Wie queere Künstler Abstraktion nutzten, um sich auszudrücken
Zurzeit sind mehrere Ausstellungen im Hinblick auf den Pride-Monat sowie den 50. Jahrestag der Stonewall-Unruhen zu sehen – Proteste nach einer Polizeirazzia in einer Schwulenbar in Greenwich Village, die die moderne Bewegung für Schwulenrechte entfachten. Besonders faszinierend darunter ist Queer Abstraction, die erste große Ausstellung in den Vereinigten Staaten, die sich ausschließlich dem Thema queere abstrakte Kunst widmet. Zu sehen im Des Moines Art Center in Des Moines, Iowa, umfasst die Ausstellung Werke einiger der spannendsten Namen der zeitgenössischen Abstraktion, darunter Mark Bradford, Carrie Moyer, Sheila Pepe, Nicholas Hlobo und Elijah Burgher sowie Werke von Legenden wie Felix Gonzalez-Torres (1957 - 1996), Tom Burr und Harmony Hammond. Die Ausstellung findet zu einer Zeit statt, in der die Kategorie queere abstrakte Kunst erst beginnt, im größeren Kunstfeld diskutiert zu werden. Es kann eine schwierige Kategorie sein, sich darin zurechtzufinden, nicht nur wegen der Schwierigkeit zu bestimmen, was genau ein Werk zeitgenössischer Kunst abstrakt macht – besonders wenn es voller Inhalt ist – sondern auch, weil das, was ein Kunstwerk „queer“ macht, nicht so eindeutig sein muss, wie es scheint. Bei einem kürzlichen Symposium in Chicago nannte der Künstler Carl Pope Beispiele von Werken nicht-queer identifizierter Künstler, die seiner Meinung nach „queere Kunst“ seien. Die Merkmale der Werke bezogen sich meist auf Offenheit, Einbeziehung, Vielfalt und eine allgemeine Annahme neuer Strukturen der Identifikation und Individualisierung. Queerer Inhalt muss nicht unbedingt mit queerer Perspektive zusammenhängen und umgekehrt. Eines der Dinge, die diese Ausstellung in Des Moines erreicht, ist, dass sie die Abgrenzung des Themas zumindest in einem Fall etwas greifbarer macht: Die eingeschlossenen Künstler sind alle queer identifiziert. Es trübt das Bild jedoch angenehm, wenn es um die Definition dessen geht, was abstrakt ist und was nicht.
Material als Botschaft
Materialien sind immer mit Bedeutung verbunden, ob wir es merken oder nicht. Die Farbe, die ein Künstler verwendet; die Oberfläche, auf der er malt; die Materialien, mit denen er formt – all das trägt eine soziale, wirtschaftliche, politische und kulturelle Botschaft. In diesem Bereich zeigt Queer Abstraction seine wahre Stärke. Eine Skulptur von Jade Yumang mit dem Titel „Page 5“ (2016) erscheint visuell als eine meisterhafte Verschmelzung ästhetischer Positionen, die von Jessica Stockholder bis Louise Bourgeois reichen. Bei näherer Betrachtung offenbaren die verwendeten Materialien jedoch viel mehr aufgeladene Inhalte. Eine gescannte Seite schwuler Erotik wurde auf Baumwolle und Polyurethanschaum gedruckt, was den Formen einen deutlich sexuellen Charakter verleiht; gewebte Wolle und Reißverschlüsse rufen eine intime menschliche Verbindung hervor; rosa Acrylfarbe geht in tiefes Violett über, was sowohl auf die multikulturelle Geschichte der Künstlerin, die auf den Philippinen geboren wurde und nach Kanada auswanderte, als auch auf den Übergang von Tag zu Nacht, Licht zu Dunkelheit, Offenheit zu Verstecken hindeutet.
Jade Yumang - Page 5, 2016. Gescannte Seite schwuler Erotik, mit Archivfarbe auf Baumwolle, Polyurethanschaum, gewebter Wolle, Reißverschlüssen und Acryl auf Hemlock gedruckt. 36 x 14 x 6 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin. Bild mit freundlicher Genehmigung der Künstlerin.
Ähnlich bringt das Werk von Harmony Hammond Materialien stark ins Spiel. Hammond wurde in den 1970er Jahren bekannt, nachdem sie nur wenige Monate nach den Stonewall-Unruhen nach New York gezogen war. Sie outete sich 1973 und hat sich stets darauf konzentriert, abstrakte Werke zu schaffen. Die Botschaft des Werks liegt in den Materialien und der Methode verborgen. Mit Mitteln wie Stoff, Schnur, Papier und Metall stellt sie Objekte zusammen, die deutlich die Spuren ihrer eigenen Herstellung zeigen. Verstreute Worte oder Phrasen können die Bildobjekte durchdringen, manchmal direkt queeren Inhalt verkünden, manchmal das Thema umleiten. Oft wirken die Werke getragen und behaglich; unheimlich menschlich. Menschen bezeichnen ihre Werke oft als feministisch, doch ihr Erbe liegt ebenso in den Traditionen der Arte Povera, einer Strömung der Abstraktion, die die eingebettete Bedeutung und den Inhalt im Gebrauch alltäglicher Materialien in der bildenden Kunst betont. Was Hammond tut, ist ein hervorragendes Beispiel dafür, wie Bezeichnungen wie feministisch und queer oft unzureichend und missverstanden sind.
Prem Sahib - Roots, 2018. Trinkbrunnen aus Stahl und Harz. 9 x 15 x 15 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und Southard Reid. Fotos mit freundlicher Genehmigung von Lewis Ronald und Southard Reid, London. © Prem Sahib
Formale Gesten
Ein weiterer wichtiger Aspekt von Queer Abstraction ist die Anerkennung queerer zeitgenössischer Künstler, die die Grenzen der formalen Abstraktion verschieben. Die Werke von Carrie Moyer stehen sicherlich an der Spitze dieses Themas. Moyer bezeichnet das, was sie tut, als „Querverdrahtung“. Sie vermischt scheinbar unendlich viele kunsthistorische Bezüge in ihren Werken, von Surrealismus über Biomorphismus, Hard-Edge-Abstraktion bis Minimalismus und darüber hinaus. Ihre farbenfrohen, leuchtenden Werke verwenden auf besondere Weise die abgeflachten Sprachen der modernistischen Abstraktion, um Welten zu eröffnen, in die der Betrachter eintreten kann. Es ist diese Vermischung von Vergangenheit und Gegenwart sowie die völlige Neuerfindung einer malerischen Perspektive, die Moyer zu einer der führenden lebenden abstrakten Malerinnen macht. Was an ihren Werken besonders queer sein könnte, über die persönliche Geschichte der Künstlerin hinaus, könnte mit dem Farbspektrum zusammenhängen, das sie verwendet; mit der Vielfalt, die sie umfasst; oder mit dem mutigen Wagemut und der Experimentierfreude, die ihre Entstehung prägen.
Carrie Moyer - Fan Dance at the Golden Nugget, 2017. Acryl und Glitzer auf Leinwand. 66 × 90 Zoll. Mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Galerie, New York, NY. Foto mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Galerie, New York, NY.
Werke anderer Künstler wie Edie Fake und Math Bass zeigen, wie klassische ästhetische Positionen aus der Geschichte der modernistischen Abstraktion von queeren Künstlern auf entschieden zeitgenössische Weise verwendet werden. Fake greift auf Op-Art, Hard-Edge-Abstraktion, geometrische Abstraktion, die Pattern and Decoration-Bewegung sowie hinduistische Kunst, indigene Kunst und andere nicht-westliche Traditionen zurück. Neben diesen formalen ästhetischen Bezügen können seine komplexen Kompositionen auf symbolische und abstrakte Inhalte im Zusammenhang mit nicht-binärer und transgender Kultur untersucht werden. Bass hat unterdessen eine ästhetische Position entwickelt, die das Erbe von Super Graphics, Minimalismus und geometrischer Abstraktion heraufbeschwört. Ihre dynamischen Werke sprechen von ihrer Geschichte als Performance-Künstlerin. Sie mobilisieren breit zwei Konzepte, die für den Aufbau einer gerechten Gesellschaft grundlegend sind: Bewegung und Wandel. Jeder dieser Künstler bringt eine einzigartige Sichtweise auf zwei grundlegende Fragen ein, die der Auswahl dieser Ausstellung zugrunde liegen: Was, wenn überhaupt, macht ein Kunstwerk abstrakt, und was macht es speziell queer. Queer Abstraction ist im Des Moines Art Center bis zum 8. September 2019 zu sehen und wird anschließend vom 21. November 2019 bis zum 8. März 2020 im Nerman Museum of Contemporary Art in Overland Park, Kansas, gezeigt.
Titelbild: Edie Fake - The Keep, 2018. Gouache und Tusche auf Tafel. 28 × 28 Zoll. Dauerhafte Sammlung des Des Moines Art Center; erworben mit Mitteln des Keith W. Shaver Trust. Foto: Rich Sanders, Des Moines.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio
