Was ist Konzeptuelle Malerei?

Jedes Kunstwerk war einst nur eine Idee im Kopf von jemandem. Das ist ein amüsanter Gedanke, wenn man bedenkt, wie flüchtig Ideen sein können und wie schwer es ist, selbst die besten Ideen in die Wirklichkeit umzusetzen. Konzeptmalerei als künstlerische Praxis versucht, die Kluft zwischen Ideen und physischer Wirklichkeit zu überbrücken. Sie betrachtet die Möglichkeit, dass zu jedem Bild, das letztlich an einer Wand hängt, unzählige andere existieren, die nie auf die Leinwand gelangten, sowie unzählige alternative Weisen, das eine Bild, das es an die Wand geschafft hat, zu malen. Sie geht sogar so weit zu sagen, dass das Bild selbst vielleicht gar keine Rolle spielt; dass einzig die Idee wirklich zählt.

Denk es dir einfach

Manchmal ist der beste Weg, etwas zu erledigen, nicht darüber nachzudenken. Mach es einfach, wie der Spruch sagt. Wenn wir innehalten und über die Natur dessen nachdenken, was wir tun, kann uns das lähmen, weil wir uns fragen, ob das, was wir tun, den Aufwand wert ist oder überhaupt einen Wert hat. Als die ersten abstrakten Maler ihre Suche nach rein abstrakten Werken begannen, dachten sie viel nach und hatten viele Ideen. Gleichzeitig stellten einige Künstler jedoch Fragen nach dem Wert dieser oder anderer Ideen.

Im Jahr 1917 schuf Marcel Duchamp ein Kunstwerk mit dem Titel „Fountain“. Es war ein umgedrehtes Urinal, signiert mit „R. Mutt“. Duchamp nahm einen gewöhnlichen Gegenstand und verwandelte ihn, indem er ihn umdrehte und aus seinem gebrauchsmäßigen Umfeld entfernte, wodurch seine ursprüngliche Funktion obsolet wurde und neue Bedeutungsmöglichkeiten eröffneten. „Fountain“ wurde von der Ausstellung, bei der es eingereicht wurde, abgelehnt, doch es wurde zum Maßstab für das, was später als Konzeptkunst bekannt wurde – eine Tendenz, den Wert der Ideen eines Künstlers über den Wert seiner Arbeitsprozesse oder Objekte zu stellen.

 Sarah Hinckley - 2009, 38 x 25 cm, © Sarah Hinckley

Bild ist nichts

Viele der ersten konzeptuellen Bilder waren gar keine Bilder im herkömmlichen Sinn. 1953 hatte der Künstler Robert Rauschenberg die Idee, ein Bild zu radieren. Er wollte das eigentliche Objekt verschwinden lassen und nur die Idee zurücklassen, um sie so in neue Ehrfurcht zu erheben. Er glaubte, dass jemand anderes das Objekt wertschätzen müsse, um die volle Wirkung seiner Idee zu erreichen. Er musste das Werk eines anderen Malers radieren, sonst wäre es, als würde man etwas negieren, das nie existierte.

Rauschenberg wandte sich an seinen Freund Willem de Kooning und bat ihn, ein geliebtes Bild für sein Konzept zu spenden. Obwohl de Kooning zunächst zögerte, gab er Rauschenberg schließlich eine Zeichnung, die er ungern verschwinden sah und die schwer zu radieren war. Rauschenberg verbrauchte über einen Monat hinweg mehr als ein Dutzend Radiergummis, bis er das gesamte Bild vollständig entfernt hatte. Das Ergebnis, genannt „Erased de Kooning Drawing“, stellte selbstbewusst die Vorstellung dar, dass die Idee eines Kunstwerks das Wichtigste ist und das Werk selbst gar nicht existieren muss.

Robert Rauschenberg - Erased de Kooning Drawing, 1953, Spuren von Zeichnungsmedien auf Papier, 64,14 cm x 55,25 cm x 1,27 cm, San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco, © Robert Rauschenberg Foundation 

Das Unsichtbare sichtbar machen

Die Vorstellung von der vorrangigen Bedeutung der Idee verbreitete sich rasch in der westlichen Welt. Künstler begannen, mit jeder möglichen Form der Manifestation einer Idee zu experimentieren, in der Überzeugung, dass eine Idee sich auf viele Arten zeigen kann. Kunst über ein Bild eines Baumes könnte sich als Foto eines Baumes, als Gemälde eines Baumes, als Zeichnung eines Baumes, als abstraktes Bild eines Baumes, als die Worte „Bild eines Baumes“ auf einer Fläche, als Darsteller, der auf einen echten Baum zeigt, als interpretativer Tanz, der einen Baum nachahmt, oder sogar als ein Künstler, der mit geschlossenen Augen auf dem Boden sitzt und an ein Bild eines Baumes denkt, manifestieren.

1958 veranstaltete der Künstler Yves Klein in Paris eine Ausstellung, die oft als „Das Nichts“ bezeichnet wird. Der volle Titel der Schau lautete „Die Spezialisierung der Empfindsamkeit im Rohmaterialzustand zur stabilisierten bildlichen Empfindsamkeit, Das Nichts.“ Der Legende nach kamen mehr als 3000 Besucher zur Ausstellung. Beim Betreten der Galerie sahen die Besucher einen weißen Raum ohne Bilder, der nur einen leeren Schrank enthielt. Klein sagte über die Ausstellung: „Meine Bilder sind jetzt unsichtbar und ich möchte sie auf klare und positive Weise zeigen.“

Fieroza Doorsen - Ohne Titel (Id. 1281), 2017, Öl auf Papier, 27 x 19 cm.

