10 Eteläamerikkalaista abstraktia taiteilijaa, joita kannattaa seurata vuonna 2025

Eteläamerikkalainen abstrakti taide kokee merkittävää renessanssia, jota vauhdittaa ennennäkemätön markkinoiden hyväksyntä ja maailmanlaajuinen institutionaalinen tunnustus.

Tämä uudelleenherääminen ei ole pelkkää kuraattoritrendien seuraamista; sen todistaa keskivertokurssien nousu huutokaupoissa keski-ikäisille mestareille kuten Lygia Papelle ja Hélio Oiticicalle sekä historiallisten perintöjen ja nykytaiteilijoiden edustus eliittigallerioissa kuten Hauser & Wirth, Pace ja David Zwirner.

Samaan aikaan museot Gettystä Museum of Modern Artiin ovat ryhtyneet vakaviin tieteellisiin uudelleenarviointeihin liikkeistä kuten neokonkretiikka ja kineettinen taide, siirtäen ne globaalin taidehistorian reunamilta keskiöön.

Kymmenen tässä esiteltyä taiteilijaa ovat tämän elvytyksen perillisiä ja uudistajia, jotka hyödyntävät sen voimakasta visuaalista kieltä tutkiakseen nykyajan identiteetin, materiaalisuuden ja paikan kysymyksiä.

Ad Minoliti (Argentiina)

Ad Minoliti (s. 1980) on noussut yhdeksi innovatiivisimmista äänistä nykyajan eteläamerikkalaisessa abstraktiossa, luoden niin kutsuttuja "post-geometrisia" teoksia, jotka käyttävät "geometriaa ja väriä rakentamaan ei-binäärisiä spekulatiivisia fiktiota." Heidän merkittävä näyttelynsä "Manifestación pluriversal" Contemporary Art Museum St. Louisissa (syyskuu 2024-helmikuu 2025) on esitellyt amerikkalaisyleisölle heidän omaleimaisen lähestymistapansa abstraktioon sosiaalisena käytäntönä.

Minolitin työ ammentaa Argentiinan rikkaasta geometrisen abstraktion perinteestä samalla kun se täysin uudelleenkuvaa sen mahdollisuudet. Heidän "karkkipaletit" ja leikkisät muodolliset tutkimukset luovat sen, mitä The Guardian kuvaili "ei-binääriseksi geometriaksi": abstrakteja teoksia, jotka haastavat perinteisen binaarisen ajattelun puhtaasti visuaalisin keinoin. Viimeaikaiset projektit ovat käsitelleet teemoja kuten queer-kulttuuri, feminismi ja spekulatiiviset tulevaisuudet, osoittaen, miten abstrakti taide voi käsitellä nykyisiä yhteiskunnallisia kysymyksiä.

Heidän näyttelynsä "Nature is Queer" (2024) ja osallistuminen "The Feminist School of Painting" -näyttelyyn Galerie Crèvecoeurissa osoittavat heidän kasvavaa kansainvälistä tunnustustaan. Minolitin työ edustaa uutta eteläamerikkalaista taiteilijasukupolvea, joka käyttää abstraktiota vaihtoehtoisten tulevaisuuksien kuvittelemiseen ja vakiintuneiden yhteiskuntarakenteiden haastamiseen.

Bruno Dunley (Brasilia)

Bruno Dunley (s. 1984, Petrópolis) on vakiinnuttanut asemansa kriitikoiden kutsumana "maalareiden maalareina": taiteilijana, jonka työ osoittaa syvää ymmärrystä maalauksen perusominaisuuksista samalla kun se työntää mediaa uusille alueille. Hänen tuore yksityisnäyttelynsä "Pequenas Alegrias" (Pieniä iloja) Nara Roesler Rio de Janeirossa (huhti-kesäkuu 2024) esitteli hänen kypsän lähestymistapansa abstraktioon jatkuvan tarkistamisen ja hienosäädön prosessina.

