Die dunkle, abstrakte Kunst von Adolph Gottlieb
Adolph Gottlieb war eine der Schlüsselfiguren der Abstraktion Mitte des 20. Jahrhunderts. Seine Gemälde sind gefühlvoll, sparsam und ursprünglich, und viele Menschen empfinden sie als düster. Doch Gottlieb sah sich selbst als das Gegenteil von düster. Er fühlte sich energiegeladen, komplex, leidenschaftlich modern und als jemand, der mit seiner Kunst ein Licht anzündet und den Weg zu etwas Besserem für die Menschheit weist. Geboren in New York City zu Beginn einer der stürmischsten Zeiten der Menschheitsgeschichte, reifte Gottlieb definitiv in einer dunklen Zeit heran: einer Zeit sozialer, politischer und wirtschaftlicher Not, in der die Zukunft der Gesellschaft in einem realen, greifbaren Sinn infrage stand. Es ist nicht nur aus seiner Kunst, sondern auch aus seinen Schriften klar ersichtlich, dass die Ängste und Ungewissheiten des Ersten Weltkriegs, der Großen Depression und des Zweiten Weltkriegs maßgeblich zur Entwicklung seiner ästhetischen Vision beitrugen. Doch diese ästhetische Vision war nicht nur von Traurigkeit oder Untergang geprägt, wie viele Kritiker vermuteten. Tatsächlich war sie eine, durch die Gottlieb einfach versuchte, die Wahrheit über Herz und Geist des Menschen auf hoffnungsvolle Weise zu vermitteln. Vielleicht ist es unvermeidlich, dass eine solche Wahrheit, wie Gottlieb sie wahrnahm, einen gewissen Grad an Wahnsinn und Chaos enthalten muss. Doch das umfangreiche Werk, das Gottlieb hinterließ, als er 1974 starb, enthielt auch das Schöne, das Ruhige, das Friedliche und das Erhabene. Diese paradoxen Komplexitäten, die seine manchmal kontroverse Weltanschauung prägten, führten letztlich dazu, dass Adolph Gottlieb die abstrakte Kunst neu definierte und ein Werk schuf, das erst jetzt beginnt, für seine wahre Brillanz und sein Licht anerkannt zu werden.
Ein Künstler im Herzen
Adolph Gottlieb wurde 1904 in eine Arbeiterfamilie von Einwanderern in New York geboren. Im Vergleich zu vielen anderen Kindern, die damals auf der Lower East Side aufwuchsen, erhielt er einen hervorragenden Start ins Leben, da seine Eltern ein erfolgreiches Schreibwarengeschäft aufbauten und hofften, es ihm eines Tages zu übergeben. Doch schon früh wusste er mit Sicherheit, dass er nur Künstler sein wollte. Er war sich dessen so sicher, dass er mit 15 Jahren die Schule abbrach, um sich ganz seiner Kunst zu widmen. Er besuchte Vorlesungen an der Art Students League, einer von Künstlern geführten Einrichtung, an der viele Künstler, die später Teil der Abstrakten Expressionisten wurden, Unterricht nahmen. Und dann, mit gerade einmal 17 Jahren, reiste Gottlieb nach Europa und verdiente seine Passage, indem er auf einem Schiff nach Frankreich arbeitete.
