Jim Hodges convierte la Grand Central de Nueva York en una instalación abstracta

Jim Hodges es uno de esos raros artistas abstractos cuyo trabajo logra expresar los aspectos más problemáticos del espíritu de nuestro tiempo mientras simultáneamente expresa su belleza. Una nueva instalación de Hodges, titulada “Soñé un mundo y lo llamé Amor,” se inauguró recientemente en la Estación Grand Central en la ciudad de Nueva York. Tomando su nombre, y su presencia material, de una exposición homónima de 2016 en la galería Gladstone en la calle 21 en Nueva York, la instalación cubre múltiples superficies que abarcan más de 65 metros cuadrados, y consta de más de 5,000 piezas separadas de vidrio cortado. La obra comparte una tradición material con el vitral. Sin embargo, a diferencia de una ventana de vitral, que deja pasar la luz a través de la superficie, esta instalación está montada sobre superficies opacas, lo que resalta las propiedades reflectantes del vidrio coloreado. ¿Cómo expresa esta obra los aspectos más problemáticos del espíritu de nuestro tiempo? Está fracturada; a veces caótica; y tiene un aspecto más que un poco apocalíptico. ¿Cómo expresa la belleza de este momento? Abraza el movimiento; el dinamismo; el brillo; y moviliza un arcoíris de colores que—contrariamente a la mayoría de las representaciones visuales de arcoíris—incluye negro y marrón. La paleta grita naturaleza, desde el azul del océano y la atmósfera hasta el verde del bosque y los rojos y marrones del suelo. Sin embargo, el aspecto fabricado de la pieza nos dice claramente que es el resultado de la intervención humana. Finalmente, hay algo abiertamente optimista en esta instalación. No comenta sobre la carga de datos y hechos, sino sobre las posibilidades primordiales contenidas en el acto de la creación. No pertenece a la moribunda era de la información, que francamente me hace sentir agotado y explotado, sino a la emergente era de la imaginación, que promete que todo es posible.

Expandiendo el Campo Expandido

Todo campo incluye ciertos trabajos sucios y difíciles que deben hacerse. Las personas que comienzan haciendo uno de esos trabajos y luego ascienden a la cima, tienden a ser mis personas favoritas, porque entienden a un nivel básico y material de qué se trata su profesión. En las artes visuales, uno de esos trabajos es el de manipulador de arte: las personas que empaquetan, envían y cuelgan el arte que vemos en las paredes de galerías y museos. Los artistas que trabajan como manipuladores de arte aprenden la importancia del oficio y entienden literalmente lo importante que es para las personas tener una relación física con el arte. Después de obtener su MFA en pintura en el Instituto Pratt en Brooklyn, Jim Hodges comenzó su carrera como manipulador de arte. Hizo el trabajo a cambio de espacio gratuito en un estudio. Mientras embalaba, cargaba y colgaba arte por Nueva York, se transformó de un pintor tradicional en un artista que trabaja en el campo expandido de la pintura: un universo teórico donde el color, la superficie y la composición se liberan del lienzo y la pared para habitar todas las superficies, todos los materiales y todos los espacios.

Vista de la instalación, Jim Hodges, Soñé un mundo y lo llamé Amor, en Gladstone Gallery, Nueva York, 2016

Su retrospectiva de mitad de carrera de 2014 titulada “Da Más de lo que Tomas” en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston fue una lección sobre cómo Hodges ha usado las tres décadas desde esos primeros días como manipulador de arte para expandir el campo expandido. Una pared de servilletas usadas, cada una adornada con una imagen frágil de una flor, demostraba cómo una imagen pintada es de manera inquietante y hermosa similar en algunos aspectos a una cripta: un contenedor encantador para guardar algo que quizás alguna vez fue, o tal vez nunca fue. Un techo cubierto con campanas de vidrio soplado colgantes, cada una pintada por dentro con un delicado tono pastel, se convirtió en más que una instalación específica para caminar a través. Capturaba y liberaba la luz cambiante de una ventana contigua; provocaba la mente con la promesa de sonidos encantadores; y si un espectador era audaz y valiente suficiente para acostarse en el suelo y mirar hacia arriba, se transformaba en una composición de color y forma sobre una superficie plana—una pintura en un campo expandido.

Los viajeros que pasan junto a la instalación permanente de Jim Hodges Soñé un mundo y lo llamé Amor en la Terminal Grand Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.

Potencial Reflexivo

Cuando comenzó su carrera en los años 80, la crisis del SIDA era una preocupación crucial para Hodges. A veces ha hablado sobre la falta de humanidad en nuestra sociedad, un desafío central que hizo que los peores años de la pandemia del SIDA fueran mucho más mortales de lo que necesitaban ser. Hoy, en nuestra pandemia actual, al igual que entonces, nos negamos a vernos en los demás, y con frecuencia ni siquiera reconocemos lo que realmente somos. En muchas de sus obras, Hodges ha expresado la idea de la humanidad y su compañera constante, la muerte. Una imagen que invoca frecuentemente es la de una telaraña—una alegoría abstracta para aquellos de nosotros que nos alimentamos unos de otros, y aquellos de nosotros que estamos atrapados sin remedio en las trampas de nuestros tormentos.

La instalación permanente de Jim Hodges Soñé un mundo y lo llamé Amor en la Terminal Grand Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.

Con sus formas biomórficas que rezuman y fluyen, “Soñé un mundo y lo llamé Amor” en la Estación Grand Central está tan arraigada en la naturaleza como lo estaría una telaraña. Muchas personas que la encuentren sin duda pasarán rápidamente como una mosca, desesperadas por no quedar atrapadas en una trampa percibida. Quienes se detengan y contemplen la obra verán primero lo superficial de ella—sus cualidades plásticas; la luz y el movimiento. Podrán sentir el peso del vidrio, un material nacido de la tierra y el fuego. Con el tiempo, pueden tener reacciones metafísicas—una sensación inquietante de fuerzas primordiales que inducen un cambio fundamental. Ya sea que se detengan y se vuelvan introspectivos de esta manera o simplemente pasen de largo, todos los que vean esta obra al menos captarán intuitivamente su potencial reflexivo. Se verán a sí mismos en ella. Verán a otros en ella. Es una obra empática en ese sentido—un testimonio de un artista que ha pasado muchos años esforzándose por ayudarnos a entender qué significa ser humano.

Imagen destacada: La instalación permanente de Jim Hodges Soñé un mundo y lo llamé Amor en la Terminal Grand Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio