Abstraktion elementit - Elizabeth Gourlay haastattelussa

Elizabeth Gourlay pitää työtään mietiskelynä muodoista ja väreistä, joskus vertaillen työhuoneensa toimintaa musiikin säveltämisen prosessiin. Käyttäen sekoitusta eri tekniikoita, öljyistä lyijykynään ja kollaasista, Gourlay luo abstrakteja sommitelmia, jotka viittaavat esteettiseen sanastoon, joka on ihanteellisella tavalla tasapainossa luonnon ja geometrian välillä. Chesterin, Connecticutissa asuva Gourlay on mukana neljässä ryhmänäyttelyssä tässä kuussa New Yorkissa, Connecticutissa ja Massachusettsissa. IdeelArt sai tilaisuuden keskustella hänen kanssaan hänen työskentelystään, näyttelykalenteristaan ja uudesta teossarjastaan.

Elizabeth Gourlay - Haastattelu: Viimeaikaiset näyttelyt ja toimet

IdeelArt: Sinulla on kiireinen kuukausi! Tänä kuukautena olet mukana neljässä ryhmänäyttelyssä neljässä eri kaupungissa. Kun olet tällaisessa tilanteessa, jossa monet eri katsojat saavat mahdollisuuden kohdata työsi, ehditkö silti pysyä aktiivisena työhuoneella vai mieluummin oletko gallerioissa vuorovaikutuksessa katsojien kanssa ja vastaanottamassa heidän reaktioitaan teoksiisi?

Elizabeth Gourlay: Tämä on ensimmäinen kerta, kun minulla on näin paljon toimintaa yhtä aikaa. Se on innostavaa, mutta olen niin tottunut antamaan yksittäisille näyttelyille täyden huomioni, että nyt jouduin jättämään yhden avajaiset väliin osallistuakseni toisiin. Mutta kun teokset on toimitettu, aika tulee omaksi. Vaikka olen erittäin innokas pääsemään työhuoneelle lyhyenkin poissaolon jälkeen, nautin myös vuorovaikutuksesta galleriassa, keskustellen muiden taiteilijoiden ja ystävien kanssa avajaisissa ja muissa gallerian tapahtumissa. Abstrakti taide on kieli, ja keskustelu katsojien, erityisesti taiteilijoiden ja ystävien kanssa tapahtumissa, vahvistaa kestävyyttä uusissa ilmaisumuodoissamme.

IA: Sinulla on näyttelyitä tässä kuussa idyllisissä maaseutumaisemissa, kuten The Tremaine Galleryssä Lakevillessä, CT:ssä, sekä tiheästi asutuissa kaupunkikeskuksissa, kuten 1285 Avenue of the Americas Galleryssä Midtown Manhattanilla. Miten eri ympäristöissä olevat katsojat ovat reagoineet teoksiisi eri tavoin?

E.G. Molemmissa tapauksissa yleisö oli visuaalisesti sivistynyttä ja vaikutti kiinnostuneelta ja myönteiseltä. New Yorkissa he olivat yleensä äänekkäämpiä, esittivät kysymyksiä ja ilmaisivat mielipiteitä helpommin. Luulen, että New Yorkin katsojat menivät teosten lähelle tarkastelemaan niitä!

IA: Miten keskustelut tai muut vuorovaikutustavat katsojien kanssa ovat vaikuttaneet työskentelysi suuntaan?

E.G. Yritän olla vaikuttumatta katsojien reaktioista, vaikka väistämättä, jos vastaus on myönteinen uuteen suuntaan, josta olen innoissani työssä, se kannustaa minua jatkamaan kyseisen polun tutkimista. On aina mielenkiintoista kokea mielipiteiden eroavaisuudet ja ymmärtää, miten ja miksi ihmiset vetäytyvät eri teoksiin.

Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypia paperille. 40,6 x 38,1 cm.

Menneisyys ja nykyisyys

IA: Miten nykyiset työsi eroavat aiemmista töistäsi?

E.G. Työni, noin vuodesta 1994 lähtien, oli usein ruudukkoon perustuvaa ja neliön muotoista. Se rakentui kerroksista vesivärejä ja piirrettyjä viivoja. Vuonna 2005 aloin leikkiä rohkeammilla geometrisilla muodoilla ja voimakkailla väreillä. Sen jälkeen olen vaihdellut vahvan, voimakkaan muodon ja värin sekä herkemmän ja hillitymmän työn välillä, joskus yhdistäen molemmat. Teokset alkavat usein samalla tavalla, mutta voivat päättyä hyvin eri tavoin. Suurin muutos on luovuuden vapaus, jonka annan itselleni luomisprosessissa.

IA: Viittaat joskus mietiskelyyn puhuessasi työstäsi. Voisitko selventää, mitä tuo sana tarkoittaa taiteesi yhteydessä? Esimerkiksi, pidätkö työskentelyprosessia mietiskelevänä? Pidätkö valmista teosta mahdollisena mietiskelevänä välittäjänä katsojille?

E.G. Pidän prosessia mietiskelevänä. Yritän olla tuomatta liikaa ajatuksia työhuoneelle, ehkä vain värin tai muodon idean. Aloittaessani työskentelyn annan sisäisen silmän, tiedostamattoman mielen, reagoida työhön ja johdattaa minut vangitsemaan katoavaisen henkisen elementin, joka voi olla kaukana mutta silti niin läsnä. Parhaat työni syntyvät yleensä, kun ajatukseni ovat selkeät ja olen työni kanssa sopusoinnussa. Piirtäessäni suoraan tai kerroksia maalatessani nautin siitä, että teos saa muotonsa. En osaa sanoa sitä paremmin kuin Paul Klee, joka sanoi: ”käteni on täysin kaukaisemman maailman soitin.” En työskentele tarkoituksella luodakseni jotain toisen kokemusta varten, mutta olen avoin heidän reaktioilleen ja tulkinnoilleen. Monet, jotka elävät teosteni kanssa, sanovat usein, että teosten katsominen tuo heille rauhaa, tyytyväistä iloa tai että teos on maadoittava. Joten pidän hyvin pätevänä ajatusta, että valmiit teokset voivat olla mietiskeleviä välittäjiä, mutta annan niiden, jotka elävät teosten kanssa ja jotka ovat mielen ja mietiskelyn asiantuntijoita, tehdä parhaan arvion. Jos ikoni tai mietiskelevä välittäjä on esine, joka antaa rauhallista iloa tai maadoittavaa rauhaa, niin kyllä, minulle usein kerrotaan, että teoksillani on tällaisia vaikutuksia.

Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypia paperille. 38,1 x 40,6 cm.

Prosessista

IA: Wassily Kandinsky kirjoitti musiikista ja sen kyvystä välittää tunteita abstraktilla tasolla. Sinäkin teet yhteyksiä musiikin ja työsi välillä. Yksi yhteys on, että visuaalinen sanastosi viivoista ja väreistä saattaa viitata musiikillisiin asteikkoihin. Mitkä ovat muita tapoja, joilla prosessisi tai teoksesi jakavat yhtäläisyyksiä musiikin säveltämisen kanssa?      

EG: En tietoisesti ajattele musiikkia tai musiikin säveltämistä. Silti niin moni tekee tuon yhteyden musiikkiin, että siinä täytyy olla jotain perää. Kuuntelen usein musiikkia työskennellessäni ja opin soittamaan pianoa lapsena, joten se saattaa vaikuttaa työhön. Säveltän tavallaan, joka saattaa muistuttaa musiikin säveltämistä, erityisesti leikkiessäni viivojen, palkkien ja värilohkojen kanssa. Niiden siirtely kuvan pinnalla on hyvin samanlaista kuin nuottien ja sointujen sijoittelu nuottiviivastolle. 

IA: Puhu hieman prosessistasi, erityisesti suhteestasi kollaasin tekemiseen. Esimerkiksi, miten paperikerrosten lisääminen työssäsi vaikuttaa sinuun eri tavalla kuin maalausprosessi? 

EG: Useimmiten maalausprosessini, olipa se paperille tai pellavalle, on hyvin suoraviivainen. Tyypillisesti aloitan viivojen piirtämisellä, sitten seuraa väripesuja ja muotojen lisääminen. Yritän yllättää itseni vahvalla odottamattomalla muodolla tai värillä, joka poikkeaa tavallisesta paletistani. Siirrän näitä ympäri, yrittäen löytää tasapainon värin ja muodon välillä. Tämä vaihe tuntuu jatkuvalta tanssilta, jossa muodollisuus hiipii hetkeksi ja vastaan sitä vastaan. Päätökset siitä, otanko mukaan rohkeat tunkeutumiset, ovat dynamiikkaa, joka voi pitää minut kiinni teoksessa viikkoja. Kollaasi alkaa värin leikkimisellä, reunojen tahrimisella musteella ja viivojen piirtämisellä japanilaiselle paperille, jonka sitten leikkaan suikaleiksi. Liimaan nämä huolellisesti kankaalle tai pellavalle ilman ennalta suunniteltua sommitelmaa tai rakennetta. Kun teos kehittyy, alan analysoida ja päästän toimittajan takaisin huoneeseen, säädän väriä tai muotoa, kunnes teos tuntuu oikealta.   

Kuvassa: Elizabeth Gourlay työhuoneellaan