Abstraktion elementit - Elizabeth Gourlay haastattelussa
Elizabeth Gourlay pitää teoksiaan muotojen ja värien meditaationa ja vertaa toisinaan työskentelyään musiikin säveltämiseen. Käyttämällä erilaisia tekniikoita öljyväreistä grafiittiin ja kollaasista lähtien Gourlay luo abstrakteja sommitelmia, joissa viitataan estetiikan sanastoon, joka on hienostuneesti tasapainossa luonnon ja geometrian välillä. Chesterissä Connecticutissa asuvalla Gourlaylla on tässä kuussa teoksia esillä neljässä yhteisnäyttelyssä New Yorkissa, Connecticutissa ja Massachusettsissa. IdeelArt sai tilaisuuden keskustella hänen kanssaan työskentelystään, näyttelykalenteristaan ja uudesta teoskokonaisuudestaan.
Elizabeth Gourlay - haastattelu: viimeaikaiset näyttelyt ja toiminta
IdeelArt: Sinulla on kiireinen kuukausi! Olet tässä kuussa mukana neljässä ryhmänäyttelyssä neljässä eri kaupungissa. Kun huomaat olevasi tällaisessa tilanteessa, jossa monilla erilaisilla katsojilla on mahdollisuus kohdata teoksesi, löydätkö silti aikaa aktiiviseen työskentelyyn studiossa vai oletko mieluummin gallerioissa vuorovaikutuksessa katsojien kanssa ja heidän reaktioitaan teoksiisi havainnoiden?
Elizabeth Gourlay: Tämä on ensimmäinen kerta, kun toimintaa on ollut näin paljon samanaikaisesti. Se on innostavaa, mutta olen niin tottunut omistamaan kaiken huomioni yksittäisille näyttelyille, että nyt minun täytyi jättää yhdet avajaiset väliin osallistuakseni toisiin. Kun teokset on toimitettu, aika muuttuu kuitenkin omakseni. Vaikka odotan innokkaasti pääseväni studioon jo lyhyenkin poissaolon jälkeen, nautin myös galleriassa syntyvästä vuorovaikutuksesta, keskusteluista taiteilijakollegojen ja ystävien kanssa avajaisissa ja muissa galleriatapahtumissa. Abstrakti taide on kieli, ja keskustelut katsojien, erityisesti taiteilijoiden ja ystävien, kanssa tapahtumissa vahvistavat sinnikkyyden tunnetta uusissa ilmaisumuodoissa, joita olemme löytämässä.
IA: Sinulla on tässä kuussa näyttelyitä idyllisissä, maaseutumaisissa paikoissa, kuten The Tremaine Galleryssa Lakevillessä Connecticutissa, sekä tiheään asutuissa kaupunkikeskuksissa, kuten 1285 Avenue of the Americas Galleryssa Manhattanin Midtownissa. Millä tavoin katsojat täysin erilaisissa ympäristöissä ovat reagoineet teoksiisi eri tavoin?
E.G. Molemmissa tapauksissa yleisöt olivat visuaalisesti sivistyneitä ja vaikuttivat sitoutuneilta ja myönteisiltä. New Yorkissa he vaikuttivat yleensä puheliaammilta, esittivät kysymyksiä ja toivat mielipiteitään helpommin esiin. Minusta newyorkilaiset katsojat menivät teoksia tarkastellessaan yleensä lähemmäs!
IA: Millä tavoin keskustelut tai muunlainen vuorovaikutus katsojien kanssa ovat vaikuttaneet työskentelysi suuntaan?
E.G. Yritän olla antamatta katsojien reaktioiden vaikuttaa minuun, vaikka väistämättä myönteinen suhtautuminen uuteen suuntaan, josta olen työssäni innostunut, vaikuttaa taipumukseeni jatkaa kyseisen polun tutkimista. On aina kiinnostavaa kokea mielipiteiden erilaisuus ja ymmärtää, miten ja miksi ihmiset kiinnostuvat eri teoksista.
Elizabeth Gourlay - Tantara 1, 2013. Monotypia paperille. 40.6 x 38.1 cm.
Menneisyys ja nykyhetki
IA: Miten nykyään tekemäsi teokset eroavat aiemmin tekemistäsi teoksista?
E.G. Vuoden 1994 tienoilla tekemäni teokset perustuivat hyvin usein ruudukkoon ja olivat neliömuotoisia. Ne rakentuivat pesuvärikerroksista ja piirretyistä viivoista. Vuoden 2005 tienoilla aloin leikitellä paljon rohkeammilla geometrisilla muodoilla ja kylläisillä väreillä. Sen jälkeen olen liikkunut edestakaisin rohkeiden, vahvojen muotojen ja värien sekä hienovaraisempien ja hillitympien teosten välillä ja toisinaan yhdistänyt nämä kaksi. Teokset alkavat usein samankaltaisesti, mutta voivat päättyä hyvin eri tavoin. Todennäköisesti suurin muutos on se vapaus, jonka sallin itselleni luomisprosessissa.
IA: Viittaat toisinaan meditaatioon puhuessasi työstäsi. Voisitko tarkentaa, mitä tuo sana merkitsee suhteessa taiteeseesi? Pidätkö esimerkiksi teosten tekemisen prosessia meditatiivisena? Voiko valmis teos mielestäsi toimia katsojille mahdollisesti meditatiivisena välittäjänä?
E.G. Pidän prosessia meditatiivisena. Yritän olla tuomatta studioon liian monia ajatuksia, ehkä vain ajatuksen väristä tai muodosta. Kun alan työskennellä, annan sisäisen silmän ja tiedostamattoman mielen reagoida teokseen ja johdattaa minut tavoittamaan vaikeasti tavoitettavan mentaalisen elementin, joka voi olla etäinen ja silti niin läsnä. Parhaat teokseni syntyvät yleensä silloin, kun ajatukseni ovat selkiytyneet ja olen yhteydessä teokseen. Piirränpä suoraan tai rakennan kerroksia pesuväreillä, nautin kokemuksesta, jossa annan teoksen tulla esiin. En osaa ilmaista sitä paremmin kuin Paul Klee, joka sanoi: ”käteni on täysin kaukaisemman sfäärin väline.” En työskentele tietoisena tarkoituksenani luoda jotain toisen kokemusta varten, mutta suhtaudun avoimesti heidän reaktioihinsa ja tulkintoihinsa. Teosten kanssa eläjät ovat usein sanoneet, että teosten katsominen antaa heille rauhaa, tyyntä iloa tai että teos maadoittaa. Olen siis varma, että valmiiden teosten pitäminen meditatiivisina välittäjinä on täysin perusteltua, mutta jätän parhaimman arvion niille, jotka elävät teosten kanssa, sekä mielen ja meditaation asiantuntijoille. Jos ikoni tai meditatiivinen välittäjä on esine, joka antaa tyyntä iloa tai maadoittavaa rauhaa, niin kyllä, minulle sanotaan usein teosteni vaikuttavan näin.
Elizabeth Gourlay - Kitha 4, 2014. Monotypia paperille. 38.1 x 40.6 cm.
Työskentelyprosessista
IA: Wassily Kandinsky kirjoitti musiikista ja sen kyvystä välittää tunteita abstraktilla tasolla. Sinäkin yhdistät musiikin ja työsi toisiinsa. Yksi tekemistäsi yhteyksistä on se, että viivojen ja värien visuaalisen sanastosi voidaan tulkita viittaavan musiikkiasteikkoihin. Millä muilla tavoin työskentelyprosessisi tai teoksesi jakavat yhtäläisyyksiä musiikin säveltämisen kanssa?
EG: En tietoisesti ajattele musiikkia tai sävellystyötä. Silti musiikkiin tämän yhteyden tekevien ihmisten määrä on niin suuri, että vertauksessa täytyy olla jotain perää. Kuuntelen usein musiikkia työskennellessäni ja opin lapsena soittamaan pianoa, joten tämä saattaa vaikuttaa teoksiini. ”Sävellän” tavallaan tavalla, joka saattaa muistuttaa musiikin säveltämistä, erityisesti leikkiessäni palkkien, viivojen ja värialueiden kanssa. Niiden siirtely kuvapinnalla muistuttaa suuresti nuottien ja sointujen sijoittamista nuottiviivastolle.
IA: Kerro hieman työskentelyprosessistasi, erityisesti suhteestasi kollaasitekniikkaan. Millä tavoin esimerkiksi paperikerrosten lisääminen teokseesi vaikuttaa sinuun eri tavalla kuin maalaaminen?
EG: Maalausprosessini, työskentelenpä paperille tai pellavalle, on useimmiten hyvin suora. Aloitan yleensä viivojen piirtämisestä, jota seuraavat väripesut ja sitten muotoelementit. Yritän yllättää itseni vahvalla, odottamattomalla muodolla tai tavanomaisesta paletistani poikkeavalla värillä. Siirtelen niitä yrittäen löytää tasapainon värin ja muodon välillä. Tämä vaihe tuntuu jatkuvalta tanssilta, jossa formalismi hiipii hetkeksi mukaan ja jossa työnnän sitä vastaan. Päätökset siitä, sisällytänkö syntyneet rohkeat poikkeamat vai en, muodostavat eräänlaisen dynamiikan, joka voi pitää minut teoksen parissa viikkojen ajan. Kollaasiteokset alkavat värillä leikkimisestä, reunojen värjäämisestä musteella ja viivojen piirtämisestä japanilaiselle paperille, minkä jälkeen leikkaan nämä suikaleiksi. Kollaan ne huolellisesti kankaalle tai pellavalle ilman ennalta määrättyä sommitelmaa tai rakennetta. Teoksen kehittyessä alan analysoida sitä ja päästän toimittajan jälleen huoneeseen säätämään väriä tai muotoa, kunnes teos tuntuu oikealta.
Pääkuva: Elizabeth Gourlay studiossaan
IdeelArtin toimitus
Lähteet
- Elizabeth Gourlay: Connecticutin koloristi, Two Coats of Paint: Riippumaton profiili, joka tukee tietoja hänen yhteydestään Connecticutiin, väreihin perustuvasta työskentelystään sekä kollaasin, guassimaalauksen ja monotypian käytöstä.
- Musiikillinen taidemaalari: Paul Klee, The Sublime Blog: Taustaa Kleen musiikillisesta kasvatuksesta ja hänen siteeratusta lauseestaan, jossa hän kuvaa kättään kaukaisen sfäärin välineeksi.
- Kandinsky, Taiteen henkisestä sisällöstä (Wabash Collegen teksti): Kandinskyn kirjan teksti, jossa väriä verrataan koskettimistoon ja sielua soittimeen, jota taiteilija soittaa.
