Jahre von 1885 bis 1950 abdecken) berechnet. Mehr als zwei Drittel der Werke wurden geschaffen, als die Künstler in ihren Zwanzigern oder Dreißigern waren.” Inherente Altersdiskriminierung, unvollständige Bewertungen und eine verzerrte Sicht auf die Kunstgeschichte – kein gutes Erbe für ein Museum für Moderne Kunst. Aber wenn jemand diese Kultur ändern und eine tiefere, umfassendere und nuanciertere Wertschätzung der Ästhetik inspirieren kann, dann ist es Temkin. Sie hat arguably die höchste Position in der amerikanischen Kunstwelt inne: die Marie-Josée und Henry Kravis Chefkuratorin für Malerei und Skulptur. Das bedeutet, dass sie mitentscheidet, welche Objekte das einflussreichste Museum des Landes kauft, und Einfluss darauf hat, wie die gesamte Sammlung ausgestellt wird. Es ist keine Übertreibung zu sagen, dass Temkin die Fähigkeit hat, die Beziehung zwischen Kunst, Kultur und zeitgenössischer Gesellschaft zu beeinflussen. The Long Run und der begleitende Aufsatz sind überzeugende Eröffnungsangriffe in diesem Bestreben.

Innovationsverliebtheit

Abgesehen von Luddismus und Anachronismus beinhaltet fast jede zeitgenössische menschliche Aktivität ein angeborenes Verlangen nach Originalität. Es wäre ungewöhnlich, zum Beispiel die neueste Wissenschaftszeitschrift aufzuschlagen, nur um Artikel zu finden, die längst überholte medizinische Theorien fördern. Aber neue Ideen und spektakuläre Innovationen waren in der Kunst nicht immer in Mode. Oft setzte sich in der Vergangenheit die Tradition über die Neuheit durch, und gebildete Menschen respektierten Künstler im Gleichgewicht damit, wie bewährt ihre Bemühungen waren. Einige Kulturen sind sogar immer noch so. Aber größtenteils ist die Kunstwelt von heute besessen von Frische und ist es mindestens seit den 1930er Jahren, als Ezra Pound den Schlachtruf des Modernismus prägte: „Mach es neu!“

Installationsansicht von The Long Run. Museum of Modern Art, New York, 11. November 2017 – 4. November 2018. © 2017 Museum of Modern Art. Foto: Martin Seck

Unter dem Vorzeichen dieser Richtlinie neigen Akademiker, Kuratoren und Schriftsteller dazu, die Geschichte der modernen Kunst so zu erzählen, als wäre sie nur eine Innovation nach der anderen. Temkin sagt: "Wir ziehen von Ismus zu Ismus in einem Fortschrittsmarsch, der von Post-Impressionismus über Fauvismus zu Kubismus führt, zum Beispiel, oder von Surrealismus über abstrakten Expressionismus zu Pop." Dies, sagt sie, zeigt eine "Verliebtheit in Innovation." The Long Run bietet ein Gegenmittel. Es schließt Ismen und Innovationen nicht aus. Es stellt einfach die Frage, was folgte ihnen? Die Antwort kommt in Form einer experimentellen kuratorischen Strategie – die Wiederhängung des Teils des Museums, der früher berühmte Werke aus den 1950er bis 1970er Jahren zeigte, wobei der Fokus auf denselben Künstlern liegt, aber jetzt ausschließlich Werke gezeigt werden, die sie später in ihrer Karriere geschaffen haben.

Installationsansicht von The Long Run. Museum of Modern Art, New York, 11. November 2017 – 4. November 2018. © 2017 Museum of Modern Art. Foto: Martin Seck

Neugier und Verfeinerung

Was ich an dieser Strategie am meisten liebe, insbesondere wie Temkin sie in ihrem Aufsatz ausdrückt, ist, wie sie zwischen dem Auswendiglernen der Kunstgeschichte und der Entwicklung einer Wertschätzung für alles, was damit zusammenhängt, unterscheidet. Zu wissen, welcher Wein am besten zu Heilbutt passt, ist schön, aber seinen Gaumen zu entwickeln, um versteckte Nuancen von Geschmack und Aroma in jeder Flasche Wein, die man öffnet, zu genießen, ist etwas ganz anderes. Diese Ausstellung fordert uns auf, unseren ästhetischen Geschmack zu entwickeln; ein Gefühl der Neugier für Kunst zu entwickeln, das nicht nur zu Wissen, sondern auch zu Verfeinerung führt. Das Endziel, das Temkin verfolgt, ist es, unsere Beziehung zur Kunst zu erweitern. Anstatt nur die wichtigsten Gemälde der bekanntesten Vertreter der am besten beworbenen Kunstbewegungen zu sehen, könnten wir uns dabei ertappen, unbekannte oder neue Künstler zu suchen, deren Werke in derselben Tradition stehen. Wir könnten anfangen, kleinere Museen und Galerien zu besuchen oder in Künstler und Kunstwerke zu investieren, die weniger offensichtlich, aber ebenso erhaben sind.

Installationsansicht von The Long Run. Museum of Modern Art, New York, 11. November 2017–4. November 2018. © 2017 Museum of Modern Art. Foto: Martin Seck

Eine Evolution wie diese ist überfällig. Die zeitgenössische Kunstwelt verliert an Tiefe. Wie Temkin feststellt: „Die Parallele zur kommerziellen Welt ist unübersehbar: Neue Stile und Namen müssen wie so viele endlos selbst obsoleszierende Telefone und Turnschuhe auftauchen.“ Geben Sie einfach den Satz „Künstler hat einen Moment“ bei Google ein und sehen Sie, wie viel Presse dem jeweiligen Kunststar oder Trend zuteilwird, der gerade an die Spitze des Marktes geschwemmt wurde. The Long Run sprengt das Konzept der Momente. Anstatt uns ein ikonisches Gittergemälde von Agnes Martin aus den 1960er Jahren zu zeigen, präsentiert es Werke, die sie in den 1990er Jahren geschaffen hat. Anstatt berühmter Werke aus den 1970er Jahren, dürfen wir sehen, was Gerhard Richter in den 2000er Jahren gemacht hat. Anstatt eines einzelnen Kunstwerks oder einer einzelnen Ära, können wir monografische Ausstellungsräume genießen, die uns weit über das hinausführen, was wir für das Ende des Weges hielten. Für viele Besucher wird diese Ausstellung eine Offenbarung sein. Für uns alle ist es eine Gelegenheit, Kontext zu entwickeln und unseren Geschmack zu erweitern. Am wichtigsten ist, dass es ein Schritt zur Überwindung der Vorurteile unserer Generation ist – um zu verstehen, was es bedeutet, nicht nur für einen Künstler, „einen Moment zu haben“, sondern für einen, ein künstlerisches Leben zu kultivieren.

Installationsansicht von The Long Run. Museum of Modern Art, New York, 11. November 2017 – 4. November 2018. © 2017 Museum of Modern Art. Foto: Martin Seck

Hervorgehobenes Bild: Installationsansicht von The Long Run. Museum of Modern Art, New York, 11. November 2017 – 4. November 2018. © 2017 Museum of Modern Art. Foto: Martin Seck

Von Phillip Barcio