"Die Skulpturen von Tony Smith durch diese 5 Werke neu betrachten"

Tony Smith genießt einen radikal individuellen Status in der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts. Sein Skulpturenwerk entzieht sich einer einfachen Einordnung und nimmt einen Platz irgendwo zwischen Architektur, wissenschaftlichem Experiment und Kunst ein. Der Verlauf seiner Laufbahn war ebenfalls alles andere als traditionell. Er begann sein Berufsleben als Architekt, studierte bei László Moholy-Nagy am New Bauhaus in Chicago und absolvierte dann eine Lehre bei Frank Lloyd Wright. Erst in seinen 50ern begann seine Künstlerkarriere richtig Fahrt aufzunehmen. Smith verstand die Werke, die er schuf, bewusst mehr als strukturierte ästhetische Phänomene denn als bildende Kunst. Eines seiner frühesten Stücke, das das konzeptuelle Fundament für seine große Idee legte, war ein gefertigter Stahlwürfel namens „Die“. Smith fertigte das Modell für „Die“ 1962 an und ließ es 1968 von der Industrial Welding Company in Newark, New Jersey, herstellen, nachdem er ein Schild vor dem Unternehmen gesehen hatte, auf dem stand: „Sie geben die Spezifikation vor; wir fertigen es an.“ Er rief die Firma an und gab einen sechs Fuß großen Würfel aus einem Viertelzoll Stahl in Auftrag. Diese Größe wählte er, weil sie menschlich maßstäblich war und, wie er sagte, eine Mittelstellung zwischen einem Denkmal und einem bloßen Gegenstand einnahm. Der Titel „Die“ könnte sich auf einen Spielstein, das Druckgussverfahren oder den Tod beziehen. Zum Witz des Stücks trägt bei, dass sechs Fuß die Standardtiefe eines menschlichen Grabes sind. Der Rest seiner Werke teilt diese Mischung aus Intellekt, Kunstfertigkeit und Witz, verbindet Bezüge zu natürlichen und vom Menschen geschaffenen Strukturen und mischt vorgegebene Pläne mit intuitiven Entscheidungen. In der Kunstgeschichte wird er meist als Minimalist bezeichnet. Das könnte daran liegen, dass eines seiner Werke 1966 in der Ausstellung Primary Structures im Jüdischen Museum in New York City gezeigt wurde, die den Minimalismus einläutete. Doch die Methoden, die Smith anwandte, sowie seine Philosophie passten nicht wirklich zu den Absichten und Zielen des Minimalismus. Zur Verwirrung trug bei, dass Smith selbst andeutete, dass das, was er schuf, vielleicht gar keine Kunst sei, indem er sagte: „Das Volumen meiner Arbeit hat viel mit einer Reaktion auf das zeitgenössische Leben allgemein zu tun. Ich glaube nicht, dass es viel mit der Kunstszene zu tun hat.“ Wie auch immer man sie nennen mag, hier sind fünf unserer Lieblingswerke von Tony Smith:

Bennington Structure (1961, zerstört) 

Errichtet, während Smith als Lehrer für Malerei und architektonisches Entwerfen am Bennington College in Vermont tätig war, nimmt die „Bennington Structure“ eine faszinierende Stellung zwischen Architektur und Skulptur ein. Sie besteht aus identischen geometrischen Modulen aus Sperrholz, Metall, Drechselholz und Portlandzement. Die Struktur ähnelt zugleich einem Bienenstock und einem gestapelten Ensemble von Maschinengewehrnestern aus dem Zweiten Weltkrieg. Die Module sind menschlich groß, und zusammengefügt entsteht eine Struktur, die zu bewohnen scheint, was ihr eine architektonische Präsenz verleiht, doch als Schutz bietet sie weder Sicherheit noch besonderen Nutzen.

Tony Smith - Bennington Structure, 1961. Sperrholz, Metall, Drechselholz und Portlandzement. Gesamtlänge 40 Fuß, Durchmesser jeder Einheit ca. 9 Fuß. Bennington College, VT, 1961. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Moondog (1964) 

Die 17 Fuß hohe, schwarze Aluminiumskulptur „Moondog“ teilt eine direkte ästhetische Abstammung mit der „Bennington Structure“. Es sieht so aus, als hätten sich die Hüllen von zwei der geometrischen Module der vorherigen Struktur in dreidimensionale, kristalline Versionen verwandelt und seien übereinandergestapelt worden. Der Titel spielt auf die Präsenz des Werks an, das aus manchen Blickwinkeln wie ein Wesen wirkt, das auf drei Beinen geht, und aus anderen Perspektiven wie ein Raumschiff aussieht. Vorausschauend erinnert die Gesamtstruktur des Werks an die erste Mondlandefähre, die erst einige Jahre später existieren sollte.

Tony Smith - Moondog, 1964. Aluminium, schwarz lackiert. 17'1-1/4" x 13'7-1/4" x 15'8-1/2". Auflage 1/3. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Smoke (1967) 

Mit 47 Fuß Höhe ist „Smoke“ alles andere als menschlich maßstäblich. Die schwarze Aluminiumstruktur verkörpert Smiths Interesse daran, sowohl die natürliche als auch die vom Menschen geschaffene Welt nachzuahmen. Das Werk besteht erneut aus identischen, gefertigten Modulen, die zu einer quasi-architektonischen Struktur zusammengesetzt sind. Aus der Ferne wirkt das Werk wie geometrische Abstraktion. Aus der Nähe nimmt es eine erschreckende, animalische Präsenz an, ähnlich der gigantischen, spinnenartigen Skulptur „Maman“, die Louise Bourgeois drei Jahrzehnte später, 1999, schaffen würde. Smith erklärte, dass er das Werk „Smoke“ nannte, weil die Illusion von Rauch darin besteht, dass er fest ist, obwohl er eigentlich verschwindet. Auch diese Struktur hat die Eigenschaften eines Festkörpers, enthält aber in Wirklichkeit nur Leere.

Tony Smith - Smoke, 1967. Aluminium, schwarz lackiert. 24'2" x 47' x 33'. Auflage 1/3. Los Angeles County Museum of Art, CA. Foto © Museum Associates/LACMA

Light Up (1971) 

Im Auftrag der Westinghouse Electric Corporation kombiniert „Light Up“ zwei geometrische Formen – ein Tetraeder und ein Oktaeder. Aus Stahl gefertigt und leuchtend gelb lackiert, erinnert die Form an ein experimentelles Werk, das Smith zehn Jahre zuvor geschaffen hatte, genannt „Cigarette“. Für dieses frühere Werk begann Smith mit einem Modell, erkannte dann aber, dass es zu kompliziert geworden war und einem Denkmal ähnelte. Er begann, das Modell auf das Wesentliche zu reduzieren, bis er auf eine einfache Wirbelsäule kam, die für ihn „eine Zigarette war, von der ein Zug genommen wurde, bevor sie im Aschenbecher zerdrückt wurde.“ Das verspielt benannte „Light Up“ teilt die ästhetischen Eigenschaften von „Cigarette“ und schlägt eine spielerische doppelte Anspielung auf die Firma, die seine Entstehung in Auftrag gab, und die frühere Skulptur vor, aus der seine Form zu stammen scheint.

Tony Smith - Light Up, 1971. Stahl, gelb lackiert. 20'9" x 28'7" x 16'6". Auflage 1/1. University of Pittsburgh, PA. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Smog (1969-70) und Smug (1973) 

Wie bereits bei „Smoke“ erwähnt, war eines der zentralen Konzepte, die Smith interessierten, die Beziehung von Formen zur Leere oder die Verbindung zwischen Festkörpern und Nichts. Jedes seiner Werke enthält einen Bezug zu diesem Thema, da jedes wie ein Behälter für leeren Raum wirkt. Ausgehend von der Arbeit an „Smoke“ bieten die verwandten Werke „Smog“ und „Smug“ komprimierte Versionen derselben Grundstruktur. „Smog“ drückt die Struktur zu einem ineinandergreifenden Muster aus Tetraedern zusammen. „Smug“ fügt der Struktur eine zweite Schicht hinzu und deutet an, dass sich das Muster von dort aus unendlich fortsetzen könnte. Die zusammengedrückte Natur des leeren Raums in diesen Strukturen verändert ihre Beziehung zu den Betrachtern, da wir nicht mehr unter ihrer Struktur stehen können. Die Leere wird klaustrophobisch und etwas geheimnisvoll, was an das bekannteste Zitat Smiths über seine Methoden erinnert: „Ich mache keine Skulptur, ich spekuliere über Form.“

Tony Smith - Smug, 1973. Bronzeguss, schwarze Patina. 3' x 16' x 11'8". Auflage 1/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Titelbild: Tony Smith - Smog, 1969–70. Bronzeguss, schwarze Patina. 12" x 9'5" x 6'7". Auflage 5/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio