Was ist Konzeptuelle Malerei?

Jedes Kunstwerk war einmal nur eine Idee im Kopf von jemandem. Das ist ein lustiger Gedanke, wenn man bedenkt, wie flüchtig Ideen sein können und wie schwierig es sein kann, selbst die besten Ideen in die Realität umzusetzen. Konzeptuelle Malerei, als ein Bereich künstlerischer Praxis, versucht, die Kluft zwischen Ideen und physischer Realität zu überbrücken. Sie betrachtet die Möglichkeit, dass es für jedes Gemälde, das letztendlich an einer Wand hängt, unzählige andere gibt, die es nie auf die Leinwand geschafft haben, und unzählige alternative Möglichkeiten, das eine zu malen, das es an die Wand geschafft hat. Sie geht sogar so weit zu sagen, dass das Gemälde überhaupt keine Rolle spielen könnte; dass das Einzige, was wirklich zählt, die Idee ist. 

Denk einfach mal nach

Manchmal ist der beste Weg, etwas zu erledigen, nicht darüber nachzudenken. Mach es einfach, wie der Slogan sagt. Wenn wir innehalten und über die Natur dessen nachdenken, was wir tun, kann uns das lähmen, da wir uns fragen, ob das, was wir tun, den Aufwand wert ist oder überhaupt einen Wert hat. Als die ersten abstrakten Maler ihre Suche nach rein abstrakten Werken begannen, gab es viel Nachdenken, und sie waren voller Ideen. Aber gleichzeitig stellten einige Künstler Fragen zum Wert dieser oder anderer Ideen.

Im Jahr 1917 schuf Marcel Duchamp ein Kunstwerk mit dem Titel „Fountain“. Es war ein umgedrehter Urinal, der mit „R. Mutt“ signiert war. Duchamp nahm ein gewöhnliches Objekt und verwandelte es, in diesem Fall indem er es umdrehte und aus seinem utilitaristischen Umfeld entfernte, wodurch seine ursprüngliche Nutzung obsolet wurde und neue Möglichkeiten für Bedeutung einlud. „Fountain“ wurde von der Ausstellung, für die es eingereicht wurde, abgelehnt, aber es wurde zum Maßstab für das, was schließlich als Konzeptuelle Kunst bekannt werden sollte, eine Tendenz, den Wert der Ideen eines Künstlers über den Wert der Prozesse oder Objekte des Künstlers zu stellen.

 Sarah Hinckley - 2009, 15 x 9.8 in, © Sarah Hinckley

Bild ist nichts

Viele der ersten konzeptionellen Gemälde waren überhaupt keine Gemälde. 1953 hatte der Künstler Robert Rauschenberg die Idee, ein Gemälde zu löschen. Er beabsichtigte, das tatsächliche Objekt verschwinden zu lassen, nur die Idee zu hinterlassen und es somit zu neuer Ehrfurcht zu erheben. Er glaubte, dass jemand anderes das Objekt wertschätzen musste, um die volle Manifestation seiner Idee zu erreichen. Er musste das Werk eines anderen Malers löschen, andernfalls wäre es nur so, als würde er etwas negieren, das nie existiert hat.

Rauschenberg wandte sich an seinen Freund Willem de Kooning und bat ihn, ein geliebtes Gemälde für sein Konzept zu spenden. Obwohl de Kooning zunächst widerstrebte, gab er schließlich Rauschenberg eine Zeichnung, die er nicht gerne verschwinden sah und die schwer zu löschen sein würde. Rauschenberg verwendete im Laufe von mehr als einem Monat mehr als ein Dutzend Radiergummis und schaffte es schließlich, das gesamte Bild zu radieren. Das Ergebnis, genannt „Erased de Kooning Drawing“, stellte selbstbewusst die Vorstellung auf, dass die Idee eines Kunstwerks das Wichtigste ist und dass das Werk überhaupt nicht existieren muss.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Spuren von Zeichnungsmedien auf Papier, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation 

