Georg Herold ja Loistava Länsi Kunstmuseum Bonnissa
Useimmat ihmiset luokittelisivat Georg Heroldin todennäköisesti niin kutsutun ”vanhemman sukupolven” jäseneksi. Hän on kuitenkin 70-vuotias. Itse asiassa seitsemän vuotta sitten Kunstmuseum Bonn leimasi Heroldin virallisesti tuolla valitettavalla ja jokseenkin merkityksettömällä nimikkeellä, kun se sisällytti hänet kunnianhimoiseen ryhmänäyttelyyn nimeltä The Luminous West. Näyttelyssä esiteltiin 33 taiteilijan teoksia; kaikki heistä olivat kotoisin Saksan Reininmaalta tai Nordrhein-Westfalenin alueelta. Näyttelyn tavoitteena oli muodostaa yhtenäinen näkemys tämän Saksan osan esteettisestä perinnöstä ja yhdistää se ennakoivaan tarkasteluun siitä, mitä alueen tulevaisuus saattaisi tuoda tullessaan. Tämän monumentaalisen tehtävän toteuttamiseksi museo omaksui ainutlaatuisen kuraattorillisen lähestymistavan. Ensin se antoi viisihenkiselle akateemiselle työryhmälle tehtäväksi valita 19 taiteilijaa, jotka edustivat heidän sanojensa mukaan ”vanhempaa sukupolvea”. Työryhmä aloitti alueen niin kutsutusta ”historiallisesta ytimestä”, johon kuuluivat viisi taiteilijaa: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter ja Blinky Palermo. Sen jälkeen he valitsivat vielä 14 ”vanhempaa” taiteilijaa, heidän joukossaan Georg Heroldin. Seuraavaksi museo pyysi näitä niin kutsuttuja ”vanhemman sukupolven” taiteilijoita – tai ainakin niitä, jotka olivat vielä elossa – suosittelemaan ”nuoremman sukupolven” taiteilijoita, joiden teokset heidän mielestään ansaitsivat paikan näyttelyssä. Koska Herold oli tuolloin 63-vuotias, ei ehkä vaikuta loukkaavalta, että Georg Herold valittiin vanhemman sukupolven edustajaksi. Silti nimityksessä on jotakin väärää. Ei ole kulunut kovin kauan siitä, kun Herold oli aivan uusi nimi taidekentällä. Hänen työnsä on edelleen kiehtovaa, tuoretta, nokkelaa, epäkunnioittavaa ja provosoivaa – monissa tapauksissa paljon enemmän kuin niiden kronologisesti nuorempien taiteilijoiden työ, joiden oletettiin edustavan tulevaisuutta The Luminous West -näyttelyssä. Uusi monografinen Georg Herold -näyttely, joka on parhaillaan esillä samassa paikassa, Kunstmuseum Bonnissa, tuo tämän tosiasian terävästi esiin. Teokset ovat edelleen dynaamisia ja edustavat edelleen taiteen eturintamaa. Se saa minut pohtimaan, pitäisikö biologisen iän todella olla taiteen ”vanhuuden” ainoa mittari. Kuten Herold osoittaa, parhaat ideat ja voimakkaimmat teokset syntyvät taiteilijasta joskus vasta ajan kuluessa, ja aiemman työn täysi merkitys ja potentiaali paljastuvat vasta silloin.
Myöhäinen tulokas
Georg Herold syntyi vuonna 1947 Jenassa Saksassa, noin 100 000 asukkaan yliopistokaupungissa. Hänen varhainen koulutuksensa oli sepän oppipoikana, minkä jälkeen hän opiskeli yliopistossa ja alkoi määrätietoisesti opiskella taiteilijaksi. Ensin hän opiskeli Hallen taide- ja muotoiluyliopistossa Hallen kaupungissa, lähellä kasvupaikkaansa. Sitten hän muutti maan eteläosaan Müncheniin, jossa hän opiskeli Kuvataideakatemiassa vuosina 1974–1976. Seuraavaksi hän suuntasi pohjoiseen Hampuriin, jossa hän opiskeli taideyliopistossa Sigmar Polken johdolla vuosina 1977–1981. Hampurissa Herold tutustui useisiin muihin taideopiskelijoihin, joista tunnetuimpia olivat Martin Kippenberger ja Albert Oehlen. He olivat jo alkaneet tehdä nimeä punk-henkisellä tavallaan tehdä taidetta.
