Mark Rothkon täydellinen opas: väriensyklin mestari etsimässä inhimillistä draamaa

Seistessä myöhäiskauden Rothkon teoksen edessä, kun sen valtava väreilevä viininpunainen kenttä vuotaa mustaan, ei yksinkertaisesti katso maalausta. Maalaus katsoo katsojaa. Harvat 1900-luvun abstraktin taiteen historian taiteilijat ovat esittäneet tämän väitteen yhtä hiljaisen ja kiistattoman voimakkaasti kuin Mark Rothko (1903–1970): Latviassa syntynyt siirtolainen, josta tuli amerikkalaisen maalaustaiteen omatunto ja jonka teokset kuuluvat yhä tunnevaikutukseltaan vaativimpiin esineisiin, joita ihmiselle on koskaan asetettu nähtäväksi.

Abstraktin ekspressionismin ja värikenttämaalauksen keskeisenä edustajana Rothkon kankaat olivat paljon enemmän kuin pelkkiä maalaustaiteellisen muodon tutkimuksia. Vaikka niiden muodollisiin ominaisuuksiin perustuvia tulkintoja on esitetty lukuisia, Rothko omisti koko elämänsä katsojan vangitsemiselle, tunteiden tutkimiselle ja kokemuksen synnyttämiselle rikkaiden pigmenttien, hehkuvien värikenttien ja sävyjen luomien jännitteisten suhteiden avulla. Ne herättävät syvästi inhimillisen yhteyden, joka usein pakenee järkeä ja vastustaa selityksiä. Tämä perinpohjainen opas seuraa tuota matkaa sen alkuvaiheista äärimmäisiin päätelmiin hyödyntämällä arkistolähteitä, näyttelydokumentaatiota ja taiteilijan omia kirjoituksia.

Enimmäkseen itseoppinut ja tietyssä mielessä ulkopuolinen Rothko oli monimutkaisen ajattelun mies, joka vastusti luokitteluja ja erityisesti ”koloristin” nimitystä. Hän oli maalari, joka etsi jatkuvasti tapaa kuvata inhimillisen draaman epävarmuutta. Koko uransa ajan hän ei koskaan omaksunut ryhmäajattelua, vaan loi ainutlaatuisen teoskokonaisuuden, joka seurasi omaa kehityskulkuaan ja sai vaikutteita tragediasta, mytologiasta, filosofiasta sekä järkkymättömästä uskosta siihen, että maalaus voisi toimia välineenä transsendenssiin.

Mark Rothko: pikatiedot

• Syntyi: 25. syyskuuta 1903, Dvinsk (Daugavpils), Venäjän keisarikunta (nykyinen Latvia)
• Kuoli: 25. helmikuuta 1970, New York, Yhdysvallat (66-vuotiaana)
• Syntymänimi: Marcus Yakovlevich Rotkovich
• Koulutus: Yalen yliopisto (stipendi, 1921–1923); Art Students League of New York (Max Weberin oppilaana)
• Keskeiset tekniikat: öljymaalaus kankaalle, munatempera, paperityöt, guassi
• Liittyvät suuntaukset: abstrakti ekspressionismi, värikenttämaalaus, surrealismi (varhaisvaihe), informel
• Keskeiset aikalaiset: Adolph Gottlieb, Barnett Newman, Clyfford Still, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Milton Avery
• Tärkeimmät kokoelmat: Tate Modern (Lontoo), Museum of Modern Art (MoMA, New York), National Gallery of Art (Washington D.C.), Kunstmuseum Basel, Fondation Louis Vuitton (Pariisi), Rothko Chapel (Houston)
• Keskeiset käsitteet: väri draamana, valoa hohtavat värikerrostumat (lasuurit), immersiivinen mittakaava, ”monimuoto”, traaginen ylevyys, kehyksen häivyttäminen
• Julkaistu kirjoitus: The Artist's Reality (kirjoitettu noin 1940-luvulla, julkaistu postuumisti vuonna 2004)

Rotkovichista Rothkoksi: muotoutumisvuodet (1903–1935)

Dvinsk ja maastamuutto (1903-1913)

Marcus Yakovlevich Rotkovich syntyi 25. syyskuuta 1903 Dvinskissä (Daugavpilsissa), Venäjän keisarikuntaan kuuluneessa kaupungissa, joka sijaitsee nykyään Latviassa. Hän kasvoi liberaalissa juutalaisessa perheessä, jossa arvostettiin vahvasti älyllisiä perinteitä, ja koki siirtymisen vieraaseen ympäristöön jo varhain: hänen isänsä kuoli hänen ollessaan vielä lapsi, ja kymmenvuotiaana hän muutti perheensä kanssa Portlandiin, Oregoniin. Tuo juuriltaan irtautumisen – kulttuurisen, kielellisen ja eksistentiaalisen – paino kulkisi läpi hänen koko taiteellisen tuotantonsa.

Yale ja New York (1921–1925)

Vuonna 1921 hän sai stipendin Yalen yliopistoon, jossa hän opiskeli kaksi vuotta, ennen kuin oppilaitoksen jäykät sosiaaliset hierarkiat kuluttivat hänet loppuun. Hän lähti suorittamatta tutkintoa ja muutti New Yorkiin, jossa hän ilmoittautui kuubistimaalari Max Weberin oppilaaksi Art Students Leagueen. Siellä hän tutustui ensimmäisen kerran eurooppalaiseen modernismiin läheltä: Cézannen rakenteelliseen ankaruuteen, Matissen värilliseen vapautuneisuuteen sekä Kleen ja Rouault’n piinaavaan ekspressionismiin. Hän omaksui kaiken, mutta kieltäytyi sulautumasta mihinkään yksittäiseen vaikutteeseen.

Varhainen newyorkilainen taidekenttä (1929–1935)

1920-luvun loppuun ja 1930-luvun alkuun mennessä Rotkovich – joka otti nimen Rothko vasta vuonna 1940 – oli löytänyt paikkansa New Yorkin avantgardesta. Hän tapasi Adolph Gottliebin ja Barnett Newmanin, abstraktin ekspressionismin tulevat merkkihahmot, ja ystävystyi taidemaalari Milton Averyn kanssa. Averyn väljä, lyyrinen tapa käsitellä väriä tasaisena, hengittävänä pintana osoittautui ratkaisevaksi Rothkon omalle kehitykselle. Hänen ensimmäinen yksityisnäyttelynsä avautui vuonna 1933; teokset olivat yhä esittäviä ja etsintä jatkui.

The Ten (1935–1939)

Vuonna 1935 hän oli perustamassa ryhmää The Ten, virallisesti nimeltään The Ten Whitney Dissenters, itsenäinen newyorkilaisten taidemaalareiden ryhmä, jota yhdisti vihamielisyys American Scene -maalauksen konservatiivista nationalismia ja esimerkiksi Whitney Museumin kaltaisten instituutioiden portinvartijuutta kohtaan. He järjestivät vuosittain yhteisnäyttelyn vuosina 1935–1939 tietoisesti valtavirran ulkopuolella ja julkaisivat vuonna 1938 yhteisen julkilausuman, jossa he tuomitsivat sen, mitä kutsuivat Whitneyn ”megalomaniaksi”.

Ryhmän tunnetuimpia jäseniä olivat Rothko ja Adolph Gottlieb, jotka molemmat määrittelivät myöhemmin abstraktia ekspressionismia. Ryhmän vähemmän tunnettuja mutta sille yhtä merkittäviä jäseniä olivat Ilya Bolotowsky, Mondrianin vaikutteita saanut geometrinen abstraktionisti; Louis Harris, jonka ekspressionistinen esittävä taide kurotti umpeen esittävyyden ja abstraktion välistä kuilua; Ben-Zion, taidemaalari ja runoilija, joka toi kankaalle syvästi juutalaisen kirjallisen herkkyyden; sekä Joseph Solman, joiden psykologisesti latautuneet muotokuvat ja kaupunkimaisemat välittivät raakaa emotionaalista suoruuden tuntua ja ennakoivat newyorkilaisen taiteen laajempaa käännettä kohti tunnetta aiheena. Mark Schwartz ja Nahum Tschacbasov täydensi kokoonpanon.

Rothko – Metron sisäänkäynti – 1938

Kukaan kymmenestä ei ollut vielä löytänyt kypsää ilmaisuaan; Rothko itse maalasi yhä esittäviä metromaisemia ja kaupunkisisätiloja. Yhteinen vakaumus siitä, että maalauksen tuli kantaa emotionaalista ja filosofista painoa eikä vain kuvittaa Amerikkaa, oli kuitenkin juuri se kiireellisyys, joka ajaisi Rothkon luopumaan esittävyydestä vähitellen seuraavan vuosikymmenen aikana.

Nykyajan myytin etsintä (1938–1946)

Kun toisen maailmansodan kauhut muovasivat kulttuurimaisemaa uudelleen, Rothko, kuten monet newyorkilaiset taidemaalarit, kääntyi muinaisen mytologian ja syvyyspsykologian puoleen etsiessään viitekehyksiä, jotka pystyivät kantamaan nykytragedian painon. Sigmund Freudin teos Unien tulkinta ja Carl Jungin kollektiivista tiedostamatonta koskevat teoriat vaikuttivat häneen syvästi, ja Rothko alkoi sisällyttää mytologisia arkkityyppejä kankaisiinsa: kreikkalaisen tragedian hahmoja, alkukantaisia olentoja ja surrealismista ammennettuja biomorfisia muotoja.

Teokset kuten The Omen of the Eagle (1942) ja Antigone (1941) paljastavat taiteilijan pyrkivän luomaan omien sanojensa mukaan ”nykyajan myyttiä” – visuaalista kieltä, joka on tarpeeksi muinaista kantamaan universaalia inhimillistä tunnetta mutta samalla täysin oman aikansa tuote. Aeolian Harp /7 (1946), joka on kuvattu tässä, ulottaa tuon mytologisen ulottuvuuden hänen kypsään värikenttämaalaamiseensa: nimi – joka viittaa muinaiseen tuuliharppuun, jonka sanotaan soivan luonnon itsensä soittamana – osoittaa, ettei Rothko abstraktion huipullakaan koskaan hylännyt uskoa siihen, että maalauksen tulisi resonoida jonkin silmää vanhemman ja syvemmän kanssa. Vuonna 1943 Rothko ja Gottlieb julkaisivat kuuluisan kirjeensä New York Times-lehdessä ja totesivat: ”Väitämme, että aihe on ratkaiseva ja että vain sellainen aihe on pätevä, joka on traaginen ja ajaton.”

