Berühmte abstrakte Gemälde, die unsere Wahrnehmung von Kunst verändert haben

„Welche Bilder wir haben können, könnte man sagen, hängt davon ab, wer sich das Vorstellen macht.“ - John Hospers, aus An Introduction to Philosophical Analysis

"Wir sind auf Visionäre angewiesen, die verborgene Türen öffnen, damit wir Teile der Welt und Teile von uns selbst erblicken können, die sonst verborgen bleiben könnten. Vision ist das Spezialgebiet abstrakter Künstler, und in den letzten 100+ Jahren haben viele berühmte abstrakte Gemälde dazu beigetragen, die Sichtweise der Menschheit zu erweitern. Die Visionäre, die diese Bilder geschaffen haben, haben uns, den Betrachtern, nicht nur das Geschenk neuer Dinge zum Sehen gegeben; sie haben uns völlig neue Möglichkeiten des Sehens angeboten."

Berühmte abstrakte Gemälde: 1910er – 1920er

Zugegeben, einige unserer Auswahlmöglichkeiten in diesem Artikel könnten umstritten sein, dajeder Liebhaber abstrakter Kunst unterschiedliche Geschmäcker hat. Aber die meisten würden wahrscheinlich unserer ersten Auswahl an abstrakten Gemälden zustimmen, die die Art und Weise, wie wir Kunst wahrnehmen, verändert haben. Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) wurde 1910 gemalt und wird von Kunsthistorikern als das erste rein abstrakte Gemälde angesehen. Die kühne Darstellung von lebhaft gefärbten Punkten, Schlieren und Linien verzichtet auf jeglichen visuellen Bezug zur objektiven Realität. Dieses Gemälde befreite die Künstler von der Fessel des Themas und lud die Betrachter ein, sich auf eine völlig neue Weise mit dem Konzept dessen, was ein Bild sein kann, auseinanderzusetzen.

Wassily Kandinsky - Untitled (Erstes abstraktes Aquarell), 1910. Aquarell und indische Tinte und Bleistift auf Papier. 19,5 × 25,5. Centre Georges Pompidou, Paris

Elf Jahre später, im Jahr 1921, malte Piet Mondrian sein ikonisches Tableau I. Nach einer Zeit des Experimentierens mit seiner sich entwickelnden neuen Stimme festigte Tableau I das, was Mondrians prägender Stil werden sollte. Die harten schwarzen Linien und die compartmentalisierten Farbflächen boten den Betrachtern einen Einblick in gereinigte Geometrie und mathematische Präzision. Die klaren Linien und die Präzision des Werks bezogen sich auf nichts anderes als Form, Farbe und Linie. Das Werk leitete einen Stil ein, der Generationen von Malern, Bildhauern, Architekten und Designern beeinflussen würde und auch heute noch kreative Denker leitet.

Piet Mondrian - Tableau I, 1921. Öl auf Leinwand. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Deutschland

1925 löste Joan Miró die Barrieren zwischen Abstraktion und Surrealismus mit seinem Gemälde La mancha roja (Der rote Fleck) auf. Miró betrachtete sich nicht als Abstraktionist. Er sagte, dass er hungrig und erschöpft nach Hause kam und die Bilder malte, die er in seinem Kopf sah. La mancha roja (Der rote Fleck) steht an der dünnen Grenze zwischen anthropomorpher Figuration, traumhaften Totems und reiner Abstraktion. Etwas Kindliches, aber auch Schreckliches, lauert im Bild. Mit diesem Werk öffnete Miró die Tür zur verborgenen Ikonographie unserer Albträume und Träume.

Joan Miro - La mancha roja (Der rote Fleck), 1925. Öl und Pastell auf Leinwand. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Sammlung. © Joan Miro Stiftung, Barcelona

Berühmte abstrakte Gemälde: 1930er – 1940er

Als die westliche Welt zum zweiten Mal im 20. Jahrhundert in Depression, Hunger und Krieg versank, war die Abstraktion fest als eine wichtige Kraft in der Kunstwelt etabliert. Eine fantastische Palette von Methoden wurde von Künstlern verwendet, die in diesem Stil arbeiteten, wobei jeder zu den wachsenden Bemühungen beitrug, mit etwas Reinem, etwas Wahrem und etwas Freiem im menschlichen Geist in Verbindung zu treten. In Großbritannien erweiterte der Maler Ben Nicholson seine abstrakte Arbeit zu einem Werk, das er weiße Reliefmalerei nannte. Eines seiner wegweisenden frühen Werke, 1935 (weißes Relief), brach neues visuelles Terrain und etablierte Nicholson als eine der wichtigsten Stimmen der englischen Abstraktion. Nicholson war ein Freund von und wurde beeinflusst von dem Maler Piet Mondrian. Die weißen Reliefarbeiten erweiterten Mondrians Verwendung von scharfen Linien und geometrischem Raum, indem sie dimensionale Schichtung und eine monochromatische Palette einführten. Nicholsons erste weißen Reliefmalereien wurden 1933 geschaffen, und zu dem Zeitpunkt, als 1935 (weißes Relief) entstand, hatte er einen Stil gefestigt, der Elemente der Abstraktion, des Konstruktivismus, konkrete Kunst kombinierte und die frühen Keime des Minimalismus und Post-Painterly Abstraktion andeutete.

