"Die Skulpturen von Tony Smith durch diese 5 Werke neu betrachten"

Tony Smith genießt einen radikal individualisierten Status innerhalb der Geschichte der Kunst des 20. Jahrhunderts. Sein Skulpturenwerk entzieht sich einer einfachen Kategorisierung und nimmt einen Platz irgendwo zwischen Architektur, wissenschaftlichem Experiment und Kunst ein. Der Verlauf seiner Karriere war ebenfalls alles andere als traditionell. Er begann sein Berufsleben als Architekt, studierte bei László Moholy-Nagy am New Bauhaus in Chicago und machte dann eine Lehre bei Frank Lloyd Wright. Und er war in seinen 50ern, bevor seine Kunstkarriere überhaupt begann, richtig Fahrt aufzunehmen. Smith konzipierte die Werke, die er schuf, absichtlich mehr als strukturierte ästhetische Phänomene denn als bildende Kunst. Eines seiner frühesten Werke, das das konzeptionelle Fundament für seine große Idee legte, war ein gefertigter Stahlwürfel namens „Die“. Smith fertigte das Modell für „Die“ 1962 an und ließ es 1968 von der Industrial Welding Company in Newark, New Jersey, herstellen, nachdem er ein Schild vor der Firma gesehen hatte, auf dem stand: „Sie spezifizieren es; wir fertigen es.“ Er rief die Firma an und spezifizierte einen sechs Fuß großen Würfel aus einem Viertel Zoll dickem Stahl. Er wählte diese Größe, weil sie menschlich im Maßstab war und, wie er sagte, einen Mittelweg zwischen einem Denkmal und einem bloßen Objekt einnahm. Der Titel „Die“ könnte sich auf ein Spielstück, die Druckgussproduktion oder den Tod beziehen. Hinzu kommt der Witz des Stücks, dass sechs Fuß die Standardtiefe eines menschlichen Grabes ist. Der Rest seiner Werke teilt diese Mischung aus Intellekt, Kunstfertigkeit und Witz, kombiniert Verweise auf natürliche und vom Menschen geschaffene Strukturen und mischt vorgegebene Pläne mit intuitiven Entscheidungen. In der Kunstgeschichte wird er am häufigsten als Minimalist bezeichnet. Das könnte daran liegen, dass eines seiner Werke 1966 in der Ausstellung Primary Structures im Jüdischen Museum in New York City gezeigt wurde, die half, den Minimalismus einzuleiten. Aber die Methoden, die Smith verwendete, sowie seine Philosophie passten nicht wirklich zu den Absichten und Zwecken des Minimalismus. Hinzu kommt die Verwirrung, dass Smith selbst vorschlug, dass das, was er schuf, vielleicht überhaupt keine Kunst sei, und sagte: „Das Volumen meiner Arbeit hat viel mit einer Reaktion auf das zeitgenössische Leben im Allgemeinen zu tun. Ich denke nicht, dass es viel mit der Kunstszene zu tun hat.“ Was auch immer man sie nennen möchte, hier sind fünf unserer Lieblingskreationen von Tony Smith:

Bennington Struktur (1961, Zerstört) 

Die "Bennington Structure", die während Smiths Tätigkeit als Dozent für Malerei und architektonisches Design am Bennington College in Vermont entstand, nimmt eine faszinierende Position zwischen Architektur und Skulptur ein. Sie besteht aus identischen geometrischen Modulen, die aus Sperrholz, Metall, Drechselholz und Portlandzement gefertigt sind. Die Struktur ähnelt sowohl einem Bienenstock als auch einer gestapelten Ansammlung von Maschinengewehrnestern aus dem Zweiten Weltkrieg. Die Module sind menschlich groß, und in Kombination ergeben sie eine Struktur, die den Anschein erweckt, als sei sie zum Bewohnen gemacht, was ihr eine architektonische Präsenz verleiht, doch als Schutz bietet sie weder Sicherheit noch ist sie besonders nützlich. 

Tony Smith - Bennington Structure, 1961. Sperrholz, Metall, Drechselbank und Portlandzement. Insgesamt 40 Fuß lang, Durchmesser jeder Einheit ca. 9 Fuß. Bennington College, VT, 1961. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Der Mondhund (1964) 

Die 17 Fuß hohe, schwarze Aluminiumsäule „Moondog“ teilt eine direkte ästhetische Abstammung mit der „Bennington Structure“. Es sieht so aus, als ob die Schalen von zwei der geometrischen Module der ersteren sich in dreidimensionale, kristalline Versionen von sich selbst verwandelt haben und dann übereinander gestapelt wurden. Der Titel spielt humorvoll auf die Präsenz des Stücks an, das aus einigen Blickwinkeln wie ein Wesen aussieht, das auf drei Beinen geht, und aus anderen Perspektiven wie ein Raumschiff aussieht. Vorausschauend deutet die Gesamtstruktur des Stücks auf die erste Mondlandefähre hin, die erst mehrere Jahre später existieren würde. 

Tony Smith - Moondog, 1964. Aluminium, schwarz lackiert. 17'1-1/4" x 13'7-1/4" x 15'8-1/2". Auflage 1/3. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Rauch (1967) 

Mit einer Höhe von 47 Fuß ist „Smoke“ alles andere als menschlich skaliert. Die schwarze Aluminiumstruktur verkörpert das Interesse von Smith, sowohl die natürliche als auch die von Menschen geschaffene Welt nachzuahmen. Das Stück besteht erneut aus identischen, gefertigten Modulen, die zu einer quasi-architektonischen Struktur zusammengesetzt sind. Aus der Ferne sieht das Stück wie geometrische Abstraktion aus. Aus der Nähe nimmt es eine erschreckende, tierische Präsenz an, ähnlich der gigantischen, spinnenartigen Skulptur „Maman“, die Louise Bourgeois drei Jahrzehnte später im Jahr 1999 schaffen würde. Smith erklärte, dass der Grund, warum er das Werk „Smoke“ nannte, darin besteht, dass die Illusion von Rauch die ist, dass es fest ist, aber in Wirklichkeit einfach verschwindet. Diese Struktur hat ebenfalls die Eigenschaften eines Festen, enthält aber in Wirklichkeit nur Leere. 

Tony Smith - Smoke, 1967. Aluminium, schwarz lackiert. 24'2" x 47' x 33'. Auflage 1/3. Los Angeles County Museum of Art, CA. Foto © Museum Associates/LACMA

Licht auf (1971) 

Im Auftrag der Westinghouse Electric Corporation kombiniert „Light Up“ zwei geometrische Formen – ein Tetraeder und ein Oktaeder. Aus Stahl gefertigt und leuchtend gelb lackiert, erinnert die Form an ein experimentelles Werk, das Smith zehn Jahre zuvor geschaffen hatte, mit dem Titel „Cigarette“. Für dieses frühere Werk begann Smith mit einem Modell, stellte jedoch fest, dass es zu kompliziert geworden war und es einer Art Denkmal ähnelte. Er begann, das Modell auf das Wesentliche zu reduzieren, bis er zu einer einfachen Wirbelsäule gelangte, die für ihn „einer Zigarette ähnelte, von der ein Zug genommen worden war, bevor sie im Aschenbecher zerdrückt wurde.“ Das verspielt benannte „Light Up“ teilt die ästhetischen Qualitäten von „Cigarette“ und deutet auf eine verspielte doppelte Referenz zu dem Unternehmen hin, das seine Schaffung in Auftrag gab, und der früheren Skulptur, aus der seine Form zu stammen scheint. 

Tony Smith - Light Up, 1971. Stahl, gelb lackiert. 20'9" x 28'7" x 16'6". Auflage 1/1. Universität von Pittsburgh, PA. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Smog (1969-70) und Smug (1973) 

Wie bereits bei "Smoke" erwähnt, war eines der Schlüsselkonzepte, das Smith interessierte, die Idee der Beziehung von Formen zur Leere oder die Verbindung zwischen Festkörpern und Nichts. Jede seiner Strukturen enthält einen Verweis auf dieses Gespräch, da jede als eine Art Behälter für leeren Raum fungiert. Aus der Arbeit, die er an "Smoke" geleistet hat, bieten die verwandten Stücke "Smog" und "Smug" komprimierte Versionen derselben grundlegenden Struktur. "Smog" quetscht die Struktur in ein verflochtenes Muster von Tetraedern. "Smug" fügt der Struktur eine zweite Schicht hinzu und deutet an, dass das Muster von dort aus unendlich weitergehen könnte. Die eingedrückte Natur des leeren Raums in diesen Strukturen verändert ihre Beziehung zu den Betrachtern, da wir nicht mehr unter ihrer Struktur stehen können. Die Leere wird klaustrophobisch und etwas geheimnisvoll, was das ikonischste Zitat von Smith über seine Methoden widerhallt: "Ich mache keine Skulptur, ich spekuliere in Form."

Tony Smith - Smug, 1973. Gussbronze, schwarze Patina. 3' x 16' x 11'8". Auflage 1/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)

Hervorgehobenes Bild: Tony Smith - Smog, 1969–70. Gussbronze, schwarze Patina. 12" x 9'5" x 6'7". Auflage 5/6. © Tony Smith Estate/Artists Rights Society (ARS, New York)
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio