Warum Jackie Winsor exzentrisch abstrakt ist

Die Arbeiten von Jackie Winsor bieten einen perfekt wunderbaren Kontrapunkt zu akademischen Theorien über zeitgenössische Abstraktion. Die Debatte, die die meisten aktuellen Gespräche über abstrakte Kunst antreibt, dreht sich unvermeidlich um den Unterschied zwischen reiner Abstraktion – Kunst, die keinerlei Bezug zur sogenannten realen Welt hat – und Abstraktion, die von etwas Figürlichem abgeleitet oder abstrahiert ist. Seit mehr als fünf Jahrzehnten schafft Winsor Werke, die theoretisch auf beide Seiten dieser Debatte passen könnten. Zum Beispiel könnte die unheimliche Präsenz von „Chunk Piece“ (1970), einem aufgerollten Hanfholz, als etwas betrachtet werden, das aus der realen Welt abstrahiert ist, obwohl es in der Realität nichts gibt, das genau so ist. In der Zwischenzeit könnte „Pink and Blue Piece“ (1985), ein spiegelnder Würfel, als reine formalistische Abstraktion bezeichnet werden, da es sich nur um eine einfache, geometrische Form handelt, die im Raum schwebt. Doch beide Werke könnten auch auf unzählige andere Weisen beschrieben werden. Der angeblich formalistische Würfel könnte figürlich sein, da er zahlreichen anderen Objekten in der realen Welt ähnelt; und das angeblich abstrahierte Holz könnte überhaupt nicht abstrakt sein – es könnte ein konkretes, selbstreferenzielles Objekt sein, das aus keinem anderen Grund existiert, als um seine eigenen Qualitäten auszudrücken. So exzentrisch und individualistisch sind die Skulpturen, die Winsor schafft, dass sie die Debatte über Abstraktion vollständig auflösen. Sie existieren außerhalb des Gesprächs und machen es irrelevant. Doch sie sind auf einer viszeralen Ebene so überzeugend – so sublim deklarativ für etwas Essentielles, aber jenseits unseres Intellekts –, dass ich nicht anders kann, als zu denken, dass sie für unser Verständnis von Abstraktion wesentlich sind. Wie zwei andere Visionäre ihrer Generation – Richard Serra und Eva Hesse – repräsentiert Winsor das Versprechen, dass abstrakte Kunst gleichzeitig unvorstellbar esoterisch und unbestreitbar menschlich sein kann.

Hartnäckig existieren

1979, im Alter von 37 Jahren, erhielt Winsor eine Einzelausstellung im Museum of Modern Art in New York. Die Ausstellung umfasste 24 Werke. Im Katalogessay zur Ausstellung wurde Winsor als „einer der heute erfolgreichsten jüngeren Bildhauer“ beschrieben. Das Essay bietet jedoch nicht viel Klarheit darüber, was die Kuratoren dazu brachte, die Arbeit von Winsor als so wichtig zu erachten. Ohne jegliche Übertreibung weist es einfach auf die Arbeit hin: „ihre Objekthaftigkeit oder, wie Ellen Johnson, zitiert Rilke, es ausdrückt, ihr ‚hartnäckiges Dasein.‘“ Die Stücke in der MoMA-Ausstellung teilten eine universelle Qualität, die am besten als kommunikativ für akribische, langwierige Anstrengung beschrieben werden kann: sie waren der Beweis für Arbeit. „Bound Square“ (1972) sieht so einfach aus wie ein einfacher Holzrahmen, aber die Meilen von Schnur, die um seine Ecken gewickelt sind, verleugnen die Tatsache, dass Winsor unzählige Stunden damit verbrachte, das Stück methodisch zusammenzubinden. „Four Corners“ (1972) ist eine einfache Anordnung von vier runden Formen auf dem Boden, aber wie viele Stunden wurden damit verbracht, die Bälle in Form zu rollen? Ebenso deuten die unzähligen Nägel, die in die Holzoberfläche von „Nail Piece“ (1970) getrieben wurden, auf eine manische Qualität hin, während das selbstreferenziell betitelte „30 to 1 Bound Trees“ (1971-72) zu hinterfragen scheint, welchen Wert alle menschliche Arbeit im Verhältnis zur Natur hat.

