Georg Herold ja Loistava Länsi Kunstmuseum Bonnissa
Useimmat ihmiset luultavasti luokittelisivat Georg Heroldin niin sanotun ”vanhemman polven” jäseneksi. Hän on kuitenkin 70-vuotias. Ja itse asiassa seitsemän vuotta sitten Kunstmuseum Bonn antoi Heroldille virallisesti tämän epäonnisen ja jokseenkin merkityksettömän leiman, kun he sisällyttivät hänet kunnianhimoiseen ryhmänäyttelyyn nimeltä The Luminous West. Näyttelyssä oli esillä 33 taiteilijan teoksia, jotka kaikki olivat kotoisin Saksan Reininmaan / Pohjois-Rein-Westfalenin alueelta. Näyttelyn tavoitteena oli luoda yhtenäinen näkemys tämän Saksan osan esteettisestä perinnöstä ja yhdistää se ennakoivaan tarkasteluun siitä, mitä alueen tulevaisuus voisi tuoda tullessaan. Tämän monumentaalisen tehtävän toteuttamiseksi museo otti käyttöön ainutlaatuisen kuraattorisen lähestymistavan. Ensiksi he antoivat viisihenkiselle akateemiselle tiimilleen tehtäväksi valita 19 taiteilijaa, jotka edustivat heidän sanoin ”vanhempaa sukupolvea.” Tiimi aloitti alueen niin kutsutusta ”historiallisesta ytimestä”, johon kuului viisi taiteilijaa: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter ja Blinky Palermo. Sen jälkeen he valitsivat 14 muuta ”vanhempaa” taiteilijaa, joukossa Georg Heroldin. Seuraavaksi museo kutsui nämä niin sanotut ”vanhemmat” taiteilijat, tai ainakin ne, jotka olivat vielä elossa, suosittelemaan taiteilijoita ”nuoremmasta sukupolvesta”, joiden teoksia he katsoivat ansaitsevan paikan näyttelyssä. Koska Herold oli tuolloin 63-vuotias, ei ehkä ole loukkaus, että hänet valittiin vanhemman sukupolven edustajaksi. Silti jokin tässä nimityksessä tuntuu väärältä. Ei ole kovin kauan siitä, kun Herold oli aivan uusi tulokas. Ja vielä tänäkin päivänä hänen työnsä on kiehtovaa, tuoretta, nokkelaa, kunnioituksetonta ja provosoivaa – monissa tapauksissa paljon enemmän kuin niiden kronologisesti nuorempien taiteilijoiden, jotka väitetysti edustivat tulevaisuutta The Luminous West-näyttelyssä. Tämä tosiasia tulee terävästi esiin uudessa Georg Heroldin monografisessa näyttelyssä, joka on parhaillaan esillä samassa tilassa, Kunstmuseum Bonnissa. Työ on edelleen dynaamista ja edustaa kärjessä olevaa taidetta. Se saa minut pohtimaan, pitäisikö biologisen iän olla ainoa mittari ”vanhuudelle” taiteessa. Kuten Herold osoittaa, parhaat ideat ja voimakkaimmat teokset syntyvät joskus ajan myötä, ja aiemman työn koko merkitys ja potentiaali paljastuvat lopulta.
Myöhäinen tulokas
Georg Herold syntyi vuonna 1947 Jenassa, Saksassa, yliopistokaupungissa, jossa asuu noin 100 000 ihmistä. Hänen varhainen koulutuksensa oli seppäoppilaana, minkä jälkeen hän meni yliopistoon ja alkoi opiskella vakavasti taiteilijaksi. Hän opiskeli ensin Halleen taide- ja muotoiluyliopistossa, lähellä kotiseutuaan. Sitten hän muutti maan eteläosaan, Müncheniin, jossa hän kävi Taideakatemiassa vuosina 1974–1976. Seuraavaksi hän suuntasi pohjoiseen Hampuriin, jossa hän opiskeli Sigmar Polken johdolla Taideyliopistossa vuosina 1977–1981. Hampurissa Herold tutustui useisiin muihin opiskelijataiteilijoihin, joista tunnetuimpia olivat Martin Kippenberger ja Albert Oehlen, jotka olivat jo alkaneet tehdä nimeä punk-henkisellä taiteen tekemisellään.
Yhdessä näiden uusien villien kanssa Herold sai lempinimen yhtenä 1980-luvun saksalaisen taidekentän nousevista ”pahiksista”. Kun hän valmistui yliopistosta, Herold oli 34-vuotias. Siitä huolimatta häntä pidettiin osana uutta, nuorta ja röyhkeää sukupolvea. Yksi ”pahiksista” ei selvinnyt pitkään. Kippenberger kuoli vuonna 1997 44-vuotiaana, mutta lyhyen uransa aikana hän vaikutti valtavasti taidemaailmaan ja uudisti lähes yksin käsityksen nykytaiteilijasta. Oehlen on yhä aktiivinen taiteilijana ja opettajana. Hänen abstraktit maalauksensa ovat rakastettuja, ja hänen prosessitutkimuksensa ovat osoittautuneet erittäin vaikutusvaltaisiksi nouseville taiteilijasukupolville. Ja sitten on Herold, vanhin ”pahiksista”. Hän kypsyi hitaimmin ja on jossain määrin vastustanut luokittelua pisimpään. Kuten hän kerran sanoi: ”aion saavuttaa tilan, joka on monitulkintainen ja sallii kaikenlaiset tulkinnat.” Tavoitteensa mukaisesti hänen tuotantonsa kieltäytyy kaikesta luokittelusta, eikä yksikään sen teos ole vielä saanut onnistunutta diagnoosia.