Das Unsichtbare erschaffen

Die Vorstellung von der primären Bedeutung der Idee verbreitete sich schnell in der westlichen Welt. Künstler begannen, mit jeder möglichen Manifestation einer Idee zu experimentieren, in dem Glauben, dass, wenn sich eine Idee manifestieren soll, sie sich auf unzählige Arten manifestieren kann. Kunst über ein Bild eines Baumes könnte sich als ein Foto eines Baumes, ein Gemälde eines Baumes, eine Zeichnung eines Baumes, ein abstraktes Gemälde eines Baumes, die Worte „Bild eines Baumes“ auf einer Oberfläche geschrieben, ein Darsteller, der auf einen tatsächlichen Baum zeigt, ein interpretativer Tanz, der einen Baum imitiert, oder sogar ein Künstler, der mit geschlossenen Augen auf dem Boden sitzt und an ein Bild eines Baumes denkt, manifestieren.

Im Jahr 1958 hielt der Künstler Yves Klein eine Kunstausstellung in Paris, die oft als „Das Nichts.“ bezeichnet wird. Der vollständige Titel der Ausstellung lautete „Die Spezialisierung der Sensibilität im Rohmaterialzustand in stabilisierte malerische Sensibilität, Das Nichts.“ Der Legende nach kamen mehr als 3000 Besucher, um die Ausstellung zu sehen. Beim Betreten der Galerie konfrontierten die Zuschauer einen weißen Raum, der frei von Gemälden war und nur einen leeren Schrank enthielt. Klein sagte über die Ausstellung: „Meine Gemälde sind jetzt unsichtbar und ich möchte sie auf eine klare und positive Weise zeigen.“

Fieroza Doorsen - Untitled (Id. 1281), 2017, Öl auf Papier, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

Im Jahr 1968 fügte der abstrakte Maler Sol LeWitt eine weitere Dimension zum Bereich der konzeptionellen Malerei hinzu. Er theoretisierte, dass es nicht nur egal ist, ob eine Idee jemals als physisches Gemälde manifestiert wird, sondern auch egal ist, wie es gemalt wird oder wer es malt. Alles, was zählt, ist die ursprünglich vom Künstler ausgedrückte Idee des Gemäldes. Als Demonstration dieses Konzepts begann LeWitt, Wandmalereien zu entwerfen, die von anderen Personen als ihm selbst ausgeführt werden konnten und in der Regel auch wurden.

LeWitts Idee war, dass jede einzelne Hand jede Linie anders ziehen würde, sodass, obwohl sie von denselben Plänen aus arbeiteten, jeder Künstler das Wandbild anders zeichnen würde als alle anderen. Die fertigen Produkte würden vom ursprünglichen Design und voneinander abweichen, aber da das ursprüngliche Design alles ist, was zählt, ist die Variation irrelevant, ebenso wie die Produktionsmittel. Das Erbe von LeWitts Idee ist, dass seine konzeptionellen Wandmalereien auch nach seinem Tod heute noch reproduziert werden.

John Monteith - Der Nachthimmel, 2010, Graphit auf handgefertigtem Papier, 24 x 17,7 Zoll, © John Monteith

Die Zukunft der Ideen

Die zeitgenössische konzeptionelle Malerei erweitert weiterhin unser Verständnis der Ideen, die die Grundlage eines Kunstwerks bilden. Die Arbeiten der zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Malerin Debra Ramsay sind in Ideen verwurzelt, die für unsere Zeit grundlegend sind. Ihr Prozess besteht darin, die sich verändernden Farben der Natur, wie die saisonale Flora, zu verfolgen und diese Farbänderungen dann in einem Computerprogramm zu analysieren. Die resultierenden Daten werden verwendet, um eine Farbpalette zu erstellen, die auf die sich verändernden natürlichen Farben verweist. Anschließend verwendet sie diese Palette, um eine abstrakte Darstellung von Objekten im Raum zu schaffen, die sich im Laufe der Zeit verändern.

Ramsays Werk ruft zwei grundlegende Ideen in Erinnerung, die unsere gegenwärtige Kultur dominieren. Die erste ist die Idee von Daten und der Vorstellung, dass jeder Aspekt unseres Lebens überwacht, digitalisiert, berechnet und analysiert wird in einem monumentalen Streben nach Verständnis. Die andere ist die Idee, dass sich die Natur verändert und dass wir jetzt möglicherweise nur noch zusehen können, wie das geschieht, und irgendwie ästhetische Schönheit darin finden. Ramsays Ideen werden wunderschön in Form von abstrakten Gemälden dargestellt, aber es sind die Ideen selbst, die ihr Werk so relevant für unsere Kultur machen.

Debra Ramsay- Ein Jahr der Farbe, angepasst an die Tageslänge, 2014, Acryl auf Polyesterfilm, 39,8 x 59,8 Zoll.

H7

Der kanadische abstrakte Maler John Monteith arbeitet in einer Vielzahl von verschiedenen Medien, während er nach der erfolgreichsten physischen Manifestation seiner künstlerischen Konzepte sucht. Ein Bereich, den er oft erkundet, ist der der Texte. Monteith entnimmt Textfragmente aus anderen Quellen, die er während seiner Arbeit zufällig trifft, wie den täglichen Nachrichten, einem Buch oder einem Gespräch. Er präsentiert den Text dann aus dem Kontext heraus in einer Galerieumgebung, was neue konzeptionelle Interpretationen der in den Worten enthaltenen Ideen einlädt.

Durch die Nutzung mehrerer Medienquellen für den Text, den er in seinen Arbeiten verwendet, bringen Monteiths textbasierte Zeichnungen eine zeitgenössische Perspektive in die Werke von 1. Generation konzeptioneller Künstler wie Robert Barry, der ebenfalls oft mit Text arbeitet. Barrys Arbeiten bestehen darin, Textfragmente auf Papier, Leinwand, Wände, Böden oder jede andere Oberfläche, die zur Idee passt, darzustellen. Seine Worte sind oft seine eigenen, werden aber manchmal aus anderen Texten entnommen und so präsentiert, dass sie neue Assoziationen und Bedeutungen einladen. Oft bieten diese konzeptionellen Arbeiten weit mehr Informationen als ein traditionelles Gemälde, da sie die Teilnahme der eigenen Vorstellungskraft des Betrachters erfordern. 

Materie und Bedeutung

Im Jahr 1965 präsentierte der Konzeptkünstler Joseph Kosuth in einem wegweisenden Werk der Konzeptkunst mit dem Titel One and Three Chairs einen tatsächlichen Stuhl, ein Foto eines Stuhls und eine schriftliche Beschreibung dessen, was ein Stuhl ist. Wie so viele andere konzeptionelle Werke stellte es die Frage in den Vordergrund, was der Unterschied zwischen Ideen, Objekten und Abstraktionen ist.

Wir akzeptieren jetzt, dass ein konzeptionelles Gemälde kein Gemälde sein muss, noch muss es überhaupt in materieller Form existieren. Aber wenn es existiert, ist das wichtig? Macht es einen Unterschied, dass es hier, im physischen Bereich, ist? Gibt es wirklich keinen Unterschied zwischen dem Objekt und der Idee? Schätzen wir die Idee wirklich mehr? Wenn wir hungern würden, würden wir lieber ein Rezept, ein Gemälde von Essen oder tatsächlich Essen haben? In praktischen Begriffen stellt das konzeptionelle Gemälde sowohl eine der wichtigsten Fragen der Menschheit als auch eine Antwort darauf: Macht es einen Unterschied, was wir tun?

Vorgestelltes Bild: Robert Barry - Untitled (Etwas, das niemals eine spezifische Sache sein kann), 1969,  Maschinenschrift auf Papier, 4 x 6 Zoll, © Robert Barry

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.