Am anderen Ende des Spektrums standen in den 1930er und 1940er Jahren die Abstract Expressionists, auch bekannt als die New York School. Sie wiesen die rationale Geographie und räumliche Reduktion von Künstlern wie Mondrian und Nicholson entschieden zurück und strebten danach, in ihrer Arbeit mit primären Emotionen in Verbindung zu treten. Kein Abstract Expressionist war so einflussreich und erfolgreich darin, den Stil zu verkörpern, wie Jackson Pollock.

Ein notorischer Alkoholiker und Neurotiker, wurde Pollock von Psychoanalysen inspiriert, tief in sein Unterbewusstsein einzutauchen, um Inspiration zu finden. Seine Arbeiten zogen aus der Körperlichkeit und unbewussten Totem-Bildern, um heftige Darstellungen moderner, nachkriegsbedingter Angst zu schaffen. Eines von Pollocks ersten Tropfgemälden, Full Fathom Five, das 1947 gemalt wurde, veränderte die abstrakte Kunst für immer. Dieses Werk ist eine Mischung aus seinem früheren Pinselstil und seiner visionären Tropftechnik. Es enthält Münzen, Zigarettenstummel und andere zufällige Teile aus seinem Atelier, die ein Maß an Textur und Tiefe projizieren, das für die Abstraktion völlig neu ist. Full Fathom Five läutete einen Wendepunkt in Pollocks Karriere ein und veränderte für immer unsere Beziehung zur Leinwand.

Jackson Pollock - Full Fathom Five, 1947. Öl auf Leinwand mit Nägeln, Reißnägeln, Knöpfen, Schlüssel, Münzen, Zigaretten, Streichhölzern usw. 50 7/8 x 30 1/8 Zoll. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Berühmte abstrakte Gemälde: 1950er Jahre

In den 1950er Jahren hatten die Abstrakten Expressionisten fest die Vorstellungskraft der Kunstwelt übernommen. Überall bemühten sich Künstler, eine Verbindung zum urtümlichen Selbst, zum Unbewussten und zu den verborgenen Bildern des Unterbewusstseins herzustellen. Inmitten dieses Fiebers entstand ein Trend zur Ruhe, der teilweise aus einem wachsenden Interesse vieler Künstler an östlichen Philosophien wie dem Taoismus und dem Zen-Buddhismus hervorging. Eine der tiefgreifendsten Bewegungen, die aus dieser Zeit hervorgingen, war ein abstrakter Malstil, der als Color Field Painting bekannt ist.

Das Ziel der Color Field Painting, wie es allgemein verstanden wird, war es, Farbe unabhängig von Motiv, Form, Linie und den anderen Einschränkungen der Bildgestaltung zu erkunden. Eine meditative Qualität wurde von den Malern angestrebt, und wenn dies erfolgreich war, wurde sie anschließend vom Werk auf die Betrachter übertragen.

Die abstrakte Malerin Helen Frankenthaler war eine der profundesten Stimmen der Color Field-Bewegung. Mit ihrem Gemälde Mountains and Sea, das 1952 gemalt wurde, führte Frankenthaler die Welt in eine neue Maltechnik ein, die sie „soak-stain process“ nannte. In diesem Prozess verwendete Frankenthaler Terpentin, um die Konsistenz ihrer Farben zu verdünnen. Sie goss die verdünnte Farbe vorsichtig auf eine ungrundierte Leinwand auf dem Boden und ließ die Farbe vollständig durch die Leinwand eindringen, wodurch das Werk eine völlig neue Textur und Erscheinung erhielt. Der soak-stain process schuf erhabene Farbflächen, die organische, sich verändernde Konfigurationen annahmen und die Ruhe berührten. Frankenthalers Mountains and Sea gilt als einer der ersten Erfolge der Color Field-Bewegung und bleibt bis heute eines ihrer liebenswertesten Bilder.

Helen Frankenthaler - Berge und Meer, 1952. Öl und Kohle auf Leinwand. 86 5/8 x 117 ¼ Zoll. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Vielleicht ist der bekannteste Künstler, der mit den Color Field-Künstlern in Verbindung gebracht wird, Mark Rothko, ein Künstler, der diese und die meisten anderen Bezeichnungen vehement ablehnte. Rothko arbeitete ausschließlich mit Farbe und strebte danach, eine spirituelle Ebene zu eröffnen, auf der er und die Betrachter die Tiefe menschlicher Emotionen erleben konnten. Obwohl er sich voll und ganz auf Farbe konzentrierte, wies Rothko sie als nur ein Vehikel zurück, durch das diese spirituelle Verbindung hergestellt werden könnte. Eines von Rothkos prägendsten frühen Werken war No. 2, Green, Red and Blue, das 1953 gemalt wurde. Dieses Stück ist ikonisch für Rothkos zukünftiges Werk und etabliert seine Stimme als einzigartig liebenswürdigen Bewohner sowohl der Welt der abstrakten Kunst als auch der transzendentalen Spiritualität.

Mark Rothko - Nr. 2, Grün, Rot und Blau, 1953. Privatbesitz

Berühmte abstrakte Gemälde: 1960er – 1970er

Als die Abstraktion in die 1960er und 1970er Jahre eintrat, lehnten viele Maler bereits ihre grundlegenden Ideen ab, kehrten zur Figuration zurück und erkundeten den Bereich der konzeptionellen Kunst. Dennoch hielt die Kraft der Klarheit und Freiheit der Abstraktion immer noch große Versprechungen. Eine der erhabensten Stimmen dieser Zeit war die amerikanische abstrakte Malerin Agnes Martin. Bekannt für ihre gemalten Linienraster, bleibt Martin eine ikonische Stimme der Abstrakten Kunst.

Agnes Martins Gemälde Nachtmeer, das 1963 entstand, ist eines der frühesten Beispiele für ihren endgültigen Stil. In dem Werk wird ein nahezu monochromer blauer Hintergrund von einem sorgfältigen Gittermuster aus Blattgold durchzogen. Dieses Werk umarmt die Farbe und verleiht der Linie gleichermaßen Kraft. Es umarmt die Einfachheit und kommuniziert gleichzeitig Weite, Komplexität und ein Gefühl von verwobener Interdependenz. Martin sprach davon, dass die Linie für sie Unschuld repräsentierte. Sie hoffte, dass das Gefühl der Unschuld durch ihr Werk auf die Betrachter übertragen wurde. Die Einfachheit ihrer Bilder und die Direktheit der Emotion, die sie zu kommunizieren hoffte, waren entscheidend, um die Kluft zwischen abstraktem Expressionismus und Minimalismus zu überbrücken.

Agnes Martin - Nachtmeer, 1963. Öl und Blattgold auf Leinwand. 72 x 72 Zoll. © Nachlass von Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

In den 1970er Jahren erschütterte Robert Motherwell die Welt der Abstraktion erneut mit einer Stimme, die wie das Gegenteil des Reizes des Minimalismus schien. Seine urtümlichen, rauen Gesten vermittelten Energie, Stärke und Angst zugleich. Es gab eine stoische Stärke in ihnen, und doch kam eine tiefgreifende Emotion zum Vorschein, die die Kraft und Freiheit der reinen Abstraktion verkörperte.

Motherwells prägendes Werk entstand 1971 und trug den Titel Elegie an die Spanische Republik Nr. 110. Die wütende Energie dieses Gemäldes umhüllt den Betrachter und scheint von der Leinwand zu springen. Es gibt eine schockierende Vitalität darin, Aggression, die Emotion und Wut in den Raum überträgt. Zu einer Zeit, als viele Maler der Meinung waren, dass die Abstraktion sich erschöpft hatte, injizierte Motherwell eine kraftvolle neue Lebensenergie in den Stil. Seine frische Vision und selbstbewusste Stimme halfen der Abstraktion, zu bestehen, und inspirieren und ermächtigen abstrakte Künstler bis heute.

Robert Motherwell - Elegie für die Spanische Republik Nr. 110, 1971. Acryl mit Graphit und Kohle auf Leinwand. 82 x 114 Zoll. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Foundation, Inc./Lizenziert von VAGA bei Artists Rights Society (ARS), New York

Unsere Wahrnehmung der Zukunft verändern

Die zeitgenössischen abstrakten Künstler von heute sind diesen Künstlern in vielerlei Hinsicht verpflichtet, sowohl für die Wege, auf denen sie Freiheit in ihren Ausdrucksformen suchten, als auch für die Wege, auf denen sie den Betrachtern halfen, ihre Gedanken für neue Sichtweisen zu öffnen. Abstraktion öffnet uns weiterhin neue Türen, während wir versuchen, die endlosen Komplexitäten zu begreifen, die uns unsere sich entwickelnde Gesellschaft präsentiert. Indem sie auf die Beispiele der großen abstrakten Künstler der Vergangenheit zurückgreifen, können die abstrakten Künstler von heute und morgen hoffentlich dazu beitragen, unsere zeitgenössischen Ängste und Sorgen zu übersetzen und uns helfen, über die Grenzen unserer eigenen Augen hinauszusehen.

Vorschaubild: Wassily Kandinsky - Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio