Miten Paul Klee'n maalaukset inspiroivat amerikkalaisia taiteilijoita

Usein sanotaan, että abstrakti ekspressionismi oli ensimmäinen puhtaasti amerikkalainen taidesuunta. Se edusti väitetysti ensimmäistä kertaa, kun amerikkalaiset taiteilijat, joita edustavat New Yorkin koulun jäsenet, vapautuivat eurooppalaisesta vaikutteesta luodakseen oman ainutlaatuisen esteettisen äänen. Mutta pitkä katsaus Paul Klee -maalauksiin, jotka on maalattu kolmen vuosikymmenen aikana ennen New Yorkin koulun aamunkoittoa, paljastaa, että ehkä abstraktit ekspressionistit eivät olleet niin vapaita vanhan maailman vaikutteista kuin taidehistoriakirjat väittävät. Nyt ensimmäistä kertaa Center Paul Klee Bernissä, Sveitsissä, yrittää aloittaa vakavan tieteellisen tarkastelun lukemattomista tavoista, joilla amerikkalaiset sodanjälkeiset taiteilijat olivat saaneet vaikutteita Paul Klee -teoksista. Tämän tutkimuksen käynnistämiseksi keskus avasi äskettäin näyttelyn 10 amerikkalaista Paul Klee jälkeen. Klee:n maalauksien rinnalla on erinomaisia esimerkkejä Jackson Pollockin, Mark Tobeyn, Kenneth Nolandin, William Baziotesin, Adolph Gottliebin, Norman Lewisin, Robert Motherwellin, Gene Davisin, Theodoros Stamosin ja Bradley Walker Tomlinin töistä. Tämä ei ole vain vertaansa vailla oleva tilaisuus nähdä töitä joiltakin 1900-luvun vaikutusvaltaisimmilta amerikkalaisilta maalareilta, vaan Center Paul Klee -kuraattoreiden sanojen mukaan tämä uraauurtava näyttely kantaa myös.

"vakuuttava ja vaikuttava todistus siitä, kuinka paljon nämä taiteilijat saivat inspiraatiota Klee'n taiteellisista käsitteistä ja käytännöistä."

Abstraktin avantgarden pioneeri

Paul Klee syntyi Bernissä, Sveitsissä, vuonna 1879, eikä hän ollut lainkaan luonnonlahjakkuus taiteilijana. Hänen päiväkirjastaan, jota hän piti tiukasti yllä vuosina 1897–1918, käy ilmi, että hän piti itseään kauheana epäonnistujana värin ymmärtämisessä ja oli varma jo varhain, että hän oli tuomittu taiteilijana. Mutta vuoteen 1911 mennessä, vuosien koulutuksen ja useiden epäonnistumisten jälkeen, hänen asenteensa ja onnensa olivat täysin muuttuneet. Se oli vuosi, jolloin hän tapasi Wassily Kandinskyn ja hyväksyttiin avantgarde-ryhmän Blue Rider jäseneksi. Klee sai inspiraatiota Kandinskyn mielentaitavuudesta ja esteettisistä ideoista. Ja vaikka hän säilytti jonkin verran ainutlaatuista esteettistä lähestymistapaa, Kleeestä tuli nopeasti vaikutusvaltainen osallistuja ryhmän filosofisessa kehityksessä.

Mutta sitten tuli ensimmäinen maailmansota. Kuten monet hänen taiteilijakollegansa, Klee kutsuttiin pakolla Preussin armeijaan. Vaikka Klee ei koskaan joutunut taistelemaan etulinjassa, sota vei monien hänen ystäviensä hengen ja muutti dramaattisesti hänen tapaansa nähdä taide. Klee on sanonut: "Mitä kauheammaksi tämä maailma muuttuu, sitä abstraktimmaksi taide muuttuu." Sodan jälkeen hän omistautui enemmän kuin koskaan abstraktiolle keinona paljastaa se, mikä on universaalia ja puhdasta. "Taide ei toista näkyvää," hän sanoi. "Se tekee näkyväksi." Tämän uraauurtavan asenteen ollessa kokeidensa ytimessä, hän sai nopeasti laajan maineen ensimmäisen maailmansodan jälkeisen Euroopan avantgarden johtajana.

Paul Klee - Tuli täysikuussa, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Paluu Berniin

Kleen ilmeinen intohimo ja nerous tekivät hänestä arvostetun kollegoidensa keskuudessa, ja 1930-luvun aikana hän oli vakiinnuttanut asemansa vaikutusvaltaisena opettajana nuoremmalle sukupolvelle. Hän toimi arvostettuna professorina Düsseldorfissa vuosina 1931–1933, ja oli tietenkin myös yksi kuuluisan Bauhausin johtavista opettajista. Mutta kun Weimarin tasavalta päättyi vuonna 1933, ja Eurooppa näytti jälleen olevan sodan partaalla, Klee oli mukana taiteilijoiden listalla, joita nouseva natsipuolue tavoitteli. Hän pakeni Saksasta ja palasi Sveitsiin. Samaan aikaan monet hänen taidekauppiaistaan pakenivat Yhdysvaltoihin. Vaikka Klee myi lähes mitään teoksia Euroopassa vuosina 1933 kuolemaansa 1940, hänen kauppiaansa jatkoivat monien hänen maalauksensa myymistä Yhdysvalloissa. Ja 1930- ja 40-luvuilla Klee-näyttelyitä oli lukuisia ympäri Yhdysvaltoja.

Monet New Yorkin koulun jäsenet puhuivat avoimesti Paul Klee -maalauksista saamastaan inspiraatiosta. Kuten Klee, myös nämä taiteilijat olivat äskettäin nousseet pelottavasta maailmansodasta ja etsivät uusia tapoja ilmaista sanomatonta. Vaikka he eivät ehkä suoraan kopioineet hänen visuaalista tyyliään, Klee käyttämät menetelmät maalauksensa tekemisessä rohkaisivat heitä etsimään ajattomampaa, ikiaikaista ja puhtaampaa tapaa tehdä taidetta. Paul Kleelle annetuista monista innovaatioista, jotka vaikuttivat suoraan amerikkalaiseen toisen maailmansodan jälkeiseen avantgardeen, ovat automatismi (piirtäminen tiedostamatta, tekniikka, jonka surrealistit myöhemmin omaksuivat), primitivismi (paluu taiteen tekemisen varhaisimmille, primaarisimmille menetelmille, jonka myöhemmin omaksuivat Art Brut -puolustajat) ja reduktivismi (universaalien symbolien yksinkertaistaminen niiden yksinkertaisimpaan luonteeseen, jotain, mitä Klee oli oppinut varhaisilta abstrakteilta taiteilijoilta kuten Kandinskyltä ja Malevichilta).

Paul Klee - Kuva Tiree du Boudoir, 1922, Kopio öljyllä ja vesivärillä paperille pahville, 13 1/10 × 19 3/10 tuumaa, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Automaattinen piirustus

10 amerikkalaista Paul Klee jälkeen -näyttely valitsee erinomaisesti amerikkalaisten taiteilijoiden teoksia, jotka ilmentävät kolmea Kleehen usein liitettyä käsitettä. Automaattisen piirtämisen alueella esillä ovat teokset Jackson Pollockilta, Bradley Walker Tomlinilta ja Mark Tobeyltä. Pollockin teos Kompositio No. 16 (1948) on silmiinpistävä sen eloisassa värimaailmassa. Eleelliset valkoiset viivat sekoittuvat räjähtäviin keltaisiin läikkiin ja dramaattisiin mustiin pyörteisiin, kaikki syvän sinisen meren päällä. Maalaus edustaa täydellisesti automaattisen piirtämisen menetelmää, jota Klee käytti, ja jota Pollock tunnetusti käytti innovoidessaan ikonisissa "roiskemaalauksissaan". Tomlinin teos Numero 12 (1949) osoittaa automaattisen piirtämisen käyttöä eleellisten merkintöjen, kalligrafisten, lineaaristen muotojen ja laajojen, intuitiivisten mustien siveltimenvetojen kautta. Mark Tobeyn teos Jälki (1961) on räjähtävä, kaikkialle ulottuva kompositio, joka on täynnä intuitiivisia merkintöjä, jotka paljastavat alitajuntaista ahdistusta, hermostunutta energiaa ja lyyristä ilmaisua.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Gouache piirustuspaperille, 99.7 x 69.5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Hankittu 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismi

Demonstrating primitivism, or a return to ancient, primal art making, in 10 Americans After Paul Klee, are works by Robert Motherwell, Theodoros Stamos and William Baziotes. Abstraction on Turquoise (1945) by Motherwell will be an absolute revelation for fans of this painter who are not familiar with his earlier works. Motherwell made a reputation for his bold, black, biomorphic, melancholy gestural abstractions. This painting is vividly colorful and almost whimsical, but its primitive forms and textures are clear indicators of the direction he took in his later works. Ohne Titel (1945) by Theodoros Stamos is perhaps the most figurative work in the exhibition. A primitive abstraction reminiscent of an island landscape, the work evokes the imagery of cave paintings. Pierrot (1947) by William Baziotes, as its title suggests, alludes to the classic French pantomime character of the same name. The simplified, primitive forms in the paintings reduce the character to its essential elements and portray him in a highly simplified, and yet also highly expressive way.

Robert Motherwell - Abstraktio turkoosilla, 1945, öljy, emaliväri, hiekka ja hiili kankaalla, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Reduktivismi

Reduktionismin, eli olennaisten, universaalien symbolien yksinkertaisimpien muotojen vähentämisen, osoittavat teokset 10 amerikkalaista Paul Klee jälkeen -näyttelyssä, jotka ovat Adolph Gottliebin, Kenneth Nolandin, Gene Davisin ja Norman Lewisin töitä. Adolph Gottliebin kaksi maalausta Labyrinth #1 (1950) ja The Seer (1950) ovat monilta osin melko lähellä Paul Kleen varhaista reduktiivista abstraktia työtä. Työskennellen ruudukon taustalla, ne esittävät valikoiman abstrakteja, vähennettyjä symbolisia muotoja sekoitettuna geometrisiin elementteihin ja figuuriin viittaaviin elementteihin. Niiden kuluneet pinnat ja eleelliset alakerrokset luovat monimutkaisuutta ja syvyyttä, joka peittää monien kompositioiden keskeisten elementtien yksinkertaisuuden. Kenneth Nolandin In the Garden (1952) käy kiehtovaa keskustelua Gottliebin teosten kanssa. Siinä on dramaattinen X lähes kankaan tarkassa keskiosassa, jota ympäröivät diagonaaliset viivat, jotka puhuvat ehkä rikkoutuneesta ruudukosta tai ehkä primitiivisistä ohjeellisista merkinnöistä. Vaikka yksinkertaistettu, värien vetovoima ja työntö tässä maalauksessa antavat sille yllättävää syvyyttä ja valoa.

Gene Davisin "Rain Dance I" (1960) on erinomainen esimerkki reduktiivisesta koostumuksesta. On vaikeaa sanoa, että tämä erityinen maalaus olisi suoraan saanut inspiraationsa Paul Kleeltä. Sen puhtaat värit ja erittäin tislattu, lineaarinen, geometrinen kuvasto erottavat sen kauas kaikista muista teoksista tässä näyttelyssä. Mutta se puhuu ehdottomasti takaisin varhaisille abstrakteille taiteilijoille, kuten Malevichille, jotka inspiroivat Kleetä, ja taiteilijoille, kuten Mondrian, joka myös tutki viivojen, suorakulmioiden ja puhtaiden värialueiden reduktiivisia puolia. Lopuksi Norman Lewisin "Promenade" (1950) täyttää tärkeän aukon näyttelyssä. Se yhdistää reduktiivisuuden, primitivismin ja automaattisen piirtämisen elementtejä, ja se ratkaisee Paul Kleen vaikutuksen kehityksen kysymyksen. Monimutkaisuudessaan, energisyydessään ja jännityksessään tämä koostumus erottuu muista täysin amerikkalaisena ja täysin tulevaisuuteen suuntautuvana. Se on kiistatta saanut vaikutteita ideoista, joita Klee auttoi kehittämään, ja silti se edustaa seuraavaa askelta, jonka kaikki nämä amerikkalaiset taiteilijat pyrkivät ottamaan.

10 amerikkalaista Paul Klee jälkeen on esillä 7. tammikuuta 2018 asti Center Paul Klee:ssä Bernissä, Sveitsissä.

Esittelykuva: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, öljy kovalevylle, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Hankittu 1952, © 2017, Prolitteris