Väri, keskittyminen ja kenttä Kenneth Nolandin maalauksissa
Satunnainen tarkkailija saattaisi erehtyä luulemaan Kenneth Nolandia kuvioiden maalariksi. Todellisuudessa Kenneth Nolandin mieleenpainuvimmat maalaukset ilmentävät rajattua muotojen ja kuvioiden kirjoa: ympyröitä, siksak-kuvioita, timantteja, raitoja ja ruutuja. Mutta tätä näkökulmaa vastaan Noland ei lainkaan ollut kiinnostunut muodoista ja kuvioista. Syynä siihen, että hän palasi yhä uudelleen samoihin kuviin, oli hänen uskomuksensa, että toisto saisi katsojat sivuuttamaan muodot ja kuviot ja keskittymään sen sijaan hänen todelliseen kiinnostuksen kohteeseensa: värin ja pinnan äärettömään mahdollisuuteen.
Matka tyyliin
Erinomaisen taiteilijan lisäksi Kenneth Noland on myös erinomainen esimerkki G.I. Bill -ohjelman arvosta; Yhdysvaltain hallituksen ohjelma, joka antaa kotiutuneille sotilaille mahdollisuuden opiskella yliopistossa ilman lukukausimaksuja. Vuonna 1942 Noland liittyi Yhdysvaltain ilmavoimiin 18-vuotiaana. Palattuaan toisen maailmansodan jälkeen kotiin Pohjois-Carolinaan hän käytti G.I. Billin etujaan ilmoittautuakseen paikalliseen taidekouluunsa. Tämä koulu sattui olemaan kuuluisa Black Mountain College, johon monet Bauhausin vaikutusvaltaiset opettajat olivat muuttaneet, kun heidän akatemiansa suljettiin natsien häirinnän vuoksi.
Black Mountain Collegessa Noland opiskeli Ilya Bolotowskyn johdolla, joka oli ollut Piet Mondrianin, neoplastismin perustajan, oppilas. Neoplastismin perinteessä Bolotowsky kannatti yksinkertaisia geometrisia kuvioita ja puhtaita värejä. Noland opiskeli myös Josef Albersin johdolla, joka oli johtava modernisti, teoreetikko ja maalari sekä intohimoinen värisuhteiden tutkija. Noland omaksui opettajiensa ohjauksen ja kehitti heidän ajatuksiaan, luoden elinikäisen kiinnostuksen yksinkertaisten, elävistä väreistä koostuvien sommitelmien ilmaisukykyyn.
Kenneth Noland - Globe, 1956. Akryyli kankaalle. 60 x 60 tuumaa. Cornelia Noland Reisin kokoelma. © Kenneth Noland
Post-maalaustaiteen abstraktio
Morris Louisin, Helen Frankenthalerin, Clyfford Stillin, Mark Rothkon ja Jules Olitskin rinnalla Kenneth Noland liitettiin pian Väripinnan liikkeeseen, joka on yksi taidesuuntauksista, joita kutsutaan post-maalaustaiteen abstraktioksi. Termi post-maalaustaiteen abstraktio lanseerattiin vuonna 1964 Clement Greenbergin toimesta Los Angelesin piirimuseon näyttelyssä, jonka hän kuratoi. Se viittaa suuntaukseen, jossa maalaustaiteessa siirrytään pois maalaustekniikkaa korostavista, paksuista maalikerroksista kohti tasaisia pintoja ja näkyvien siveltimenvedon puutetta.
Vaikka termi Väripinnan maalaus kärsii hieman epäselvästä määritelmästä, Kenneth Noland oli post-maalaustaiteen abstraktion perikuva. Hänen maalauksensa hylkäsivät abstraktin ekspressionismin henkilökohtaisen draaman. Ne yksinkertaistivat maalaamisen keinoja, hyläten kollaasin, kokoonpanot, löydetyt esineet ja muut monimutkaisuudet, luottaen sen sijaan yksinkertaisimpiin aineksiin: maaliin ja kankaaseen. Hänen värinsä olivat kirkkaita ja puhtaita, sommitelmat suoraviivaisia ja yksinkertaisia, ja kuvat sulautuivat yhdeksi tukipintojensa kanssa.
Kenneth Noland - Lapse, 1976. Akryyli kankaalle. 75 x 141 tuumaa. © Kenneth Noland
Värin ja pinnan yhdistäminen
Noland loi ensimmäiset niin kutsutut Väripinnan maalauksensa noin vuonna 1956. Ne koostuivat värillisten ympyröiden keskitetyistä renkaista. On houkuttelevaa arvailla, että nämä maalaukset liittyisivät jotenkin hänen sota-aikaiseen kokemukseensa, koska ne muistuttivat maaleja. Mutta useissa haastatteluissa Noland on sanonut valinneensa ympyräkuvion, koska se oli ei-kuva, joka voisi vetää katseen värikokemukseen. Mutta väri ei ollut ainoa asia, josta hänen maalauksensa kertoivat. Ne käsittelivät myös maalauspinnan ja kuvan erottamisen kohtaamista.
Suurimman osan taidehistoriasta maalauksia on pidetty kuvina, jotka on maalattu valmiille pinnoille. Maalauksen olemassaolon kenttä, eli kangas, oli esikäsitelty, venytetty ja pohjustettu. Se odotti maalausta, tuki sitä ja oli erillinen kuvasta. Maalarien, kuten Nolandin, mielissä tuo ero oli haitallinen. Vapaasta, esteettömästä ilmaisusta nauttimisen sijaan taiteilija oli rajoitettu tai ohjattu ennalta määrätyn tuen vuoksi, vaikka lopullinen kuva saattoi olla vielä kuviteltu. Noland halusi yhdistää kuvan ja tuen, yhdistäen värin ja pinnan yhtenäiseksi esteettiseksi kokonaisuudeksi.
Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Akryyli kankaalle. 103,7 x 142,5 tuumaa. © Kenneth Noland
Yhtenäinen ilmaisullinen esine
Noland sai valaistuksensa vuonna 1953, kun hän vieraili maalarin Helen Frankenthalerin studiossa. New Yorkin studiossaan Frankenthaler oli kehittänyt niin kutsutun imeytys- ja värjäystekniikan. Sen sijaan, että pohjustaisi esikäsitellyn kankaan maalattavaa kuvaa varten, hän levitti raakaa kangasta lattialle ja kaatoi maalia suoraan pohjaamattomalle pinnalle. Maali sulautui pintaan, levittäytyen orgaanisesti kankaan läpi. Maali ja tuki muodostivat yhden kokonaisuuden.
Kenneth Noland - Mach II, 1964. Akryylihartsi kankaalle. 98 x 208 tuumaa. © Kenneth Noland
Noland omaksui välittömästi Frankenthalerin imeytys- ja värjäystekniikan. Se antoi hänelle mahdollisuuden luoda yhtenäinen esine, johon väri oli upotettu. Se myös mahdollisti siveltimenvedon näkyvyyden poistamisen, joka nähtiin taiteilijan persoonan merkkinä. Yhdessä nämä kaksi edistysaskelta antoivat hänelle mahdollisuuden alkaa tehdä maalauksia, jotka eivät keskittyneet kuvaamaan mitään erityistä, vaan käsittelivät olennaisia elementtejä, jotka häntä kiinnostivat, kuten väriä, pintaa, rakennetta, symmetriaa ja mittakaavaa.
Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Akryyli kankaalle. © Kenneth Noland
Rajaus
On hyvin dokumentoitu, että Noland sekä hänen aikalaisensa Morris Louis omaksuivat imeytys- ja värjäystekniikan Helen Frankenthalerilta. Mutta on olemassa toinen tekniikka, jonka Kenneth Noland otti käyttöön myöhemmin urallaan ja joka saattoi myös olla saanut vaikutteita Frankenthalerilta. Se on rajauksen käyttö. Valokuvauksessa rajaus tarkoittaa kuvan osan valitsemista tulostettavaksi, paljastaen vain halutun osan. Monet kuvat Frankenthalerista studiossaan näyttävät hänen työskentelevän valtavien, venyttämättömien kankaiden kanssa. Hän rajasi ja kehysti kankaat maalattuaan ne, mikä antoi hänelle mahdollisuuden kehittää kuvaa mahdollisimman vapaasti ja valita sitten alue, jonka hän koki ilmaisullisimmaksi. Tätä menetelmää Kenneth Noland käytti laajasti, erityisesti aloittaessaan muotoiltujen kankaiden tekemisen. Hän työskenteli valtavalla kankaalla lattialla ja loi värisommitelmia ilman tilarajoituksia. Tämä antoi hänelle vapauden tutkia värisuhteita ilman huolta lopputuloksesta. Kun luomis- ja löytämisprosessi oli valmis, hän saattoi ”leimata” lopullisen kuvan, valiten alueen, jonka halusi kehystää loputtomista mahdollisuuksista, käytännössä editointiprosessina. Noland kuvasi tämän prosessin kauneutta vuoden 1977 haastattelussa Diane Waldmanin kanssa Art in America -lehdessä sanoen: ”Väri saattoi olla kuvan reunalla tai kuvan sisätilassa: ylä-, ala-, vasen- ja oikeakysymykset muuttuivat täysin joustaviksi, samoin kuin kysymys siitä, oliko jotain rinnakkain, pystysuoraa tai vaakasuoraa.”
Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Akryyli kankaalle. © Kenneth Noland
Yksinkertaisuuden syvyydet
Kenneth Noland katsoi ajoittain kuvanveistäjiin tutkiakseen värin abstraktia luonnetta. Erityisesti kuvanveistäjä David Smith innoitti häntä, ja Noland teki toisinaan yhteistyötä kuvanveistäjä Tony Caron kanssa, maalaten tämän veistoksia niiden valmistuttua. Hän teki tämän puhtaasti uteliaisuudesta ja kokeilun hengessä. Hän ei osannut tarkasti ilmaista, mitä toivoi löytävänsä tai mitä tällaiset kokeilut tarkoittivat. Hän sanoi: ”Meillä on tapana vähätellä paljon elämän merkitystä, joka on sanaton. Väri voi välittää koko kirjon mielialoja ja ilmaisua, elämänkokemuksia ilman, että niille tarvitsee antaa kuvailevia tai kirjallisia ominaisuuksia.”
Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland
Kuvassa: Kenneth Noland - April (yksityiskohta), 1960. Akryyli kankaalle. 16 x 16 tuumaa. © Kenneth Noland
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Phillip Barcion kirjoittama
