Abstraktin ekspressionismin äitihahmo - Betty Parsons

Betty Parsons kuoli 35 vuotta sitten, kun olin 13-vuotias. En koskaan tuntenut häntä. Teoreettisesti voisin kai olla tavannut hänet, jos olisin tiennyt yrittää. Mutta minulla ei ollut aavistustakaan hänen olemassaolostaan ennen kuin oli jo aivan liian myöhäistä. Kuvittelen, että moni katuu, ettei tutustunut Parsonsiin. Hän oli modernin taiteen vallankumouksellinen. Vaikka epäilen, ettei hän tiennyt sitä, hänen esimerkkinsä innoitti minua ja uskon monia sukupolveni jäseniä tavoittelemaan uusia aitouden ja poikkeuksellisuuden malleja taiteessa. Voittoa tavoittelemattomista taideyhteisöistä taiteilijoiden ylläpitämiin projektitiloihin ja kokeellisiin museoihin – nykytaidemaailma kuhisee ihmisiä ja paikkoja, jotka arvostavat suurta taidetta enemmän kuin suurta voittoa. Parsonsiin kiitän siitä perinnöstä. Hänestä on kuitenkin kirjoitettu laajasti arvostetuimmissa taidelehdissä paljon taitavampien kirjoittajien toimesta kuin minä olen. Minulla ei ole hänestä mitään uutta kerrottavaa. Mutta koska hän oli ainutlaatuinen tavalla, jota sieluni arvostaa, olen silti taipuvainen yrittämään. Hänen lempinimensä, ”abstraktin ekspressionismin emo,” esiintyi ARTnews-lehden artikkelissa vuodelta 1979, jonka kirjoitti Grace Lichtenstein. Nimitys viittasi siihen, miten Parsons uskoi, hoivasi ja esitteli Mark Rothkon, Hans Hofmannin, Jackson Pollockin, Clyfford Stillin ja Barnett Newmenin teoksia silloin, kun kukaan muu Amerikassa ei halunnut. Kyseinen artikkeli paljastaa myös Parsonsin monimutkaisuuden ja syvyyden taiteilijana, harrastajana ja liikemiehenä. Sillä välin haastattelu, jonka taiteilija Helène Aylon nauhoitti Parsonsin kanssa vuonna 1977 ja jonka Judith Stein julkaisi kokonaisuudessaan Art in America -lehdessä vuonna 2013, paljastaa pitkälti, mikä teki Parsonsin ihmisenä poikkeukselliseksi. Paras tapa, jolla voin kunnioittaa Parsonsia, on keskittyä näihin kahteen profiiliin, jotka ovat syntyneet niiltä, jotka todella tunsivat hänet elämässä. Tässä, niistä poimittuna, on kymmenen lainausta, jotka ovat tehneet Parsonsin henkilökohtaiseksi sankarikseni, koska ne muistuttavat minua siitä, mikä on tärkeää taiteen luomisessa ja arvostamisessa.

"Kiitos Jumalalle, ettei tänä päivänä näytä olevan mitään ’ismejä’. Vihaan muotivirtauksia."

Usein yritämme nimetä tämän päivän liikkeet. Miksi teemme niin? Koska nimitykset tekevät tuotteista helpommin myytäviä, erityisesti vähemmän koulutetuille tai aidosti arvostaville ihmisille. Sen sijaan, että uskoisi trendeihin, Parsons asetti etusijalle sen, mikä on hyvää, ja löysi ilon siitä, mikä oli erilaista.

"Olen aina ollut kiehtonut siitä, mitä kutsun ’näkyväksi läsnäoloksi’. Maailman pysyvin asia on näkymätön; siitä ei koskaan pääse eroon."

Jotkut taiteilijat ajattelevat, että he voivat menestyä vain, jos heillä on myyvä identiteetti tai jos he tekevät taidetta nimenomaan tietystä aiheesta, joka on suosittu nykyyleisön keskuudessa. Parsons keskittyi tuntemattomaan. Sen sijaan, että olisi edistänyt ilmiselvää taidetta, häntä vetosi taide, joka paljasti piilotettua.

"Uskon jännitteeseen. Jos maalaat kuvan, eikä siinä ole jännitystä, siinä ei ole jännitystä."

Jännite teoksessa voi syntyä jostakin, mitä katsoja ei tunnista. Tai se voi johtua jostakin, mitä pidetään karkeana tai töykeänä. Toisinaan jännite syntyy jostakin, mitä emme yksinkertaisesti pidä kauniina. Sen sijaan, että kääntäisi katseensa pois näistä asioista, Parsons omaksui ne, nähden niissä mahdollisuuksia haastaa itseään kasvamaan.

Betty Parsons - Green #1, 1971, akryyli kankaalle, © 2018 Betty Parsonsin perikunta, Alexander Gray Associatesin luvalla, New York

"Olen kiinnostunut tärkeistä maalauksista, en kodissa."

Parsons esitteli teoksia huoneissa, joissa oli paljaat valkoiset seinät ja paljaat lattiat. Hän ei tehnyt ylimääräistä vaivaa saadakseen keräilijät ostamaan. Hän näki työnsä kahdessa osassa: taiteilijan aitouden edistämisessä ja yleisön vakuuttamisessa siitä, että teos on pätevä syistä, jotka eivät liity siihen, miltä se näyttää heidän sohviensa yläpuolella.

"En halua olla täynnä rikkauksia – ne kyllästyttäisivät minut kuoliaaksi."

Parsons syntyi yläluokkaan, mutta hylkäsi rikkauden ulkokuoren. Menettyään kaiken suuren laman aikana hän aloitti alusta. Seuraavat viisikymmentä vuotta hänellä oli usein vaikeuksia maksaa laskuja. Hän myi tarpeeksi teoksia (omiaan ja edustamiensa taiteilijoiden) pitääkseen valot päällä, ja piti sitä taloudellisen menestyksen määritelmänä.

"Abstraktia maailmaa pidettiin kylmänä, koska siinä ei ollut hahmoja. Mutta siinä oli tulta, energiaa, luontoa, valoa, tilaa – se keskittyi kaikkiin näihin arvoihin."

Parsonsilla oli luottamus uskoa omaan makuunsa. Hän ymmärsi abstraktiota kauan ennen useimpia amerikkalaisia. Hän luotti omaan näkemykseensä riippumatta siitä, mitä muu taidemaailma sanoi tai teki.

"Olin aina kymmenen vuotta aikaisemmin kuin aikani. Se on elämäni tarina."

Kun ei menesty taloudellisesti, on houkuttelevaa ajatella, ettei tekemisellä ole arvoa. Parsons ymmärsi, että joskus syy siihen, ettei kukaan osta teostasi, on se, ettei he tunnista sitä, koska se on tulevaisuutta.

Betty Parsons - Challenge, 1976, akryyli kankaalle (vasen) / Sputnik, 1961, akryyli kankaalle (oikea), © 2018 Betty Parsonsin perikunta, Alexander Gray Associatesin luvalla, New York

"Aina samaistu taiteeseen; älä koskaan samaistu taiteilijaan."

Parsons inhosi joitakin taiteilijoita, mutta rakasti heidän teoksiaan. Hän ymmärsi, ettei taiteilijoiden tarvitse olla miellyttäviä, seurallisia tai viehättäviä. Taiteilijat eivät ole myyjiä tai poliitikkoja. Heidän työnsä puhuu puolestaan.

"[Edustamani taiteilijat] vapautuvat ja luovat enemmän matkan varrella. Olen aina kannustanut sitä."

Jotkut galleristit kannustavat taiteilijoita löytämään myyvän tyylin ja pysymään siinä. Parsons haastoi esittelemänsä taiteilijat. Hän uskoi, että dynaamisuus ja kasvu ovat avain paremmuuteen, ja että myynti on taiteilijan uran vähiten tärkeä osa.

"Olemme kaikki osa kaikkea."

Parsonsilta kysyttiin usein hänen näkemyksiään yhteiskunnallisista asioista. Tämä lainaus oli hänen vastauksensa yhteen tällaisista kysymyksistä. Hän tiesi, että taiteella on kyky paljastaa todellisuus, että universaalimme ovat paljon suurempia kuin ne asiat, jotka ajavat meitä erilleen. Tämä lainaus on vaikuttanut minuun eniten. Sitä kannattaa toistaa jatkuvasti, koska sen unohtaminen on niin helppoa.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryyli kankaalle, © 2018 Betty Parsonsin perikunta, Alexander Gray Associatesin luvalla, New York

Kuvassa: Betty Parsons - Orange, 1956, akryyli kankaalle, © 2018 Betty Parsonsin perikunta, Alexander Gray Associatesin luvalla, New York
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Phillip Barcio