SolLeWitt

1968 fügte der abstrakte Maler Sol LeWitt der Konzeptmalerei eine weitere Dimension hinzu. Er stellte die Theorie auf, dass es nicht nur egal ist, ob eine Idee jemals als physisches Bild erscheint, sondern auch, wie sie gemalt wird oder wer sie malt. Wichtig ist nur die ursprüngliche vom Künstler ausgedrückte Idee des Bildes. Zur Veranschaulichung dieses Konzepts begann LeWitt, Wandgemälde zu entwerfen, die meist von anderen Personen als ihm selbst ausgeführt wurden.

LeWitts Idee war, dass jede einzelne Hand jede Linie anders zeichnen würde, sodass, obwohl alle nach denselben Plänen arbeiteten, jeder Künstler das Wandbild anders als die anderen zeichnen würde. Die fertigen Werke würden vom ursprünglichen Entwurf und voneinander abweichen, doch da nur der ursprüngliche Entwurf zählt, ist die Variation unerheblich, ebenso wie die Art der Herstellung. Das Vermächtnis von LeWitts Idee ist, dass seine konzeptuellen Wandbilder auch heute noch nach seinem Tod reproduziert werden.

John Monteith - Der Nachthimmel, 2010, Graphit auf handgeschöpftem Papier, 61 x 45 cm, © John Monteith

Die Zukunft der Ideen

Die zeitgenössische Konzeptmalerei erweitert weiterhin unser Verständnis der Ideen, die einem Kunstwerk zugrunde liegen. Das Werk der zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Malerin Debra Ramsay basiert auf Ideen, die grundlegend für unsere Zeit sind. Ihr Verfahren besteht darin, die sich verändernden Farben der Natur, wie die der jahreszeitlichen Pflanzenwelt, zu verfolgen und diese Farbveränderungen dann in einem Computerprogramm zu analysieren. Die daraus gewonnenen Daten werden verwendet, um eine Farbpalette zu erstellen, die auf die sich wandelnden natürlichen Farben Bezug nimmt. Mit dieser Palette schafft sie eine abstrakte Darstellung von Objekten im Raum, die sich über die Zeit verändern.

Ramsays Werk erinnert an zwei grundlegende Ideen, die unsere heutige Kultur prägen. Die erste ist die Idee der Daten und die Vorstellung, dass jeder Aspekt unseres Lebens überwacht, digitalisiert, berechnet und analysiert wird in einer monumentalen Suche nach Verständnis. Die andere ist die Idee, dass sich die Natur verändert und wir nun vielleicht nur noch zusehen können, wie das geschieht, und darin auf ästhetische Weise Schönheit finden. Ramsays Ideen sind in Form von abstrakten Gemälden wunderschön umgesetzt, doch es sind die Ideen selbst, die ihr Werk für unsere Kultur heute so bedeutsam machen.

Debra Ramsay- Ein Jahr der Farbe, angepasst an die Tageslänge, 2014, Acryl auf Polyesterfolie, 101 x 152 cm.

H7

Der kanadische abstrakte Maler John Monteith arbeitet in verschiedenen Medien, während er nach der erfolgreichsten physischen Umsetzung seiner künstlerischen Konzepte sucht. Ein Bereich, den er oft erforscht, ist der Text. Monteith entnimmt Textfragmente aus anderen Quellen, denen er bei der Arbeit begegnet, wie den Tagesnachrichten, einem Buch oder einem Gespräch. Er präsentiert den Text dann aus dem Zusammenhang gerissen in einer Galerieumgebung, was neue konzeptuelle Deutungen der in den Worten enthaltenen Ideen einlädt.

Indem er Text aus verschiedenen Medienquellen für seine Werke verwendet, bringen Monteiths textbasierte Zeichnungen eine zeitgenössische Sichtweise in die Werke der ersten Generation konzeptueller Künstler wie Robert Barry, der ebenfalls oft mit Text arbeitet. Barrys Werke zeigen Textfragmente auf Papier, Leinwand, Wänden, Böden oder anderen geeigneten Flächen. Seine Worte sind oft seine eigenen, manchmal stammen sie aus anderen Texten, und sie werden so präsentiert, dass sie neue Assoziationen und Bedeutungen anregen. Häufig bieten diese konzeptuellen Werke weit mehr Informationen als ein traditionelles Bild, indem sie die Beteiligung der eigenen Vorstellungskraft des Betrachters erfordern.

Materie und Bedeutung

1965 präsentierte der Konzeptkünstler Joseph Kosuth in einem wegweisenden Werk namens One and Three Chairs einen echten Stuhl, ein Foto eines Stuhls und eine schriftliche Beschreibung dessen, was ein Stuhl ist. Wie viele andere konzeptuelle Werke rückte es die Frage in den Vordergrund, was der Unterschied zwischen Ideen, Gegenständen und Abstraktionen ist.

Wir akzeptieren heute, dass ein konzeptuelles Bild nicht unbedingt ein Bild sein muss, noch dass es überhaupt in materieller Form existieren muss. Aber wenn es existiert, ist das wichtig? Spielt es eine Rolle, dass es hier in der physischen Welt ist? Gibt es wirklich keinen Unterschied zwischen dem Gegenstand und der Idee? Schätzen wir die Idee wirklich mehr? Wenn wir hungern würden, würden wir lieber ein Rezept, ein Bild von Essen oder echtes Essen haben? Praktisch gesehen stellt und beantwortet die Konzeptmalerei eine der wichtigsten Fragen der Menschheit: Spielt es eine Rolle, was wir tun?

Titelbild: Robert Barry - Ohne Titel (Etwas, das niemals eine bestimmte Sache sein kann), 1969, Schreibmaschinenschrift auf Papier, 10 x 15 cm, © Robert Barry

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung