Berühmte abstrakte Gemälde, die unsere Wahrnehmung von Kunst verändert haben

„Welche Bilder wir haben können, könnte man sagen, hängt davon ab, wer sich das Vorstellen ausmalt.“ – John Hospers, aus Eine Einführung in die philosophische Analyse

Wir sind auf Visionäre angewiesen, die verborgene Türen öffnen, damit wir Teile der Welt und Teile von uns selbst erblicken können, die sonst verborgen bleiben würden. Vision ist die Spezialität abstrakter Künstler, und in den letzten über 100 Jahren haben viele berühmte abstrakte Gemälde es geschafft, den Blick der Menschheit zu erweitern. Die Visionäre, die diese Bilder schufen, schenkten uns, den Betrachtern, nicht nur neue Dinge zum Sehen; sie boten uns völlig neue Sichtweisen an.

Berühmte abstrakte Gemälde: 1910er – 1920er Jahre

Zugegeben, einige unserer Auswahlen in diesem Artikel könnten umstritten sein, da jeder Liebhaber abstrakter Kunst unterschiedliche Vorlieben hat. Aber die meisten würden wahrscheinlich unserer ersten Auswahl von abstrakten Gemälden zustimmen, die unsere Wahrnehmung von Kunst veränderten. Wassily Kandinskys Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) wurde 1910 gemalt und gilt unter Kunsthistorikern als das erste rein abstrakte Gemälde. Die kühne Darstellung von lebhaft gefärbten Flecken, Schmierereien und Linien verzichtet vollständig auf visuelle Bezüge zur objektiven Wirklichkeit. Dieses Gemälde befreite Künstler von der Fessel des Gegenstandes und lud die Betrachter ein, sich auf eine völlig neue Weise mit dem Konzept dessen auseinanderzusetzen, was ein Bild sein kann.

Wassily Kandinsky – Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell), 1910. Aquarell, Indische Tusche und Bleistift auf Papier. 19,5 × 25,5 cm. Centre Georges Pompidou, Paris

Piet Mondrian – Tableau I, 1921. Öl auf Leinwand. 96,5 cm x 60,5 cm. Museum Ludwig, Köln, Deutschland

1925 löste Joan Miró die Grenzen zwischen Abstraktion und Surrealismus mit seinem Gemälde La mancha roja (Der rote Fleck) auf. Miró betrachtete sich nicht als Abstraktionist. Er sagte, er kam hungrig und erschöpft nach Hause in sein kleines Heim und malte die Bilder, die er in seinem Kopf sah. La mancha roja (Der rote Fleck) balanciert auf der schmalen Linie zwischen anthropomorpher Figuration, traumhaften Totems und reiner Abstraktion. Etwas Kindliches, aber auch Schreckliches lauert im Bild. Mit diesem Werk öffnete Miró die Tür zur verborgenen Bildsprache unserer Albträume und Träume weit.

Joan Miro – La mancha roja (Der rote Fleck), 1925. Öl und Pastell auf Leinwand. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Sammlung. © Joan Miro Stiftung, Barcelona

Berühmte abstrakte Gemälde: 1930er – 1940er Jahre

Als die westliche Welt im 20. Jahrhundert zum zweiten Mal in Depression, Hunger und Krieg versank, hatte sich die Abstraktion als bedeutende Kraft in der Kunstwelt fest etabliert. Künstler, die in diesem Stil arbeiteten, verwendeten eine fantastische Vielfalt an Methoden, die alle dazu beitrugen, eine Verbindung zu etwas Reinem, Wahrem und Freiem im menschlichen Geist herzustellen. In Großbritannien erweiterte der Maler Ben Nicholson seine abstrakte Arbeit zu einer Reihe von sogenannten weißen Reliefgemälden. Eines seiner wegweisenden frühen Werke, 1935 (weißes Relief), brach neue visuelle Wege und etablierte Nicholson als eine der wichtigsten Stimmen der englischen Abstraktion. Nicholson war ein Freund von und wurde beeinflusst durch den Maler Piet Mondrian. Die weißen Reliefarbeiten bauten auf Mondrians Verwendung harter Linien und geometrischer Räume auf, führten jedoch Schichtungen und eine monochrome Farbpalette ein. Nicholsons erste weiße Reliefgemälde entstanden 1933, und als 1935 (weißes Relief) entstand, hatte er einen Stil gefestigt, der Elemente der Abstraktion, des Konstruktivismus, konkreten Kunst enthielt und frühe Ansätze von Minimalismus und Post-Painterly Abstraktion andeutete.