Rothko – Aeolian Harp /7 – 1946

Multiformit ja värikenttämaalauksen synty (1946–1950)

Vuoteen 1946 mennessä Rothko teki ratkaisevan irtioton. Kaikesta figuratiivisesta tai mytologisesta viittauksesta puhdistautuneena hän alkoi maalata ”Multiformeja”: kankaita, jotka koostuivat kokonaan pehmeistä, hohtavista, päällekkäisistä värikentistä. Ne eivät olleet koristeellisia sommitelmia vaan emotionaalisia ympäristöjä. Suorakulmaiset värivyöhykkeet, jotka eivät koskaan aivan kosketa toisiaan ja sulautuvat pehmeästi reunoiltaan, oli suunniteltu luomaan sisäistä valoa, värähtelyä, jonka katsoja tuntee fyysisesti sen sijaan, että lukisi sen älyllisesti.

"Maalaus ei ole kuva kokemuksesta. Se on kokemus", Rothko julisti asettaen mittakaavan, tunnelman ja kromaattisen värähtelyn tuotantonsa keskiöön. Hän alkoi työskennellä hyvin suurille kankaille nimenomaan peittääkseen ääreisnäön ja ympäröidäkseen seisovan katsojan värillä sen sijaan, että tarjoaisi värin kaukaa tarkasteltavaksi kohteeksi.

Mark Rothko – Nro 14, 1960. Öljy kankaalle. 290,83 x 268,29 cm. San Franciscon modernin taiteen museo.
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / ADAGP, Pariisi

Värin tiede: kuinka Rothko rakensi valon sisältäpäin

Lasuuritekniikka ja kerroksellinen pinta

Rothkon tekniikka oli petollisen työläs. Hän levitti värikenttänsä useina läpikuultavina kerroksina – vanhoilta mestareilta lainattua öljymaalauksen lasuuritekniikkaa mukaillen – rakentaen ohuita pigmenttipesuja, jotka oli suspendoitu öljyn, kananmunan ja jänisnahkaliiman seokseen. Jokainen uusi kerros muokkaa sen alla olevaa kerrosta peittämättä sitä, mikä luo syvyyttä ja hohtoa, joka näyttää säteilevän kankaan sisältä eikä sen pinnalta.

C Thomas teoksen Untitled (Red,Black,White on Yellow) b edessä, Rothko - 1955 
© IdeelArt

Hänen värialueitaan erottavat pehmeät, höyhenenkevyet reunat eivät koskaan muodosta kovaa viivaa vaan aina hajanaisen liukuman. Ne syntyvät hänen työskennellessään märkä märälle -tekniikalla pohjustamattomalle tai kevyesti käsitellylle kankaalle, joka on levitetty tasaisesti ateljeen lattialle. Pigmentti imeytyy ja leviää muodostaen siirtymiä, jotka tuntuvat orgaanisilta, lähes hengittäviltä.

Väri tunnearkkitehtuurina

Rothko korosti itsepintaisesti, etteivät hänen maalauksensa käsitelleet väriä missään formalistisessa mielessä. ”Väri ei kiinnosta minua. Tavoittelen valoa”, hän totesi. Valolla hän tarkoitti sisäistä draamaa, jota väri voi riittävän suurena ja säteilevänä synnyttää katsojan hermostossa. Täydentävien sävyjen käyttö – lämpimät punaiset vasten viileitä violetteja, hehkuvat oranssit vasten hillittyjä okran sävyjä, syvän viininpunaiset sävyt leijumassa sysimustan yllä – luo kromaattisen jännitteen, joka jäljittelee tunnetiloja: riemua, melankoliaa, kunnioittavaa ihmetystä ja kauhua.

Mark Rothko Louis Vuitton -säätiössä – joulukuu 2023 © IdeelArt

Suuret toimeksiannot: arkkitehtuuri, uppoutuminen ja pyhä (1954–1967)

Seagram-seinämaalaukset: toimeksiannosta kieltäytyminen

Seagram-seinämaalausten tarina paljastaa kaiken olennaisen Rothkon tinkimättömästä taiteellisesta etiikasta. Vuonna 1958 hän otti vastaan arvostetun toimeksiannon maalata suurikokoisia seinämaalauksia Four Seasons -ravintolaan Mies van der Rohen suunnittelemaan maineikkaaseen Seagram Building -rakennukseen New Yorkin Park Avenuelle. Ravintola oli tuolloin kaupungin kallein. Rothko aloitti sarjan innokkaasti ja kuvitteli maalaavansa teoksia, jotka ”pilaisivat jokaisen siinä huoneessa koskaan syövän paskiaisen ruokahalun”.

Vuoden 1959 illallisella Four Seasonsissa, istuessaan sen varakkaan asiakaskunnan keskellä, Rothko kuitenkin tunsi tilan ylellisen spektaakkelin ja maalaustensa traagisen vakavuuden syvän yhteensopimattomuuden. Hän palautti ennakkomaksun, veti kaikki kankaat pois ja lahjoitti lopulta osan niistä Tate Gallerylle – poikkeuksellisen moraalisen selkeyden ele taiteilijalta, joka kieltäytyi sallimasta teostensa muuttumista vaikutusvaltaisten ihmisten koristeiksi.

