Berühmte abstrakte Gemälde, die unsere Wahrnehmung von Kunst verändert haben

„Welche Bilder wir uns vorstellen können, hängt, so könnte man sagen, davon ab, wer sich etwas vorstellt.“ - John Hospers, aus An Introduction to Philosophical Analysis

Wir sind auf Visionäre angewiesen, die verborgene Türen öffnen, damit wir vielleicht Teile der Welt und Teile unserer selbst erblicken, die sonst verborgen blieben. Das Sehen ist die Spezialität abstrakter Künstler, und in den vergangenen mehr als 100 Jahren ist es vielen berühmten abstrakten Gemälden gelungen, den Blick der Menschheit zu erweitern. Die Visionäre, die diese Bilder schufen, schenkten uns Betrachtern nicht nur die Gabe, neue Dinge zu sehen; sie boten uns völlig neue Arten des Sehens.

Diese Durchbrüche beschränken sich nicht auf die Kunstgeschichte. Neben jedem der unten vorgestellten historischen Künstler betrachten wir ein über IdeelArt verfügbares Werk, das sich verwandten Fragen zu Linie, Geometrie, Material oder Farbe nähert. Diese Gegenüberstellungen sind Einladungen zum Betrachten, keine Behauptungen direkter Beeinflussung: Jeder Künstler gibt diesen gemeinsamen Fragen eine eigene Sprache.

Berühmte abstrakte Gemälde: 1910er- bis 1920er-Jahre

Zugegeben, einige unserer Auswahlen in diesem Artikel mögen kontrovers erscheinen, da jeder Liebhaber abstrakter Kunst einen anderen Geschmack hat. Doch die meisten würden unserer ersten Auswahl abstrakter Gemälde, die unsere Wahrnehmung von Kunst verändert haben, wohl zustimmen. Wassily Kandinskys Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) entstand 1910 und gilt Kunsthistorikern als das erste rein abstrakte Gemälde. Die kühne Darstellung leuchtend farbiger Flecken, Verwischungen und Linien verzichtet auf jeden visuellen Bezug zur objektiven Realität. Dieses Gemälde befreite Künstler von der Fessel des Gegenstands und lud Betrachter dazu ein, sich auf völlig neue Weise mit dem Konzept auseinanderzusetzen, was ein Bild sein kann.

Wassily Kandinsky - Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) - 1910
Centre Georges Pompidou, Paris

Was geschieht, wenn Linien und Farben kein Objekt mehr beschreiben müssen? In Das Auge bietet Macha Poynder eine zeitgenössische Antwort: Geschlungene Spuren, plötzliche Aufblitze von Gelb und Pink sowie geschichtete blaue Passagen erzeugen einen unruhigen visuellen Rhythmus. Ihre Praxis verbindet automatisches Zeichnen, performative Gesten und intuitive Farbentscheidungen. Neben Kandinskys Aquarell betrachtet, lässt das Gemälde erahnen, wie Abstraktion das Sehen in eine aktive Erfahrung verwandeln kann, bei der das Auge Beziehungen verfolgt, statt ein Motiv zu identifizieren.

Elf Jahre später, 1921, malte Piet Mondrian sein ikonisches Tableau I. Nach einer Phase, in der er mit seiner sich entwickelnden neuen Ausdrucksweise experimentiert hatte, festigte Tableau I den Stil, der zu Mondrians Markenzeichen werden sollte. Die harten schwarzen Linien und in Felder gegliederten Farbflächen boten den Betrachtenden einen Einblick in eine geläuterte Geometrie und mathematische Präzision. Die klaren Linien und die Präzision des Werks verwiesen auf nichts anderes als Form, Farbe und Linie. Das Werk leitete einen Stil ein, der Generationen von Malerinnen und Malern, Bildhauerinnen und Bildhauern, Architektinnen und Architekten sowie Designerinnen und Designern beeinflussen sollte und bis heute kreative Köpfe inspiriert.

