Adolph Gottliebin tumma, abstrakti taide
Adolph Gottlieb oli yksi keskeisistä hahmoista 1900-luvun puolivälin abstraktiossa. Hänen maalauksensa ovat tunteikkaita, niukkoja ja alkuperäisiä, ja monet pitävät niitä synkkinä. Mutta Gottlieb näki itsensä päinvastaisena synkkyydelle. Hän koki olevansa energinen, monimutkainen, intohimoisesti moderni ja joku, joka valaisi tietä taiteellaan kohti parempaa tulevaisuutta ihmiskunnalle. Syntynyt New Yorkissa yhtenä ihmiskunnan historian myrskyisimmistä ajoista, Gottlieb kypsyi ehdottomasti synkkyyden keskellä: aikana, jolloin yhteiskunnan tulevaisuus oli todellisessa, konkreettisessa mielessä vaakalaudalla sosiaalisten, poliittisten ja taloudellisten vaikeuksien vuoksi. On selvää, ei ainoastaan hänen taiteestaan vaan myös kirjoituksistaan, että ensimmäisen maailmansodan, suuren laman ja toisen maailmansodan ahdistukset ja epävarmuudet vaikuttivat hänen esteettisen näkemyksensä kehittymiseen. Mutta tämä esteettinen näkemys ei ollut pelkkää surua tai tuhoa, kuten monet kriitikot ovat ehdottaneet. Se oli itse asiassa näkemys, jonka kautta Gottlieb pyrki yksinkertaisesti välittämään totuuden ihmisen sydämestä ja mielestä toiveikkaalla tavalla. Ehkä on väistämätöntä, että sellainen totuus kuin Gottlieb sen näki, sisältää jonkin verran hulluutta ja kaaosta. Mutta laaja teoskokonaisuus, jonka Gottlieb jätti kuollessaan vuonna 1974, sisälsi myös kauneuden, rauhan, tyyneyden ja ylevyyden. Nuo ristiriitaiset monimutkaisuudet, jotka määrittelivät hänen joskus kiistanalaisen maailmankuvansa, johtivat lopulta Adolph Gottliebin uudelleenmäärittelemään abstraktin taiteen ja synnyttivät teoskokonaisuuden, joka vasta nyt alkaa saada tunnustusta todellisesta loistostaan ja valostaan.
Taiteilija sydämeltään
Adolph Gottlieb syntyi työväenluokkaiseen maahanmuuttajaperheeseen New Yorkissa vuonna 1904. Verrattuna moniin muihin Lower East Siden lapsiin tuohon aikaan hän sai suurenmoisen alun elämälleen, sillä hänen vanhempansa rakensivat menestyvän paperitavarakaupan ja toivoivat voivansa luovuttaa sen hänelle joskus. Mutta jo varhain hän tiesi varmasti, että hän halusi olla vain taiteilija. Hän oli niin varma tästä, että keskeytti koulun 15-vuotiaana omistautuakseen täysin taiteelleen. Hän osallistui luennoille Art Students League -taideoppilaitoksessa, joka oli taiteilijoiden ylläpitämä instituutio, jossa monet myöhemmin abstraktin ekspressionismin liikkeeseen kuuluvat taiteilijat kävivät kursseja. Ja sitten, vain 17-vuotiaana, Gottlieb lähti Eurooppaan, ansaiten matkarahansa työskentelemällä laivalla, joka suuntasi Ranskaan.
Hänen nuoruuden usko kykyihinsä kannatti ulkomailla, sillä hän tutustui nopeasti eurooppalaisen modernismin maailmaan. Verrattuna 1920-luvun amerikkalaiseen taiteeseen, eurooppalainen taide oli tuolloin uskomattoman kekseliästä. Hän tutustui fauvismiin, kubismiin, suprematismiin, futurismiin ja geometriseen abstraktioon. Hän kävi usein museoissa ja osallistui kaikkiin ilmaiseksi löytyneisiin taidekursseihin. Kun hänen viisuminsa päättyi, hän vietti lähes vuoden matkustellen ympäri Eurooppaa. Matkan varrella hän vakuuttui siitä, että eurooppalaiset taiteilijat olivat yhteydessä johonkin tärkeään. Erityisesti hän ihastui heimotaiteen leviävään vaikutukseen, mikä sai hänet hylkäämään amerikkalaisen kuvataiteen arkikielen ja etsimään universaaleja merkityksiä muinaisista symboleista ja vuosisatoja vanhoista kuvallisista perinteistä.