Georg Herold - Nimetön (Kaviaari), 1990, kaviaari, lakka, muste kankaalle, 80 × 109,9 cm, valokuva: Magenta Plains, New York
Jämäkkyyttä
Ensimmäinen teos, josta Georg Herold muistetaan, oli ohut puulista, rakennustyömaalla käytettäväntyyppinen, seinään ruuvattu. Hän kutsui teosta Präsentation der ersten Latte, eli Ensimmäisen listan esittelyksi. Teos valmistui vuonna 1977, kun hän oli vielä koulussa, osana Sigmar Polken opettamaa kurssia. Teos oli muodollisesti kiistaton. Se edusti viivaa ja muotoa. Kolmiulotteisena esineenä seinällä se haastoi maalaamisen ja veistoksen roolit. Se oli sekä minimalistinen että käsitteellinen. Sen nimi vihjasi juhlallisuuteen. Sen materiaalihistoria viittasi siihen, että se oli osa jotakin suurempaa tulevaa kokonaisuutta. Sen status löydettynä esineenä toi mieleen Marcel Duchampin ja Robert Rauschenbergin. Mutta siinä oli myös jotain leikkisää ja ehkä hieman absurdiakin.
Ajan myötä tämän ensimmäisen teoksen nimi osoittautui ennustavaksi. Herold on yhä uudelleen palannut rakennuslistojen materiaaliin. Hän on käyttänyt niitä suuremmissa veistoksissa, ripustanut niitä seinälle eri kokoonpanoissa, käyttänyt niitä maalausten ja muiden teosten tukena sekä raaka-aineena sarjassa vaikuttavia, hahmollisia veistoksia. Näiden muotojen rakentamisessa Herold sitoo rakennuslistat yhteen langalla ja ruuveilla. Hän venyttää kankaan sidottujen tikkujen päälle luodakseen eräänlaisen kotelon ihmisen muodon ympärille. Hän antaa kankaan kuivua ja kutistua ajan myötä, sitten maalaa ja lakkaa muodon. Joissain tapauksissa hän tekee muodoista rajoitetun erän pronssivaloksia. Kun nämä hahmolliset muodot nähdään yhdessä hänen varhaisen työnsä kanssa Sigmar Polken kurssilla, ne ovat runollisia syvällisten merkitysten potentiaalissaan. Mutta ilman tietoa niiden materiaalista olemuksesta niiden läsnäolo herättää monenlaisia tunteita kärsimyksestä aistillisuuteen. Ne ovat sekä inhimillistäviä että epäinhimillistäviä ja kutsuvat esiin lukuisia tulkintoja tanssikuvista kuviin kuolemasta.
Georg Herold - Nimetön, 2011, listat, kangas, lakka, lanka ja ruuvit, 115 x 510 x 65 cm, kuva © Saatchi Gallery, kaikki oikeudet pidätetään
Kaviaaria ja tiiliä
Toinen Heroldin tunnettu teossarja on maalauksia, joissa kalanmäti on käytetty pääasiallisena aineena. Nämä abstraktit kaviaarimaalaukset ovat rauhallisia ja luonnollisia, muistuttaen korealaisia dansaekhwa-maalauksia. Ne ovat lähes yksivärisiä, kevyesti teksturoituja ja kauniita. Mutta juuri niiden materiaali herättää kysymyksiä. Niiden tekemiseen käytetyt miljoonat, ehkä miljardit kalanmätimunat tekevät niistä kirjaimellisia tappokenttiä. Ne voivat edustaa kirjaimellista hukattua potentiaalia. Toisaalta kaviaari on vain ruokaa, eikä edes välttämätöntä sellaista. Se on kallis ylellisyystuote. Näistä maalauksista voi keskustella paljon, mitä tulee niiden viestiin kaupasta, taiteesta ja hyväksikäytöstä. Toisaalta ehkä niistä ei ole mitään sanottavaa. Ehkä ne ovat vain kauniita maalauksia.
Georg Herold - Nimetön, 2011, kaviaari (numeroitu), akryyli, lakka kankaalle, 2 osaa, kumpikin 350 x 203 cm, kuva: Galerie Bärbel Grässlin
Toinen materiaali, johon Herold usein palaa, on tiilet. Hän kiinnittää tiilet suoraan maalauksensa kankaan pinnalle. Tiilien paino vetää usein kangasta alaspäin, venyttäen sitä ja aiheuttaen ryppyjä ja aaltoilua kankaaseen. Näyttö on usein osittain tuhoutuneen taideteoksen kaltainen. Teoksissa on jännite, kun katsojat seuraavat ja pohtivat, putoaako tiilet lopulta. Nämä teokset vaikuttavat olevan onnettomuuksia odottamassa tapahtumistaan. Ne ovat myös kiehtovia tutkimuksia materiaalista, pinnasta, kolmiulotteisuudesta ja tilasta. Ne ovat hauskoja ja tavallaan jopa pilkallisia. Ne ovat myös ylevän monitulkintaisia. Niiden näyttämä ja kertoma eroavat suuresti toisistaan. Toisaalta ne ovat vain rakennelma, askel eteenpäin ensimmäisen listan esittelystä. Ennen kaikkea ne ovat tuoreita. Ne ovat jatkuva todiste siitä, että Georg Herold ei ole taiteilija, jota tulisi leimata osaksi mitään vanhempaa sukupolvea. Kunnioittavasti sanottuna, ei yksikään elävä taiteilija ole.
Georg Herold on esillä Kunstmuseum Bonnissa 7. tammikuuta 2018 asti.
Kuvassa: Georg Herold - Herrenperspektive (Miesten näkökulma), 2002, kattolistaveistos, lasi ja naru, 235 x 60 x 365 cm, kuva © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, kuva: Galerie Grässlin
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