Yhdessä näiden uusien villikkojen kanssa Heroldia alettiin kutsua yhdeksi 1980-luvun saksalaisen taidekentän esiin nousevista ”pahoista pojista”. Yliopistosta valmistuessaan Herold oli 34-vuotias. Siitä huolimatta häntä pidettiin uuden, nuoren ja röyhkeän sukupolven edustajana. Yksi ”pahoista pojista” ei elänyt pitkään. Kippenberger kuoli vuonna 1997 vain 44-vuotiaana, mutta lyhyen uransa aikana hänestä tuli taidemaailmassa valtavan vaikutusvaltainen, ja hän keksi lähes yksin uudelleen sen, mitä nykytaiteilijana oleminen tarkoitti. Oehlen toimii edelleen taiteilijana ja opettajana. Hänen abstrakteja maalauksiaan rakastetaan, ja hänen prosessia koskevat tutkimuksensa ovat osoittautuneet valtavan vaikutusvaltaisiksi uusille taiteilijasukupolville. Ja sitten on Herold, ”pahojen poikien” vanhin. Hän kypsyi taiteilijana hitaimmin ja on tavallaan vastustanut luokittelua pisimpään. Kuten hän kerran sanoi: ”Tarkoitukseni on saavuttaa tila, joka on monitulkintainen ja sallii kaikenlaiset tulkinnat.” Tälle tavoitteelle uskollisena hänen tuotantonsa uhmaa kaikkea luokittelua, eikä yhdenkään siihen kuuluvan yksittäisen teoksen merkitystä ole vielä onnistuttu määrittelemään tyhjentävästi.
Georg Herold – Nimetön (kaviaari), 1990, kaviaaria, lakkaa, mustetta kankaalle, 31 1/2 × 43 1/4 tuumaa, 80 × 109,9 cm, valokuva: Magenta Plains, New York
Pitkäjänteisyys
Ensimmäinen teos, josta Georg Herold muistetaan, oli seinään ruuvattu ohut rakennuksessa käytettävä puulista. Hän nimesi teoksen Präsentation der ersten Latte, eli ensimmäisen laudan esittelyksi. Teos valmistui vuonna 1977, kun hän oli vielä opiskelija, Sigmar Polken opettaman kurssin tehtävänä. Tiukasti muodollisesta näkökulmasta teos oli kiistaton. Se edusti viivaa ja muotoa. Seinälle ripustettuna kolmiulotteisena esineenä se haastoi maalauksen ja kuvanveiston roolit. Se oli yhtä aikaa minimalistinen ja käsitteellinen. Sen nimi viittasi johonkin seremonialliseen. Materiaalin historia vihjasi, että se oli osa jotakin suurempaa, joka oli vasta tulossa. Löydettynä esineenä sen asema toi mieleen Marcel Duchampin ja Robert Rauschenbergin. Mutta siinä oli myös jotakin leikkisää ja ehkä jotakin absurdia.
Ajan mittaan tuon ensimmäisen teoksen nimi osoittautui kuitenkin profeetalliseksi. Herold on palannut kerta toisensa jälkeen rakennuslautojen materiaaliin. Hän on käyttänyt niitä suuremmissa veistoksissa, ripustanut niitä seinälle erilaisiin kokoonpanoihin, käyttänyt niitä maalausten ja muiden teosten tukirakenteina sekä raaka-aineena aavemaisten figuratiivisten veistosten sarjassa. Näiden muotojen rakentamiseksi Herold sitoo rakennuslautoja yhteen langalla ja ruuveilla. Sitten hän pingottaa sidottujen puukappaleiden päälle kankaan, joka muodostaa ihmisen kehon ympärille eräänlaisen kotelon. Hän antaa kankaan kuivua ja kutistua ajan mittaan, minkä jälkeen hän maalaa ja lakkaa muodon. Joissakin tapauksissa hän valmistaa muodoista myös rajoitettuja pronssivaloksia. Kun näitä figuratiivisia muotoja tarkastellaan suhteessa hänen varhaiseen työhönsä Sigmar Polken kurssilla, ne ovat potentiaalisten merkitystensä syvyyden vuoksi runollisia. Mutta niiden materiaalista olemusta tuntemattakin niiden läsnäolo herättää monenlaisia tunteita kärsimyksestä aistillisuuteen. Ne ovat yhtä aikaa inhimillistäviä ja epäinhimillistäviä, ja kutsuvat esiin lukemattomia tulkintoja tanssin kuvista kuoleman kuviin.
Georg Herold – Nimetön, 2011, rakennuslista, kangas, lakka, lanka ja ruuvit, 115 × 510 × 65 cm, kuva © Saatchi Gallery, kaikki oikeudet pidätetään
Kaviaaria ja tiiliä
Toinen teoskokonaisuus, josta Herold on tullut tunnetuksi, on sarja maalauksia, joissa pääasiallisena materiaalina käytetään kalanmätiä. Nämä abstraktit kaviaarimaalaukset ovat rauhallisia ja luonnollisia, samaan tapaan kuin korealaiset dansaekhwa-maalaukset. Ne ovat lähes yksivärisiä, kevyesti teksturoituja ja kauniita. Mutta juuri niiden materiaali herättää kysymyksiä. Niiden valmistamiseen käytetyt miljoonat, ehkä miljardit kalanmunat tarkoittavat, että ne ovat kirjaimellisesti tappokenttiä. Ne saattavat edustaa kirjaimellisesti hukkaan heitettyä potentiaalia. Toisaalta kaviaari on vain ruokaa – eikä edes erityisen välttämätöntä ruokaa. Se on kallista ylellisyyttä. Näiden maalausten mahdollisesti välittämästä viestistä kaupankäynnistä, taiteesta ja hyväksikäytöstä voisi keskustella paljon. Toisaalta ehkä niillä ei ole mitään sanottavaa. Ehkä ne ovat vain kauniita maalauksia.
Georg Herold – Nimetön, 2011, kaviaaria (numeroitu), akryyliä ja lakkaa kankaalle, 2 osaa, kumpikin 350 × 203 cm, kuva Galerie Bärbel Grässlinin luvalla
Toinen materiaali, johon Herold palaa usein, on tiili. Hän kiinnittää tiiliä suoraan maalaustensa pingotettuihin kangaspintoihin. Tiilien paino vetää pintaa usein alaspäin, venyttää sitä ja muodostaa kankaaseen ryppyjä ja poimuja. Vaikutelma on usein osittain tuhoutuneesta taideteoksesta. Teokseen sisältyy jännite, kun katsojat tarkkailevat ja pohtivat, putoavatko tiilet lopulta. Nämä teokset vaikuttavat onnettomuuksilta, jotka vain odottavat tapahtumistaan. Ne ovat myös kiehtovia materiaalin, tekstuurin, ulottuvuuden ja tilan tutkimuksia. Ne ovat hauskoja ja tavallaan jopa pilkallisia. Ne ovat myös ylevän monitulkintaisia. Niiden meille näyttämän ja kertoman välillä on valtava kuilu. Toisaalta ne ovat vain rakennelma, jälleen yksi askel eteenpäin ensimmäisen laudan esittelystä. Ennen kaikkea ne ovat tuoreita. Ne osoittavat edelleen, ettei Georg Herold ole taiteilija, joka ansaitsisi tulla luokitelluksi minkään vanhemman sukupolven osaksi. Kunnioittavasti sanottuna yksikään elossa oleva taiteilija ei ansaitse sitä.
Georg Herold Kunstmuseum Bonnissa 7. tammikuuta 2018 asti.
Esittelykuva: Georg Herold – Herrenperspektive (Miesten näkökulma), 2002, kattorimoista, lasista ja nyöristä valmistettu veistos, 235 × 60 × 365 cm, kuva © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, valokuva: Galerie Grässlin
Kaikkia kuvia käytetään ainoastaan havainnollistamistarkoituksiin
Phillip Barcio