Sein jugendlicher Glaube an seine Fähigkeiten zahlte sich im Ausland aus, denn er machte schnell Bekanntschaft mit der Welt des europäischen Modernismus. Im Gegensatz zur amerikanischen Kunst der 1920er Jahre war die europäische Kunst damals außerordentlich erfinderisch. Er kam mit Fauvismus, Kubismus, Suprematismus, Futurismus und Geometrischer Abstraktion in Berührung. Er besuchte Museen und nahm an allen kostenlosen Kunstkursen teil, die er finden konnte. Als sein Visum ablief, reiste er fast ein weiteres Jahr durch Europa. Dabei wurde er überzeugt, dass europäische Künstler mit etwas Wichtigem verbunden waren. Besonders faszinierte ihn der wachsende Einfluss der Stammeskunst, ein Trend, der ihn dazu inspirierte, die Umgangssprache der figurativen amerikanischen Kunst abzulehnen und stattdessen nach Universalien in alten Symbolen und jahrhundertealten visuellen Traditionen zu suchen.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, Farbiger Siebdruck, 31 1/8 × 23 1/8 Zoll, 79,1 × 58,7 cm (links) und Flying Lines, 1967, Farbiger Siebdruck, 30 × 22 Zoll, 76,2 × 55,9 cm, Foto: Marlborough Gallery
Der philosophische Künstler
Als Gottlieb 1922 nach New York zurückkehrte, brachte er ein Bewusstsein für seine eigene Verantwortung als Künstler mit. Er sah sich selbst als modernisierende Kraft für seine Kultur und nahm die Vorstellung an, dass Künstler Philosophen und Träger gesellschaftlichen Wandels sein sollten. Er beendete seine Kunstausbildung und wurde in den folgenden Jahren mit einer Gruppe anderer Künstler/Philosophen befreundet, wie Marcus Rothko, Barnett Newman, David Smith und Milton Avery, von denen einige später die berühmtesten amerikanischen Künstler ihrer Generation wurden. Gottlieb und seine Gefährten waren Ausnahmen. Sie waren abstrakte Künstler oder zumindest Künstler, deren Werke als abstrakt interpretiert wurden, doch sie waren auch begierig darauf, öffentlich über die Bedeutung ihrer Arbeit zu sprechen.
Zu jener Zeit wurden avantgardistische Künstler, insbesondere abstrakte Künstler, in den Vereinigten Staaten nicht verstanden und waren keineswegs weit verbreitet respektiert – nicht einmal in New York. Viele hatten Schwierigkeiten, für sich selbst und ihren Wert einzutreten, besonders für den Wert der modernistischen ästhetischen Ideale. Doch Gottlieb war ein natürlicher Fürsprecher und ein geborener Kommunikator. Er war politisch und gesellschaftlich engagiert und sprach sich schnell für das aus, was er für wichtig hielt. 1935 setzten Gottlieb und sein Freund Marcus Rothko ihre Überzeugungen in die Tat um, indem sie eine Gruppe namens The Ten gründeten. Diese umfasste Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg und Yankel Kufeld. In offenem Protest gegen die vorherrschenden Trends in der New Yorker Kuratorszene stellten The Ten ihre abstrakten Werke gemeinsam aus und lehnten das ab, was sie als „die angebliche Gleichsetzung von amerikanischer Malerei und gegenständlicher Malerei“ bezeichneten.
Adolph Gottlieb - Red Ground, Öl auf Papier auf Leinwand montiert
Die Piktogramme
Einer der ersten Fortschritte hin zu dem reifen abstrakten Stil, den Gottlieb schließlich entwickelte, kam Anfang der 1940er Jahre in Form seiner Piktogramm-Gemälde. Diese Werke waren im Wesentlichen Versuche, eine neue symbolische Bildsprache zu schaffen, die universelle Emotionen und Gefühle vermitteln konnte. Gottlieb konzipierte seine Piktogramm-Gemälde so, dass ihre Oberfläche abgeflacht war, wodurch Tiefe und jeglicher Illusionscharakter, der mit ihren gegenständlichen Elementen verbunden sein könnte, eliminiert wurden. Er demokratisierte auch alle Bereiche der Leinwand in einer vorausschauenden Anspielung auf das, was bald als „All-over“-Malerei bezeichnet werden sollte. Seine Piktogramme verwendeten eine Rohheit, die an kindliche Markierungen erinnerte, und riefen die ästhetischen Tendenzen von Stammesgesellschaften hervor.
In gewissem Sinne versuchte Gottlieb, ein neues Bildalphabet in der Tradition von Hieroglyphen oder chinesischen Kanji zu schaffen. Doch anstatt spezifische Erzählungen zu vermitteln, versuchte er, seine Aussagen auf das Wesentliche zu reduzieren. Statt die Mythen, auf die er sich bezog, buchstäblich auszuschreiben, versuchte er, die kollektiven menschlichen Gefühle zu kommunizieren, die ihrem Kern innewohnen. Um dieses Ziel zu erreichen, schuf er sorgfältig Bilder, die völlig originell und frei von äußeren Assoziationen waren, in der Hoffnung, dass ihre universelle Natur die kleinen kulturellen Unterschiede, die Menschen trennen, übersteigen würde.
Adolph Gottlieb - Piktogramm, 1942, Öl auf Künstlerplatte, 29 1/4 × 23 1/4 Zoll, 74,3 × 59,1 cm, Foto: Hollis Taggart Galleries, New York (links) und Ohne Titel, 1949, Pastell auf Papier, 24 × 18 Zoll, 61 × 45,7 cm, Foto: Berggruen Gallery, San Francisco (rechts)
Imaginäre Landschaften
Während Gottlieb seine Piktogramme weiterentwickelte, durchlief er einen Prozess der Vereinfachung. Durch diesen Prozess entstand eine Reihe von Werken, die er Imaginäre Landschaften nannte. Im Gegensatz zu den Piktogrammen, die keinen klaren Schwerpunkt auf einen Teil des Bildes legten, teilte Gottlieb die Bildebene in diesen Gemälden durch die Einführung einer Horizontlinie in zwei deutliche Bereiche. Unterhalb der Linie fügte Gottlieb piktographische Kritzeleien hinzu. Über der Linie platzierte er farbige geometrische Formen. Die Imaginären Landschaften deuteten eine hierarchische Beziehung zwischen den beiden Bildtypen an. Als untergeordnet dargestellt ist ein kritzelnder, emotionaler, komplizierter Ausdruck menschlicher Angst. Darüber schwebt ein einfacher, direkter Ausdruck universeller Reinheit.
Die Imaginäre Landschaft wurde dann weiter vereinfacht zu den sogenannten Burst-Gemälden. In diesen Werken eliminierte er die Horizontlinie, behielt jedoch die Kritzelei unten und die einheitliche Form oben bei. Die Bursts nutzten große Farbflächen und vereinten das Element Farbe mit dem der Form. Sie luden zu einer Betrachtung auf fast sakraler Ebene ein und schienen das Konzept einer symbiotischen Beziehung zwischen einem höheren und einem niedrigeren Bewusstsein zu vermitteln.
Adolph Gottlieb - Imaginäre Landschaft, 1971, Aquatinta in Farben, auf Fabriano-Papier, mit vollem Rand, 26 3/10 × 32 1/2 Zoll, 66,7 × 82,6 cm
Das Vermächtnis von Adolph Gottlieb
1970 erlitt Gottlieb einen Schlaganfall und verlor die Nutzung der linken Körperseite. Dennoch arbeitete er weiter und schuf nur ein Jahr vor seinem Tod einige der tiefgründigsten und extremsten Ausdrücke seiner Burst-Serie. Bis zu seinem Lebensende war er nicht nur für sein einzigartiges Werk bekannt, sondern auch für seinen Einfluss auf die Arbeiten anderer. Seine Philosophien waren integraler Bestandteil der Ideen der Abstrakten Expressionisten. Und seine ästhetische Vision gilt als einflussreich für den Aufstieg der Farbflächenmalerei und des Minimalismus.
Doch ebenso wichtig wie das ästhetische Erbe der Gemälde, Skulpturen und Drucke, die Adolph Gottlieb im Laufe seiner 70 Jahre schuf, ist sein Beitrag zur größeren Künstlergemeinschaft, der er angehörte – ein Beitrag, der über formale Fortschritte, Generationen und Bewegungen hinausgeht. Gottlieb hatte die Vorstellung vom Künstler als jemandem, der nicht von der Gesellschaft getrennt ist, sondern eng mit ihr verbunden. Er glaubte an das Potenzial der Kunst, die Zivilisation zu verwandeln, und daran, dass es wichtig ist, ästhetische Ideen offen und in klarer Sprache zu diskutieren, damit sie von allen verstanden werden können. Er erkannte, dass Künstler für das Verständnis einer Kultur von wesentlicher Bedeutung sind, und zeigte durch seine Arbeit die Verantwortung aller Künstler, den Wahnsinn, das Chaos, die Brillanz, die Schönheit, die Dunkelheit und das Licht ihrer Zeit auszudrücken.
Titelbild: Adolph Gottlieb -
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