Adolph Gottlieb - Black Splash, 1967, värillinen silkkipainatus, 31 1/8 × 23 1/8 tuumaa, 79,1 × 58,7 cm (vasen) ja Flying Lines, 1967, värillinen silkkipainatus, 30 × 22 tuumaa, 76,2 × 55,9 cm, valokuvat Marlborough Gallery
Filosofi-taiteilija
Kun Gottlieb palasi New Yorkiin vuonna 1922, hän toi mukanaan tunteen omasta vastuustaan taiteilijana. Hän näki itsensä kulttuurinsa uudistajana ja omaksui ajatuksen, että taiteilijoiden tulisi olla filosofeja ja yhteiskunnallisen muutoksen toimijoita. Hän suoritti taideopintonsa loppuun ja seuraavien vuosien aikana ystävystyi muiden taiteilija-filosofien kanssa, kuten Mark Rothkon, Barnett Newmanin, David Smithin ja Milton Averyn kanssa, joista osa tulisi myöhemmin olemaan sukupolvensa kuuluisimpia amerikkalaisia taiteilijoita. Gottlieb ja hänen toverinsa olivat poikkeuksia. He olivat abstrakteja taiteilijoita, tai ainakin taiteilijoita, joiden teoksia tulkittiin abstrakteiksi, mutta he halusivat myös julkisesti keskustella teostensa merkityksestä.
Tuohon aikaan edistyksellisiä taiteilijoita, erityisesti abstrakteja taiteilijoita, ei Yhdysvalloissa ymmärretty eikä laajasti arvostettu – ei edes New Yorkissa. Monet kokivat vaikeuksia puolustaa itseään ja arvoaan, erityisesti modernististen esteettisten ihanteiden arvoa. Mutta Gottlieb oli luonnostaan puolestapuhuja ja syntynyt viestijä. Hän oli poliittisesti ja yhteiskunnallisesti aktiivinen ja puhui nopeasti puolesta, mitä piti tärkeänä. Vuonna 1935 Gottlieb ja hänen ystävänsä Mark Rothko (silloin tunnettu nimellä Marcus Rothkowitz) toteuttivat uskomuksensa perustamalla ryhmän nimeltä The Ten. Siihen kuuluivat Lou Schanker, Ilya Bolotowsky, Ben-Zion, Joe Solomon, Nahum Tschacbasov, Lou Harris, Ralph Rosenborg ja Yankel Kufeld. Avoimena protestina New Yorkin kuraattoripiirien vallitsevia suuntauksia vastaan The Ten näytteli abstrakteja teoksiaan yhdessä, hyläten sen, mitä he kutsuivat ”amerikkalaisen maalauksen ja kirjaimellisen maalauksen oletetuksi yhtäläisyydeksi.”
Adolph Gottlieb - Red Ground, öljy paperille kiinnitettynä kankaalle
Kuvakirjoitukset
Yksi ensimmäisistä edistysaskelista kohti Gottliebin lopulta kehittynyttä kypsää abstraktia tyyliä tuli 1940-luvun alussa hänen Pictograph-maalauksissaan. Nämä teokset olivat pohjimmiltaan yrityksiä luoda uusi symbolinen kuvakieli, joka voisi välittää universaaleja tunteita ja kokemuksia. Gottlieb hahmotteli Pictograph-maalauksensa siten, että niiden pinta oli tasoitettu, syvyys ja mikä tahansa illuusion tuntu, joka voisi liittyä niiden kuvaaviin elementteihin, poistettiin. Hän myös demokratisoi kankaan kaikki alueet ennakoiden sitä, mitä pian alettiin kutsua ”kaikkialle ulottuvaksi” maalaukseksi. Hänen Pictograph-teoksissaan oli raakaa, lapsenomaisia merkintöjä muistuttavaa ilmettä, ja ne herättivät heimoyhteisöjen esteettisiä taipumuksia.
Eräänlaisesti Gottlieb yritti luoda uuden kuvakirjaimiston hieroglyfien tai kiinalaisten kanjien perinteessä. Mutta sen sijaan, että hän olisi pyrkinyt välittämään tiettyjä kertomuksia, hän yritti tiivistää sanomansa olennaisimpiin osiin. Sen sijaan, että hän olisi selittänyt viittaamiaan myyttejä, hän pyrki välittämään niiden ytimestä kumpuavia yhteisiä ihmistunteita. Tämän tavoitteen saavuttamiseksi hän loi huolellisesti kuvia, jotka olivat täysin alkuperäisiä ja vapaita ulkopuolisista assosiaatioista, toivoen niiden universaalin luonteen ylittävän pienet kulttuuriset erot, jotka erottivat ihmisiä toisistaan.
Adolph Gottlieb - Pictograph, 1942, öljy taiteilijan levylle, 29 1/4 × 23 1/4 tuumaa, 74,3 × 59,1 cm, valokuvat Hollis Taggart Galleries, New York (vasen) ja Nimetön, 1949, pastelli paperilla, 24 × 18 tuumaa, 61 × 45,7 cm, valokuvat Berggruen Gallery, San Francisco (oikea)
Kuvitteelliset maisemat
Kun Gottlieb kehitti Pictograph-teoksiaan, hän kävi läpi yksinkertaistamisprosessin. Tämän prosessin kautta hän päätyi sarjaan teoksia, joita hän kutsui Imaginary Landscapes-maalauksiksi. Toisin kuin Pictographit, jotka eivät korostaneet selkeästi mitään yhtä osaa kuvasta, Gottlieb jakoi näissä maalauksissa kuvatason kahteen erilliseen osaan horisonttiviivan avulla. Viivan alapuolelle Gottlieb lisäsi kuvakirjoitusmaisia raapustuksia. Viivan yläpuolelle hän lisäsi värillisiä geometrisia muotoja. Imaginary Landscapes vihjasivat hierarkkiseen suhteeseen näiden kahden kuvatyypin välillä. Alisteisena kuvattiin raapustava, tunnepitoinen ja monimutkainen ihmisen ahdistuksen ilmaus. Yläpuolella leijui yksinkertainen, suora ilmaus universaalista puhtaudesta.
Imaginary Landscape yksinkertaistui edelleen siihen, mitä Gottlieb kutsui Burst-maalauksiksi. Näissä teoksissa hän poisti horisonttiviivan, mutta säilytti alhaalla olevan raapustuksen ja ylhäällä olevan yhtenäisen muodon. Burst-maalaukset käyttivät suuria väripintoja ja yhdistivät värin ja muodon elementit. Ne kutsuivat mietiskelyyn lähes pyhällä tasolla ja näyttivät välittävän käsityksen symbioottisesta suhteesta korkeamman ja alemman tietoisuuden välillä.
Adolph Gottlieb - Imaginary Landscape, 1971, värillinen akvatinttikaiverrus Fabriano-paperilla, täydelliset reunukset, 26 3/10 × 32 1/2 tuumaa, 66,7 × 82,6 cm
Adolph Gottliebin perintö
Vuonna 1970 Gottlieb sai aivohalvauksen ja menetti vasemman puolensa käytön. Hän jatkoi kuitenkin työskentelyä ja loi joitakin syvällisimmistä ja äärimmäisimmistä Burst-sarjan teoksistaan vain vuotta ennen kuolemaansa. Elämänsä päättyessä hänet tunnettiin paitsi ainutlaatuisesta teoskokonaisuudestaan myös vaikutuksestaan muiden töihin. Hänen filosofiansa olivat olennainen osa abstraktin ekspressionismin ajatuksia. Ja hänen esteettistä näkemystään pidetään vaikuttaneen värikenttämaalauksen ja minimalismin nousuun.
Mutta yhtä tärkeä kuin maalausten, veistosten ja vedosten esteettinen perintö, jonka Adolph Gottlieb loi 70-vuotisen elämänsä aikana, on hänen panoksensa laajempaan taideyhteisöön, johon hän kuului – siihen, joka ylittää muodolliset edistysaskeleet, sukupolvet ja liikkeet. Gottliebilla oli näkemys taiteilijasta ihmisenä, joka ei ole erillinen muusta yhteiskunnasta, vaan tiiviisti siihen kytkeytynyt. Hän uskoi taiteen mahdollisuuteen muuttaa sivistystä ja piti tärkeänä keskustella esteettisistä ajatuksista avoimesti ja selkokielellä, jotta ne olisivat kaikkien ymmärrettävissä. Hän näki taiteilijat välttämättöminä kulttuurin kyvyssä ymmärtää itseään, ja työnsä kautta hän osoitti, että kaikilla taiteilijoilla on vastuu ilmaista aikansa hulluutta, kaaosta, loistoa, kauneutta, pimeyttä ja valoa.
Kuvassa: Adolph Gottlieb -
Kaikki kuvat ovat vain havainnollistavia
Kirjoittanut Phillip Barcio
