Väri, keskittyminen ja kenttä Kenneth Nolandin maalauksissa

Satunnainen tarkkailija saattaisi sekoittaa Kenneth Nolandin muotoilijaksi. Itse asiassa muistettavimmat Kenneth Nolandin maalaukset ilmentävät rajallista valikoimaa muotoja ja kuvioita: ympyröitä, viittoja, timantteja, raitoja ja ruutuja. Mutta toisin kuin tämä näkökulma, Noland ei ollut lainkaan kiinnostunut asioista kuten muoto ja suunnittelu. Syynä siihen, että hän palasi samaan kuvastoon yhä uudelleen, oli se, että hän uskoi toiston kutsuvan katsojat sivuuttamaan muodot ja suunnittelut, ja keskittymään sen sijaan hänen todelliseen kiinnostuksen kohteeseensa: värin ja kentän äärettömään potentiaaliin.

Matka tyyliin

Lisäksi erinomaisena taiteilijana Kenneth Noland on myös erinomainen esimerkki G.I. Billin arvosta; Yhdysvaltain hallituksen ohjelma, joka mahdollistaa vapautettujen sotilaiden opiskella yliopistossa ilman lukukausimaksuja. Vuonna 1942 Noland liittyi Yhdysvaltain ilmavoimiin 18-vuotiaana. Palattuaan kotiin Pohjois-Carolinaan toisen maailmansodan päätyttyä hän käytti G.I. Billin etuja ilmoittautuakseen paikalliseen taidekouluunsa. Tämä koulu oli kuuluisa Black Mountain College, johon monet vaikutusvaltaiset opettajat Bauhausista olivat siirtyneet, kun heidän akatemiansa suljettiin natsi-interferenssin vuoksi.

Black Mountain Collegessa Noland opiskeli Ilya Bolotowskyn alaisuudessa, joka oli ollut Piet Mondrianin, Neo-Plastismin perustajan, suojatti. Neo-Plastistien perinteessä Bolotowsky puolusti yksinkertaisia geometrisia kuvioita ja puhtaita värejä. Noland opiskeli myös Josef Albersin alaisuudessa, joka oli johtava modernistinen teoreetikko ja taiteilija sekä intohimoinen väri-suhteiden opiskelija. Noland omaksui opettajiensa mentoroinnin ja kehitti heidän ideoitaan, luoden elinikäisen kiinnostuksen yksinkertaisten, elävistä väreistä koostuvien kompositioiden ilmaisukykyyn.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryyli kankaalle. 60 x 60 tuumaa. Cornelia Noland Reis'in kokoelma. © Kenneth Noland

Post-painovoimainen abstraktio

Morris Louisin, Helen Frankenthalerin, Clyfford Stillin, Mark Rothkon ja Jules Olitskin kanssa Kenneth Noland liittyi pian Color Field -liikkeeseen, joka on yksi taiteellisista suuntauksista, joita kutsutaan Post-Painterly Abstractioniksi. Clement Greenbergin vuonna 1964 Los Angelesin piirikunnan taidemuseossa kuratoimansa näyttelyn yhteydessä keksimä termi Post-Painterly Abstraction viittaa suuntaukseen, joka siirtyy maalaustaidosta, paksuista teoksista, kohti tasaisia pintoja ja näkyvien siveltimenvetojen puutetta.

Vaikka termillä Color Field Painting on hieman epäselvä määritelmä, Kenneth Noland oli Post-Painterly Abstractionin arkkityyppinen edustaja. Hänen maalauksensa hylkäsivät Abstraktin Ekspressionismin henkilökohtaisen draaman. Ne yksinkertaistivat maalaamisen keinoja, hyläten kollaasin, kokoelmat, löydetyt esineet ja muut monimutkaisuudet, luottaen sen sijaan yksinkertaisimpiin ainesosiin: maaliin ja kankaaseen. Hänen värit olivat eloisia ja puhtaita, hänen kompositionsa olivat suoria ja yksinkertaisia, ja hänen kuvansa sulautuivat yhteen niiden tukien kanssa.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryyli kankaalle. 75 x 141 tuumaa. © Kenneth Noland

Värin yhdistäminen kenttään

Noland loi ensimmäiset niin sanotut Color Field -maalauksensa noin vuonna 1956. Ne koostuivat värillisistä ympyröistä, jotka olivat keskenään eristyneitä renkaita. On houkuttelevaa spekuloida, että nämä maalaukset liittyivät jotenkin hänen kokemukseensa sodassa, koska ne muistuttivat maaleja. Mutta useissa haastatteluissa Noland on sanonut valinneensa ympyräaiheen, koska se oli ei-kuva, joka saattoi antaa silmälle mahdollisuuden uppoutua värikokemukseen. Mutta väri ei ollut ainoa asia, josta hänen maalauksensa kertoivat. Ne käsittelivät myös maalausten ja niiden pinnan välisen eron kohtaamista.

Taidehistorian suurimman osan ajan maalauksia on pidetty kuvina, jotka on maalattu valmistetuille pinnoille. Maalausalue, eli kangas, oli esikäsitelty, venytetty ja pohjustettu. Se odotti maalausta, tuki sitä ja oli erillään kuvasta. Maalareiden, kuten Noland, mielissä tämä erottelu oli haitaksi. Sen sijaan, että taiteilija olisi nauttinut vapaasta, esteettömästä ilmaisusta, hän oli rajoitettu tai ohjattu ennalta määrätyn tuen mukaan, huolimatta siitä, että syntyvä kuva saattoi olla vielä kuviteltavissa. Noland halusi yhdistää kuvan tuen kanssa yhdistämällä väriä kenttään yhtenäisessä esteettisessä lausunnossa.

Kenneth Noland - Aamuhorisontti, 1963. Akryyli kankaalle. 103,7 x 142,5 tuumaa. © Kenneth Noland

Yhdistetty Ilmaiseva Objekti

Noland sai ilmestyksensä vuonna 1953, muotona studio vierailu taiteilija Helen Frankenthalerin kanssa. Hänen New Yorkin studiossaan Frankenthaler oli kehittänyt sen, mitä hän kutsui soak-stain-tekniikaksi. Sen sijaan, että hän olisi pohjustanut esikoonnetun kankaan maalattavaa kuvaa varten, hän levitti raakakankaita lattialle ja kaatoi sitten maalia suoraan pohjustamattomalle pinnalle. Maali sulautui pintaan, leviten orgaanisesti kankaan kanssa yhdistyessään. Maali ja tuki muodostivat yhden kokonaisuuden.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akryylihartsi kankaalle. 98 x 208 tuumaa. © Kenneth Noland

Noland omaksui välittömästi Frankenthalerin soak-stain -tekniikan. Se antoi hänelle mahdollisuuden luoda yhtenäinen objekti, johon väri oli upotettu. Se mahdollisti myös siveltimen jälkien poistamisen, joita pidettiin taiteilijan persoonan merkkinä. Nämä kaksi edistystä yhdessä mahdollistivat hänelle maalauksien tekemisen, jotka eivät keskittyneet mihinkään erityiseen esittämiseen, vaan olivat olennaisista elementeistä, jotka häntä vaivasivat, kuten väri, pinta, tekstuuri, symmetria ja mittakaava.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryyli kankaalle. © Kenneth Noland

Rajaus

On hyvin dokumentoitu, että Noland, samoin kuin hänen aikalaistensa Morris Louis, omaksui soak-stain -tekniikan Helen Frankenthalerilta. Mutta on olemassa toinen tekniikka, jonka Kenneth Noland omaksui myöhemmin urallaan, joka saattoi myös olla inspiroitunut Frankenthalerista. Se on käytäntö, jota kutsutaan rajaukseksi. Valokuvauksessa kuvan rajaaminen tarkoittaa vain sen osan valitsemista, jonka haluat tulostaa, paljastaen vain sen, mistä pidät. Monet valokuvat Frankenthalerista hänen studiossaan näyttävät hänen työskentelevän massiivisten venyttämättömien kankaiden parissa. Hän rajasi ja kehysti kankaitaan niiden maalaamisen jälkeen, mikä mahdollisti hänen kehittää kuvaa mahdollisimman vähäisin rajoituksin ja sitten valita minkä tahansa alueen, jonka hän koki tuottavan ilmeikkäimmän objektin. Tämä oli käytäntö, jota Kenneth Noland käytti laajasti, erityisesti kun hän alkoi tehdä muotoiltuja kankaita. Hän työskenteli massiivisella kankaalla lattialla ja loi värikoostumuksia ilman tilarajoituksia. Tämä mahdollisti hänen tutkia värisuhteita vapaasti ilman huolta lopputuloksesta. Kun luomisen ja löytämisen prosessi oli valmis, hän saattoi sitten "leimata" lopullisen kuvan, valiten alueen, jonka hän halusi kehystää loputtomista mahdollisista vaihtoehdoista, mikä oli periaatteessa editointiprosessi. Noland viittasi tämän prosessin kauneuteen vuoden 1977 haastattelussa Diane Waldmanille Art in Americassa, sanoen: “Väri voi olla kuvan reunalla tai kuvan sisällä: kysymys ylhäältä, alhaalta, vasemmalta, oikealta tuli täysin joustavaksi, samoin kuin kysymys rinnakkaisesta tai pystysuorasta tai vaakasuorasta.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryyli kankaalle. © Kenneth Noland

Yksinkertaisuuden Syvyydet

Kenneth Noland katsoi ajoittain kuvanveistäjiin pyrkiessään tutkimaan värin abstraktia luonteen. Kuvaaja David Smith inspiroi häntä erityisesti, ja Noland jopa ajoittain teki yhteistyötä kuvanveistäjä Tony Caron kanssa, maalaten hänen veistoksensa niiden valmistumisen jälkeen. Hän teki tämän puhtaasti uteliaisuudesta ja kokeilun hengessä. Hän ei voinut tarkasti ilmaista, mitä hän toivoi löytävänsä tai mitä tällaiset kokeilut tarkoittivat. Hän sanoi: “Meillä on taipumus aliarvioida paljon merkitystä, joka elämässä tapahtuu, joka ei ole sanallista. Väri voi välittää täydellisen valikoiman tunnelmaa ja ilmaisua, elämänkokemuksista, ilman että sen tarvitsee antaa kuvailevia tai kirjallisia ominaisuuksia.”

Kenneth Noland - Kadmiumhehku. © Kenneth Noland

Yksinkertaisuudelle ja uteliaisuudelle perustuvaa uraa saattaa olla helppo vähätellä, jos on taipumusta monimutkaisuuteen. Kenneth Nolandin maalaukset näyttävät todellakin olevan täysin vailla draamaa. Ja silti ne ovat ilmeikkäitä. Ne ovat kuin lapsen itku, kellon soitto tai sireenin huuto. Tunnistamme ne heti sellaisina kuin ne ovat. Tiedämme, että ne pyytävät meitä reagoimaan, vaikka emme ehkä ymmärrä niiden tarkkaa tarkoitusta tai mitä reaktion tulisi tarkalleen ottaen olla. Mutta ehkä, kuten kellojen, huutojen ja sireenien kohdalla, kaikkien reaktio ei ole tarpeen.

Esittelykuva: Kenneth Noland - Huhtikuu (yksityiskohta), 1960. Akryyli kankaalle. 16 x 16 tuumaa. © Kenneth Noland
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park