Jim Hodges convierte la Grand Central de Nueva York en una instalación abstracta

Jim Hodges es uno de esos raros artistas abstractos cuya obra logra expresar los aspectos más problemáticos del espíritu de nuestro tiempo mientras simultáneamente expresa su belleza. Una nueva instalación de Hodges, titulada “Soñé un mundo y lo llamé Amor”, se inauguró recientemente en la Estación Grand Central en la ciudad de Nueva York. Tomando su nombre, y su presencia material, de una exposición homónima de 2016 en la ubicación de la Calle 21 de la Galería Gladstone en Nueva York, la instalación cubre múltiples superficies que abarcan más de 700 pies cuadrados, y consiste en más de 5,000 piezas separadas de vidrio cortado. La obra comparte una tradición material con el vidrio de colores. Sin embargo, a diferencia de una ventana de vidrio de colores, que deja pasar la luz a través de la superficie, esta instalación está montada sobre superficies opacas, lo que resalta las propiedades reflectantes del vidrio coloreado. ¿Cómo expresa esta obra los aspectos más problemáticos del espíritu de nuestro tiempo? Es fracturada; a veces caótica; y más que un poco apocalíptica. ¿Cómo expresa la belleza de este momento? Abraza el movimiento; el dinamismo; el brillo; y moviliza un arcoíris de colores que— a diferencia de la mayoría de las representaciones visuales de arcoíris— incluye negro y marrón. La paleta grita naturaleza, desde el azul del océano y la atmósfera hasta el verde del bosque y los rojos y marrones del suelo. Sin embargo, el aspecto fabricado de la pieza nos dice que es claramente el resultado de la intervención humana. Finalmente, hay algo abiertamente optimista en esta instalación. Comenta no sobre la carga de datos y hechos, sino sobre las posibilidades primordiales contenidas dentro del acto de creación. No pertenece a la moribunda era de la información, que francamente me hace sentir agotado y explotado, sino a la emergente era de la imaginación, que promete que todo es posible.

Expandiendo el Campo Expandido

Cada campo incluye ciertos trabajos sucios y difíciles que necesitan hacerse. Las personas que comienzan haciendo uno de esos trabajos y luego ascienden a la cima tienden a ser mis personas favoritas, porque entienden a un nivel básico y material de qué se trata su profesión. En las artes visuales, uno de esos trabajos es el de manipulador de arte: las personas que empaquetan, envían y cuelgan el arte que vemos en las paredes de galerías y museos. Los artistas que trabajan como manipuladores de arte aprenden la importancia de la artesanía y entienden literalmente cuán importante es que las personas tengan una relación física con el arte. Después de obtener su MFA en pintura del Pratt Institute en Brooklyn, Jim Hodges comenzó su carrera como manipulador de arte. Hizo el trabajo a cambio de un espacio de estudio gratuito. Mientras empaquetaba, cargaba y colgaba arte por Nueva York, se transformó de un pintor tradicional en un artista que trabaja en el campo expandido de la pintura: un universo teórico donde el color, la superficie y la composición se liberan del lienzo y la pared para habitar todas las superficies, todos los materiales y todos los espacios.

Vista de instalación, Jim Hodges, Soñé un mundo y lo llamé amor, en Gladstone Gallery, Nueva York, 2016

Su retrospectiva de mitad de carrera de 2014 titulada “Dale más de lo que tomas” en el Instituto de Arte Contemporáneo de Boston fue una clínica sobre cómo Hodges ha utilizado las tres décadas desde aquellos primeros días como manipulador de arte para expandir el campo expandido. Una pared de servilletas usadas, cada una adornada con una frágil imagen de una flor, demostró cómo una imagen pintada es inquietantemente y bellamente similar en algunos aspectos a un cript: un hermoso contenedor para sostener algo que quizás alguna vez fue, o tal vez nunca fue. Un techo forrado con campanas de vidrio soplado colgantes, cada una pintada por dentro con un delicado tono pastel, se convirtió en más que una instalación específica del sitio por la que caminar. Capturó y liberó la luz cambiante de una ventana adyacente; provocó la mente con la promesa de sonidos encantadores; y si un espectador era lo suficientemente audaz y valiente como para acostarse en el suelo y mirar hacia arriba, se transformó en una composición de color y forma sobre una superficie plana—una pintura en un campo expandido.

Los viajeros que pasan por la instalación permanente de Jim Hodges Soñé un mundo y lo llamé Amor en la Terminal Grand Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.

Potencial Reflectante

Cuando comenzó su carrera en la década de 1980, la crisis del SIDA era una preocupación crucial para Hodges. A veces ha hablado sobre la falta de humanidad en nuestra sociedad, un desafío central que hizo que los peores años de la pandemia del SIDA fueran mucho más mortales de lo que necesitaban ser. Hoy, en nuestra pandemia actual, al igual que entonces, nos negamos a vernos en los demás, y frecuentemente incluso fallamos en reconocer lo que, nosotros mismos, realmente somos. En tantas de sus obras, Hodges ha expresado la idea de la humanidad y su constante compañera, la muerte. Una imagen que invoca con frecuencia es la de una telaraña: una alegoría abstracta para aquellos de nosotros que nos alimentamos unos de otros, y aquellos de nosotros que estamos impotentemente atrapados en las trampas de nuestros torturadores.

Jim Hodges instalación permanente Soñé un mundo y lo llamé Amor en el Gran Terminal Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.

Con sus formas biomórficas que fluyen y rezuman, “Soñé un mundo y lo llamé Amor” en Grand Central Station está tan arraigado en la naturaleza como lo estaría una telaraña. Muchas personas que se encuentran con él sin duda pasarán rápidamente, como una mosca, desesperadas por no quedar atrapadas en una trampa percibida. Aquellos que se detienen y contemplan la obra verán primero lo que es superficial en ella: sus cualidades plásticas; luz y movimiento. Podrían sentir el peso del vidrio, un material nacido de la tierra y el fuego. Con el tiempo, pueden tener reacciones metafísicas: una sensación incómoda de fuerzas primordiales que inducen un cambio fundamental. Ya sea que se detengan y se vuelvan introspectivos de esta manera o simplemente pasen de largo, todos los que ven esta obra al menos comprenderán intuitivamente su potencial reflexivo. Se verán a sí mismos en ella. Verán a otros en ella. Es una obra de arte empática de esa manera, un testimonio de un artista que ha pasado muchos años esforzándose por ayudarnos a entender lo que significa ser humano.

Imagen destacada: Jim Hodges instalación permanente Soñé un mundo y lo llamé Amor en la Terminal Grand Central de Nueva York. Imagen cortesía de Gladstone Gallery.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio