Giorgio de Chirico y las Pinturas que No Pueden Ser Vistas

¿Son concretas las experiencias? ¿Pueden manifestarse los sentimientos? ¿Qué existe más allá del universo observable? En 1911, cuando Giorgio de Chirico pintó los primeros ejemplos de Pittura Metafisica, o Pintura Metafísica, esas eran algunas de las preguntas que intentaba enfrentar. Como muchos de sus contemporáneos, De Chirico era profundamente consciente de que la sociedad occidental se estaba transformando de manera monumental e imparable. En lugar de pintar representaciones objetivas de ese mundo cambiante, eligió intentar expresar los sentimientos de quienes lo habitaban. Le fascinaba cómo, ante lo desconocido, las personas encuentran consuelo en lo místico, lo misterioso y lo extremo. Mientras la historia era devorada rápidamente por un futuro voraz, De Chirico quiso retratar aquello que no podía verse: las vidas internas de los solitarios y desconcertados testigos del tiempo. Para ello enfrentó un gran desafío: cómo visualizar lo invisible. Inspirado por el trabajo de los simbolistas del siglo XIX, De Chirico se liberó de la carga de lo real y encontró consuelo en lo simbólico, lo inquietante y lo abstracto. Como escribió en el reverso de su autorretrato pintado en 1911, “¿Qué amaré si no es el enigma?”

El auge de los simbolistas

Pocos saben lo que se siente vivir en lo que los franceses llaman el fin de siècle, o el fin de una época. Hoy somos tantos y las cosas cambian tan rápido que en algún lugar del mundo el fin de una era ocurre cada día. Se puede decir que la última vez que la civilización humana experimentó un fin de siècle común fue a finales del siglo XIX. Fue una época en la que avances sin precedentes ocurrieron simultáneamente en la industria, la tecnología, la guerra, la producción de alimentos, la medicina, el transporte, la comunicación, la ciencia, la educación y la cultura. Tantos cambios radicales sucedían a la vez que arrancaron a la humanidad de su sentido de sí misma. El futuro hizo que el pasado pareciera obsoleto, lo que transformó fundamentalmente la manera en que los humanos se veían a sí mismos, a los demás y al mundo físico.

Durante décadas previas a este fin de siècle global, el ánimo general de la mayoría de las personas no era bueno. La gente estaba pesimista y asustada. Esos extremos emocionales se manifestaron en forma de un movimiento cultural conocido como Arte Simbolista. En palabras del poeta simbolista francés Stéphane Mallarmé, el objetivo de los simbolistas era, “representar no la cosa sino el efecto que produce.” Las pinturas simbolistas son melancólicas y representan puntos de vista extremos. Los espectadores a menudo se ven abrumados por las emociones que transmiten. Su tema es irrelevante. Lo que importa es cómo hacen sentir a las personas.

 

Giorgio de Chirico - El Enigma de la Hora, 1911. Colección Privada

 

Giorgio De Chirico en Múnich

En 1988, cuando nació Giorgio De Chirico, el fin de siècle estaba en pleno apogeo. De Chirico nació en Grecia de padres italianos. Cuando Giorgio tenía 17 años, su padre falleció. Al año siguiente, Giorgio se mudó a Múnich y se inscribió en clases de arte. Estudió técnicas clásicas de pintura y leyó filosofía, en particular la obra de Arthur Schopenhauer, quien creía que el comportamiento humano está determinado por el intento de satisfacer deseos desconocidos basados en la angustia metafísica. También, mientras estaba en Múnich, De Chirico conoció las inquietantes pinturas del pintor simbolista Arnold Böcklin, que abordaban los miedos y ansiedades modernos con imágenes e iconografía clásicas.

De Chirico se trasladó a Italia después de sus estudios. Mientras vivía en Milán, Florencia y Turín, se enfrentó a la marcada manera en que la antigua arquitectura italiana contrastaba con su cultura en modernización. Describió cómo la cualidad metafísica del entorno lo llenaba de una abrumadora sensación de melancolía. En 1910, mientras estaba en Florencia, expresó ese sentimiento a través de una serie de pinturas innovadoras y muy estilizadas, incluyendo El Enigma de una Tarde de Otoño y El Enigma del Oráculo. La iluminación marcada, las figuras aisladas y la mezcla de iconografía contemporánea y clásica se volvieron parte integral del estilo característico de De Chirico, que más tarde sería conocido como Pintura Metafísica.

 

Giorgio de Chirico - El Enigma del Oráculo, 1911. Óleo sobre lienzo.

 

Haciendo visible lo invisible

¿Qué intentaba transmitir De Chirico con sus pinturas “enigma”? Las estatuas aisladas, las cortinas oscuras que ocultan parte de la imagen, las figuras de espaldas, las duras diferencias entre sombra y luz. Son imágenes de un mundo lleno de reliquias y misterio, de secretos místicos del pasado. Son imágenes de momentos privados llenos de preocupaciones desconocidas. Aunque figurativas, estas pinturas son ricas en simbolismo. En lugar de intentar aclarar, abstraen felizmente los hechos, difuminan el mensaje, haciendo que el contenido sea ininteligible salvo por el estado de ánimo.

Con los años añadió símbolos abstractos adicionales que confunden aún más el significado de sus imágenes, mientras aumentan su sensación de melancolía y tristeza. Añadió una imagen recurrente de un tren, siempre a lo lejos, siempre echando pequeñas bocanadas de humo al pasar. Añadió relojes, un símbolo de anhelo, ya que los momentos, como los trenes solitarios y los barcos que navegan, pasan. Y luego están las torres, solas vigilando el paisaje, sus puntos de vista solitarios objetivados y marginados mientras se alejan en la distancia. Las imágenes son inquietantes: familiares y a la vez extrañas, como sueños.

 

Giorgio de Chirico - La Canción del Amor, 1914. Óleo sobre lienzo. 73 x 59,1 cm. Colección del Museo de Arte Moderno (MoMA). © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / SIAE, Roma

 

Expansión del simbolismo

En 1911, De Chirico se mudó a París, donde su estilo único despertó gran interés. Su obra fue incluida en varias exposiciones importantes y llamó la atención del influyente crítico de arte Guillaume Apollinaire, quien le ayudó a conseguir un marchante de arte. Pero en 1915, cuando estalló la Primera Guerra Mundial, De Chirico regresó a Italia, como muchos otros artistas europeos que se vieron obligados a volver a su tierra para luchar. Aunque esto pudo haber destruido su impulso, experimentó un giro místico del destino. Considerado físicamente incapaz para el combate, De Chirico fue destinado a trabajar en un hospital. Allí conoció al pintor Carlo Carrà, un pintor que compartía la visión abstracta y simbólica de De Chirico.

La compañía de Carrà profundizó la dependencia de De Chirico en el simbolismo abstracto. Sus pinturas comenzaron a incluir imágenes aún más oníricas, contribuyendo a un lenguaje visual cada vez más inquietante. La naturaleza de estas nuevas imágenes era totalmente relevante para las circunstancias que causaron la Gran Guerra. Muchos quedaban atrás, vagando desolados por el solitario y desierto pasaje del pasado, sin propósito ni dirección. De Chirico abordó temas como el amor, la inspiración y los fantasmas, colocando extrañas disposiciones de objetos materiales en lugares iluminados de forma marcada, creando una menagerie estética informada por la confusión y la pérdida de identidad.

 

Giorgio de Chirico - Las Musas Inquietantes, 1916 - 1918. Colección Privada

 

Influencia en los surrealistas

En los años posteriores a la guerra, la visión de De Chirico fue ampliamente aceptada y su fama crecía rápidamente. Sin embargo, él consideraba que su estilo era inmaduro. Así que en 1919, De Chirico decidió abandonar la Pintura Metafísica. En su ensayo El Retorno a la Artesanía, anunció su intención de volver a la iconografía objetiva y a los temas clásicos.

La ironía del momento fue que solo un año después, el escritor surrealista André Breton vio una de sus pinturas, El Cerebro del Niño, colgada en la ventana de una galería. Ese encuentro fortuito llevó a toda una generación de jóvenes pintores, incluyendo a Salvador Dalí y René Magritte, a interesarse por la obra de De Chirico. Estos pintores, que serían conocidos como los surrealistas, se inspiraron en la cualidad onírica de estas pinturas y en la manera en que conectaban con la estética abstracta del subconsciente.

 

Giorgio de Chirico - El Cerebro del Niño, 1917. Óleo sobre lienzo. Nationalmuseum, Estocolmo, Suecia

 

El legado metafísico contemporáneo

Además de crear un estilo singularmente hipnótico, los intentos de De Chirico por pintar “lo que no puede verse” dejaron un rastro de migas estéticas. Podemos seguirlo siempre que deseemos regresar a nuestras raíces simbólicas primordiales para enfrentar nuestras propias preguntas sobre la esencia del ser, la naturaleza del tiempo o los misterios del espacio, o cuando nos inquieta nuestro propio sentido diario del interminable fin de siècle. Porque aunque poseemos mucha más información sobre nuestro mundo que nuestros antepasados de principios del siglo XX, aún queda mucho por descubrir.

A pesar de nuestros avances científicos, no estamos más cerca que De Chirico de responder las preguntas esenciales de la metafísica, como “¿Qué significa existir?” No hemos respondido si somos solo cuerpos o si el alma existe, y si existe, si todas las cosas tienen alma o solo los seres vivos. Pero gracias a artistas como De Chirico tenemos modelos para integrar el simbolismo, el arte y el misterio en nuestras vidas. Quizá sigamos siendo los solitarios y desconcertados testigos del tiempo, pero al menos estamos quizás más cerca de aceptar nuestra inherente ambigüedad metafísica, para que podamos aprender a amar, en lugar de temer, los misterios perdurables de nuestra existencia.

 

Imagen destacada: Giorgio de Chirico - El Enigma de una Tarde de Otoño, 1910
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio