Schlüsselfiguren der Muster- und Dekorationsbewegung
Die Pattern and Decoration Bewegung nimmt einen besonderen Platz in der zeitgenössischen Kunstgeschichte ein. Sie entstand aus der feministischen Kunstbewegung der 1960er Jahre und erklärte sich selbst als eine Art „dritte Methode“ zwischen Figuration und Abstraktion. Die Führer der Bewegung erkannten, dass der Instinkt, dekorative Kunst zu schaffen, ein wesentlicher Aspekt jeder menschlichen Kultur seit den Anfängen der Zivilisation war. Doch sie erkannten auch, dass die patriarchalische westliche Zivilisation aus irgendeinem Grund, irgendwo auf dem Weg, die Haltung angenommen hatte, dass dekorative Künste als weniger wichtig und weniger ernsthaft als andere sogenannte Schöne Künste untergeordnet werden sollten. Die Gründer der Pattern and Decoration Bewegung wiesen diese Annahme entschieden zurück und erklärten ihren formalistischen Ansatz zur dekorativen Arbeit als ebenso relevant, bedeutungsvoll und historisch wichtig wie jede andere ästhetische Position. Die übergreifende Philosophie der Pattern and Decoration Bewegung wurde 1978 von zwei der Gründer der Bewegung – Valerie Jaudon und Joyce Kozloff – in ihrem wunderbar bombastischen Manifest, Art Hysterical Notions of Progress and Culture, dargelegt. Der einleitende Absatz besagt: „Als Feministinnen und Künstlerinnen, die das Dekorative in unseren eigenen Gemälden erkunden, waren wir neugierig auf die abwertende Verwendung des Wortes ‚dekorativ‘ in der zeitgenössischen Kunstwelt. Beim erneuten Lesen der grundlegenden Texte der modernen Kunst wurde uns klar, dass das Vorurteil gegen das Dekorative eine lange Geschichte hat und auf Hierarchien basiert: Schöne Kunst über dekorativer Kunst, westliche Kunst über nicht-westliche Kunst, Männerkunst über Frauenkunst. Indem wir uns auf diese Hierarchien konzentrierten, entdeckten wir ein beunruhigendes Glaubenssystem, das auf der moralischen Überlegenheit der Kunst der westlichen Zivilisation basiert.“ Die Führer der Bewegung machten sich somit daran, diese veralteten und nutzlosen Hierarchien auf den Scheiterhaufen der Geschichte zu verbannen. Das Erbe ihrer Arbeit ist eines von viszeraler Schönheit und intellektuellem Staunen. Nur jetzt, in der Tat, nehmen die Zuschauer die Kraft dieser vitalen Bewegung wirklich auf und die Rolle, die sie heute weiterhin spielt, um das Feld der zeitgenössischen Kunst gerechter, aufgeschlossener und vollständiger zu machen.
Fünf Führer der Bewegung
Bereits 1960 gab Miriam Schapiro die dominierenden ästhetischen Strömungen der Zeit auf, um eine einzigartig persönliche visuelle Stimme zu entdecken, die größtenteils auf ihrer Identität als Frau basierte. Ihre ersten proto-feministischen Werke waren ihre „Schreine“, die als eine Art geheiligte Brücke zwischen Weiblichkeit, Spiritualität und der compartmentalisierten modernistischen Sprache des Rasters fungierten. Sie schuf mehrere andere markant feministische Werkgruppen, darunter ihre monumentalen „Fächer“ und eine Reihe von hartkantigen, geometrischen abstrakten Arbeiten, die kühne, leuchtende Bilder archetypischer weiblicher Symbolik präsentieren. 1973 nahm Schapiro an „Womanhouse“ teil, einem der wichtigsten feministischen Kunstwerke aller Zeiten. Später prägte sie auch den Begriff „Femmage“ für ihre charakteristische Methode, Techniken der Bildenden Kunst wie Collage und Assemblage mit Handwerkstechniken wie Nähen zu verbinden.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acryl, Textilien, Papier auf Leinwand. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Nachlass von Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.
Joyce Kozloff hatte ihre Erleuchtung über die historische Abwertung der dekorativen Künste, nachdem sie in Mexiko gelebt und dann in den frühen 1970er Jahren Marokko und die Türkei besucht hatte. Inspiriert davon, wie die alten ästhetischen Traditionen an diesen Orten im Alltag weiterhin lebendig und blühend waren, verfolgte sie ihre eigenen Ideen zu diesem Thema auf verschiedenen Ebenen. Sie begann, großformatige Gemälde und Multimedia-Installationen zu schaffen, die Methoden und Materialien verwendeten, die traditionell den dekorativen Handwerken zugeordnet sind; sie trat dem Heresies Collective bei, das an feministischen sozialen Aktionen teilnahm und die Zeitschrift HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics herausgab; und sie schrieb das oben genannte Manifest "Pattern and Decoration" mit. In den Jahrzehnten seit der Gründung der Bewegung ist Kozloff aktiver im Bereich der öffentlichen Kunst geworden und hat eine unverwechselbare ästhetische Stimme entwickelt, die auf der Idee des Kartierens basiert, sowohl im kartografischen als auch im kulturellen Sinne.
Joyce Kozloff - Wenn ich Botaniker wäre, Mittelmeer. 3 Tafeln eines 9-teiligen Werkes. Acryl, archivierte digitale Tintenstrahldrucke und Collage auf Leinwand. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
Neben der Mitverfassung des Manifests für Muster und Dekoration hat sich Valerie Jaudon als eine der selbstbewusstesten ästhetischen Stimmen der Bewegung etabliert. Ihr unverwechselbarer Stil verbindet kalligraphische Markierungen mit Mustern und Designs, die an dekorative Stile des Nahen Ostens erinnern. Neben ihren Gemälden und Arbeiten auf Papier hat Jaudon mehr als ein Dutzend großangelegter öffentlicher Projekte realisiert, von eingelegten Böden über Deckenmurals bis hin zu massiven Installationen in öffentlichen Parks. Das größte dieser Projekte ist der monumentale „Filippine Garden (2004), ein Zementweg auf dem Gelände des Bundesgerichts in St. Louis, Missouri. Seine Komposition ist typisch für ihr Werk, da sie gleichzeitig vertraut und exotisch erscheint; ihre Wurzeln sind wunderschön unklar, sie fügt sich nahtlos in die natürliche und architektonische Umgebung ein.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Öl auf Leinwand. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Bereits Ende der 1960er Jahre begann Susan Michod, eine ästhetische Position zu entwickeln, die sich zwischen modernistischer Abstraktion und den ästhetischen Tendenzen verschiedener antiker indigener Traditionen bewegt. Ihr Werk überschreitet die Grenze zwischen diesen beiden kooperativen Perspektiven und erinnert sowohl an das hypnotische Staunen der Op Art als auch an die düsteren geometrischen Muster, die den Kunstformen des präkolumbianischen Mittelamerikas eigen sind. Neben ihren Beiträgen zur Pattern and Decoration Movement als Künstlerin war Michod Mitbegründerin der Artemisia Gallery in Chicago, einem einflussreichen Ausstellungsraum für Künstlerinnen, in dem solche Größen wie Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff und Nancy Spero, unter vielen anderen, ihre frühen Werke zeigten.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acryl auf Papier. 40 x 30 Zoll. © Susan Michod
Zusammen mit Miriam Schapiro half Robert Kushner dabei, einige der frühesten Ausstellungen zu Pattern and Decoration zu organisieren. Kushner kam aus der Welt der Werbeillustration in das Kunstfeld, das er 1961 verließ, nachdem er eine Ausstellung der Werke von Franz Kline gesehen hatte. Es dauerte jedoch einige Jahre, bis er das Vertrauen gewann, seine eigene einzigartige Stimme zu entwickeln. Nach Experimenten mit einer Reihe von Stilen, von Abstract Expressionism über Minimalismus bis hin zu Color Field Painting, gab er schließlich die vorherrschenden Trends auf, um 1972 einen persönlichen stilistischen Sprung zu wagen, indem er schablonierte "Formen" in einem "all-over" Muster auf seine Leinwände anwendete. Im Laufe der 1970er Jahre entwickelten sich diese gemusterten Schablonenmalereien weiter, um mehr florale Bilder einzuschließen, und umarmten einen Mittelweg zwischen formalistischen Feierlichkeiten der Dekoration und figürlichen Darstellungen symmetrischer Gärten.
Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Acryl, verschiedene Textilien. 205 x 330,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Ludwig Museums – Museum für zeitgenössische Kunst, Budapest, Schenkung Peter und Irene Ludwig / Spende von Peter und Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum für zeitgenössische Kunst, Budapest. © Robert Kushner
Vorschaubild: Susan Michod - Untitled, 1977. Aquarell auf Papier. 30 Zoll x 22,5 Zoll (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery in Long Island City, NY. © Susan Michod
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio
