Schlüsselfiguren der Muster- und Dekorationsbewegung
Die Pattern and Decoration Bewegung nimmt einen besonderen Platz in der Geschichte der zeitgenössischen Kunst ein. Sie entstand aus der feministischen Kunstbewegung der 1960er Jahre und erklärte sich selbst als eine Art „dritte Methode“ zwischen Figuration und Abstraktion. Die Führenden der Bewegung erkannten, dass der Instinkt, dekorative Kunst zu schaffen, seit Anbeginn der Zivilisation ein wesentlicher Aspekt jeder menschlichen Kultur ist. Gleichzeitig wurde ihnen bewusst, dass die patriarchalische westliche Zivilisation aus irgendeinem Grund irgendwann die Haltung übernommen hatte, dass dekorative Künste als weniger wichtig und weniger ernst zu nehmen seien als andere sogenannte bildende Künste. Die Gründer der Pattern and Decoration Bewegung lehnten diese Annahme entschieden ab und erklärten ihren formalistischen Ansatz zur dekorativen Arbeit als ebenso relevant, bedeutungsvoll und historisch wichtig wie jede andere ästhetische Position. Die übergeordnete Philosophie der Pattern and Decoration Bewegung wurde 1978 von zwei der Gründerinnen – Valerie Jaudon und Joyce Kozloff – in ihrem wunderbar bombastischen Manifest „Art Hysterical Notions of Progress and Culture“ dargelegt. Der einleitende Absatz lautet: „Als Feministinnen und Künstlerinnen, die das Dekorative in unseren eigenen Gemälden erforschen, waren wir neugierig auf die abwertende Verwendung des Wortes ‚dekorativ‘ in der zeitgenössischen Kunstwelt. Beim erneuten Lesen der grundlegenden Texte der modernen Kunst erkannten wir, dass das Vorurteil gegen das Dekorative eine lange Geschichte hat und auf Hierarchien beruht: bildende Kunst über dekorative Kunst, westliche Kunst über nicht-westliche Kunst, Männerkunst über Frauenkunst. Indem wir uns auf diese Hierarchien konzentrierten, entdeckten wir ein beunruhigendes Glaubenssystem, das auf der moralischen Überlegenheit der Kunst der westlichen Zivilisation basiert.“ Die Führenden der Bewegung setzten sich somit zum Ziel, diese veralteten und nutzlosen Hierarchien auf den Müllhaufen der Geschichte zu verbannen. Das Vermächtnis ihrer Arbeit ist eine von unmittelbarer Schönheit und intellektuellem Staunen geprägte Hinterlassenschaft. Erst jetzt beginnen die Zuschauer wirklich, die Kraft dieser lebendigen Bewegung zu erfassen und die Rolle, die sie heute weiterhin spielt, um das Feld der zeitgenössischen Kunst gerechter, offener und vollständiger zu machen.
Fünf Führende der Bewegung
Bereits 1960 wandte sich Miriam Schapiro von den damals vorherrschenden ästhetischen Strömungen ab, um eine einzigartig persönliche Bildsprache zu entdecken, die weitgehend auf ihrer Identität als Frau basierte. Ihre ersten proto-feministischen Werke waren ihre „Schreine“, die als eine Art geheiligte Brücke zwischen Weiblichkeit, Spiritualität und der gegliederten modernistischen Sprache des Rasters fungierten. Sie schuf mehrere weitere unverwechselbar feministische Werkgruppen, darunter ihre monumentalen „Fächer“ und eine Reihe von kantigen, geometrischen abstrakten Arbeiten, die kühne, leuchtende Bilder archetypischer weiblicher Symbolik zeigen. 1973 nahm Schapiro an „Womanhouse“ teil, einem der wichtigsten feministischen Kunstwerke aller Zeiten. Später prägte sie auch den Begriff „Femmage“ für ihre besondere Methode, bildende Kunsttechniken wie Collage und Assemblage mit Handwerkstechniken wie Nähen zu verbinden.
Miriam Schapiro - Dormer, 1979. Acryl, Textilien, Papier auf Leinwand. 178,5 x 102 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen © Nachlass Miriam Schapiro / Bildrecht Wien, 2019.
Joyce Kozloff hatte ihre Erkenntnis über die historische Abwertung der dekorativen Künste nach ihrem Aufenthalt in Mexiko und späteren Besuchen in Marokko und der Türkei Anfang der 1970er Jahre. Inspiriert davon, wie die alten ästhetischen Traditionen an diesen Orten im Alltag noch lebendig und blühend waren, verfolgte sie ihre eigenen Ideen zu diesem Thema auf verschiedenen Ebenen. Sie begann, großformatige Gemälde und Multimedia-Installationen zu schaffen, die Methoden und Materialien verwendeten, die traditionell den dekorativen Handwerken zugeordnet sind; sie schloss sich dem Heresies-Kollektiv an, das feministische soziale Aktionen durchführte und die Zeitschrift HERESIES: A Feminist Publication on Art and Politics herausgab; und sie schrieb das bereits erwähnte Pattern and Decoration Manifest mit. In den Jahrzehnten seit der Gründung der Bewegung ist Kozloff im Bereich der öffentlichen Kunst aktiver geworden und hat eine unverwechselbare ästhetische Stimme entwickelt, die auf der Idee der Kartierung beruht, sowohl im kartographischen als auch im kulturellen Sinne.
Joyce Kozloff - Wenn ich Botanikerin wäre Mittelmeer. 3 Tafeln eines 9-teiligen Werks. Acryl, archivale digitale Tintenstrahldrucke und Collage auf Leinwand. 54″ x 360″. © Joyce Kozloff
Valerie Jaudon als eine der selbstbewusstesten ästhetischen Stimmen der Bewegung. Ihr unverwechselbarer Stil verbindet kalligraphische Markierungen mit Mustern und Designs, die an dekorative Stile des Nahen Ostens erinnern. Neben ihren Gemälden und Papierarbeiten hat Jaudon mehr als ein Dutzend groß angelegter öffentlicher Projekte realisiert, von eingelegten Böden über Deckenmalereien bis hin zu gewaltigen Installationen in öffentlichen Parks. Das größte dieser Projekte ist der monumentale „Filippine Garden“ (2004), ein Zementweg auf dem Gelände des Bundesgerichts in St. Louis, Missouri. Seine Komposition ist typisch für ihr Werk, da sie zugleich vertraut und exotisch wirkt; ihre Wurzeln sind schön unklar, und sie fügt sich nahtlos in die natürliche und architektonische Umgebung ein.
Valerie Jaudon - Hattiesburg, 1979. Öl auf Leinwand. 223,5 x 335,5 cm. Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. Foto: Carl Brunn / Ludwig Forum für Internationale Kunst Aachen. © Bildrecht Wien, 2019.
Bereits Ende der 1960er Jahre begann Susan Michod, eine ästhetische Position zu entwickeln, die zwischen modernistischer Abstraktion und den ästhetischen Neigungen verschiedener alter indigener Traditionen liegt. Ihr Werk bewegt sich auf der Grenze zwischen diesen beiden kooperativen Perspektiven und erinnert sowohl an das hypnotische Staunen der Op-Art als auch an die düsteren geometrischen Muster, die den Kunstformen des präkolumbianischen Mittelamerikas eigen sind. Neben ihren Beiträgen als Künstlerin zur Pattern and Decoration Bewegung war Michod Mitbegründerin der Artemisia Galerie in Chicago, einem einflussreichen Ausstellungsort für Künstlerinnen, wo so bedeutende Persönlichkeiten wie Judy Chicago, Miriam Schapiro, Joyce Kozloff und Nancy Spero unter vielen anderen ihre frühen Werke zeigten.
Susan Michod - Azteca Shroud, 2003. Acryl auf Papier. 40 x 30 Zoll. © Susan Michod
Gemeinsam mit Miriam Schapiro half Robert Kushner, einige der frühesten Pattern and Decoration Ausstellungen zu organisieren. Kushner kam aus der Welt der Werbeillustration zur Kunst, die er 1961 verließ, nachdem er eine Ausstellung der Werke von Franz Kline gesehen hatte. Es dauerte jedoch einige Jahre, bis er das Selbstvertrauen gewann, seine eigene unverwechselbare Stimme zu entwickeln. Nach Experimenten mit verschiedenen Stilen, vom abstrakten Expressionismus über Minimalismus bis hin zur Farbflächenmalerei, gab er schließlich die vorherrschenden Strömungen auf und machte 1972 einen persönlichen stilistischen Sprung, indem er schablonierte „Formen“ in einem „all-over“-Muster auf seine Leinwände auftrug. Im Verlauf der 1970er Jahre entwickelten sich diese gemusterten Schablonengemälde weiter und enthielten zunehmend florale Motive, die eine Mittelstellung zwischen formalistischen Feierlichkeiten der Dekoration und figürlichen Darstellungen symmetrischer Gärten einnahmen.
Robert Kushner - Pink Leaves, 1979. Acryl, verschiedene Textilien. 205 x 330,5 cm. Leihgabe Ludwig Museum – Museum für zeitgenössische Kunst, Budapest, Schenkung Peter und Irene Ludwig / donation of Peter and Irene Ludwig. Foto: Ludwig Museum – Museum für zeitgenössische Kunst, Budapest. © Robert Kushner
Titelbild: Susan Michod - Ohne Titel, 1977. Aquarell auf Papier. 30 Zoll x 22,5 Zoll (76,2 cm x 57,15 cm). RoGallery in Long Island City, NY. © Susan Michod
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio
