Cómo Die Brücke (El Puente) Celebró el Poder del Color
El expresionismo alemán nació en la ciudad de Dresde en 1905. Fue entonces cuando cuatro estudiantes de arquitectura se unieron para fundar Die Brücke, un movimiento artístico destinado a iniciar una revolución estética alemana. Die Brücke significa “El Puente” en alemán. La frase refleja la percepción que el grupo tenía de sí mismo como figuras de transición, conectando las tradiciones artísticas alemanas anticuadas del pasado con los ideales modernistas que llevarían la cultura hacia el futuro. En términos generales, la estética de Die Brücke tendía a composiciones emocionalmente expresivas dominadas por campos puros, planos y sin degradados de color, y formas simplificadas hechas con trazos primitivos. Los artistas de Die Brücke buscaban comunicar sentimientos en lugar de copiar la realidad. Su estética se inspiraba en gran medida en la técnica del grabado en madera. Pero también hubo otra inspiración anterior para el grupo, algo irónicamente no alemán y no de su siglo: las pinturas de Vincent Van Gogh, un pintor postimpresionista neerlandés que murió en 1890. Los cuatro fundadores de Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl y Karl Schmidt-Rottluff – visitaron una retrospectiva de Van Gogh que se inauguró en Dresde en 1905. Aún no eran pintores en ese momento, pero quedaron fascinados por lo que este artista visionario podía comunicar con la pintura. Los colores, las pinceladas rápidas y las formas simplificadas tuvieron un efecto electrizante en ellos. Su ejemplo les mostró una manera de conectar con las pasiones subyacentes de la vida. Van Gogh fue tan influyente para Die Brücke que uno de los miembros que se unió más tarde – Emil Nolde – intentó convencerlos de cambiar su nombre a “Van Goghiana.” Afortunadamente, no siguieron esta sugerencia. Aceptar tal cambio habría significado la muerte de un movimiento que, por encima de todo, se basaba en la originalidad. Claro, Van Gogh los inspiró, pero lo que Die Brücke realmente buscaba no era copiar a otro, sino seguir sus propios instintos individuales. Estas intenciones se resumen en la tercera frase de su manifiesto de tres oraciones, publicado en un grabado en madera en 1906, que decía: “Quienquiera que represente directa y auténticamente aquello que le impulsa a crear es uno de nosotros.”
Un Caos Organizado
Para la mayoría de los alemanes de principios de siglo, los artistas de Die Brücke parecían hombres salvajes. Cuando Franz Marc vio por primera vez una exposición de sus coloridas pinturas primitivistas, los llamó “los Fauves de Alemania,” una referencia a les Fauves, o “bestias salvajes,” un grupo de artistas que trabajaban al mismo tiempo en Francia liderados por André Derain y Henri Matisse, quienes también empleaban tonos luminosos e irreales. La comparación con les Fauves era acertada. De hecho, Die Brücke merecía una reputación aún más salvaje. No solo usaban colores escandalosos en sus pinturas, sino que eran salvajes en todo el sentido de la palabra. Vivían ilegalmente en sus estudios, que no estaban zonificados como residenciales, escondiendo sus camas en el ático durante el día para no ser descubiertos. También pintaban modelos desnudos en la naturaleza. Como ningún modelo respetable y profesional aceptaría tal encargo, pagaban a personas no profesionales para que los acompañaran al bosque, lejos de donde pudieran ser vistos. Junto con sus modelos desnudos aficionados y un grupo de otros amigos y amantes, festejaban, pintaban y nadaban, fundiéndose con sus naturalezas más artísticas, liberadas y primitivas.
Sin embargo, la imagen de los artistas de Die Brücke como descontrolados no es precisa. Eran bohemios, pero también uno de los colectivos artísticos más organizados y reflexivos de la historia. En los ocho años de su existencia realizaron más de 70 exposiciones colectivas, tanto en Alemania como en el extranjero. El grupo también fue innovador en términos de astucia comercial. Vendían suscripciones, de modo que quienes querían poseer su obra pero no podían permitirse comprar una pintura, podían recibir carteles, grabados y otros objetos efímeros, como manifiestos impresos. El grupo era estrictamente rígido en sus requisitos de membresía: ningún miembro podía mostrar su obra excepto en exposiciones colectivas. El inmenso talento organizativo necesario para llevar a cabo tantas exposiciones mientras gestionaban membresías y suscripciones es innegablemente impresionante. A pesar de su reputación como hombres salvajes, Die Brücke estableció una estructura organizativa revolucionaria y sumamente eficaz, que aún hoy es imitada por muchos colectivos artísticos y galerías dirigidas por artistas.
Ernst Ludwig Kirchner - Manifiesto del Grupo de Artistas Brücke (Programm der Künstlergruppe Brücke), 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Leipzig 2005.
Los Degenerados
Die Brücke comenzó a fragmentarse alrededor de 1912, cuando Max Pechstein, un miembro tardío, violó abiertamente su acuerdo de membresía al mostrar su obra en exposiciones individuales. El golpe final llegó en 1913, cuando Kirchner escribió su Crónica de Die Brücke, que alienó a los otros miembros al afirmar que él era su líder (cuando en realidad el grupo era un conjunto laxo y casi anárquico de individuos). Sin embargo, por un giro de la historia, los miembros de Die Brücke no permanecieron alienados para siempre. Cuando los nazis llegaron al poder, la obra de los artistas de Die Brücke fue considerada degenerada. Estos eventos movieron a los miembros a reafirmar, al menos en teoría, su dedicación mutua y al ideal por el que habían luchado: la libertad e independencia de los artistas.
Tras su inclusión en la Exposición de Arte Degenerado de 1937, muchas de las obras de Heckel, así como las del miembro tardío Otto Mueller, fueron destruidas. Pero no se perdió todo su legado. Pocos años antes de morir, Heckel donó las obras que le quedaban para ayudar a establecer el Museo Brücke, que abrió en Berlín en 1967. Karl Schmidt-Rottluff también hizo una donación considerable de sus obras, y desde entonces el museo ha adquirido muchas otras piezas de otros miembros del grupo. Hoy, su colección incluye miles de pinturas, esculturas y obras sobre papel. El colorido legado del grupo vive en esta colección, pero no se detiene ahí. Resuena a través del tejido de innumerables otros movimientos expresionistas del siglo XX y en el mundo del arte contemporáneo actual, como un ejemplo del poder expresivo del color y del potencial revolucionario de la autenticidad.
Imagen destacada: Karl Schmidt-Rottluff - Fariseos, 1912. Óleo sobre lienzo. 29 7/8 x 40 1/2" (75.9 x 102.9 cm). Fondo Gertrud A. Mellon. Colección MoMa. © 2019 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