Dunleyn maalaukset paljastuvat hitaasti, kerrosten levityksen, muokkauksen ja pyyhinnän kautta. Hänen hillityt eleensä luovat teoksia, jotka näyttävät leijuvan esityksen ja puhtaan abstraktion välillä, muotojen viitaten maisemaan, arkkitehtuuriin tai puhtaaseen tunteeseen katsojan näkökulmasta riippuen. Kriitikot ovat havainneet hänen työnsä yhteyden sekä Alfredo Volpin geometrisiin tutkimuksiin että eurooppalaisten nykytaiteilijoiden, kuten Luc Tuymansin, maalauksellisempiin lähestymistapoihin.

Hänen vuoden 2023 näyttelynsä "Clouds" Nara Roesler New Yorkissa tutki abstraktiota "abstraktina ilmiönä", tarkastellen, miten luonnonilmiöt voidaan muuntaa puhtaasti muodollisiksi tutkimuksiksi.

Tällä hetkellä Nara Roeslerin edustama Dunley jatkaa ainutlaatuisen brasilialaisen lähestymistavan kehittämistä nykymaalaustaiteeseen, joka kunnioittaa maan modernistista perintöä samalla kun se pysyy täysin nykyaikaisena.

Cristina Ghetti (Argentiina/Espanja)

Argentiinalaissyntyinen Cristina Ghetti (s. 1969) työskentelee Valenciassa, Espanjassa, missä hän on kehittänyt tunnistettavan lähestymistavan geometriseen abstraktioon, joka yhdistää Op Artin, geometrisen abstraktion ja kineettisen taiteen. Hänellä on visuaalisen taiteen ja multimedian maisterin tutkinto, ja hän on suorittanut tohtorinväitöskirjan nimeltä "Post Medial Geometry" Valenciassa sijaitsevassa polyteknisessä yliopistossa. Ghetti yhdistää taiteellisen intuitionsa ja akateemisen tarkan työn käytäntöönsä.

Hänen maalauksensa käyttävät tarkkoja geometrisia järjestelmiä, jotka luovat hienovaraisia havaintomuutoksia, saaden staattiset sommitelmat näyttämään sykkiviltä ja hengittäviltä. Työskennellen Op Art -perinteen puitteissa Ghetin sarjalliset värirakenteet luovat sitä, mitä hän kuvaa "visuaaliseksi musiikiksi": kuvioita, jotka näyttävät tuottavan omia akustisia ominaisuuksiaan pelkästään visuaalisin keinoin. Hänen tekniikkansa sisältää digitaalisten sommitelmien luomisen, jotka huijaavat mieltä havaitsemaan liikettä ja syvyyttä, minkä hän sitten muuntaa akryylimaalauksiksi kankaalle.

Ghetin teoksia on esitelty laajasti, muun muassa MACBA Buenos Airesissa, Argentiinan suurlähetystössä Washington DC:ssä ja Frostin taidemuseossa Miamissa. Hänen teoksiaan on pysyvissä kokoelmissa, kuten Costa Rican San Josén kansallismuseossa nykytaiteelle ja muotoilulle sekä Buenos Airesin Eduardo Sívori -kaupungin muovisten taiteiden museossa, mikä osoittaa hänen jatkuvan yhteytensä Etelä-Amerikan taidekenttään huolimatta hänen espanjalaisesta kotipaikastaan.

Daniela Marin (Venezuela/Peru)

Venezuelassa syntynyt Daniela Marin (s. 1977) on vakiinnuttanut asemansa yhtenä vaikuttavimmista äänistä nykytaiteen eteläamerikkalaisessa abstraktiossa Limasta, Perusta käsin. Korkeatasoisen Altos de Chavón School of Designin valmistunut Marin luo teoksia, jotka sykähtelevät arkkitehtonisella tarkkuudella säilyttäen samalla lähes musiikillisen rytmin värisuhteissaan.

Hänen maalauksensa osoittavat sitä, mitä voisi kutsua "konstruktiviseksi lyyrikoksi": jokainen kangas rakentuu systemaattisen geometristen muotojen kerrostamisen kautta, jotka jollain tavalla ylittävät matemaattiset juurensa saavuttaakseen jotain syvästi emotionaalista. Hänen huolellisen värien orkestroinnin kautta saavuttama valoisuus on saanut vertauksia suuriin venezuelalaisiin kineettisiin taiteilijoihin, mutta hänen työnsä säilyy selvästi nykytaiteellisena konseptuaalisessa tarkkuudessaan.

Tällä hetkellä IdeelArtin edustama Marinin työ heijastaa kulttuurienvälistä vuoropuhelua hänen venezuelalaisen perintönsä ja omaksutun perulaisen kotinsa välillä, luoden abstraktioita, jotka puhuvat laajemmasta latinalaisamerikkalaisesta kokemuksesta, joka liittyy maahanmuuttoon ja kulttuuriseen synteesiin.

Francisca Aninat (Chile)

Chilen taiteilija Francisca Aninat on kehittänyt yhden tunnistettavimmista lähestymistavoista abstraktiomaalaukseen nykytaiteen Etelä-Amerikassa. Hänen prosessinsa, jossa maalatut kankaat revitään kirjaimellisesti palasiksi ja kootaan uudelleen ompelemalla, luo teoksia, jotka toimivat sekä maalauksina että tekstiiliesineinä, haastamalla perinteiset mediaraidat.

Hänen äskettäinen yksityisnäyttelynsä "Hills in the Distance" Bendana-Pinelissä Pariisissa (heinäkuuhun 2024 asti) osoitti, kuinka hänen revityt ja ommellut kankaansa luovat sitä, mitä hän kutsuu "taktilliseksi abstraktioksi". Jokainen teos muodostuu mietiskelyksi muistista, traumasta ja parantumisesta, ja korjaamisen fyysinen teko nousee teoksen merkityksen keskiöön.

Aninatin prosessi kiinnittää huomiota maalauksen perustavanlaatuiseen materiaalisuuteen luoden samalla teoksia, jotka puhuvat laajemmista pirstoutumisen ja uudelleenrakentamisen teemoista – teemoista, jotka resonoivat voimakkaasti Chilen monimutkaisen poliittisen historian kontekstissa. Hänen teoksiaan on muun muassa Cambridgen yliopiston Women's Art Collection -kokoelmassa, ja hän jatkaa ainutlaatuisen lähestymistapansa kehittämistä abstraktioon sekä visuaalisena että fyysisenä kokemuksena.

Jaime Gili (Venezuela/Iso-Britannia)

Lontoossa asuva venezuelalainen taiteilija Jaime Gili on viettänyt vuosikymmeniä kehittäen tunnistettavaa lähestymistapaa geometriseen abstraktioon, joka juhlistaa "keskikokoisen modernismin taiteen, arkkitehtuurin ja muotoilun kineettisyyttä ja optimismia" samalla kun se pysyy täysin nykyajan huolissa. Hänen voimakkaan värikylläiset hard-edge-maalauksensa luovat sen, mitä eräs kriitikko kuvasi "sähköiseksi geometriaksi liikkeessä."

Gilin työ ammentaa selvästi Venezuelan rikkaasta kineettisen ja geometrisen taiteen perinteestä, mutta lataa nämä historialliset viitteet uudelleen nykyajan yleisöille. Hänen maalauksensa, vedoksensa ja julkiset teoksensa osoittavat, kuinka latinalaisamerikkalaiset modernistiset perinteet voidaan elvyttää ilman, että ne muuttuvat pelkästään nostalgisiksi. Viimeaikainen työ on yhä enemmän käsitellyt hänen kotimaansa poliittista tilannetta, käyttäen abstrakteja keinoja konkreettisten sosiaalisten todellisuuksien käsittelyyn.

Asuen ja työskennellen Isossa-Britanniassa vuodesta 1996 lähtien Gili edustaa Etelä-Amerikan abstraktin taiteen globaalia ulottuvuutta. Hänen teoksiaan on merkittävissä kokoelmissa, ja hän vaikuttaa edelleen nuorempiin taiteilijoihin, jotka tutkivat geometrisen abstraktion ja poliittisen sitoutumisen leikkauspistettä.

Johanna Unzueta (Chile)

Johanna Unzueta (s. 1974, Santiago) luo sitä, mitä voisi kutsua "lämpimäksi minimalismiksi"—geometrisia abstraktioita, jotka käyttävät luonnonmateriaaleja ja käsityöprosesseja luodakseen teoksia, jotka tuntuvat sekä järjestelmällisiltä että syvästi inhimillisiltä. Työskennellen New Yorkin ja Berliinin välillä Unzueta on kehittänyt tunnistettavan käytännön, joka yhdistää huovan, puun ja piirustuksen yhtenäisiksi järjestelmiksi.

