Miten Paul Klee'n maalaukset inspiroivat amerikkalaisia taiteilijoita

Usein sanotaan, että abstrakti ekspressionismi oli ensimmäinen täysin amerikkalainen taidesuuntaus. Sen väitetään edustaneen ensimmäistä kertaa, kun amerikkalaiset taiteilijat, kuten New Yorkin koulukunnan jäsenet, irtautuivat eurooppalaisesta vaikutuksesta ja loivat oman ainutlaatuisen esteettisen äänensä. Mutta pitkä tarkastelu Paul Kleen maalauksista, jotka on tehty kolmen vuosikymmenen aikana ennen New Yorkin koulukunnan syntyä, paljastaa, että ehkä abstraktit ekspressionistit eivät olleetkaan niin vapaita vanhan maailman vaikutuksista kuin taidehistorian kirjat antavat ymmärtää. Nyt ensimmäistä kertaa Sveitsin Bernissä sijaitseva Paul Kleen keskus pyrkii aloittamaan vakavan tieteellisen tutkimuksen siitä, miten monin tavoin amerikkalaiset sodanjälkeiset taiteilijat ovat saaneet vaikutteita Paul Kleen töistä. Tämän tutkimuksen käynnistämiseksi keskus avasi äskettäin näyttelyn 10 amerikkalaista Paul Kleen jälkeen. Näyttelyssä Kleen maalauksien rinnalla on erinomaisia esimerkkejä Jackson Pollockin, Mark Tobeyn, Kenneth Nolandin, William Baziotesin, Adolph Gottliebin, Norman Lewisin, Robert Motherwellin, Gene Davisin, Theodoros Stamosin ja Bradley Walker Tomlinin töistä. Tämä ei ole ainoastaan ainutlaatuinen tilaisuus nähdä töitä 1900-luvun vaikutusvaltaisimmilta amerikkalaisilta maalareilta, vaan Paul Kleen keskuksen kuraattoreiden sanoin tämä uraauurtava näyttely tarjoaa myös

“osuvasti ja vaikuttavasti todistusta siitä, kuinka paljon nämä taiteilijat saivat inspiraatiota Kleen taiteellisista käsitteistä ja käytännöistä.”

Abstraktin edelläkävijä

Paul Klee syntyi Bernissä, Sveitsissä, vuonna 1879, eikä hän ollut luonnostaan taiteilija. Hänen päiväkirjamerkintänsä, joita hän piti tarkasti vuosina 1897–1918, paljastavat, että hän piti itseään surkeana värien ymmärtäjänä ja oli varma jo varhain, että hän oli tuomittu epäonnistumaan taiteilijana. Mutta vuoteen 1911 mennessä, monien opintojen ja epäonnistuneiden yritysten jälkeen, hänen asenteensa ja menestyksensä olivat täysin muuttuneet. Silloin hän tapasi Wassily Kandinskyn ja hyväksyttiin avantgardistiseen Siniratsastajat-ryhmään. Klee sai vaikutteita Kandinskyn henkisestä ketteryydestä ja esteettisistä ajatuksista. Vaikka hän säilytti jonkin verran oman ainutlaatuisen esteettisen lähestymistapansa, Kleeestä tuli nopeasti ryhmän filosofisen kehityksen vaikutusvaltainen jäsen.

Sitten tuli ensimmäinen maailmansota. Kuten monet muutkin taiteilijat, Klee kutsuttiin väkisin Preussin armeijaan. Vaikka Klee ei koskaan joutunut taistelemaan etulinjassa, sota vei monien hänen ystäviensä hengen ja muutti dramaattisesti hänen suhtautumistaan taiteeseen. Klee on sanonut: ”Mitä hirvittävämmäksi tämä maailma käy, sitä abstraktimmaksi taide muuttuu.” Sodan jälkeen hän omistautui entistä enemmän abstraktiolle keinona paljastaa universaalia ja puhdasta. ”Taide ei toista näkyvää,” hän sanoi. ”Se tekee näkyväksi.” Tämän uraauurtavan asenteen ohjaamana hän sai nopeasti laajan maineen ensimmäisen maailmansodan jälkeisen eurooppalaisen avantgarden johtajana.

Paul Klee - Täysikuun tuli, 1933, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Paluu Berniin

Kleen ilmeinen intohimo ja lahjakkuus tekivät hänestä arvostetun vertaistensa keskuudessa, ja 1930-luvulla hän oli myös nuoremman sukupolven vaikutusvaltainen opettaja. Hän toimi arvostettuna professorina Düsseldorfissa vuosina 1931–1933 ja oli tietysti myös yksi kuuluisan Bauhausin johtavista opettajista. Mutta kun Weimarin tasavalta päättyi vuonna 1933 ja Eurooppa jälleen näytti olevan sodan partaalla, Klee joutui natsipuolueen kohteeksi taiteilijalistalla. Hän pakeni Saksasta ja palasi Sveitsiin. Sillä välin monet hänen taidekauppiaistaan pakenivat Yhdysvaltoihin. Vaikka Klee myi lähes mitään töitään Euroopassa vuosina 1933–1940, hänen kauppiaansa myivät paljon hänen maalauksiaan Yhdysvalloissa. 1930- ja 40-luvuilla järjestettiin lukuisia Kleen näyttelyitä Yhdysvalloissa.

Monet New Yorkin koulukunnan jäsenet puhuivat avoimesti Paul Kleen maalauksista saamistaan vaikutteista. Kuten Klee, nämä taiteilijat olivat myös äskettäin selvinneet kauheasta maailmansodasta ja etsivät uusia tapoja ilmaista sanomatonta. Vaikka he eivät suoraan kopioineet hänen visuaalista tyyliään, Kleen käyttämät menetelmät rohkaisivat heitä etsimään ajattomampaa, ikiaikaisempaa ja puhtaampaa taiteen tekemisen tapaa. Paul Kleelle on myönnetty monia innovaatioita, jotka vaikuttivat suoraan amerikkalaiseen sodanjälkeiseen avantgardeen, kuten automaattinen piirtäminen (tiedostamaton piirtäminen, tekniikka, jonka surrealistit myöhemmin omaksuivat), primitivismi (paluu varhaisimpiin, alkuperäisiin taiteen tekemisen tapoihin, myöhemmin Art Brut -liikkeen kannattajien omaksuma) ja reduktivismi (universaalien symbolien yksinkertaistaminen niiden puhtaimpaan muotoon, mitä Klee oli oppinut varhaisilta abstrakteilta taiteilijoilta kuten Kandinskyltä ja Malevichilta).

Paul Klee - Image Tiree du Boudoir, 1922, Öljy- ja vesivärikopio paperilla ja kartongilla, 33,2 × 49 cm, © Paul Klee / Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn

Automaattinen piirtäminen

Näyttely 10 amerikkalaista Paul Kleen jälkeen valitsee erinomaisesti amerikkalaisten taiteilijoiden töitä, jotka edustavat parhaiten Kleelle tyypillisiä kolmea käsitettä. Automaattisen piirtämisen alueella on esillä teoksia Jackson Pollockilta, Bradley Walker Tomlinilta ja Mark Tobeylta. Pollockin Composition No. 16 (1948) on vaikuttava elävässä värimaailmassaan. Elehtivät valkoiset viivat sekoittuvat räjähtäviin keltaisiin läiskiin ja dramaattisiin mustiin pyörteisiin, kaikki syvän sinisen meren päällä. Maalaus edustaa täydellisesti automaattisen piirtämisen menetelmää, jota Klee käytti ja jota Pollock käytti kuuluisasti kehittäessään ikonisia ”roiske”maalauksiaan. Tomlinin Number 12 (1949) osoittaa automaattisen piirtämisen käyttöä elehtivillä merkeillä, kalligrafisilla, lineaarisilla muodoilla ja laajoilla, intuitiivisilla mustilla siveltimenvedoilla. Mark Tobeyn After the Imprint (1961) on räjähtävä, kokonaisvaltainen teos, joka on täynnä intuitiivisia merkkejä kulmasta kulmaan, paljastaen alitajuisen ahdistuksen, hermostuneen energian ja lyyrisen ilmaisun.