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
Museum Ludwig, Köln, Deutschland

Auch Mondrians Geometrie wirft eine Frage auf, die bis heute offen bleibt: Wie wenig braucht ein Bild, um unsere Sichtweise zu verändern? Daniel Göttins Untitled 1, 2016 beschreitet dieses Terrain auf andere Weise. Schwarze und graue vertikale Felder, durch weiße Linien getrennt, bilden ein regelmäßiges Muster, dessen Kontraste sich über die Oberfläche hinweg verändern. Statt Mondrians charakteristische Palette zu wiederholen, untersucht Göttin Proportion, Wiederholung, Symmetrie und Asymmetrie. Die Verbindung liegt in der Erfahrung der Betrachtenden mit Beziehungen: Eine Linie ist nicht bloß eine Grenze, sondern etwas, das den Raum um sie herum verändert.

1925 löste Joan Miró mit seinem Gemälde La mancha roja (Der rote Fleck) die Grenzen zwischen Abstraktion und Surrealismus auf. Miró betrachtete sich nicht als Abstraktionisten. Er sagte, dass er nach Hause kam, in sein winziges Zuhause, hungrig und erschöpft, und die Bilder malte, die er in seinem Kopf sah. La mancha roja (Der rote Fleck) bewegt sich auf der schmalen Grenze zwischen anthropomorpher Figuration, traumartigen Totems und reiner Abstraktion. Etwas Kindliches und zugleich Schreckliches lauert in diesem Bild. Mit dieser Werkgruppe stieß Miró die Tür zur verborgenen Ikonografie unserer Albträume und Träume weit auf.

Joan Miro - La mancha roja (Der rote Fleck) - 1925
Sammlung des Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
© Joan Miro Foundation, Barcelona

Mirós Formen schweben zwischen Zeichen, erdachten Kreaturen und eigenständigen Formen. Eine ähnliche Mehrdeutigkeit belebt Daniela Marins Medusae I, wo gestreifte, gefleckte und verzweigte Formen ein weißes Feld mit offenen geometrischen Strukturen teilen. Sie erinnern an Lebewesen, ohne sich zu einer einzigen erkennbaren Szene zu verdichten. Marins Formensprache bringt organische Formen in einen Dialog mit urbaner Geometrie und schöpft dabei aus ihren eigenen Erfahrungen und Reisen. Ihre helle, weitläufige Komposition unterscheidet sich von der beunruhigenden Atmosphäre, die in Mirós Gemälde beschrieben wird, doch beide laden die Betrachtenden dazu ein, zwischen Wiedererkennen und Erfinden zu wechseln: Eine Form kann lebendig wirken, ohne zu einer Illustration zu werden.

Berühmte abstrakte Gemälde: 1930er-1940er Jahre

Als die westliche Welt im 20. Jahrhundert zum zweiten Mal in Depression, Hungersnot und Krieg versank, hatte sich die Abstraktion fest als eine bedeutende Kraft in der Kunstwelt etabliert. Künstler, die in diesem Stil arbeiteten, setzten eine beeindruckende Bandbreite an Methoden ein und trugen damit zu den wachsenden Bemühungen bei, etwas Reines, etwas Wahres und etwas Freies im menschlichen Geist zu erfassen. In Großbritannien erweiterte der Maler Ben Nicholson seine abstrakte Arbeit um eine Werkgruppe, die er als weiße Reliefgemälde bezeichnete. Zu diesen Werken gehört White Relief, Quai d’Auteuil (1935), ein Beispiel für jenen Ansatz, der Nicholson zu einer der bedeutendsten Stimmen der englischen Abstraktion machte. Nicholson war mit dem Maler Piet Mondrian befreundet und wurde von ihm beeinflusst. Die weißen Reliefarbeiten entwickelten Mondrians Verwendung scharfkantiger Linien und geometrischer Räume weiter, indem sie eine dimensionale Schichtung und eine monochrome Palette einführten. Nicholsons erste weißen Reliefgemälde entstanden 1933, und bis 1935 hatte er einen Stil gefestigt, der Elemente der Abstraktion, des Konstruktivismus und der Konkreten Kunst verband und zugleich die frühen Anfänge des Minimalismus und der Post-Painterly Abstraction erahnen lässt.

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum

Nicholsons Reliefs machen den Raum selbst durch die Beziehungen zwischen Ebenen, Kanten und Tiefe zu einem aktiven Bestandteil der Abstraktion. Der britische Maler Jeremy Annear tritt in Construct (Red Disc and Triangle) überzeugend in einen Dialog mit diesem Anliegen. Geschichtete weiße, graue und erdfarbene Formen drehen sich um geschwungene Konturen, während eine rote Scheibe und ein rotes Dreieck die Komposition akzentuieren. Annear baut seine Ölgemälde aus geschichteten Formen und strukturierten Oberflächen auf; hier lassen ihre Überlagerungen einen Raum entstehen, der konstruiert und nicht beschrieben wirkt. Im Gegensatz zu Nicholsons weißen Reliefs handelt es sich um ein farbiges Gemälde, doch die gemeinsame Frage lautet, wie ein begrenztes Formenvokabular Ausgewogenheit, Spannung und ein Gefühl von Tiefe erzeugen kann.

Am anderen Ende des Spektrums standen in den 1930er- und 1940er-Jahren die Abstrakten Expressionisten, auch bekannt als New York School. Sie lehnten die rationale Geografie und räumliche Reduktion von Künstlern wie Mondrian und Nicholson entschieden ab und suchten in ihren Werken die Verbindung zu ursprünglichen Emotionen. Kein Abstrakter Expressionist war so einflussreich und erfolgreich darin, diesen Stil zu verkörpern, wie Jackson Pollock.

Pollock, ein berüchtigter Alkoholiker und Neurotiker, ließ sich von Psychoanalysen inspirieren, um tief in sein Unterbewusstsein vorzudringen und dort Inspiration zu finden. Seine Werke griffen auf Körperlichkeit und unbewusste Totembilder zurück, um eindringliche Darstellungen der modernen Angst der Nachkriegszeit zu schaffen. Eines von Pollocks ersten Drip Paintings, Full Fathom Five, das er 1947 malte, veränderte die abstrakte Kunst für immer. Dieses Werk ist eine Verbindung aus seinem früheren Pinselstil und seiner visionären Drip-Technik. Es enthält Münzen, Zigarettenstummel und andere zufällige Gegenstände aus seinem Atelier und weist eine für die Abstraktion völlig neue Struktur und Tiefe auf. Full Fathom Five markierte einen Wendepunkt in Pollocks Karriere und veränderte für immer unser Verhältnis zur Leinwand.

Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
 © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society

Die in Full Fathom Five eingebetteten Gegenstände erinnern uns daran, dass ein Gemälde mehr als ein Bild sein kann: Es kann eine physische Ansammlung von Handlungen und Materialien sein. Anthony Frost erkundet diese Möglichkeit in einem intuitiven Prozess, der Malerei und Collage verbindet. In Surface Pressure werden raue blaue und orangefarbene Flächen von einem hervorstehenden roten Streifen durchzogen, wodurch die Oberfläche selbst Teil der Begegnung wird. Frosts Verwendung gefundener Materialien und sein schichtweiser Aufbau unterscheiden sich deutlich von Pollocks verschlungenen Farbtropfen, doch beide Werke laden uns ein, Malerei als etwas zu betrachten, das durch körperliches Engagement entsteht, und nicht einfach als ein im Voraus geplantes Bild.

Berühmte abstrakte Gemälde: 1950er-Jahre

In den 1950er-Jahren hatten die Abstrakten Expressionisten die Vorstellungskraft der Kunstwelt fest im Griff. Überall bemühten sich Künstler, eine Verbindung zum ursprünglichen Selbst, zum Unbewussten und zu den verborgenen Bildern des Unterbewusstseins herzustellen. Inmitten dieses Eifers entstand eine Tendenz zur Ruhe, die teilweise aus dem wachsenden Interesse vieler Künstler an östlichen Philosophien wie dem Taoismus und dem Zen-Buddhismus hervorging. Eine der bedeutendsten Bewegungen, die aus dieser Zeit hervorgingen, war ein abstrakter Malstil, der als Color-Field-Malerei bekannt ist.

Das Ziel der Color-Field-Malerei, wie sie allgemein verstanden wird, bestand darin, Farbe unabhängig von Gegenstand, Form, Linie und den anderen Einschränkungen der Bildgestaltung zu erkunden. Die Maler strebten eine meditative Qualität an, die bei erfolgreicher Umsetzung anschließend vom Werk auf die Betrachtenden übertragen wurde.

Die abstrakte Malerin Helen Frankenthaler war eine der bedeutendsten Stimmen der Color-Field-Bewegung. Mit ihrem 1952 entstandenen Gemälde Berge und Meer, stellte Frankenthaler der Welt eine neue, von ihr entwickelte Maltechnik vor, die als „Soak-Stain-Technik“ bezeichnet wird. Bei diesem Verfahren verdünnte Frankenthaler die Konsistenz ihrer Farben mit Terpentin. Sie goss die verdünnte Farbe vorsichtig auf eine ungrundierte, auf dem Boden liegende Leinwand, sodass die Farbe vollständig durch die Leinwand hindurchsickern konnte und dem Werk eine völlig neue Textur und Erscheinung verlieh. Die Soak-Stain-Technik schuf sublime Farbfelder, die organische, sich wandelnde Formen annahmen und das Heitere berührten. Frankenthalers Berge und Meer gilt als einer der ersten Erfolge der Color-Field-Bewegung und ist bis heute eines ihrer eindrucksvollsten Bilder.

Helen Frankenthaler - Berge und Meer - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

Frankenthalers Malerei öffnet einen Raum zwischen erinnerter Landschaft und eigenständigen Farbfeldern. Greet Helsen nähert sich diesem Raum durch ihre eigenen Begegnungen mit der Natur und arbeitet eher mit Eindrücken von Licht, Form und Farbe als mit präzisen Beschreibungen. In Dynamisch (Dynamic) bewegen sich durchscheinende Rosa-, Blau- und Fliedertöne über eine luftige Oberfläche, unterbrochen von feinen dunklen Linien und tieferen Farbfeldern. Helsen verdünnt ihre Acrylfarbe sorgfältig, sodass die aufeinanderfolgenden Schichten sichtbar bleiben. Dies ist nicht derselbe Prozess wie Frankenthalers Soak-Stain-Technik, doch die Gegenüberstellung lässt erkennen, wie Transparenz und fließende Farbe eine Landschaft andeuten können, ohne eine darzustellen.

Der vielleicht berühmteste Künstler, der mit den Color-Field-Künstlern in Verbindung gebracht wird, ist Mark Rothko, ein Künstler, der auch diese und die meisten anderen Bezeichnungen vehement ablehnte. Rothko arbeitete ausschließlich mit Farbe und strebte danach, eine spirituelle Ebene zu eröffnen, auf der er und die Betrachter die Tiefe menschlicher Emotionen erfahren konnten. Obwohl er sich vollständig auf die Farbe konzentrierte, tat Rothko sie als bloßes Medium ab, durch das diese spirituelle Verbindung entstehen konnte. Eines von Rothkos prägenden frühen Werken war No. 2, Green, Red and Blue, das 1953 gemalt wurde. Dieses Werk ist charakteristisch für Rothkos späteres Œuvre und begründete seine Stimme als einzigartig eindringlicher Bewohner sowohl der Welt der abstrakten Kunst als auch der transzendenten Spiritualität.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