Am anderen Ende des Spektrums in den 1930er und 1940er Jahren standen die Abstrakten Expressionisten, auch bekannt als die New Yorker Schule. Sie lehnten die rationale Geometrie und räumliche Reduktion von Künstlern wie Mondrian und Nicholson entschieden ab und suchten in ihrer Arbeit den Zugang zu ursprünglichen Gefühlen. Kein Abstrakter Expressionist war so einflussreich und erfolgreich darin, diesen Stil zu verkörpern wie Jackson Pollock.

Pollock, ein berüchtigter Alkoholiker und Neurotiker, ließ sich von der Psychoanalyse inspirieren, tief in sein Unterbewusstsein zu greifen. Seine Arbeit basierte auf Körperlichkeit und unbewussten Totem-Bildern, um heftige Darstellungen moderner, nachkriegsbedingter Angst zu schaffen. Eines von Pollocks ersten Tropfbildern, Full Fathom Five, gemalt 1947, veränderte die abstrakte Kunst für immer. Dieses Werk ist eine Mischung aus seinem früheren Pinselstil und seiner visionären Tropftechnik. Es enthält Münzen, Zigarettenstummel und andere zufällige Gegenstände aus seinem Atelier, was eine neue Ebene von Struktur und Tiefe in die Abstraktion brachte. Full Fathom Five markierte einen Wendepunkt in Pollocks Karriere und veränderte unsere Beziehung zur Leinwand für immer.

Jackson Pollock – Full Fathom Five, 1947. Öl auf Leinwand mit Nägeln, Reißzwecken, Knöpfen, Schlüssel, Münzen, Zigaretten, Streichhölzern usw. 129,2 x 76,5 cm. © 2019 Pollock-Krasner Stiftung / Artists Rights Society (ARS), New York

Berühmte abstrakte Gemälde: 1950er Jahre

In den 1950er Jahren hatten die Abstrakten Expressionisten die Vorstellungskraft der Kunstwelt fest in der Hand. Überall strebten Künstler danach, mit dem urtümlichen Selbst, dem unbewussten Geist und der verborgenen Bildwelt des Unterbewusstseins in Verbindung zu treten. Inmitten dieses Eifers entstand eine Tendenz zur Ruhe, die teilweise aus dem wachsenden Interesse vieler Künstler an östlichen Lehren wie dem Taoismus und Zen-Buddhismus herrührte. Eine der tiefgründigsten Bewegungen, die aus dieser Zeit hervorging, war ein abstrakter Malstil, der als Farbflächenmalerei bekannt wurde.

Das Ziel der Farbflächenmalerei, wie sie allgemein verstanden wird, war es, Farbe unabhängig von Gegenstand, Form, Linie und anderen Zwängen der Bildgestaltung zu erforschen. Die Maler suchten eine meditative Qualität, die, wenn sie gelang, vom Werk auf die Betrachter übertragen wurde.

Die abstrakte Malerin Helen Frankenthaler war eine der bedeutendsten Stimmen der Farbflächenbewegung. Mit ihrem Gemälde Berge und Meer, gemalt 1952, stellte Frankenthaler der Welt eine neue Maltechnik vor, die sie „Durchtränkungsprozess“ nannte. Dabei verwendete Frankenthaler Terpentin, um die Konsistenz ihrer Farben zu verdünnen. Sie goss die verdünnte Farbe vorsichtig auf eine ungegrundete Leinwand auf dem Boden, sodass die Farbe vollständig durch die Leinwand sickerte und dem Werk eine völlig neue Struktur und Erscheinung verlieh. Der Durchtränkungsprozess schuf erhabene Farbflächen, die organische, sich wandelnde Formen annahmen und eine ruhige Wirkung erzielten. Frankenthalers Berge und Meer gilt als einer der ersten Erfolge der Farbflächenbewegung und bleibt bis heute eines ihrer beliebtesten Bilder.

Helen Frankenthaler – Berge und Meer, 1952. Öl und Kohle auf Leinwand. 220 x 298 cm. © 2019 Helen Frankenthaler Stiftung, Inc./Artists Rights Society (ARS), New York

Vielleicht der berühmteste Künstler, der mit den Farbflächenmalern in Verbindung gebracht wird, ist Mark Rothko, ein Künstler, der solche und die meisten anderen Bezeichnungen vehement ablehnte. Rothko arbeitete ausschließlich mit Farbe und strebte danach, eine geistige Ebene zu öffnen, auf der er und die Betrachter die Tiefe menschlicher Gefühle erfahren konnten. Obwohl er sich ganz auf die Farbe konzentrierte, betrachtete Rothko sie nur als Mittel, durch das diese geistige Verbindung hergestellt werden konnte. Eines von Rothkos prägendsten frühen Werken war Nr. 2, Grün, Rot und Blau, gemalt 1953. Dieses Werk ist ein Sinnbild für Rothkos spätere Arbeiten und etabliert seine Stimme als eine einzigartig ansprechende Gestalt sowohl in der Welt der abstrakten Kunst als auch der transzendenten Spiritualität.

Mark Rothko – Nr. 2, Grün, Rot und Blau, 1953. Privatsammlung

Berühmte abstrakte Gemälde: 1960er – 1970er Jahre

Als die Abstraktion in die 1960er und 1970er Jahre eintrat, lehnten viele Maler bereits ihre Grundideen ab, kehrten zur Figuration zurück und erforschten das Gebiet der konzeptuellen Kunst. Dennoch hielt die Kraft der Klarheit und Freiheit der Abstraktion weiterhin großes Versprechen. Eine der erhabensten Stimmen dieser Zeit war die amerikanische abstrakte Malerin Agnes Martin. Bekannt für ihre linienförmigen Rasterbilder, bleibt Martin eine ikonische Stimme der abstrakten Kunst.

Agnes Martins Gemälde Nachts Meer, geschaffen 1963, ist eines der frühesten Beispiele für ihren späteren Stil. In dem Werk wird ein fast monochromatischer blauer Hintergrund von einem sorgfältig gemalten Rastermuster aus Blattgold durchkreuzt. Dieses Werk umarmt die Farbe und legt gleichzeitig gleichermaßen Wert auf die Linie. Es vereint Einfachheit mit der Vermittlung von Weite, Komplexität und einem Gefühl verflochtener Abhängigkeit. Martin sprach davon, dass die Linie für sie Unschuld darstellte. Sie hoffte, dass das Gefühl der Unschuld durch ihr Werk auf die Betrachter übertragen wird. Die Schlichtheit ihrer Bilder und die Direktheit der Emotion, die sie vermitteln wollte, waren entscheidend, um die Kluft zwischen abstraktem Expressionismus und Minimalismus zu überbrücken.

Agnes Martin – Nachts Meer, 1963. Öl und Blattgold auf Leinwand. 183 x 183 cm. © Nachlass Agnes Martin / Artists Rights Society (ARS), New York

In den 1970er Jahren erschütterte Robert Motherwell die Welt der Abstraktion erneut mit einer Stimme, die wie das Gegenteil der Anziehungskraft des Minimalismus wirkte. Seine urtümlichen, kraftvollen Gesten vermittelten zugleich Energie, Stärke und Angst. Sie besaßen eine stoische Kraft, und doch kam eine tiefe Emotion zum Ausdruck, die die Macht und Freiheit reiner Abstraktion verkörperte.

Motherwells prägendes Werk entstand 1971 und trägt den Titel Elegie an die Spanische Republik Nr. 110. Die wütende Energie dieses Gemäldes umhüllt den Betrachter und scheint von der Leinwand zu sprühen. Es besitzt eine schockierende Lebendigkeit, eine Aggression, die Emotion und Wut in den Raum überträgt. Zu einer Zeit, als viele Maler die Abstraktion für erschöpft hielten, hauchte Motherwell dem Stil eine kraftvolle neue Lebenskraft ein. Seine frische Vision und selbstbewusste Stimme halfen der Abstraktion, zu bestehen, und inspirieren und stärken abstrakte Künstler bis heute.

Robert Motherwell – Elegie an die Spanische Republik Nr. 110, 1971. Acryl mit Graphit und Kohle auf Leinwand. 208 x 290 cm. Solomon R. Guggenheim Museum. Robert Motherwell © Dedalus Stiftung, Inc./Lizenziert durch VAGA bei Artists Rights Society (ARS), New York

Unsere Wahrnehmung der Zukunft verändern

Die zeitgenössischen abstrakten Künstler von heute verdanken jedem dieser Künstler etwas, sowohl für die Wege, auf denen sie Freiheit in ihren Ausdrucksformen suchten, als auch für die Wege, auf denen sie den Betrachtern halfen, ihren Geist für neue Sichtweisen zu öffnen. Die Abstraktion öffnet weiterhin neue Türen für uns, während wir versuchen, die endlosen Komplexitäten unserer sich wandelnden Gesellschaft zu begreifen. Indem sie sich an den Beispielen der großen abstrakten Künstler der Vergangenheit orientieren, können die abstrakten Künstler von heute und morgen hoffentlich helfen, unsere zeitgenössischen Ängste und Befürchtungen zu übersetzen und uns helfen, über die Grenzen unserer eigenen Augen hinauszusehen.

Titelbild: Wassily Kandinsky – Komposition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio