Die dunkle, abstrakte Kunst von Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb war eine der Schlüsselfiguren der Abstraktion im mittleren 20. Jahrhundert. Seine Gemälde sind emotional, spärlich und primitiv, und viele Menschen betrachten sie als dunkel. Doch Gottlieb sah sich selbst als das Gegenteil von dunkel. Er fühlte sich energiegeladen, komplex, leidenschaftlich modern und als jemand, der ein Licht strahlte, den Weg mit seiner Kunst zu etwas Besserem für die Menschheit wies. Geboren in New York City zu Beginn einer der turbulentesten Zeiten der Menschheitsgeschichte, kam Gottlieb definitiv in einer dunklen Zeit zur Reife: einer Zeit sozialer, politischer und wirtschaftlicher Not, in der die Zukunft der Gesellschaft in einem realen, konkreten Sinne in Frage stand. Es ist nicht nur aus seiner Kunst, sondern auch aus seinen Schriften klar, dass die Ängste und Mehrdeutigkeiten des Ersten Weltkriegs, der Großen Depression und des Zweiten Weltkriegs absolut zur Entwicklung seiner ästhetischen Vision beigetragen haben. Aber diese ästhetische Vision war nicht nur eine von Traurigkeit oder Untergang, wie viele Kritiker angedeutet haben. Sie war in der Tat eine, durch die Gottlieb einfach versuchte, die Wahrheit über das menschliche Herz und den menschlichen Verstand auf hoffnungsvolle Weise zu kommunizieren. Vielleicht ist es unvermeidlich, dass eine solche Wahrheit, wie Gottlieb sie wahrnahm, einen gewissen Grad an Wahnsinn und Chaos einschließen muss. Aber der umfangreiche Werkbestand, den Gottlieb hinterließ, als er 1974 starb, umfasste auch das Schöne, das Serene, das Friedliche und das Erhabene. Diese paradoxen Komplexitäten, die seine manchmal umstrittene Weltanschauung definierten, führten letztendlich dazu, dass Adolph Gottlieb die abstrakte Kunst neu definierte und zur Schaffung eines Werkes beitrugen, das erst jetzt für seine wahre Brillanz und sein Licht anerkannt wird.
Ein Künstler im Herzen
Adolph Gottlieb wurde 1904 in eine Arbeiterfamilie von Einwanderern in New York geboren. Im Vergleich zu vielen anderen Kindern, die zu dieser Zeit auf der Lower East Side aufwuchsen, hatte er einen hervorragenden Start ins Leben, da seine Eltern ein erfolgreiches Schreibwarengeschäft aufgebaut hatten und hofften, es eines Tages an ihn weiterzugeben. Doch schon in jungen Jahren wusste er mit Sicherheit, dass er nur Künstler sein wollte. Er war sich so sicher, dass er mit 15 Jahren die Schule abbrach, um sich ganz seiner Kunst zu widmen. Er besuchte Vorlesungen an der Art Students League, einer von Künstlern geführten Institution, an der viele Künstler, die schließlich Teil der Abstract Expressionist Bewegung wurden, Unterricht nahmen. Und dann, mit nur 17 Jahren, brach Gottlieb nach Europa auf und verdiente sich seine Passage, indem er auf einem Schiff arbeitete, das nach Frankreich fuhr.
Sein jugendlicher Glaube an seine Fähigkeiten zahlte sich im Ausland aus, als er schnell mit der Welt des europäischen Modernismus vertraut wurde. Im Gegensatz zur amerikanischen Kunst in den 1920er Jahren war die europäische Kunst zu dieser Zeit fantastischerfindungsreich. Er wurde dem Fauvismus, Kubismus, Suprematismus, Futurismus und Geometrische Abstraktion ausgesetzt. Er besuchte Museen und nahm an allen kostenlosen Kunstkursen teil, die er finden konnte. Und als sein Visum ablief, verbrachte er fast ein weiteres Jahr mit Reisen durch Europa. Unterwegs wurde er überzeugt, dass europäische Künstler mit etwas Wichtigem verbunden waren. Besonders faszinierte ihn der sich ausbreitende Einfluss der Tribal-Kunst, ein Trend, der ihn inspirierte, den umgangssprachlichen Ausdruck der figurativen amerikanischen Kunst abzulehnen und stattdessen nach Universalitäten innerhalb antiker Symbole und jahrhundertealter visueller Traditionen zu suchen.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Farbsiebdruck, 31 1/8 × 23 1/8 Zoll, 79,1 × 58,7 cm (Links) und Flying Lines, 1967, Farbsiebdruck, 30 × 22 Zoll, 76,2 × 55,9 cm, Foto Credits Marlborough Gallery
Der Philosoph Künstler
Als Gottlieb 1922 nach New York zurückkehrte, brachte er ein Gefühl seiner eigenen Verantwortung als Künstler mit. Er sah sich selbst als eine modernisierende Kraft für seine Kultur und nahm die Vorstellung an, dass Künstler Philosophen und Agenten des sozialen Wandels sein sollten. Er beendete seine künstlerische Ausbildung und wurde in den nächsten Jahren mit einer Gruppe anderer Künstler/Philosophen, wie Mark Rothko, Barnett Newman, David Smith und Milton Avery, die einige von ihnen schließlich zu den bekanntesten amerikanischen Künstlern ihrer Generation machen würden, befreundet. Gottlieb und seine Kompagnons waren Anomalien. Sie waren abstrakte Künstler oder zumindest Künstler, deren Werke als abstrakt interpretiert wurden, aber sie waren auch begierig, öffentlich über die Bedeutung ihrer Arbeit zu sprechen.
Zu dieser Zeit wurden avantgardistische Künstler, insbesondere abstrakte Künstler, in den Vereinigten Staaten nicht verstanden und waren definitiv nicht weit respektiert – nicht einmal in New York. Viele hatten Schwierigkeiten, für sich selbst und ihren Wert einzutreten, und insbesondere für den Wert der modernistischen ästhetischen Ideale. Aber Gottlieb war ein natürlicher Anwalt und ein geborener Kommunikator. Er war politisch und sozial engagiert und sprach schnell für das, was er als wichtig erachtete. 1935 setzten Gottlieb und sein Freund Mark Rothko (damals bekannt als Marcus Rothkowitz) ihre Überzeugungen in die Tat um, indem sie eine Gruppe namens The Ten gründeten. Dazu gehörten Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg und Yankel Kufeld. In offenem Protest gegen die vorherrschenden Trends in der New Yorker Kuratorenszene stellten The Ten ihre abstrakten Werke gemeinsam aus und wiesen das zurück, was sie „die angebliche Gleichwertigkeit von amerikanischer Malerei und literaler Malerei.“ nannten.
Adolph Gottlieb - Roter Grund, Öl auf Papier auf Leinwand montiert
Die Piktogramme
Eine der ersten Fortschritte in Richtung des reifen abstrakten Stils, den Gottlieb schließlich entwickelte, kam in den frühen 1940er Jahren in Form seiner Pictograph-Gemälde. Diese Werke waren im Wesentlichen Versuche, eine neue symbolische Sprache von Bildern zu schaffen, die universelle Emotionen und Gefühle kommunizieren konnte. Gottlieb konzipierte seine Pictograph-Gemälde so, dass ihre Oberfläche abgeflacht war, wodurch Tiefe und jegliches Gefühl von Illusion, das mit ihren figürlichen Elementen verbunden sein könnte, eliminiert wurden. Er demokratisierte auch alle Bereiche der Leinwand in einem vorausschauenden Verweis auf das, was bald als "all-over"-Malerei bezeichnet werden würde. Seine Pictographs verwendeten eine Rohheit, die an kindliche Markierungen erinnerte, und riefen die ästhetischen Tendenzen von Stammesgesellschaften hervor.
In gewissem Sinne versuchte Gottlieb, ein neues Bildalphabet in der Tradition der Hieroglyphen oder chinesischen Kanji zu schaffen. Aber anstatt zu versuchen, spezifische Erzählungen zu kommunizieren, versuchte er, seine Aussagen auf das Wesentliche zu reduzieren. Anstatt die Mythen, auf die er sich bezog, auszuschreiben, versuchte er, die kollektiven menschlichen Gefühle zu kommunizieren, die ihrem Kern innewohnen. Um dieses Ziel zu erreichen, schuf er sorgfältig Bilder, die völlig originell und frei von äußeren Assoziationen waren, in der Hoffnung, dass ihre universelle Natur die petty kulturellen Unterschiede überwinden würde, die die Menschen voneinander trennten.
Adolph Gottlieb - Piktogramm, 1942, Öl auf Künstlerplatte, 29 1/4 × 23 1/4 Zoll, 74,3 × 59,1 cm, Foto Credits Hollis Taggart Galleries, New York (Links) und Untitled, 1949, Pastell auf Papier, 24 × 18 Zoll, 61 × 45,7 cm, Foto Credits Berggruen Gallery, San Francisco (Rechts)
Imaginäre Landschaften
Als Gottlieb seine Piktogramme entwickelte, engagierte er sich in einem Prozess der Vereinfachung. Durch diesen Prozess kam er zu einer Reihe von Werken, die er Imaginary Landscapes nannte. Im Gegensatz zu den Piktogrammen, die keinen klaren Schwerpunkt auf einen Teil des Bildes legten, trennte Gottlieb die Bildebene in diesen Gemälden in zwei distincte Bereiche durch die Einführung einer Horizontlinie. Unterhalb der Linie fügte Gottlieb piktografische Kritzeleien hinzu. Oberhalb der Linie fügte er farbige geometrische Formen hinzu. Die Imaginary Landscapes deuteten auf eine hierarchische Beziehung zwischen den beiden Arten von Bildern hin. Darunter dargestellt ist eine untergeordnete, emotionale, komplizierte Ausdrucksform menschlicher Angst. Darüber schwebt ein einfacher, direkter Ausdruck universeller Reinheit.
Die Imaginary Landscape wurde dann weiter vereinfacht zu dem, was Gottlieb Burst-Gemälde nannte. In diesen Werken eliminierte er die Horizontlinie, behielt jedoch das Gekritzel am unteren Rand und die einheitliche Form oben bei. Die Bursts nutzten große Farbflächen und vereinten das Element Farbe mit dem der Form. Sie luden zur Kontemplation auf fast heiligem Niveau ein und schienen das Konzept einer symbiotischen Beziehung zwischen einem höheren und einem niedrigeren Bewusstsein zu kommunizieren.
Adolph Gottlieb - Imaginäre Landschaft, 1971, Aquatinta in Farben, auf Fabriano-Papier, mit vollen Rändern, 26 3/10 × 32 1/2 Zoll, 66,7 × 82,6 cm
Das Erbe von Adolph Gottlieb
Im Jahr 1970 hatte Gottlieb einen Schlaganfall und verlor die Nutzung der linken Körperseite. Dennoch machte er weiter und schuf nur ein Jahr vor seinem Tod einige der profundesten und extremsten Ausdrücke seiner Burst-Serie. Als sein Leben endete, war er nicht nur für das einzigartige Werk, das er geschaffen hatte, bekannt, sondern auch für seinen Einfluss auf die Arbeiten anderer. Seine Philosophien waren integraler Bestandteil der Ideen der Abstrakten Expressionisten. Und seine ästhetische Vision gilt als einflussreich für den Aufstieg der Color Field Painting und Minimalismus.
Aber ebenso wichtig für das ästhetische Erbe der Gemälde, Skulpturen und Drucke, die Adolph Gottlieb im Laufe seiner 70 Jahre geschaffen hat, ist der Beitrag, den er zur größeren künstlerischen Gemeinschaft geleistet hat, zu der er gehörte – jener, die formale Fortschritte, Generationen und Bewegungen übersteigt. Gottlieb hatte eine Vision des Künstlers als jemandem, der nicht von der restlichen Gesellschaft getrennt ist, sondern eng mit ihr verbunden. Er glaubte an das Potenzial der Kunst, die Zivilisation zu transformieren, und dass es wichtig ist, ästhetische Ideen offen und in einfacher Sprache zu diskutieren, damit sie von allen verstanden werden können. Er erkannte, dass Künstler entscheidend für die Fähigkeit einer Kultur sind, sich selbst zu verstehen, und durch sein Werk demonstrierte er die Verantwortung, die alle Künstler haben, den Wahnsinn, das Chaos, das Genie, die Schönheit, die Dunkelheit und das Licht ihrer Zeit auszudrücken.
Vorschaubild: Adolph Gottlieb -
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
