Schlüsselmomente in der Geschichte der abstrakten Kunst

Worte können so kontrovers sein. Wir wollen nur die Geschichte der abstrakten Kunst diskutieren. Aber dieser Satz ist voller konzeptioneller Gefahren. (Wessen Geschichte? Was ist Kunst? Was bedeutet es, abstrakt zu sein?) Um genau zu sein, sollten wir diesen Artikel vielleicht so betiteln: „Definierende Momente in der Kette von Ereignissen, die den allgemein akzeptierten Zeitstrahl der westlichen Zivilisation in Bezug auf Objekte und Phänomene, die von sich selbst als Künstler bezeichneten Personen geschaffen wurden, die nicht beabsichtigen, die objektive visuelle Realität darzustellen, umfassen.“ Aber das ist nicht gerade eine klickbare Überschrift. (Oder doch?) Um der Vernunft willen, lassen Sie uns für diesen Artikel die Semantik beiseitelegen und einfach am Anfang beginnen.

Die Vorgeschichte der abstrakten Kunst

Zu den frühesten Spuren prähistorischer Höhlenbewohner gehörten Linien, Kratzer und Handabdrücke. Unsere beste Interpretation ist, dass sie symbolisch waren. Macht das sie zu den ersten Beispielen von abstrakter Kunst ? Vielleicht. Aber selbst die darstellenden Bilder, die von unseren antiken Vorfahren hinterlassen wurden, sind nicht gerade fotorealistisch. Was in unseren Analysen fehlt, ist ein Verständnis für die Absicht unserer frühesten Künstler. Wenn wir von abstrakter Kunst sprechen, meinen wir Kunst, die speziell als abstrakt gedacht war. Da wir nicht wissen können, was prähistorische Künstler mit ihren Bildern kommunizieren wollten, können wir nicht beurteilen, ob es abstrakt war oder sogar ob es Kunst ist. Es könnte, so viel wir wissen, utilitaristische Zwecke gehabt haben. Also springen wir vor, weit vor, zu einer Zeit, die besser dokumentiert ist, als die Absichten der Künstler klarer waren.

Henri Matisse - Frau mit Hut, 1905, Öl auf Leinwand, 31 3/4 × 23 1/2 Zoll, © Nachlass H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Vor den frühen 1800er Jahren kann man mit Sicherheit sagen, dass die überwiegende Mehrheit der Künstler die meiste Zeit nicht das Privileg hatte, zu entscheiden, was sie schaffen würden. Die meisten Künstler der Vorklassik waren auf die Unterstützung religiöser Institutionen oder anderer autoritärer Mächte angewiesen, um zu überleben. Könige und heilige Männer bestimmten daher das Thema der Werke der meisten dieser Künstler. Als dieses Patronagesystem zurückging, boten sich den Künstlern andere Überlebensmöglichkeiten. Ein Galerien-System entstand; unabhängige Kunsthändler begannen, die Werke von Künstlern zu vertreten; wohlhabende Einzelpersonen und private Institutionen begannen, Künstler zu unterstützen und deren Werke zu sammeln. Zum ersten Mal hatten die Künstler die Chance, die Frage für sich selbst zu beantworten: „Was möchte ich schaffen?“ Sofort kam die nächste unvermeidliche Frage: „Warum möchte ich es schaffen?“ Die Antwort auf diese Frage ist eine der Hauptursachen für den eventualen Aufstieg der abstrakten Kunst und vielleicht das beständigste Konzept, das aus der Romantik hervorging; eines, das von vielen Denkern der Zeit ausgedrückt wurde und von den Franzosen zusammengefasst wurde als: „L'art pour l'art.“ Kunst um der Kunst willen. Oder wie der Schriftsteller Edgar Allen Poe es 1850 formulierte: „…würden wir uns nur erlauben, in unsere eigenen Seelen zu blicken, würden wir sofort entdecken, dass unter der Sonne kein Werk existiert oder existieren kann, das gründlicher würdevoll, erhaben nobler ist als dieses Gedicht…geschrieben einzig um des Gedichtes willen.“

Andre Derain - Die trocknenden Segel, 1905, Öl auf Leinwand, 82 x 101 cm, © Pushkin-Museum, Moskau

Erste Eindrücke

Sobald Künstler von den Zwängen vorgegebener Themen befreit waren, begannen sie, sich auch von anderen Zwängen zu befreien. Von etwa den 1850er bis zu den 1870er Jahren ermächtigte die Ästhetische Bewegung die Künstler, Kunst rein aus ästhetischen Gründen zu schaffen, anstatt sich auf Themen zu konzentrieren, die mit Kultur, Gesellschaft und Politik zu tun hatten. Dann kamen die Impressionisten, in Paris ansässige Künstler, die Werke schufen, die stark auf die Darstellung der Lichtqualitäten fokussiert waren, und damit eine Destillation der individuellen ästhetischen Elemente eines Kunstwerks einleiteten. In den 1880er Jahren entwickelte der Maler Georges Seurat eine Technik, ein Bild vollständig aus kleinen Punkten zu konstruieren. Diese Technik, bekannt als Pointillismus, erzeugte verzerrte, aber dennoch repräsentative Bilder. Pointillismus trug zum Aufstieg experimenteller Pinselstriche und Kompositionstechniken bei, die einen Trend zur Abstraktion andeuteten. Dieser Trend wurde während der Post-Impressionistischen Periode weiter ausgebaut, als Künstler begannen, mit Symbolik und dem willkürlichen Einsatz von Farbe, Form und Linie zu experimentieren.

Es ist alles subjektiv

In den 1900er Jahren trugen die Expressionisten mit ihrem Fokus auf Subjektivität zum Trend der reinen Abstraktion bei. Durch die dramatische Verzerrung ihrer Bilder versuchten sie, einen tief persönlichen Standpunkt darzustellen, der mehr Emotion als physische Realität repräsentierte. In dieser Zeit kam auch der Aufstieg der Fauvisten, Maler, die sich fast ausschließlich auf lebendige Farben und malerische Strichführung konzentrierten. Für die Fauvisten war das Sujet sekundär im Vergleich zu den ästhetischen Komponenten des Werkes. Zu diesem Zeitpunkt war das Aufkommen der reinen Abstraktion unvermeidlich. Überall arbeiteten Künstler mit symbolischen Darstellungen der Realität und strebten danach, Ideen und Gefühle auf eine Weise zu kommunizieren, die nicht mit dem Sujet verbunden war. Sie abstrahierten per Definition. Aber wer war der Erste, der es schaffte, ein Gemälde zu schaffen, das rein abstrakt war?

Hans Hofmann - Aufsteigender Mond, 1965, Öl auf Leinwand, Privatbesitz, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Wird der echte erste Abstractor bitte aufstehen?

Fast alle Historiker sind sich einig, dass das erste abstrakte Gemälde Wassily Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) war, das 1910 gemalt wurde. Es besteht aus lebhaft gefärbten Flecken, Kreisen, Linien, Zickzacklinien und Farbflächen, die auf scheinbar willkürliche Weise angeordnet sind. Das Werk verweist in keiner Weise auf bereits existierende visuelle Elemente der physischen Welt. Verschwörerisch könnten wir, nur zum Spaß, postulieren, dass Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) nicht das erste rein abstrakte Gemälde war. Ein Jahr zuvor, 1909, malte der französische Avantgarde-Maler Francis Picabia Caoutchouc, ein proto-kubistisches Werk mit unkenntlichen geometrischen Formen, die in scheinbar nicht verwandte Farbflächen gehüllt sind. Dieses Werk scheint in keiner Weise die objektive visuelle Realität darzustellen. Das Wort Caoutchouc bedeutet grob gesagt natürlichen Kautschuksap, ein Verweis auf das Rohmaterial zur Herstellung von vulkanisiertem Gummi. Da wir die visuellen Elemente von unvulkanisiertem Gummi nie analysiert haben, können wir das nicht sagen, aber vielleicht ist dieses Gemälde repräsentativ. Wer weiß? Was wir wissen, ist, dass Kandinsky ein begeisterter Kunsttheoretiker und produktiver Kunstschriftsteller war. Er schrieb begeistert über sein Bestreben, das erste rein abstrakte Kunstwerk der Welt zu schaffen. Er sprach offen über seine Absicht, der Gründer der abstrakten Kunst zu werden, und über seinen Erfolg, dies zu erreichen. Niemand kann leugnen, dass es seine Absicht war, der Erste zu sein, unabhängig davon, ob ihm jemand, der vor ihm kam, versehentlich zuvorkam.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Öl auf Leinwand, 85 1/4 x 73 1/2 Zoll (216,5 x 186,7 cm), © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Was Kandinsky definitiv tat

Durch die offene Ankündigung seiner Absicht, reine abstrakte Kunst zu schaffen, befreite Kandinsky die Künstler von ihrer Abhängigkeit von Verweisen auf die beobachtbare Welt. Er trennte die Kunst von ihrer früheren Logik. Er öffnete das Feld für tiefgreifende und schnelle Experimente. Er brachte das Versprechen der Romantiker zur Reife, dass, wie Caspar David Friedrich, der deutsche romantische Künstler, sagte: „Das Gefühl des Künstlers ist sein Gesetz.“

Wassilly Kandinsky - Komposition IV, 1911, Öl auf Leinwand, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Deutschland

Die Welt im Krieg

In den folgenden Jahrzehnten experimentierten Künstler wild mit Abstraktion. Viele neue Stile entstanden, beeinflusst von der Aufforderung zur Freiheit durch die Abstraktion und auch von den Schrecken des Ersten Weltkriegs und dem Aufstieg des mechanischen Zeitalters. Der Kubismus beeinflusste Künstler, ihre visuelle Sprache auf ihre grundlegendsten Bausteine zu reduzieren. Der Futurismus demonstrierte die Vitalität und Kraft in der Linie. Dadaismus stellte die Bedeutung von Kunst in Frage und bekräftigte die Freiheit der Kunst von und die Ablehnung des Bürgertums. In den 1920er Jahren öffnete der Surrealismus den Geist der Künstler für die Kraft des Unterbewusstseins. Mit seinem Fokus auf traumähnliche Bilder und seiner Ablehnung der bewussten Logik beeinflusste er abstrakte Künstler tiefgreifend, mehr mit Techniken, Medien und Methoden zu experimentieren, die sie direkter mit ihrem unbewussten Selbst verbinden könnten.

Wassiliy Kandinsky - Komposition 6, 1913, Öl auf Leinwand, 76 2/5 × 115 7/10 Zoll, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Mach es neu!

In den 1930er Jahren wird dem in Deutschland geborenen amerikanischen Maler Hans Hofmann zugeschrieben, dass er die wesentlichen Philosophien des später als Modernismus bekannten Stils nach Amerika brachte, die neueste Iteration der Ablehnung der Formen und Methoden der Vergangenheit. Als abstrakter Maler ermutigte Hofmann seine Schüler von Kalifornien bis New York, neue Methoden der Bildgestaltung zu übernehmen, um Wege zu finden, die Ängste und Wunder einer sich schnell industrialisierenden Gesellschaft zu konfrontieren und auszudrücken. 1934 fasste der Dichter Ezra Pound die Haltung der Modernisten mit seinem inzwischen berühmten Aufruf an die Künstler zusammen: „Macht es neu!“ Pound war eine umstrittene Figur, die letztendlich nach Italien zog, wo er die führenden faschistischen Persönlichkeiten des Zweiten Weltkriegs unterstützte. Dennoch schlug seine begeisterte Ablehnung des Alten Wurzeln im Denken der abstrakten Künstler und führte zu kraftvollen Veränderungen am nahen Horizont.

Wasilly Kandinsky - Schwarzer Fleck I (Detail), 1912, Öl auf Leinwand. 39,4 × 51,2 Zoll (100,0 × 130,0 cm), Die Russische Museum, Sankt Petersburg, Russland

Eine neue Reinheit

Nach zwei Weltkriegen, einer globalen Depression, Hungersnöten, Gräueltaten und zwei Atomangriffen auf bevölkerte Städte kann das Ausmaß, in dem der durchschnittliche Mensch in den mittleren 1940er Jahren Angst erlebte, nicht genug betont werden. Diese Angst führte zu einem neuen und weit verbreiteten Interesse an dem relativ jungen Feld der Psychoanalyse. Unter den vielen Millionen Menschen, die sich in dieser Zeit der Psychoanalyse zuwandten, war Jackson Pollock , einem der führenden Mitglieder einer Gruppe von Künstlern, die als Abstract Expressionists bekannt sind. Pollock wurde während seiner Rehabilitation mit Psychoanalysen konfrontiert. Es öffnete seinen Geist für die Welt des urzeitlichen Wissens, das in seinem Unterbewusstsein eingeschlossen war. Viele seiner Zeitgenossen suchten nach neuen Wegen, um sich mit dem verborgenen Wesen ihrer Menschlichkeit zu verbinden, und arbeiteten daran, rohe, urtümliche Emotionen durch ihre Malerei auszudrücken. Pollock suchte nach verborgenen Bildern, in der Hoffnung, dass er sich mit etwas tief in sich selbst verbinden könnte, etwas Reinerem, als es bisher durch abstrakte Kunst ausgedrückt worden war. Um 1947 entwickelte Pollock seine mittlerweile ikonische Tropftechnik. Diese Technik beinhaltete die Anwendung von Farbe auf eine Oberfläche unter Verwendung von Kräften wie Schwerkraft und Schwung, anstatt durch direkten Kontakt mit Werkzeugen auf eine Leinwand. Indem er dieses neue Maß an Körperlichkeit annahm und jegliches Gefühl für erkennbare Form völlig ablehnte, trat Pollock in ein neues Reich der reinen Abstraktion ein, das vollständig auf unterbewusster Absicht, Farbe, Bewegung, Kraft und Energie basierte.

Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Aquarell und indische Tinte und Bleistift auf Papier, 19,5 × 25,5 Zoll, (49,6 × 64,8 cm), Paris, Centre Georges Pompidou

Das Ende des Anfangs

Pollocks Werk erfüllte in vielerlei Hinsicht das Versprechen der Abstraktion: die totale Befreiung des Künstlers von den Zwängen ästhetischer Erwartungen. Vielleicht führten seine Bemühungen auch zum logischen Ende der Abstraktion. Pollock rückte die Bedeutung von Textur, Materialität, Prozess und der Idee, ein Kunstwerk nicht als Oberfläche zu sehen, auf der Kunst vermittelt wird, sondern als eine einheitliche Form. Obwohl diese Konzepte in einem urtümlichen Sinne in Pollocks Werk reflektiert sind, sind sie integraler Bestandteil der Arbeiten der Minimalisten , die die abstrakten Expressionisten als die einflussreichsten Künstler der 1960er Jahre ablösen würden. Wie Kandinsky, das führende Mitglied der Minimalistenbewegung, war Donald Clarence Judd ein begeisterter Kunsttheoretiker und Schriftsteller. Obwohl er das Minimalistenlabel ablehnte, wurde Judd repräsentativ für die Ideen, die visuelle Sprache zu reduzieren und die Konzepte von Form und Raum zu reinigen. Anstatt erkennbare visuelle Referenzen und objektive Realität abzulehnen, konzentrierten sich Minimalisten wie Judd, Sol LeWitt, Anne Truitt und Frank Stella auf Form, die Verwendung von lebendigen und reinen Farben, scharfen Linien, minimaler Textur und moderner Materialität. Anstatt die Realität zu abstrahieren, manifestierten die Minimalisten die Formen, Farben, Formen und Linien, die oft in der abstrakten Kunst erkundet werden, und bewohnten sie auf repräsentative Weise im physischen Raum.

Jackson Pollock - Convergence, 1952, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY, USA 

Das neue Neue

Die Geschichte der abstrakten Kunst ist die Geschichte der Suche der Künstler nach Freiheit. Was das heute bedeutet, ist, dass Künstler frei sind, sich auf jede Art und Weise auszudrücken, die sie wählen, und jede Methode zu erkunden, die sie anspricht. Die Schönheit des offenen Stils von heute besteht darin, dass ein Künstler jeden Stil, jedes Medium oder jede Methode verwenden kann, die am besten zur Verwirklichung einer Idee geeignet ist. Obwohl der Minimalismus in den 1970er Jahren die abstrakte Kunst in den Hintergrund gedrängt haben mag, ist die Abstraktion in die Praxis vieler Künstler zurückgekehrt. Zeitgenössische abstrakte Maler profitieren von der aufgeschlossenen Mentalität ihrer Vorgänger. Abstraktion verbindet uns weiterhin mit etwas, das die objektive Realität nicht erklären kann; etwas tief in uns, das über die sichtbare Realität hinausgeht.

Vorschaubild: Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Foto über Wikipedia

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.

Von Phillip Barcio