Mark Tobey - After the Imprint, 1961, Guassi piirustuspaperilla, 99,7 x 69,5 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Hankittu 1962, © 2017, ProLitteris

Primitivismi

Primitivismiä eli paluuta muinaiseen, alkuperäiseen taiteen tekemiseen edustavat näyttelyssä 10 amerikkalaista Paul Kleen jälkeen Robert Motherwellin, Theodoros Stamosin ja William Baziotesin teokset. Motherwellin Abstraction on Turquoise (1945) on todellinen löytö tämän maalarin faneille, jotka eivät tunne hänen varhaisempia töitään. Motherwell tunnettiin rohkeista, mustista, biomorfisista, melankolisista eleellisistä abstraktioistaan. Tämä maalaus on värikäs ja lähes leikkisä, mutta sen primitiiviset muodot ja pinnat kertovat selvästi suunnasta, johon hän myöhemmissä töissään suuntautui. Theodoros Stamosin Ohne Titel (1945) on ehkä näyttelyn figuratiivisin teos. Se on primitiivinen abstraktio, joka muistuttaa saaren maisemaa ja tuo mieleen luolamaalaukset. William Baziotesin Pierrot (1947), kuten nimikin viittaa, viittaa klassiseen ranskalaiseen pantomiimihahmoon. Maalauksissa yksinkertaistetut, primitiiviset muodot tiivistävät hahmon olennaisiin osiin ja esittävät hänet hyvin yksinkertaistetulla, mutta samalla hyvin ilmeikkäällä tavalla.

Robert Motherwell - Abstraction on Turquoise, 1945, Öljy, emaliväri, hiekka ja hiili kankaalle, 61 x 50 cm, Dedalus Foundation, Inc., © Dedalus Foundation, Inc. / 2017, ProLitteris

Reduktivismi

Reduktivismia eli olennaisten, universaalien symbolien yksinkertaistamista edustavat näyttelyssä 10 amerikkalaista Paul Kleen jälkeen Adolph Gottliebin, Kenneth Nolandin, Gene Davisin ja Norman Lewisin teokset. Adolph Gottliebin maalaukset Labyrinth #1 (1950) ja The Seer (1950) ovat monilta osin hyvin lähellä Paul Kleen varhaista reduktiivista abstraktia tyyliä. Ne työskentelevät ruudukon taustalla ja esittävät kokoelman abstrakteja, yksinkertaistettuja symbolisia muotoja, geometrisia elementtejä ja figuratiivisia viittauksia. Niiden kuluneet pinnat ja eleelliset pohjakerrokset luovat monimutkaisuutta ja syvyyttä, joka peittää monien näkyvien elementtien yksinkertaisuuden. Kenneth Nolandin In the Garden (1952) käy kiehtovaa keskustelua Gottliebin teosten kanssa. Siinä on dramaattinen X lähes kankaan keskellä, jota ympäröivät vinot viivat, jotka saattavat viitata rikkoutuneeseen ruudukkoon tai primitiivisiin opastaviin merkkeihin. Vaikka yksinkertaistettu, värien vuorovaikutus tässä maalauksessa antaa sille yllättävän syvyyden ja kirkkauden.

Gene Davisin Rain Dance I (1960) on erinomainen esimerkki reduktiivisesta sommittelusta. On vaikea sanoa, että tämä maalaus olisi suoraan saanut vaikutteita Paul Kleeltä. Sen puhtaat värit ja hyvin pelkistetty, lineaarinen, geometrinen kuvasto erottavat sen selvästi muista näyttelyn teoksista. Mutta se viittaa varmasti varhaisiin abstrakteihin taiteilijoihin kuten Malevichiin, jotka inspiroivat Kleetä, sekä taiteilijoihin kuten Mondrian, jotka tutkivat myös viivojen, suorakulmioiden ja puhtaiden väripintojen reduktiivisia puolia. Lopuksi Norman Lewisin Promenade (1950) täyttää näyttelyssä tärkeän aukon. Se yhdistää reduktivismin, primitivismin ja automaattisen piirtämisen elementtejä ja ratkaisee kysymyksen Paul Kleen vaikutuksen kehityksestä. Monimutkaisuudessaan, energisyydessään ja innostuksessaan tämä teos erottuu muista amerikkalaisena ja tulevaisuuteen katsovana kokonaisuutena. Se on kiistatta saanut vaikutteita Kleen kehittämistä ideoista, mutta edustaa myös seuraavaa askelta, johon kaikki nämä amerikkalaiset taiteilijat pyrkivät.

Näyttely 10 amerikkalaista Paul Kleen jälkeen on esillä 7. tammikuuta 2018 asti Paul Kleen keskuksessa Bernissä, Sveitsissä.

Kuvassa: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, Öljy kovalevylle, 49,5 x 76,2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, Hankittu 1952, © 2017, Prolitteris.