Rothko – Red on Maroon – 1959 (osa Seagram Murals -sarjaa) © IdeelArt

Rothkon kappeli: maalaus pyhättönä

Houstonilaiset hyväntekijät John ja Dominique de Ménil tilasivat Rothkon kappelin (avattiin vuonna 1971, vuosi hänen kuolemansa jälkeen), joka edustaa Rothkon vakaumuksen täydellisintä toteutumaa: maalaus voi toimia pyhänä tilana. Neljätoista maalausta, joiden väripaletti on pelkistetty lähes mustan luumun ja hiilen sävyihin, ripustettiin kahdeksankulmaiseen rakennukseen, jonka suunnittelu päästää sisätilaan keskellä sijaitsevan kattoikkunan kautta hajavaloa.

Näkymä Rothkon kappelista

Kappeli on samanaikaisesti taideinstallaatio, uskontojen välinen hengellinen pyhättö ja ihmisoikeusfoorumi. Siellä ovat vierailleet dalai-lama, Jimmy Carter sekä lukuisat kansainväliset humanitaariset tapahtumat – osoitus siitä yleismaailmallisesta merkityksestä, jonka Rothko uskoi suuren maalauksen voivan saavuttaa.

Black and Grey -sarja ja viimeiset vuodet (1968–1970)

Vuonna 1968 Rothko kärsi vakavasta aortan aneurysmasta. Lääkärien kiellettyä häntä työskentelemästä suurten pystysuuntaisten kankaiden parissa hän alkoi maalata paperille – välineelle, jota hän oli aiemmin käyttänyt vain luonnoksiin – ja loi vaikuttavan Black and Grey -sarjan. Näissä teoksissa kaikki on pelkistetty yhteen mustaan vaakasuuntaiseen kaistaleeseen harmaan kentän yläpuolella. Niitä on tulkittu kuoleman aavistuksiksi, lopullisen puhdistautumisen eleiksi tai suopeammin hänen elinikäisen projektinsa perimmäiseksi tiivistymäksi: väri riisuttuna paljaimpaan eksistentiaaliseen minimiinsä.

Rothko – Black and Grey -sarja – 1969 © IdeelArt

Aamulla 25. helmikuuta 1970 Rothkon avustaja Oliver Steindecker löysi hänet kuolleena tämän newyorkilaisesta ateljeesta. Hän oli 66-vuotias. Rothkon kappeli avattiin seuraavana vuonna.

Taiteilijat vuoropuhelussa: Rothkon perintö IdeelArtissa

Rothkon vakaumus siitä, että väri voisi kantaa koko inhimillisten tunteiden painon, ei päättynyt häneen. IdeelArtissa on lukuisia taiteilijoita, jotka vievät tätä perintöä eteenpäin – kukin omalla tavallaan tavoitellen latautunutta kenttää, hohtavaa pintaa ja maalausta, joka pyytää katsojaa tuntemaan sen sen sijaan, että se purettaisiin auki.

Yari Ostovany – Väri transsendenssina

Kaikista nykytaiteilijoista, jotka työskentelevät Rothkon perinnön jatkajina, iranilaissyntyinen amerikkalainen taiteilija Yari Ostovany on ehkä lähimpänä sitä ydintä, jota Rothko tavoitteli. Rothkon tavoin Ostovany rakentaa pintansa kärsivällisesti kerrostamalla läpikuultavia kerroksia – pigmenttiä lisätään, pestään pois, raaputetaan pois, liuotetaan ja rakennetaan jälleen uudelleen – kunnes sommitelma muuttuu hänen omien sanojensa mukaan jokaisessa vaiheessa ”syvemmäksi ja valoisammaksi”. Persialaisen mystiikan, länsimaisen abstraktion, musiikin ja runouden innoittamat hänen teoksensa kuuluvat New Britain Museum of American Artin, Teheranissa sijaitsevan Pasargad Bank Museumin ja lukuisten yksityiskokoelmien kokoelmiin ympäri maailmaa.

Numinous 19 - Yari Ostovany

Jean Feinberg – Valo aiheena

New Yorkissa työskentelevä Jean Feinberg on yksi tämän päivän Amerikan hienovaraisen voimakkaista koloristeista. Hänen kankaansa – jotka rakentuvat peräkkäisistä pesuista ja puhtaan pigmentin kerrostetuista lasuureista – synnyttävät hohteen, joka näyttää säteilevän itse pinnan sisältä, ominaisuuden, jota Rothko kuvasi keskeiseksi tavoitteekseen. Siinä missä Rothko tavoitteli traagista ja ylevää, Feinberg liikkuu intiimimmällä alueella: hänen maalaustensa valo on mietiskelevää, jopa hellää, ja vetää katsojan pitkittyneeseen visuaaliseen keskittymiseen, joka heijastaa hänen pintojensa kuvaamaa meditatiivista tilaa.

R/Y/B - Jean Feinberg

Gudrun Mertes-Frady – Värähtelevä kynnys

Saksassa syntynyt ja New Yorkissa työskentelevä Gudrun Mertes-Frady jatkaa suoraan amerikkalaisen Color Field -maalauksen perinnettä rakentamalla tiheitä, värähteleviä pintoja kromatisten kerrosten kasautumisesta. Kerrokset leijuvat jatkuvan visuaalisen jännitteen tilassa. Hänen sommitelmissaan vastakkaiset voimat pysyvät tasapainossa – paino ja keveys, peittävyys ja läpinäkyvyys, liikkumattomuus ja värinä – dynamiikassa, joka asettaa hänet suoraan sen perinteen ytimeen, jonka Rothko auttoi määrittelemään. Hänen pintansa eivät kuvaa tunnetta, vaan synnyttävät sitä ja esittävät saman hiljaisen vaatimuksen, jonka Rothkon suuret kankaat asettavat jokaiselle, joka on valmis seisomaan niiden edessä.

