Adolph Gottliebin tumma, abstrakti taide
Adolph Gottlieb oli yksi keskeisistä hahmoista 1900-luvun puolivälin abstraktiossa. Hänen maalauksensa ovat tunteellisia, niukkoja ja primitiivisiä, ja monet pitävät niitä tummina. Mutta Gottlieb näki itsensä pimeyden vastakohtana. Hän tunsi olevansa energinen, monimutkainen, intohimoisesti moderni ja joku, joka valaisi tietä taiteensa avulla kohti parempaa ihmiskunnalle. Hän syntyi New Yorkissa yhden ihmiskunnan myrskyisimmän aikakauden alussa, ja Gottlieb kypsyi ehdottomasti pimeydessä: sosiaalisen, poliittisen ja taloudellisen ahdingon aikana, jolloin yhteiskunnan tulevaisuus oli todellisessa, konkreettisessa mielessä kyseenalainen. On selvää, että ei vain hänen taiteestaan, vaan myös hänen kirjoituksistaan käy ilmi, että ensimmäisen maailmansodan, suuren laman ja toisen maailmansodan ahdistukset ja epäselvyydet vaikuttivat ehdottomasti hänen esteettiseen visioonsa. Mutta tämä esteettinen visio ei ollut vain surua tai tuhoa, kuten monet kriitikot ovat ehdottaneet. Se oli itse asiassa sellainen, jonka kautta Gottlieb pyrki yksinkertaisesti viestimään totuuden ihmisen sydämestä ja mielestä toiveikkaalla tavalla. Ehkä on väistämätöntä, että sellainen totuus, kuten Gottlieb sen käsitti, on sisällytettävä jonkin verran hulluutta ja kaaosta. Mutta laaja teos, jonka Gottlieb jätti jälkeensä kuollessaan vuonna 1974, sisälsi myös kauniita, rauhallisia, rauhallisia ja yleviä teoksia. Nämä paradoksaaliset monimutkaisuudet, jotka määrittivät hänen joskus kiistanalaisen maailmankatsomuksensa, johtivat lopulta Adolph Gottliebin uudelleen määrittelemään abstraktin taiteen ja johtivat oeuvrein luomiseen, joka vasta nyt alkaa saada tunnustusta todellisesta loistostaan ja valostaan.
Taiteilija sydämeltään
Adolph Gottlieb syntyi työväenluokkaiseen, maahanmuuttajaperheeseen New Yorkissa vuonna 1904. Verrattuna moniin muihin lapsiin, jotka kasvoivat tuolloin Lower East Sidella, hänelle tarjottiin valtava alku elämälle, sillä hänen vanhempansa rakensivat menestyvän paperitavarakaupan ja toivoivat voivansa siirtää sen hänelle jonain päivänä. Mutta jo nuorena hän tiesi varmasti, että ainoa asia, jota hän halusi olla, oli taiteilija. Hän oli niin varma tästä asiasta, että hän jätti koulun kesken 15-vuotiaana sitoutuakseen täysin taiteeseensa. Hän osallistui luennoille Art Students League -taidekoulussa, taiteilijoiden pyörittämässä instituutissa, jossa monet taiteilijat, jotka lopulta tulivat osaksi Abstraktin ekspressionismin liikettä, kävivät tunneilla. Ja sitten, vain 17-vuotiaana, Gottlieb lähti Eurooppaan, ansaiten matkansa työskentelemällä laivalla, joka suuntasi Ranskaan.
Hänen nuorekas usko kykyihinsä palkittiin ulkomailla, kun hän tutustui nopeasti Euroopan modernismin maailmaan. Verrattuna amerikkalaiseen taiteeseen 1920-luvulla, eurooppalainen taide tuolloin oli fantastisen kekseliästä. Hän sai vaikutteita fauvismista, kubismista, suprematismista, futurismista ja geometrisesta abstraktiosta. Hän vieraili museoissa ja osallistui kaikkiin ilmaiseksi tarjottuihin taidetunteihin, joita hän löysi. Ja kun hänen viisuminsa umpeutui, hän vietti lähes vuoden matkustellen ympäri Eurooppaa. Matkansa varrella hänestä tuli vakuuttunut siitä, että eurooppalaiset taiteilijat olivat yhteydessä johonkin tärkeään. Erityisesti hänestä tuli kiehtonut heimotaiteen leviävästä vaikutuksesta, suuntauksesta, joka inspiroi häntä hylkäämään amerikkalaisen figuratiivisen taiteen arkikielen etsiessään universaaleja merkityksiä muinaisista symboleista ja vuosisatoja vanhoista visuaalisista perinteistä.
Adolph Gottlieb - Musta roiske, 1967, Värisilkkipainatus, 31 1/8 × 23 1/8 tuumaa, 79.1 × 58.7 cm (Vasen) ja Lentävät viivat, 1967, Värisilkkipainatus, 30 × 22 tuumaa, 76.2 × 55.9 cm, valokuvaoikeudet Marlborough Gallery
Filosofi Taiteilija
Kun Gottlieb palasi New Yorkiin vuonna 1922, hän toi mukanaan tunteen omasta vastuustaan taiteilijana. Hän näki itsensä kulttuurinsa modernisoijana ja omaksui käsityksen siitä, että taiteilijoiden tulisi olla filosofeja ja sosiaalisen muutoksen toimijoita. Hän sai taidekoulutuksensa päätökseen, ja seuraavien vuosien aikana hänestä tuli ystävä muiden taiteilija/filosofien, kuten Mark Rothkon, Barnett Newmanin, David Smithin ja Milton Averyn, kanssa, joista jotkut tulisivat lopulta olemaan sukupolvensa kuuluisimpia amerikkalaisia taiteilijoita. Gottlieb ja hänen kumppaninsa olivat poikkeuksia. He olivat abstrakteja taiteilijoita, tai ainakin taiteilijoita, joiden teoksia tulkittiin abstrakteiksi, mutta he olivat myös innokkaita puhumaan julkisesti teostensa merkityksestä.
Tuolloin avantgarde-taiteilijoita, ja erityisesti abstrakteja taiteilijoita, ei ymmärretty Yhdysvalloissa, ja heitä ei todellakaan kunnioitettu laajalti – ei edes New Yorkissa. Monet kamppailivat puolustaakseen itseään ja arvoaan, ja erityisesti modernististen esteettisten ihanteiden arvoa. Mutta Gottlieb oli luonnollinen puolestapuhuja ja syntyjään viestijä. Hän oli poliittisesti ja sosiaalisesti sitoutunut, ja hän oli nopea puhumaan sen puolesta, mitä piti tärkeänä. Vuonna 1935 Gottlieb ja hänen ystävänsä Mark Rothko (silloin tunnettu nimellä Marcus Rothkowitz) laittoivat uskomuksensa käytäntöön perustamalla ryhmän nimeltä The Ten. Siihen kuuluivat Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg ja Yankel Kufeld. Avoimena protestina New Yorkin kuraattorikentän vallitseville suuntauksille The Ten näyttivät abstraktia työtään yhdessä, hyläten sen, mitä he kutsuivat "amerikkalaisen maalaustaiteen ja kirjaimellisen maalaustaiteen oletetuksi vastaavuudeksi."
Adolph Gottlieb - Punainen maaperä, öljy paperille kiinnitettynä kankaalle
Kuvat
Yksi ensimmäisistä edistysaskelista kohti kypsää abstraktia tyyliä, jonka Gottlieb lopulta kehitti, tapahtui 1940-luvun alussa hänen Pictograph-maalauksissaan. Nämä teokset olivat käytännössä yrityksiä luoda uusi symbolinen kuvakieli, joka voisi viestiä universaaleista tunteista ja tuntemuksista. Gottlieb käsitteli Pictograph-maalauksiaan siten, että niiden pinta oli tasoitettu, poistaen syvyyden ja minkäänlaisen illuusion, joka voisi liittyä niiden kuvastoelementteihin. Hän myös demokratiseerasi kaikki kankaan alueet ennakoivana viittauksena siihen, mitä pian alettiin kutsua "all-over"-maalaukseksi. Hänen Pictograph-teoksensa käyttivät raakuutta, joka muistutti lapsenomaisia merkintöjä, ja herättivät heimojen esteettisiä taipumuksia.
Tietyllä tavalla Gottlieb yritti luoda uudenlaista kuvakirjainta hieroglyfien tai kiinalaisten kanjien perinteessä. Mutta sen sijaan, että hän olisi yrittänyt viestiä tiettyjä kertomuksia, hän pyrki tiivistämään lausuntonsa olennaiseen. Sen sijaan, että hän olisi selittänyt viittauksensa myytteihin, hän yritti viestiä kollektiivisia inhimillisiä tunteita, jotka asuvat niiden ytimessä. Tämän tavoitteen saavuttamiseksi hän loi huolellisesti kuvia, jotka olivat täysin alkuperäisiä ja vapaita ulkoisista assosiaatioista, toivoen, että niiden universaali luonne ylittäisi ne mitättömät kulttuurierot, jotka pitivät ihmisiä eristyksissä.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, Öljy taiteilijalevylle, 29 1/4 × 23 1/4 tuumaa, 74.3 × 59.1 cm, valokuvauskrediitit Hollis Taggart Galleries, New York (Vasemmalla) ja Nimetön, 1949, Pastelli paperilla, 24 × 18 tuumaa, 61 × 45.7 cm, valokuvauskrediitit Berggruen Gallery, San Francisco (Oikealla)
Kuvitellut maisemat
Kun Gottlieb kehitti Piktogrammejaan, hän osallistui yksinkertaistamisprosessiin. Tämän prosessin kautta hän päätyi sarjaan teoksia, joita hän kutsui Kuvitteellisiksi maisemiksi. Toisin kuin Piktogrammeissa, jotka eivät korostaneet selkeästi mitään osaa kuvasta, Gottlieb erotti näiden maalauksien kuvapinnan kahteen erilliseen alueeseen horisonttiviivan avulla. Viivan alapuolella Gottlieb lisäsi piktografisia raapustuksia. Viivan yläpuolella hän lisäsi värillisiä geometrisia muotoja. Kuvitteelliset maisemat viittasivat hierarkkiseen suhteeseen näiden kahden kuvatyypin välillä. Alapuolella kuvataan alisteisena raapustava, emotionaalinen, monimutkainen ilmentymä inhimillisestä ahdistuksesta. Yllä leijuu yksinkertainen, suora ilmentymä universaalista puhtaudesta.
Kuviteltu maisema yksinkertaistui sitten edelleen siihen, mitä Gottlieb kutsui Purskeiksi maalauksiksi. Näissä teoksissa hän poisti horisonttiviivan, mutta säilytti alareunan raapustuksen ja yläosan yhtenäisen muodon. Purskeet hyödyntivät suuria värialueita ja yhdistivät värin elementin muodon elementtiin. Ne kutsuivat miettimään lähes pyhällä tasolla ja näyttivät viestivän symbioottisesta suhteesta jonkin korkeamman ja matalamman tietoisuuden välillä.
Adolph Gottlieb - Kuviteltu maisema, 1971, akvatinta väreissä, Fabriano-paperilla, täydellisin marginaalein, 26 3/10 × 32 1/2 tuumaa, 66.7 × 82.6 cm
Adolph Gottliebin perintö
Vuonna 1970 Gottlieb sai aivohalvauksen ja menetti vasemman puolen kehostaan. Hän jatkoi silti työskentelyä, luoden joitakin syvimmistä ja äärimmäisimmistä ilmaisumuodoista Burst-sarjassaan vain vuosi ennen kuolemaansa. Kun hänen elämänsä päättyi, hänet tunnettiin paitsi ainutlaatuisesta teoskokonaisuudestaan, myös vaikutuksestaan muiden töihin. Hänen filosofiansa olivat keskeisiä abstraktin ekspressionismin ideoille. Ja hänen esteettistä visiotaan pidetään vaikuttavana värikenttämaalausten ja minimalismin nousussa.
Mutta yhtä tärkeä kuin Adolph Gottliebin luomien maalauksien, veistosten ja grafiikoiden esteettinen perintö on hänen panoksensa laajempaan taiteelliseen yhteisöön, johon hän kuului – sellaiseen, joka ylittää muodolliset edistysaskeleet, sukupolvet ja liikkeet. Gottliebillä oli visio taiteilijasta, joka ei ole eristyksissä muusta yhteiskunnasta, vaan tiiviisti yhteydessä siihen. Hän uskoi taiteen potentiaaliin muuttaa sivilisaatiota, ja että on tärkeää keskustella esteettisistä ideoista avoimesti ja selkeällä kielellä, jotta ne voitaisiin ymmärtää kaikille. Hän havaitsi, että taiteilijat ovat olennaisia kulttuurin kyvylle ymmärtää itseään, ja työnsä kautta hän osoitti, että kaikilla taiteilijoilla on vastuu ilmaista aikansa hulluutta, kaaosta, loistetta, kauneutta, pimeyttä ja valoa.
Esittelykuva: Adolph Gottlieb -
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia.
Kirjailija: Phillip Park