Kann Farbe ein Gefühl vermitteln, ohne dessen Ursache zu beschreiben? Diese Frage verbindet Rothkos Werk mit Kyong Lees Emotional Color Field 6, obwohl ihre Bildsprachen unterschiedlich bleiben. Lee ordnet horizontale Bänder an, die sich von tiefem Blau und Violett über Rosa- und helle Töne bis hin zu Orange und Rot bewegen. Ihr Prozess arbeitet mit sorgfältig vermessenen Feldern und allmählichen Farbübergängen, um Veränderungen des emotionalen Zustands zu erkunden. Während Rothkos weichkantige Formen zu schweben scheinen, sind Lees Unterteilungen klar und geordnet. Der Dialog handelt weniger von Ähnlichkeit als davon, wie eine Farbe unsere Wahrnehmung der nächsten verändert und wie diese Beziehungen zu einer emotionalen Sprache werden können.

Berühmte abstrakte Gemälde: 1960er- bis 1970er-Jahre

Als die Abstraktion in die 1960er- und 1970er-Jahre eintrat, lehnten viele Maler ihre grundlegenden Ideen bereits ab, kehrten zur Figuration zurück und erkundeten das Gebiet der Konzeptkunst. Dennoch bargen die Klarheit und Freiheit der Abstraktion weiterhin großes Potenzial. Eine der erhabensten Stimmen dieser Zeit war die amerikanische abstrakte Malerin Agnes Martin. Martin, bekannt für ihre Gemälde mit Linienraster, gilt bis heute als ikonische Stimme der abstrakten Kunst.

Agnes Martins Gemälde Night Sea aus dem Jahr 1963 ist eines der frühesten Beispiele für den Stil, der später für sie charakteristisch werden sollte. Das Werk zeigt einen nahezu monochromen blauen Hintergrund, der von einem sorgfältig ausgeführten Rastermuster aus Blattgold durchzogen wird. Dieses Werk setzt Farbe ein und verleiht zugleich der Linie die gleiche Bedeutung. Es umfasst die Einfachheit und vermittelt gleichzeitig Weite, Komplexität und ein Gefühl ineinander verwobener gegenseitiger Abhängigkeit. Martin sprach davon, dass die Linie für sie Unschuld verkörperte. Sie hoffte, dass ihre Werke dieses Gefühl der Unschuld auf die Betrachter übertrugen. Die Einfachheit ihrer Bilder und die Unmittelbarkeit der Emotion, die sie vermitteln wollte, waren entscheidend dafür, die Kluft zwischen dem Abstrakten Expressionismus und dem Minimalismus zu überbrücken.

Agnes Martin - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society

Martins zurückhaltendes Vokabular zeigt, wie eine Linie unsere Aufmerksamkeit fesseln kann, ohne etwas zu beschreiben. Richard Caldicotts Untitled, 2014 (Id.383) bietet eine andere, reduzierte Begegnung mit Linie und Raum. Auf einem hellen Grund bilden feine und kräftigere dunkle Linien eine offene, kantige Struktur zwischen roten und gelben Bereichen. Statt Martins Raster zu wiederholen, reduziert Caldicott die Komposition auf einige wenige Beziehungen, deren Ausgewogenheit beim Betrachten immer deutlicher wird. Seine seriellen Arbeiten auf Papier erkunden eine minimalistische, architektonische Sprache. Die Gegenüberstellung lädt zu einer langsameren Form der Aufmerksamkeit ein: nicht zur Suche nach einem Motiv, sondern zum Bewusstsein dafür, wie Zwischenräume, Kanten und Leerstellen unsere Wahrnehmung prägen.