Vastakkaiset virtaukset nro I - Gudrun Mertes-Frady

Tracey Adams – Enkaustinen valo

Amerikkalainen taiteilija Tracey Adams työskentelee pääasiassa enkaustiikan parissa – kerroksittain levitettävän ja lämmöllä yhteen sulautettavan sulan, pigmentoidun vahan parissa – ja tällä tekniikalla on Rothkon lasuuritekniikan kanssa yhteinen olennainen ominaisuus: valon rakentaminen sisältäpäin. Jokainen vahakerros on samanaikaisesti läpikuultava ja aineellinen, vangiten pinnan syvyyden ja synnyttäen lämpimän, sisäisen hohteen, jonka silmä tulkitsee teoksen hengitykseksi. Hänen sommitelmansa ovat pelkistettyjä ja meditatiivisia, ja ne on tiivistetty olennaisiin värisuhteisiin, jotka kantavat emotionaalista painoa ilman kertomusta – juuri sille alueelle, jonka Rothko katsoi omakseen.

0218-10 - Tracey Adams

Dana Gordon – Värähtelevä kenttä

Dana Gordon tuo tähän vuoropuheluun oman näkökulmansa, joka perustuu yli viiden vuosikymmenen abstraktiin taiteeseen ja harvinaiseen läheisyyteen Rothkon maailmaan – hän on Ideelartissa julkaistun teoksen Muistiinpanoja ja pohdintoja Rothkosta Pariisissa kirjoittaja. Teos on omakohtainen kuvaus hänen maalaustensa äärellä seisomisesta Fondation Louis Vuittonin retrospektiivissä. Hän kerrostaa tasaisia, yhtenäisiä väripintoja tiheiden, käsin maalattujen kaleidoskooppimaisten spiraalimotiivien muodostamien ruudukkojen päälle ja luo näin ”työntö-veto”-vaikutelman, joka muuttaa kankaan iloiseksi, värähteleväksi puhtaan spektrivärin kentäksi – ja esittää katsojalle saman kysymyksen kuin Rothko: voitko tuntea värin ennen kuin ajattelet sitä?

Altitude - Dana Gordon

Martina Nehrling – Kromaattinen tiheys

Chicagossa toimiva Martina Nehrling rakentaa kankaansa tiheistä kerroksittaisista, hehkuvan värisistä kertymistä, jotka synnyttävät visuaalista kuumuutta – sisäistä painetta, joka työntyy pinnalta ulospäin kohti katsojaa. Rothkon tavoin hän ymmärtää värin kuvauksen sijaan fyysisenä tapahtumana: hänen pintansa eivät kuvaa energiaa, vaan tuottavat sitä. Hänen maalaustensa kromaattinen arkkitehtuuri – lämpimien sävyjen työntyminen viileitä vastaan, kylläisten alueiden jännittyminen hillittyjen jaksojen rinnalla – luo emotionaalisen latauksen, jonka keho aistii ennen kuin mieli osaa nimetä sen.

Fume - Martina Nehrling

Jill Moser – Ele ja valoisuus

New Yorkissa toimiva Jill Moser työskentelee eleen ja kentän välisessä tilassa – hänen merkkinsä ovat fyysisiä, lähes kalligrafisia, mutta sulautuvat kromaattisiksi ympäristöiksi, jotka ympäröivät katsojan sen sijaan, että vain korostaisivat yksittäisiä kohtia. Yksittäisen eleen ja atmosfäärisen kokonaisuuden välinen jännite on tavoitteeltaan selvästi Rothko-vaikutteinen: molemmat taiteilijat kieltäytyvät puhtaan formalistisuuden tarjoamasta turvallisuudesta ja vaativat, että tekemisen fyysinen teko säilyy osana valmiin teoksen emotionaalista sisältöä. Moserin maalaukset säilyttävät latauksensa lyyrisellä intensiteetillä, joka palkitsee pitkäkestoisen katselun.

7.3 - Jill Moser

Janise Yntema – Läpikuultavat syvyydet

Amerikkalainen taiteilija Janise Yntema työskentelee enkaustisen maalaustaiteen parissa – hän rakentaa pigmentoiduista vahakerroksista läpikuultavaa syvyyttä ja sisäistä valoa tavalla, joka heijastelee suoraan Rothkon lasuurimaalausten pyrkimystä. Hänen pinnoillaan on vangitun hohteen tuntu, aivan kuin väri olisi suljettu materiaalin sisään sen sijaan, että se olisi levitetty sen pinnalle. Enkaustinen tekniikka edellyttää hidasta ja harkittua rakentamisen ja paljastamisen prosessia, joka antaa hänen teoksilleen sen meditatiivisen painon, jonka Rothko uskoi kuuluvan kaikkeen vakavasti otettavaan maalaustaiteeseen.

The Whisper of Solitude – Janise Yntema

Kim Uchiyama – Kerrostunut hohde

New Yorkissa toimiva Kim Uchiyama rakentaa maalauksensa hitaalla ja meditatiivisella prosessilla, jossa öljyväriä levitetään ohuina, läpikuultavina kerroksina – jokainen värikerros muokkaa ja rikastaa sen alla olevaa hävittämättä sitä, synnyttäen pinnan hohteen, joka näyttäytyy sisäisenä valona pikemminkin kuin heijastuvana pintana. Hänen maalaustensa kromaattiset suhteet – joissa rinnastuvat usein lämpimät ja kylmät sävyt lähellä toisiaan olevilla tummuusasteilla – luovat visuaalisen värähtelyn, jonka keho kokee tuntemuksena ennen kuin mieli käsittelee sen muodoksi. Hänen työskentelynsä jatkaa suoraan sitä hohtavaa, tunteesta lähtevää pyrkimystä, joka elävöitti Rothkon kypsää tuotantoa.

Chord – Kim Uchiyama

Paul Landauer – Laskettu ele

Itävaltalainen abstrakti taiteilija Paul Richard Landauer lähestyy maalaamista eri kulmasta, mutta päätyy samanlaiseen vakaumukseen: tekemisen prosessi on merkitys. Siinä missä Rothko rakensi hohtavat värikenttänsä viikkojen ajan levitetyillä ja hiotuilla läpikuultavilla lasuurikerroksilla, Landauer rakentaa pintansa näennäisen yksinkertaisella mutta tiukan kurinalaisella tavalla: levittämällä yksittäisiä siveltimenvetoja toistuvasti ja laskelmoidusti, jokainen tarkoituksellisena, mitattuna ja dokumentoituna. Kumpikin taiteilija kieltäytyy koristeellisuudesta; kumpikin sijoittaa merkityksen kehon suoraan kohtaamiseen pigmentin kanssa; kumpikin luo teoksia, joiden täysi emotionaalinen paino paljastuu vasta fyysisessä läsnäolossa. Art Informel -taiteen ja abstraktin ekspressionismin perinteeseen sijoittuvat Landauerin pinnat vaikuttavat syvästi harmonisilta ja musiikillisilta – kuin hiljaisuudessa esitetty meditatiivinen partituuri, veto vedolta.

Forever – Paul Landauer

Mark Rothkon keräily: markkinat, tekniikat ja aitouden varmentaminen

Rothko on edelleen yksi huutokauppahistorian kaupallisesti merkittävimmistä taiteilijoista, ja hänen teostensa elinaikainen kokonaismyynti ylittää 2 miljardia dollaria. Hänen markkinoitaan leimaavat huipulla äärimmäinen niukkuus – tunnettuja kankaalle tehtyjä öljymaalauksia on alle 1 000 – sekä instituutioiden kiivas kysyntä.

Aitouden varmentaminen

Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko -kuolinpesä käsittelee aitoutta koskevia tiedusteluja. Vuonna 1998 julkaistu Rothkon catalogue raisonné on edelleen ratkaiseva lähdeteos. Kaikki merkittävät teokset tulee tarkistaa tästä luettelosta, ja niiden mukana tulee olla todennettavat provenienssidokumentit.

Usein kysytyt kysymykset

1. Oliko Rothko todella ”color field” -maalari?

Rothko vastusti tunnetusti tätä nimitystä. Hän suhtautui syvän vihamielisesti siihen, että hänet luokiteltiin formalistiksi tai ”koloristiksi”, ja korosti maalaustensa käsittelevän tragediaa, ekstaasia ja inhimillistä draamaa – ei väriä itsenäisenä esteettisenä päämääränä. Kriitikko Clement Greenbergin käyttöön ottamaa color field -nimitystä sovellettiin Rothkoon yhdessä Barnett Newmanin ja Clyfford Stillin kaltaisten taiteilijoiden kanssa, mutta Rothko korosti aina, että nimitys sivuutti hänen työnsä olennaisen ytimen.

2. Miksi Rothkon maalaukset ovat niin suuria?

Mittakaava oli harkittu filosofinen päätös. Rothko halusi maalaustensa vyöryvän katsojan ääreisnäköön ja poistavan katsojan ja kankaan välisen psykologisen etäisyyden. ”Haluan olla hyvin intiimi ja inhimillinen”, hän sanoi. ”Pienen kuvan maalaaminen tarkoittaa itsensä asettamista oman kokemuksensa ulkopuolelle.” Elämän kokoisena katsoja ei katso maalausta – hän on sen sisällä.

3. Mitä tekniikkaa Rothko käytti luodakseen valaisevat värikenttänsä?

Rothko levitti väriä useina ohuina, läpikuultavina kerroksina – tekniikalla, joka liittyy vanhojen mestareiden lasuurimaalaukseen – käyttäen monimutkaista öljymaalin, munatemperan ja jänisliiman seosta. Hän työskenteli pohjustamattomalle tai kevyesti pestylle kankaalle, joka oli levitetty tasaiseksi ateljeen lattialle, jolloin pigmentti pääsi imeytymään ja leviämään reunoilla. Tuloksena on pinta, joka vaikuttaa säteilevän valoa sisältäpäin sen sijaan, että heijastaisi sitä ulkopuolelta.