Hänen tuore näyttelynsä "Naturalist" Casey Kaplanilla (2024) esitteli hänen kypsää lähestymistapaansa abstraktioon keinona tutkia suhteita luonnollisten ja rakennettujen ympäristöjen välillä. Erityisesti hänen huovutetut teoksensa osoittavat, kuinka perinteisiä käsityötekniikoita voidaan käyttää luomaan hienostuneita abstrakteja sommitelmia, jotka puhuvat sekä alkuperäiskansojen tekstiiliperinteille että nykytaiteen minimalismille.

Unzuetan työ käsittelee "työn, tuottavuuden ja edistyksen käsitteitä" käsityönä tehtyjen prosessien kautta, jotka tarkoituksellisesti hidastavat taiteellista tuotantoa. Hänen geometriset sommitelmansa, jotka on luotu intuitiivisen ilmaisun eikä matemaattisten järjestelmien kautta, tuottavat teoksia, jotka tuntuvat sekä nykyajalta että ajattomilta. Hän on myös aktiivinen toimituksellisessa suunnittelussa ja taiteilijajulkaisuissa, mikä heijastaa hänen laajaa sitoutumistaan visuaaliseen kulttuuriin.

Marina Perez Simão (Brasilia)

Marina Perez Simão (s. 1980, Vitória) on yksi Brasilian arvostetuimmista nykyisistä abstrakteista maalareista, ja vuosi 2025 merkitsee hänen kansainvälisen tunnustuksensa käännekohtaa. Hänen suuri institutionaalinen näyttelynsä "Tuning Fork" Instituto Tomie Ohtakessa (elokuu-lokakuu 2025) on hänen ensimmäinen suuri museonäyttelynsä Brasiliassa, ja hänen osallistumisensa "Horizontes - Peintures brésiliennes" -näyttelyyn Fondation Cartierissa Pariisissa (huhtikuu-lokakuu 2023) on tuonut hänen työnsä eurooppalaisille yleisöille.

Pace Galleryn ja Mendes Wood DM:n edustama Simão luo maalauksia, jotka leijuvat maiseman rajalla ilman, että ne koskaan täysin muuttuvat esittäviksi. Hänen kyllästyneet värialueensa näyttävät liukenevan puhtaaksi ilmapiiriksi, luoden teoksia, jotka toimivat yhtä lailla emotionaalisina kokemuksina kuin visuaalisina. Hänen prosessinsa, joka perustuu muistojen ja kuvien kertymiseen ja rinnastamiseen, tuottaa maalauksia, jotka tuntuvat sekä syvästi henkilökohtaisilta että universaalisti resonoivilta.

Viimeaikaisia näyttelyitä ovat muun muassa "Diffusion" Mendes Wood DM Pariisissa (2024) ja "ZWIELICHT" G2 Kunsthalle Leipzigissä, mikä osoittaa hänen kasvavaa kansainvälistä läsnäoloaan. Hänen työnsä edustaa selkeästi brasilialaista lähestymistapaa abstraktioon, joka omaksuu sekä maan rikkaan modernistisen perinnön että sen nykyisen globaalin aseman.

Marina Weffort (Brasilia)

Marina Weffort (s. 1980, São Paulo) edustaa brasilialaisen tekstiiliabstraktion kärkeä, luoden teoksia, jotka sijaitsevat maalauksen, veistoksen ja käsityön risteyskohdassa. Galeria Luisa Strinan, yhden Brasilian arvostetuimmista nykytaiteen gallerioista, edustamana Weffort työskentelee maalauksen, piirtämisen, esineiden ja installaatioiden parissa tutkiakseen materiaalin, prosessin ja merkityksen välisiä suhteita.

Hänen minimalistiset tekstiiliabstraktionsa käyttävät leikattua ja kudottua kangasta luodakseen ritilämäisiä rakenteita, jotka näyttävät hengittävän valon kanssa. Nämä teokset haastavat perinteiset hierarkiat kuvataiteen ja käsityön välillä, osoittaen, miten tekstiilitekniikoita voidaan käyttää luomaan hienostuneita abstrakteja sommitelmia, jotka puhuvat sekä brasilialaisille kulttuuriperinteille että nykyiselle kansainväliselle taidekeskustelulle.

Weffortin työ heijastaa laajempaa nykybrasilialaisen taiteen suuntausta, joka painottuu materiaalikokeiluihin ja prosessipohjaiseen työskentelyyn. Hänen tutkimuksensa eri medioiden välisistä suhteista tuottavat teoksia, jotka tuntuvat sekä konseptuaalisesti tarkoilta että aistillisesti viehättäviltä, edustaen uuden sukupolven brasilialaisia taiteilijoita, jotka laajentavat abstraktin taiteen mahdollisuuksia.

Martin Reyna (Argentina)

Martin Reyna on noussut mestariksi, jota voisi kutsua "nestemäiseksi geometriaksi". Työskennellen pääasiassa vesiväreillä, joita vakavassa abstraktissa keskustelussa usein vähätellään, Reyna luo suurikokoisia teoksia, joissa painovoima on hänen tärkein sommitteluvälineensä. Hänen pystysuorat pesut valuvat paperilla hallitun spontaanisti, luoden ilmapiirimäisiä efektejä, jotka viittaavat sekä luonnonilmiöihin että puhtaaseen kromattiseen kokemukseen.

Buenos Airesin ja Pariisin välillä toimiva Reyna yhdistää teoksissaan abstraktin ekspressionismin eleettömän vapauden ja Helen Frankenthalerin kaltaisten taiteilijoiden värikenttätutkimukset, mutta selvästi eteläamerikkalaisella herkkyydellä. Hänen maalauksensa herättävät usein Argentiinan pampaksen laajat maisemat, mutta pysyvät päättäväisesti ei-esittävänä taiteena.

Taiteilijan viimeaikaiset työt ovat saaneet huomiota niiden hienostuneesta ymmärryksestä siitä, miten vesivärin luontainen arvaamattomuus voidaan valjastaa luomaan teoksia, joilla on yllättävä rakenteellinen eheys. Jokainen teos lukee kuin visuaalinen nuottikirjoitus, jossa värisuhteet näyttävät luovan oman sisäisen musiikkinsa.

Hänen työtään esiteltiin äskettäin museonäyttelyssä "The Sound of Color" Venezuelan MACA-Zuliassa, vahvistaen hänen asemaansa laajemmassa latinalaisamerikkalaisen abstraktion kontekstissa.

Tällä hetkellä IdeelArtin edustama Reyna kehittää edelleen ainutlaatuista lähestymistapaansa abstraktioon nestemäisten medioiden kautta. 

+   +   +

Nämä kymmenen taiteilijaa edustavat nykyisen eteläamerikkalaisen abstraktin taiteen monimuotoisuutta ja elinvoimaisuutta, kukin tuoden ainutlaatuisen näkökulman jatkuvaan dialogiin abstraktion ja identiteetin, perinteen ja uudistuksen välillä.

Heitä yhdistää ei jaettu tyyli tai lähestymistapa, vaan sitoutuminen työntämään abstraktia taidetta uusille alueille samalla kun he pysyvät yhteydessä alueensa rikkaisiin kulttuuriperinteisiin. Kun eteläamerikkalainen taide saa yhä enemmän kansainvälistä tunnustusta, nämä taiteilijat ovat avainasemassa määrittelemässä, mitä abstraktio tarkoittaa 2000-luvulla.

Heidän työnsä osoittaa, että eteläamerikkalainen abstrakti taide ei vain seuraa kansainvälisiä trendejä, vaan muokkaa niitä aktiivisesti, luoden uusia mahdollisuuksia sille, miten abstrakti taide voi käsitellä nykyajan sosiaalisia, poliittisia ja kulttuurisia todellisuuksia samalla kun se säilyttää olennaisen sitoutumisensa muodolliseen uudistukseen ja esteettiseen kokemukseen.

Kirjoittanut Francis Berthomier

Esittelykuva: Double Wave Cristina Ghetti (2017, yksityiskohta). Kaikki kuvat taiteilijoiden luvalla.

Osta taideteoksia eteläamerikkalaisilta taiteilijoilta Ideelartissa