In den 1970er-Jahren brachte Robert Motherwell die Welt der Abstraktion mit einer Stimme erneut durcheinander, die wie das genaue Gegenteil der Verlockung des Minimalismus wirkte. Seine ursprünglichen, rauen Gesten vermittelten zugleich Energie, Stärke und Angst. Ihnen wohnte eine stoische Kraft inne, und dennoch trat eine tiefgreifende Emotion hervor, die die Macht und Freiheit reiner Abstraktion verkörperte.

Motherwells wegweisendes Werk entstand 1971 und trug den Titel Elegy to the Spanish Republic No. 110. Die furiose Energie dieses Gemäldes umfängt den Betrachter und scheint von der Leinwand zu bersten. Es besitzt eine erschütternde Vitalität, eine Aggression, die Emotion und Wut in den Raum überträgt. Zu einer Zeit, als viele Maler die Abstraktion für erschöpft hielten, hauchte Motherwell dieser Stilrichtung eine kraftvolle neue Lebenskraft ein. Seine frische Vision und selbstbewusste Stimme trugen dazu bei, dass die Abstraktion fortbestand, und inspirieren und stärken abstrakte Künstler bis heute.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Motherwells Elegy zeigt, wie wiederholte, kraftvolle Formen einem abstrakten Gemälde emotionales Gewicht verleihen können. Tommaso Fattovichs Punk nähert sich diesem Gewicht durch eine stärker fragmentierte, vielfarbige Bildsprache. Aufrechte Passagen in Schwarz, Rosa, Hellgrün und Orange erheben sich aus einem rauen graubraunen Grund; ihre Ränder tragen die Spuren aufeinanderfolgender Gesten. Fattovich entwickelt seine Kompositionen intuitiv und reagiert auf Farben, Schichten, Linien und Formen, bis das Bild vollständig wirkt. Der Vergleich betrifft die physische Präsenz der Markierung, nicht eine Gleichwertigkeit des Themas: Fattovichs urban inspirierte Abstraktion teilt nicht die spezifische historische Bedeutung von Motherwells Elegy, bietet jedoch eine weitere Möglichkeit, die Geste als Träger von Intensität zu erleben.

Unsere Wahrnehmung der Zukunft verändern

Die zeitgenössischen abstrakten Künstler von heute stehen in der Schuld all dieser Künstler – sowohl für die Art und Weise, wie sie in ihren Ausdrucksformen nach Freiheit suchten, als auch dafür, wie sie den Betrachtern halfen, ihren Geist für neue Sichtweisen zu öffnen. Die Abstraktion öffnet uns weiterhin neue Türen, während wir versuchen, die endlosen Komplexitäten zu begreifen, die unsere sich wandelnde Gesellschaft uns präsentiert. Indem sie auf die Beispiele der großen abstrakten Künstler der Vergangenheit zurückgreifen, können die abstrakten Künstler von heute und morgen hoffentlich dazu beitragen, unsere zeitgenössischen Ängste und Sorgen zu übersetzen und über die Grenzen unserer eigenen Augen hinauszusehen.

Die Werke, die mit diesen historischen Gemälden in einen Dialog treten, zeigen, dass diese Möglichkeiten weiterhin offenstehen. Von Poynders unruhigen Linien und Marins vorgestellten organischen Formen bis zu den konstruierten Räumen von Göttin und Annear bietet die Abstraktion vielfältige Möglichkeiten, das Auge anzusprechen. Frosts materielle Oberflächen, Helsens durchscheinende Farbe, Lees emotionale Sequenzen, Caldicotts karge Strukturen und Fattovichs kraftvolle Markierungen führen das Gespräch in unterschiedliche Richtungen weiter. Sie ersetzen die historischen Werke nicht und wiederholen auch nicht deren Errungenschaften. Stattdessen laden sie uns ein, das Gelernte in neue Begegnungen mitzunehmen und zu entdecken, wie die Abstraktion unsere Sichtweise weiterhin verändert.

Titelbild: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
Alle Bilder dienen ausschließlich zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio (2016) Bearbeitet von Francis Berthomier (2026)