4. Miksi Rothko kieltäytyi Seagramin tilauksesta?

Rothko hyväksyi Seagramin tilauksen vuonna 1958 maalatakseen seinämaalauksia New Yorkin Four Seasons -ravintolaan, mutta palautti myöhemmin palkkion ja vetäytyi hankkeesta ruokailtuaan siellä ja koettuaan ylellisen seurapiirispektaakkelin sekä teostensa traagisen vakavuuden olevan syvästi yhteensopimattomia. Lopulta hän lahjoitti osan kankaista Tate Gallerylle Lontooseen, jossa ne muodostavat nykyään kuuluisan Rothko Roomin.

5. Mikä on Rothko Chapel?

Houstonissa, Texasissa sijaitseva Rothko Chapel (avattu vuonna 1971) on Rothkon kunnianhimoisin toteutunut hanke: neljätoista suurikokoista maalausta lähes mustan luumun ja hiilen sävyissä, sijoitettuna niitä varten suunniteltuun kahdeksankulmaiseen, uskontokuntiin sitoutumattomaan pyhäkköön. John ja Dominique de Ménilin tilaamana se toimii sekä taideinstallaationa että uskontojen välisenä hengellisenä tilana, ja siellä on järjestetty Dalai-laman vierailuja, ihmisoikeushuippukokouksia sekä lukuisia kansainvälisiä seremonioita.

6. Kirjoittiko Rothko omista teoksistaan?

Kyllä. Rothko kirjoitti laajasti, mutta julkaisi elinaikanaan lähes olemattoman määrän tekstejä. Hänen noin vuonna 1940 kirjoittamansa kirja The Artist's Reality julkaistiin postuumisti vuonna 2004 Yale University Pressin kustantamana. Se tarjoaa merkittävän filosofisen kuvauksen hänen taidekäsityksistään, taiteilijan roolista sekä muodon ja tunteen suhteesta – välttämätöntä luettavaa kaikille, jotka haluavat ymmärtää hänen maalauksiaan.

7. Mikä on Black and Grey -sarja?

Vuosina 1969–1970, vakavan aortan aneurysman jälkeen, joka rajoitti hänen fyysisiä kykyjään, toteutettu Black and Grey -sarja edustaa Rothkon kuvakielen radikaalia pelkistämistä kahteen värialueeseen: mustaan kaistaleeseen harmaan kentän yläpuolella. Pääasiassa paperille toteutetut teokset kuuluvat 1900-luvun maalaustaiteen ankarimpiin ja emotionaalisesti järkyttävimpiin teoksiin.

8. Miten Rothkon paperille tehty työ tulisi asettaa esille?

Rothkon paperiteokset ovat erittäin valoherkkiä. Ne tulee asettaa suojaan suoralta auringonvalolta ja voimakkailta keinotekoisilta UV-lähteiltä. Kehystä teos UV-säteilyä suodattavan museolasin taakse ja kiinnitä se hapottomalle kartongille. Säilytä suhteellinen ilmankosteus 45–55 prosentissa ja lämpötila 18–21 °C:ssa. Jos mahdollista, vaihda esillä olevia teoksia säännöllisesti, jotta kumulatiivinen valolle altistuminen jää vähäiseksi.

9. Mitkä ovat Rothkon kaikkien aikojen kalleimmat myydyt teokset?

Rothkon teokset ovat saavuttaneet taidehistorian korkeimpia huutokauppahintoja. Keskeisiä ennätyksiä ovat Orange, Red, Yellow (1961), joka myytiin 86,9 miljoonalla dollarilla Christie'sillä New Yorkissa vuonna 2012; White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose) (1950), joka myytiin 72,8 miljoonalla dollarilla Sotheby'sillä New Yorkissa vuonna 2007; sekä No. 6 (Violet, Green and Red) (1951), jonka kerrotaan myydyn yksityisesti noin 186 miljoonalla dollarilla vuonna 2014.

10. Liittyykö Rothko abstraktiin ekspressionismiin vai Color Field -maalaukseen?

Molempiin, mutta ei täysin kumpaankaan. Rothko nousi New Yorkissa Pollockin, de Kooningin ja Newmanin rinnalla abstraktin ekspressionismin ensimmäisestä sukupolvesta, mutta hänen kypsä tuotantonsa kehittyi hiljaisempaan ja meditatiivisempaan suuntaan, jonka kriitikot luokittelivat erikseen Color Field -maalaukseksi. Rothko torjui molemmat nimitykset ja korosti, että hänen aiheensa oli aina sama: ihmiselämän tragedia ja ekstaasi.

11. Mikä vaikutti Rothkon mytologian käyttöön hänen varhaisissa teoksissaan?

Rothkoon vaikuttivat syvästi Nietzschen Tragedian synty, Freudin psykoanalyyttinen teoria ja Carl Jungin kollektiivisen alitajunnan käsite. Hän uskoi, että kreikkalainen mytologia tarjosi universaaleja, tunteisiin perustuvia arkkityyppejä, jotka pystyivät viestimään suoraan kulttuurirajojen yli – uskomus, joka johti hänet lopulta hylkäämään mytologian vielä suoremman ilmaisuvälineen, puhtaan kromaattisen kentän, hyväksi.

12. Miksi Rothko maalasi ilman kehyksiä?

Rothko piti perinteisiä kehyksiä psykologisena esteenä katsojan ja maalauksen välillä. Poistamalla kehykset hän pyrki luomaan keskeytymättömän kromaattisen ympäristön – värikentän, jota katsojan tilasta ei erottanut mikään reuna. Hän määritteli teoksilleen myös erittäin tarkat ripustuskorkeudet: ne tuli ripustaa matalalle, lähelle lattiaa, jotta kankaat hengittäisivät seisten olevan ihmiskehon kanssa samalla tasolla.

13. Mitkä Ideelartin nykytaiteilijat ovat lähimpänä Rothkon perintöä?

Ideelart edustaa useita taiteilijoita, joiden taiteellinen työ vie Rothkon perintöä eteenpäin omaleimaisilla mutta toisiaan täydentävillä tavoilla.

Yari Ostovany on ehkä suorin perillinen: kerrostettua läpikuultavaa pigmenttiä, emotionaalista impulssia sekä huomattavan syviä ja transsendentteja värikenttiä.

Numinous 19 - Yari Ostovany

Jean Feinberg tavoittelee hiljaisempaa, intiimimpää valoisuutta — puhtaan pigmentin peräkkäiset laseeraukset säteilevät kankaan sisältä; mietiskelevä valo palkitsee kärsivällisen katsojan.

R/Y/B - Jean Feinberg

Gudrun Mertes-Frady työskentelee suoraan Color Field -maalauksen perinteessä — tiiviit, värähtelevät pinnat pitävät painon ja keveyden sekä peittävyyden ja läpinäkyvyyden jännitteisessä tasapainossa.

Vastakkaiset virtaukset nro I - Gudrun Mertes-Frady

Tracey Adams työskentelee enkaustisen tekniikan parissa — pigmentoidun vahan kerroksia sulatetaan yhteen lämmön avulla — ja tuloksena on lämmin sisäinen valo sekä mietiskelevä pelkistetty ilmaisu, joka heijastaa Rothkon laseerauspyrkimystä.

0218-10 - Tracey Adams

Dana Gordon — teoksen Huomioita ja pohdintoja Rothkosta Pariisissa kirjoittaja — tavoittelee väriä värähtelevänä optisena energiana asetellessaan litteitä värikenttiä kaleidoskooppimaisten ruudukkojen päälle push-pull-menetelmällä.

Altitude - Dana Gordon

Martina Nehrling rakentaa tiiviitä kromaattisia kerrostumia, joiden sisäinen paine työntyy ulospäin — väri fyysisenä tapahtumana, emotionaalinen lataus, jonka keho rekisteröi ennen kuin mieli pystyy nimeämään sen.

Fume - Martina Nehrling

Jill Moser työskentelee eleen ja kentän välimaastossa — hänen jälkensä sulautuvat katsojan ympäröiviksi kromaattisiksi tiloiksi, ja teoksen tekemisen fyysinen tapahtuma on sisällytetty valmiin teoksen emotionaaliseen sisältöön.

7.3 - Jill Moser

Janise Yntema työskentelee kerroksittain levitettävän enkaustisen tekniikan parissa luoden läpikuultavaa syvyyttä ja sisäistä valoa — materiaaliin vangittua väriä, Rothkon laseerauspyrkimystä heijastavaa pysähtynyttä valoa.

The Whisper of Solitude – Janise Yntema

Kim Uchiyama levittää öljyväriä ohuina, läpikuultavina kerroksina – jokainen kerros rikastaa sen alla olevaa – ja synnyttää pinnan hehkun, joka koetaan sisäisenä valona; kyseessä on visuaalinen värähtely, jonka keho aistii ennen kuin mieli käsittelee sitä.

Chord – Kim Uchiyama

Paul Richard Landauer jakaa Rothkon vakaumuksen siitä, että maalaus on teko eikä kuva – hänen lasketut, rytmiset siveltimenvetonsa ovat meditatiivista kurinalaisuutta Art Informel -perinteessä, jonka tuloksissa on samaa hiljaista intensiteettiä.

Forever – Paul Landauer

14. Missä voin nähdä Rothkon teoksia Euroopassa?

Euroopan merkittäviin kokoelmiin kuuluvat Lontoossa sijaitseva Tate Modern (Rothko-huone Seagramin seinämaalauksineen), Kunstmuseum Basel, Pariisissa sijaitseva Centre Pompidou sekä niin ikään Pariisissa sijaitseva Fondation Louis Vuitton, jossa järjestettiin merkittävä retrospektiivi vuonna 2023. Baselissa sijaitsevalla Beyeler Foundationilla on myös merkittäviä teoksia.

15. Mitä minun pitäisi lukea ymmärtääkseni Rothkoa paremmin?

Aloita Rothkon omasta teoksesta The Artist's Reality (Yale University Press, 2004), joka on olennainen ensisijainen lähde. Lisäksi: James E. B. Breslinin elämäkerta Mark Rothko: A Biography (1993), vuoden 1998 National Gallery of Artin retrospektiivin näyttelyluettelo sekä Taten vuoden 2008 Rothko-retrospektiivin luettelo. Henkilökohtaisen aikalaiskuvauksen löydät myös täältä: Notes and Reflections on Rothko in Paris, kirjoittajana Dana Gordon, julkaistu Ideelartissa.

Francis Berthomier – päivitetty ja laajennettu syyskuussa 2026

Esittelykuva: Untitled (Multiform) 1948, yksityiskohta

SAMANKALTAISET TEOKSET