Jackie Winsor - Bound Square, 1972. Holz und Schnur. 6' 3 1/2" x 6' 4" x 14 1/2" (191,8 x 193 x 36,8 cm). Joseph G. Mayer Foundation, Inc., zu Ehren von James Thrall Soby und Grace M. Mayer Fund zu Ehren von Alfred H. Barr, Jr. MoMA Sammlung. © 2019 Jackie Winsor

Die erste Reaktion, die man haben könnte, wenn man Skulpturen wie „Bound Square“, „Four Corners“, „Nail Piece“ und „30 to 1 Bound Trees“ begegnet, ist, die abstrakte Einfachheit der Formen zu bewundern. Vielleicht fühlt man zweitens eine viszerale Anziehung zur rohen Körperlichkeit der Materialien – dem Holz, dem Hanf und dem Metall. Aber es ist im Prozess, sich schließlich die Mühe vorzustellen, die in die Schaffung der Skulpturen geflossen ist, dass unsere menschliche Verbindung zu diesen Formen und Materialien ihren Höhepunkt erreicht. Dann wird uns klar, dass die einfachen geometrischen Formen nicht nur wegen ihrer formalen abstrakten Qualitäten gewählt wurden, sondern weil sie sich am besten für repetitive, monotone Arbeit eignen. Sich das Gefühl vorzustellen, das Holz und den Hanf sowie Hammer und Nägel stundenlang in unseren Händen zu halten, verbindet die Skulpturen mit unserer fleischlichen und blutlichen Menschlichkeit. Die Stücke existieren in der Tat stur, trotz unserer Fähigkeit, sie zu beschreiben, zu validieren oder ihnen Bedeutung zuzuweisen; sie besetzen auch hartnäckig intellektuelles Terrain und feiern mit ihrer Existenz die von Natur aus schöne, aber verwirrende Natur aller Anstrengung.

Jackie Winsor - Burnt Piece, 1977-78. Zement, verbranntes Holz und Drahtgeflecht. 33 7/8 x 34 x 34" (86,1 x 86,4 x 86,4 cm). Geschenk von Agnes Gund. MoMA Sammlung. © 2019 Jackie Winsor

Das Ende der Etiketten

Eines der fragwürdigeren Etiketten, die häufig Winsor zugewiesen werden, ist „Prozesskunst“, was eine Art ist, ästhetische Phänomene zu beschreiben, bei denen das Endobjekt nicht wichtig ist – es ist der Schaffensprozess, der am meisten zählt. Was die Leute, ohne Zweifel, an Winsor verwirrt, ist, dass der Prozess so offensichtlich entscheidend für ihre Kreationen ist. In der Tat könnte nichts, was sie schafft, zustande kommen, ohne dass sie oft völlig neue Prozesse erfindet, die neuartige Methoden und Techniken beinhalten, die vielleicht nur für die Schaffung einer bestimmten Skulptur spezifisch sind. So wichtig ihre Prozesse auch sind, das Endobjekt bleibt entscheidend. Ja, es ist das Ergebnis des Prozesses und die Validierung des Prozesses, aber es ist auch der raison d’être des Prozesses. Ohne die Vision, die Winsor für ein Objekt hatte, das hartnäckig im realen Raum und in der Zeit existiert, hätte der Prozess keinen Grund zu existieren.

Jackie Winsor - Laminierte Sperrholz, 1973. Sperrholz. 7 1/2 x 48 x 48" (19,1 x 121,9 x 121,9 cm). Geschenk der Gilman-Stiftung zum Gedenken an J. Frederic Byers III. MoMA Sammlung. © 2019 Jackie Winsor

Ein weiteres Etikett, das häufig Winsor zugeordnet wird, ist Post-Minimalismus. Dieses Etikett hat ebenfalls wenig Einfluss auf ihr Werk. Post-Minimalistische Kunst nutzt Minimalismus als Ausgangspunkt oder Referenzpunkt, akzeptiert jedoch nicht alle seine konzeptionellen Überzeugungen. Winsor hebt sich von dieser verworrenen Beschreibung und allen anderen halbherzigen Etiketten ab. Wie Marcel Duchamp ist sie eine Ein-Frau-Kunstbewegung. Sie bringt Skulpturen hervor, die selbstbewusst darüber sprechen, was es bedeutet, eine Präsenz zu haben; Textur zu enthalten; Raum zu besetzen; das Ergebnis von Arbeit zu sein. Sie schafft Kunst, die erklärt, dass sie ebenso viel Recht hat, hier zu sein wie jeder Stein, jeder Baum oder jedes Lebewesen. Ihre Skulpturen müssen nicht durch Theorie validiert oder akademisch erklärt werden, um ihre Eigenständigkeit zu beanspruchen. Sie befreien uns davon, kategorisieren oder sogar verstehen zu müssen. Alles, was wir tun müssen, um ihr Werk zu schätzen, ist, es einfach für das zu schätzen, was es unbestreitbar ist: konkret; abstrakt; esoterisch; exzentrisch; und menschlich.

Vorschaubild: Jackie Winsor - Chunk Piece, 1970. Hanf. 36 x 38 Zoll. (91,4 x 96,5 cm). Paula Cooper Gallery. © Jackie Winsor
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio