Weniger ist mehr: Minimalismus
Minimalismus ist eine abstrakte Kunstrichtung, die in den 1960er Jahren in Amerika entstand und sich hauptsächlich auf Malerei und Bildhauerei bezieht. Minimalistische Werke versuchen keinesfalls, die äußere visuelle Wirklichkeit darzustellen, sondern verwenden einfache geometrische Formen und industrielle Materialien, um jegliche „emotionale“ oder übermäßig „menschliche“ Anklänge zu vermeiden. Werke dieser Bewegung beinhalten oft reduzierte Raster- und Serienformate, was mit der Vorstellung zusammenhängt, dass sie jegliche konventionelle ästhetische Anziehungskraft radikal ablehnen und sich von den vorherrschenden Strömungen der Zeit abgrenzen sollen.
Eine radikale Bewegung
Die Bewegung fand ihren Ursprung in Amerika in den 1940er und 50er Jahren, einer Zeit, in der sich der Abstrakte Expressionismus als beliebte Kunstrichtung etablierte, die einen starken Ausdruck und emotionale Inhalte vermittelte, berühmt vertreten durch Jackson Pollock und seine Action Painting, bei der er spontan Farbe auf eine Leinwand tropfte. Minimalismus positionierte sich als Reaktion auf diese Art von Kunst, beeinflusst von den Abstraktionen der Bauhaus-Künstler wie Kasimir Malewitsch und Piet Mondrian sowie der Verwendung industrieller Materialien anstelle traditioneller künstlerischer Techniken durch die konstruktivistische Bewegung des frühen 20. Jahrhunderts.
Daniel Göttin - 2003 Untitled 3, 2003. Acryl auf Baumwollstoff auf MDF. 40 x 36 cm.
Ein „Weniger ist mehr“-Ansatz
Minimalistische Werke sind nicht ausdrücklich mit dem Künstler verbunden, der sie geschaffen hat, viele ihrer Vertreter glauben, dass das Werk seine eigene Wirklichkeit haben sollte, losgelöst von den Gefühlen und dem Leben des Künstlers. Die physische Existenz des Werkes an sich wird betont, um den Betrachter dazu zu bringen, ausschließlich auf das Objekt vor sich zu reagieren und andere ablenkende Faktoren auszuschließen. Minimalisten wollten ihre Betrachter in ein Erlebnis eintauchen lassen, das reiner, direkter und kraftvoller als je zuvor ist.
Margaret Neill - Spectator, 2018. Öl auf Tafel. 30,48 x 30,48 cm.
Minimalistische Gestalten
Ein bahnbrechendes Werk der minimalistischen Bewegung war Tony Smith mit seiner „Die“, einem großen Stahlwürfel. Obwohl Smith ursprünglich den abstrakten Expressionisten zugeordnet war, war die Schaffung dieser monumentalen Skulptur revolutionär, da Smith sie in einer Fabrik herstellen ließ und, im Gegensatz zu seinen abstrakten Expressionisten-Kollegen, darauf achtete, dass keine Spur der Künstlerhand sichtbar blieb.
Smiths Werk ebnete den Weg für eine Gruppe von Künstlern, die diese Stilrichtung zu einer vollwertigen Kunstrichtung weiterentwickelten, einer der ersten Wegbereiter war Frank Stella, dessen „Black Paintings“, die 1959 erstmals im MoMA gezeigt wurden, aus flachen schwarzen Farbstreifen bestanden, die sich ihrer Zweidimensionalität bewusst waren.
Eine weitere wichtige Persönlichkeit der Bewegung war Carl Andre, der ein Atelier mit Stella teilte und dessen Skulptur 1964 erstmals ausgestellt wurde. Er war bekannt für die Verwendung von Materialien wie Ziegeln und Metallplatten, die in einfachen geometrischen Kompositionen auf dem Boden angeordnet waren. Im Gegensatz zu Andre lehnte Sol LeWitt, eine weitere bedeutende Figur der Bewegung, die Verwendung industrieller Materialien ab und nutzte traditionelle Medien in seinen „Strukturen“, geometrischen Gittern aus Würfelformen, die bewusst grundlegende Formen und die Unpersönlichkeit des Werkes hervorhoben.
Dan Flavin begann Anfang der 60er Jahre, Werke mit Neonröhren zu schaffen, füllte 1968 bei der Documenta 4 einen ganzen Raum mit Neonlicht – ein bahnbrechender Schritt, der in vielerlei Hinsicht an Duchamps Readymades erinnerte. Ein weiterer wichtiger Künstler in diesem Kreis war Richard Serra, der großformatige Skulpturen aus Blech schuf, die durch die Verwendung von industriellem Blech als subversive Kritik an dessen Vorherrschaft verstanden werden können.
Tracey Adams - (r ) evolution 39, 2015. Pigmentiertes Bienenwachs, Öl und Collage auf Holztafel. 101,6 x 101,6 cm.
Die Entwicklung des Minimalismus in Kunstkritik und Essays
Donald Judd veröffentlichte 1964 den Essay „Specific Objects“, in dem er schrieb: „Es ist nicht notwendig, dass ein Werk viele Dinge zum Anschauen, Vergleichen, Einzelanalysieren oder Betrachten hat. Das Ganze, seine Qualität als Ganzes, ist das Interessante. Die Hauptsachen stehen allein und sind intensiver, klarer und kraftvoller.“ Judd selbst war bekannt für seine kastenartigen Skulpturen oder „spezifischen Objekte“, die aus Blech und Plexiglas gefertigt waren, Illusionen ablehnten und Raum darstellten.
Eine Schlüssel-Ausstellung minimalistischer Kunst war die Ausstellung „Primary Structures“ im Jüdischen Museum in New York 1966, bei der der Künstler Robert Morris vertreten war. Morris’ Essay „Notes on Sculpture“, veröffentlicht im selben Jahr, in dem er schrieb: „Die Einfachheit der Form bedeutet nicht zwangsläufig Einfachheit der Erfahrung.“ Dies bestätigt den „Weniger ist mehr“-Ansatz minimalistischer Künstler, für die die Schlichtheit einer Form es dem Werk erlaubte, stärker mit dem umgebenden Raum und dem Betrachter selbst zu interagieren.
Titelbild: Claude Tétot - Untitled 10, 2018. Öl und Acryl auf Papier. 70 x 100 cm.
